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sdelbiombo. Una mirada artística al mundo

BREVÍSIMA HISTORIA DEL COLOR (Segunda Parte)

 

 

Julian Schnabel.

Tomado de elsindromechejov.blogspot.com/2007/01/cheever

 

Aquí puedes consultar la primera parte

 Con frecuencia decimos que si el aspecto externo de un objeto ha cambiado (su apariencia) es debido a la variación de la luz que lo ilumina, pero para ser conscientes de esa “modificación” en la apariencia, los cambios cualitativos de la luz deben ser bruscos y evidentes, ya que si no pasan inadvertidos para la gran mayoría de personas.   Algo que no ocurre con los pintores puesto que captan mejor los elementos que matizan cada color y son ellos los que tienen una gran capacidad para convertir los colores de superficie (permanentes) en colores de estímulo.

Esto lo saben muy bien los impresionistas para los cuales la luz captada en ambientes naturales se convierte en objeto central en sus composiciones 

 

 

Catedral de Rouen. Monet. Una serie en la que, desplazándose progresivamente, quería estudiar las variaciones de la luz en la fachada con el paso de las horas.

 

En el post-impresionismo Vincent Van Gogh con una pincelada muy pastosa, emplea colores agresivos y saturados para mostrar así el mundo hostil que percibe y Cezanne para quien “un cuadro no representa más que colores”, mezcla unos colores con otros para conseguir un todo armónico (sinestesia; la pintura como música)

 

 

El sembrador. Van Gogh.

Tomado de lasonceyonce.blogspot.com/

 

En el siglo XX surgen numerosas tendencias basadas en una forma de expresión más libre del artista. Algunas vanguardias como el Fauvismo (Matisse, Derain) darán mucha importancia al color (con su uso no se pretende representar la realidad sino generar relaciones con otros, al igual que Cezanne) y el Expresionismo (Munch, Kirchner) que combina la deformación en el dibujo y la utilización de colorido exagerado y distorsionado

 

 

El grito. Munch.

Tomado de miriadas.wordpress.com/.../una-soledad-asistida/

 

A partir de este momento somos conscientes de que en arte contemporáneo las formas de entender el significado del color son diferentes ya que aquí podemos encontrar desde intenciones simbólicas y emocionales (KANDINSKY. ,u experto en el estudio del color y para quien los colores representan estados anímicos) y en una línea parecida, Mondrian que también cree en el contenido espiritual de los colores (COMPOSICIÓN?) hasta el empleo puro del color en el expresinismo abstracto de los años 50 (MARK ROTHKO donde se elimina la forma y cuyas obras buscan emocionar al espectador, envolviéndole con colores representados en franjas, el color field).

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Mark_Rothko

 

Pollock, a través de la técnica de goteo de la pintura (dripping) crea una obra en la que no hay principio ni fin sino un recorrido continuo) Otra figura destacada es el artista  Yves Klein  (con influencia de Goethe) que aspira a la sensación de “absoluta espiritualidad” a través de obras monócromas de un azul especialmente intenso, el color IKB (International Klein Blue).

 

 

Sin embargo, no debemos pensar que el color es algo exclusivo de la pintura, pues en escultura también puede tener sobre nosotros unos efectos sorprendentes y esto donde mejor se puede ver es en la figura de Anish Kapoor, nacido en la India en 1954 y cuyo uso del color en sus obras hace introducirse al espectador en un mundo inmaterial donde la intensidad del pigmento puro esparcido sobre las formas de montaña le aporta un aspecto mágico que supone un verdadero deleite para los sentidos.

 

Tomado de Tomada de http://mollytate.wordpress.com/geometric

 

 

Mar San Segundo

1 comentario

Peter -

Magnífica página. Algunos de los artículos (tampoco leí muchos) son sencillos, bien explicados y enormemente didácticos.

Enhorabuena.