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Se muestran los artículos pertenecientes a Enero de 2010.

NAVIDADES MALAGUEÑAS 2009-2010

Una maravillosa decoración llena de encanto y elegancia, con unos medioambientales leds sobre estructuras de caña

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Imágenes: Vicente Camarasa

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01/01/2010 20:30. sdelbiombo #. Arte urbano No hay comentarios. Comentar.

LOS BELENES MALAGUEÑOS 2009 (Primera parte. Las cofradías)

 

Siempre atendemos a la escuela napolitana cuando hablamos de belenes pero olvidamos habitualmente que, mucho más cercanos, se encuentran los belenes andaluces. Esta escuela hunde sus raíces en nuestro siglo XVII y tiene como principales referentes a la Roldada y a su sobrino, Risueño.

 

 

Sus principales características entroncan con el mundo barroco-rococó de figuras idealizadas (en los principales personajes) o realistas en los secundarios, utilizando tanto la madera tallada (en imágenes de candelero que sólo realizan caras y manos, vistiéndolas después) como el barro cocido. Sin las exquisiteces napolitanas ni su sentido crítico muchas de las expresiones y gestos los vemos íntimamente relacionados con la imaginería pasionaria (Incluso se realizan figuras al tamaño natural que podrían ir perfectamente en un paso de Gloria)

 

 

Y es que mucha de su producción se encuentra íntimamente relacionada con el mundo imaginero y cofrade, siendo los mismos escultores de pasos los que realizan los belenes, como ocurre en la cofradía de Monte Calvario, en donde todas las figuras están realizadas por el escultor Antonio Eslava

 

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Aún más cercano a este mundo es el de la Cofradía de la Última Cena, que ha tomado imágenes de altar para reutilizarlas en el belén, como la magnífica Virgen central

 

 

La virgen dolorosa reconvertida en pastora

 

 

O esta exquisita Divina Pastora

 

 

O este ángel

 

 

Vicente Camarasa

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02/01/2010 20:12. sdelbiombo #. Belenes No hay comentarios. Comentar.

LOS BELENES MALAGUEÑOS 2009 (Segunda parte. El aparato escenográfico)

 Junto a los belenes cofrades, me sorprendieron otros más recientes que utilizaban un gran aparato escenográfico para colocar las figuras, con numerosas escenas por completo apócrifas pero llenas de encanto

Os pondré una muestra de ellos. Las primeras fotos corresponden al de la Catedral .

 

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Éstas son del Ayuntamiento

 

 

¡Un Cristobalón!

 

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¡El torero!

 

La antigua ley mosaica

 

Un verdadero Canova y su Venus Borguese

La matanza de los inocentes

 

O el espantapájaros

 

Vicente Camarasa

 

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03/01/2010 10:13. sdelbiombo #. Belenes Hay 2 comentarios.

UN ARQUITECTURA ROMANA COMENTADA. EL PANTEÓN DE AGRIPA

 

Templo dedicado a todos los dioses consagrado en el 27 a.C. y reconstruido por orden de Adriano hacia el 120 d.C por Apolodoro de Damasco. Roma.

 EL COMENTARIO, TRAS SU REVISIÓN TEXTUAL Y FOTOGRÁFICA SE ENCUENTRA ALOJADO AQUÍ

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05/01/2010 17:44. sdelbiombo #. Arte romano Hay 7 comentarios.

NUESTRO BELÉN. NAVIDADES 2009-2010

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Manualidades realizadas por Amparo Gómez-Rey

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07/01/2010 15:27. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 6 comentarios.

HACIA UNA INTERPRETACIÓN DE LAS MENINAS

Le echábamos de menos a nuestro Jesús Mazariegos, pero otra vez lo volvemos a tener en el blog para deleitarnos.

Muchas gracias por seguir con nosotros

Te necesitamos tanto

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Las_Meninas

 

(Basado en un artículo de Jonathan Brown)

 

¿Una escena intrascendente?

El cuado Las Meninas es considerado, desde hace tiempo, como una de las obras maestras del arte occidental. Para muchos es "el cuadro de los cuadros", el más alto exponente al que ha llegado la pintura. Al observarlo, enseguida surge la contradicción entre forma y contenido. Su gran tamaño y su insuperable técnica contrastan con lo intrascendente del argumento: un grupo informal de personas en el estudio del artista.

Esa tensión entre forma y contenido es la que justifica la irresistible fascinación que el cuadro ha ejercido sobre escritores y artistas. Críticos, eruditos, poetas, autores teatrales y filósofos, han intentado llegar a su esencia buscando una explicación definitiva de su significado. Actualmente no existe una respuesta completa ni segura a los enigmas que el cuadro ofrece.

Se sabe, desde hace tiempo, quiénes son sus personajes. Ya en 1724, Palomino había identificado a casi todas las personas que aparecen en el cuadro. En el centro del primer plano se encuentra la infanta Margarita María, atendida por dos damas de honor o meninas: la de la izquierda es María Agustina Sarmiento, quien ofrece agua a la Infanta en una jarrita de barro, la del otro lado es Isabel de Velasco. En el ángulo derecho están los enanos Mari Bárbola y Nicolás Pertusato. El plano medio lo ocupan doña Marcela de Ulloa, señora de honor, y un guardadamas sin identificar. Tras ellos, en la puerta abierta, está José Nieto, aposentador de la reina. Al lado izquierdo está Velázquez. En la pared del fondo, reflejados en el espejo, están los reyes Felipe IV y Mariana de Austria.

Los intentos de comprensión de la escena se pierden en un bosque de especulaciones. Nadie se pone de acuerdo sobre qué hacen las figuras y por qué razón se ha formado el grupo. En el inventario de 1666, el cuadro se titula “Su alteza la Emperatriz con sus damas y un enano”. En 1734 se le menciona como “La familia del rey Felipe IV”.  En 1843 recibió en nombre de “Las Meninas” cuando Pedro de Madrazo lo incluyó así en el catálogo del Museo del Prado.

 

Una intención muy especial

A finales del siglo XIX el cuadro se interpretaba como una pintura de género de inigualable espontaneidad y verosimilitud, es decir, como una instantánea de la vida de palacio captada por un agudo observador y comparable a una fotografía. En 1949 Charles Tolnay publicó un artículo en el que ofrecía una lectura de Las Meninas como alegoría de la creación artística, donde el pintor ha puesto especial énfasis en plasmar el proceso espiritual y subjetivo de la creación artística. Esta vía de interpretación es la que ahora se sigue, pero insistiendo en la importancia que se da al status social del arte de la pintura.

No hay duda de que Velázquez quiso hacer una pintura fuera de lo ordinario, con una clara voluntad de maravillar al espectador. El tamaño, la compleja composición y la insuperable técnica, son signos que denotan una deliberada voluntad de crear una pieza muy especial. Entonces ¿qué esperaba Velázquez demostrar con tan prodigiosa exhibición de talento?

Volviendo a mirar el cuadro, ¿qué es lo que sucede dentro de él? El análisis del argumento arranca de una de las cualidades más llamativas de la obra: la sensación de movimiento paralizado que se deduce de las actitudes y miradas de los personajes, así como la mirada que dirigen hacia fuera tres de las figuras. El grupo de personas del interior del cuadro es interrumpido por algo que sucede fuera de los límites del cuadro.

La acción se desarrolla del modo siguiente. La Infanta ha venido a ver trabajar al artista y, en algún momento, ha pedido agua que ahora le ofrece la dama arrodillada de la izquierda. En el momento en que ésta le acerca a la princesa una pequeña jarra, el rey y la reina entran en la habitación, reflejándose en el espejo de la pared del fondo. Una a una, aunque no simultáneamente, las personas congregadas comienzan a reaccionar ante la presencia real. La dama de honor de la derecha, que ha sido la primera en verlos, comienza a hacer la reverencia. Velázquez ha notado también su aparición y detiene su trabajo con un gesto como si fuera a dejar la paleta y el pincel. Mari Bárbola también acaba de percatarse de la presencia de los reyes pero todavía no ha tenido tiempo de reaccionar. La princesa, que ha estado viendo cómo Nicolás Pertusato jugaba con el perro, mira de repente hacia la izquierda, en dirección a sus padres, aunque su cabeza aún está vuelta en dirección al enano. Esta es la razón del extraño efecto de dislocación entre la posición de la cabeza y la dirección de su mirada. Finalmente, Isabel de Velasco, ocupada en servir agua a la princesa, no se ha dado cuenta de la presencia de los monarcas. Lo mismo le ocurre a la dama de honor, en conversación momentánea con el guardadamas, el cual, por su parte, sí acaba de percatarse.

 

La presencia real

La llegada de los reyes no sólo aclara el efecto de instantaneidad y aclara las actitudes de las figuras, sino que, además, confirma el hecho de que el espejo de la pared del fondo refleja a las personas del rey y la reina. Los reyes, pues, están físicamente presentes en la habitación, hecho que Velázquez subraya convirtiéndolos en catalizadores de la acción. Todos los ojos se fijan o están a punto de fijarse en Felipe IV y su esposa. El atavío y la actitud del aposenta­dor de la reina también nos confirma la presencia real, pues, según la etiqueta de la corta, el aposentador tenía que estar  "al servicio de Su Majestad, con capa pero sin espada ni sombrero, para abrir las puertas según se le ordene. José Nieto está con el sombrero en la mano izquierda y la capa echada sobre los hombros, de pie frente a la puerta que acaba de abrir y por la que, enseguida, van a pasar el rey y la reina. Así pues, Velázquez nos ha proporcionado numerosas, aunque sutiles, indicaciones de cuál es el factor crucial de la pintura: la epifanía real.

A pesar de la apariencia intrascendente, lo que Velázquez nos muestra es un suceso verdaderamente extraordinario. No se conoce ninguna pintura anterior en la que se haya representado juntos a un monarca vivo y a un pintor en plena tarea. Por supuesto, Velázquez nos muestra al rey y a la reina indirecta­mente, por cortesía de su elevada posición. Igualmente, por razones de decoro, Velázquez no ha utilizado para la escena la habitación que usaba como estudio sino una mayor y más solemne.

La presencia de un monarca en el estudio de un pintor constituye un tópico tradicional de la teoría artística. Ya Plinio, en su Historia Natural, se refiere a que Alejandro Magno hacía frecuentes visitas al estudio de Apeles, al que concedió el privilegio exclusivo de pintar su retrato. Estas noticias de Plinio, muchos siglos más tarde, serían utilizadas como argumento en un debate teórico de la mayor importancia: la afirmación de que la pintura es un arte liberal y noble. En consecuencia, los pintores son verdaderos artistas con derecho a disfrutar de las ventajas de una elevada posición social.

En su batalla por conseguir que la pintura fuese aceptada como arte liberal, los teóricos utilizaron a menudo como arma las famosas relaciones entre Alejandro y Apeles. El argumento empleado era el siguiente: un arte favorecido por los reyes debía ser, ipso facto, un arte noble, pues un rey solamente honraría con su presencia y favorecería una actividad digna de su propia y exaltada condición. En consecuencia, la presencia del soberano ennoblecería el arte.

 

Dignidad y nobleza de la pintura

La batalla por la dignificación de la pintura había comenzado en Italia en el siglo XV y cosechó sus primeros triunfos en el siglo XVI. Un hito importante en este proceso se produjo en 1533, cuando Ticiano fue nombrado Caballero de la Espuela de Oro y Conde Platino por Carlos V. En la cédula de su nombra­miento se hace expresa mención del precedente de Alejandro y Apeles:  "Tus dotes como artista y tu genio para retratar personas del natural nos parecen tan grandes que mereces ser llamado Apeles de nuestro tiempo. Siguiendo el ejemplo de nuestros predecesores, Alejandro Magno y Octavio Augusto, de los que el primero sólo quiso ser pintado por Apeles y el segundo sólo por los más hábiles maestros, Nos hemos sido pintado por ti y has demostrado tan bien tu habilidad que nos ha parecido conveniente distinguirte con honores imperiales, como muestra de la estima en que te tenemos y para que sirva de memoria a la posteridad”.

Velázquez, que había viajado por Italia y que poseía un ejemplar de Plinio además de numerosos tratados italianos en defensa de la pintura, tenía que conocer bien estos hechos. Por otro lado, había recibido su formación en el taller de uno de los máximos defensores españoles de la dignidad de la pintura, su suegro, Pacheco. En diversos pasajes de Arte de la pintura, escrito por Pacheco, el autor se dedica a mostrar la nobleza de la pintura como arte liberal, echando mano de la anécdota del monarca que visitaba en el estudio a su pintor favorito. En el capítulo sexto del Libro Primero, titulado  De las honras favores que han recibido los famosos pintores de los grandes príncipes y monarcas del mundo, Pacheco insiste en la leyenda de Alejandro y Apeles y aduce el ejemplo moderno de Ticiano y Carlos V. El capítulo octavo del Arte de la pintura, lo titula  "De otros famosos pintores desde tiempo favorecidos con particulares honras por la pintura" y aduce ejemplos de artistas modernos que recibieron favores de príncipes y reyes, no dudando en escoger a su yerno Velázquez, situándolo a la par con los grandes pintores del pasado que habían recibido el mecenazgo y la amistad de los monarcas: no es creíble la liberalidad y agrado con que es tratado de un tan gran Monarca (Felipe IV), tener obrador en su galería y Su Majestad llave de él, y silla para verle pintar despacio casi todos los días.

Estas referencias nos proporcionan un amplio contexto para la interpretación de Las Meninas: en el lienzo vemos a Velázquez interpretando el papel de Apeles y a Felipe IV el de Alejandro. El paralelo resulta exacto porque Velázquez, al igual que Apeles, poseía el derecho exclusivo de retratar a su soberano. La conclusión es que Las Meninas puede ser considerado como el documento de unas relaciones excepcionales entre Velázquez y Felipe IV, relaciones que avalan la nobleza del arte pictórico.

 

En el propio cuadro hay muchas claves que ayudan a descifrar el gran jeroglífico que es Las Meninas, como la llave que Velázquez lleva en el cinturón, la temática de los cuadros de las paredes y el hecho de que fueran copias, la importancia de la perspectiva y de las matemáticas como cosa mental y no “manual” el tamaño casi natural de la obra, que permite al rey verla con absoluta propiedad, reflejándose en el espejo, etc.

La propia vida de Velázquez, la marginación que sufre en la corte por el hecho de ser pintor y su lucha por llegar a ser caballero, cosa que sólo conseguirá por la intervención directa del rey, es otra clave fundamental para entender el cuadro no sólo como proclamación de la nobleza de la pintura sino como afirmación de la posición en la corte del propio Velázquez.

En gran enigma es saber qué es lo que Velázquez está pintando. La tesis tradicional (al margen de la interpretación que se ha explicado aquí) es que está retratando a los reyes, aunque el bastidor parece demasiado grande para un retrato. Julián Gállego dice que Velázquez está pintando, precisamente, Las meninas, con lo que se alcanzaría un complicado juego conceptual digno de la mente del pintor, y con lo que la interpretación anterior se cerraría con absoluta coherencia: Velázquez está proclamando la nobleza de la pintura y su propia nobleza, y lo hace delante del rey, lo que quiere decir que el propio rey avala y respalda con su presencia tal manifiesto.

La pintura es noble porque está al servicio del monarca; y el monarca conoce y respalda esta afirmación.

 

Jesús Mazariegos

 

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08/01/2010 20:05. sdelbiombo #. Velázquez Hay 3 comentarios.

LA ESCUELA DE CHICAGO. EL ORIGEN DEL RASCACIELOS

 Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2009/06/louis-sullivan-en-nueva-york.html

 

1871. Un pavoroso incendio asola Chicago, uno de los mayores mercados de la carne de todo el mundo.

Ante el desastre, la mentalidad pragmática americana busca rápidas soluciones. Se necesitan construcciones que eviten las vigas de madera (como forma de oponerse a nuevos incendios) y una manera de mayor edificabilidad (que permita más alturas ante el precio tan alto del suelo)

Frente a estas necesidades, la potente industria siderúrgica de los Grandes Lagos y la tradición europea de la arquitectura del hierro y el cristal, darán la solución: el rascacielos.

 

Fue Le Baron Jenney quien dio con la clave a través de su estructura de pilares y vigas de metal (posteriormente recubiertos con cemento) que serán el verdadero esqueleto del edificio

 

 

Tomado de www.hispago.com/arquitectura/escuela-de-chicago

 

Gracias a este esqueleto todo podrá cambiar.

Mirad esta foto (moderna) de un edificio actual en construcción y os daréis cuenta de la revolución arquitectónica que supone este modelo. Todo el peso es sustentado por el entramado de vigas (en la actualidad suelen ser de hormigón armado) y las paredes se convierten en puros cerramientos sin valor estructural (ya no sujetan, son los llamados muros-cortina)

 

 

Gracias a ello se pudieron abrir muchas más ventanas, eligiendo para ello un sistema regular o modular (repetir sistemáticamente el mismo modelo, como ocurre en las casas actuales)

 

 

Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2007/04/la-escuela-de-chicago.html

 

Pero además de las fachadas, el nuevo sistema permitió otra gran novedad: la planta libre. Los muros interiores ya no tienen que repetirse planta por planta, sino que (como realmente no sujetan) se pueden adaptar a las necesidades de cada una de ellas (creando espacios diáfanos para salas de reuniones o centros comerciales, parcelados para despachos o casas…)

Esto será fundamental para la futura arquitectura funcional (la función hace la forma de Le Corbusier, Mies van der Rohe, Meyer…)

 

Casa Saboya. Le Corbusier

Tomado de intro0o.blogspot.com/

 

Pero no deberíamos olvidar que aún nos encontramos en el siglo XIX, y pese a la mentalidad americana de lo práctico, aún la arquitectura quiere resultar bella. No nos debemos extrañar que nos aparezcan ideas que nos recuerdan a los historicismos europeos: como la idea del almohadillado que se recoge del renacimiento y los palacios italianos del Quattrocento, como en esta obra de Sullivan

 

Tomado de cv.uoc.edu/.../percepcions/perc100.html

 

Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2009/06/louis-sullivan-en-nueva-york.html

 

O la idea de concebir el rascacielos como una gigantesca columna: con basa, fuste y un capitel superior que sería la cornisa superior, como en esta obra de Burnham

 

 

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/16978.htm

 

O la decoración vegetal típica del modernismo.

 

Para saber más

http://aprendersociales.blogspot.com/2007/04/la-escuela-de-chicago.html

http://aprendersociales.blogspot.com/2009/06/louis-sullivan-en-nueva-york.html

cv.uoc.edu/.../percepcions/perc100.html

www.hispago.com/arquitectura/escuela-de-chicago

 

Vicente Camarasa

 

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11/01/2010 10:37. sdelbiombo #. Arquitectura XIX Hay 2 comentarios.

LAS JAPONERÍAS Y EL POSTIMPRESIONISMO

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Gauguin

 Hace unos días Ana ha publicado en su blog un ESPLÉNDIDO ARTÍCULO sobre la influencia que tuvieron los grabados japoneses en el arte impresionista y postimpresionista. Muy visual, comparándonos cuadros de unos y otros. En él encontraréis motivos, formas de componer, la importancia de la silueta…

 

Ante tamaño artículo a uno le quedan muy pocas cosas que añadir, y sólo me gustaría hacer una pequeña reflexión sobre el espacio que sirva, sobre todo, de pequeño homenaje a quien nos está enseñando tanto durante los dos últimos años.

Si os fijáis en la foto que abre el post os daréis cuenta de que, además de la linea sinuosa (de la que también habla en su artículo Ana) hay una espectacular forma de concebir el espacio, tan atrevida que apenas si sabemos situar bien el punto de vista.

Esta nueva manera espacial será fundamental tanto  para los impresionistas, que picarán sus cuadros, como este ejemplo extremo de Monet

 

 

Tomado de

http://web.educastur.princast.es/ies/arzobisp/Alumnos/HISTORIA/arte/diapos.html

 

Como para los posimpresionistas.

Especialmente Gauguin y Cezanne se empeñarán en una batalla por reducir el espacio de cielo, y lo harán tomando puntos de vista angulados que terminarán por generar una especie de espacio apilado, en vertical, que adelanta ciertas ideas del cubismo. Fijaros en estos ejemplos.

 

 

 

Cezanne

 

 

 Gauguin

 

Imágenes postimpresionistas tomadas de http://es.wikipedia.org

 

Vicente Camarasa

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12/01/2010 16:57. sdelbiombo #. De MANET a VAN GOGH No hay comentarios. Comentar.

EL MUNDO DEL ROMÁNICO: LOS QUE LUCHAN, LOS QUE REZAN Y LOS QUE TRABAJAN. Adalberon De Laon

Ahora que hemos empezado a trabajar el feudalismo es muy interesante que conozcáis un texto que vamos a ver mucho en clase. Lo escribió un monje en el siglo X y nos habla de los tres tipos de personas que existen en este momento.

Leedlo despacio y comprenderéis lo que hemos estado viendo en clase

 

El orden eclesiástico no compone sino un sólo cuerpo. En cambio la sociedad está dividida en tres ordenes. Aparte del ya citado, la ley reconoce otras dos condiciones: el noble y el siervo que no se rigen por la misma ley. Los nobles son los guerreros, los protectores de las iglesias. Defienden a todo el pueblo, a los grandes lo mismo que a los pequeños y al mismo tiempo se protegen a ellos mismos. La otra clase es la de los siervos. Esta raza de desgraciados no posee nada sin sufrimiento. Provisiones y vestidos son suministradas a todos por ellos, pues los hombres libres no pueden valerse sin ellos. Así pues la ciudad de Dios que es tenida como una, en realidad es triple. Unos rezan, otros luchan y otros trabajan. Los tres órdenes viven juntos y no sufrirían una separación. Los servicios de cada uno de estos órdenes permite los trabajos de los otros dos. Y cada uno a su vez presta apoyo a los demás. Mientras esta ley ha estado en vigor el mundo ha estado en paz. Adalberon De Laon, (a.998).

 

 

Como cada uno de vosotros ocupa un puesto determinado, os he puesto unas imágenes románicas para que os busquéis

 

Nobles luchando en Estella. Los que mantienen el poder militar y gran parte del económico

Tomado de www.sasua.net/estella/articulo.asp?f=escudo

 

 

El clero que acompaña a la nobleza, el que reza y controla ideológicamente la sociedad gracias al miedo.

Tomado de www.1romanico.com/004/foto1.asp?CODF=00004963

 

Y por fin los campesinos no privilegiados trabajando la tierra para mantener el sistema

Tomado de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=5&jera_id=71&page_id=188

 

Para saber más una magnífica página

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=5&jera_id=71&page_id=188

 

Vicente Camarasa

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14/01/2010 14:49. sdelbiombo #. ROMÁNICO No hay comentarios. Comentar.

CHEMA COBO Out of frame.

Panorámica

 

Pude ver esta exposición en el CAC de Málaga, un museo verdaderamente arriesgado en sus producciones, con un criterio amplio pero riguroso que tanta envidia da cuando uno lo lee en los culturales.

Yo no conocía al autor más que por alguna obra suelta y me fascinó su evolución y coherencia.

 

La promesa

 

Me gustó su posmodernidad tan lúcida que es capaz de jugar con nosotros y contarnos dos discursos a la vez. Uno visual, sosegado, de citas culturales evidentes (desde el impresionismo hasta las piscinas de Harvey o la Última Cena de Leonardo despojada de todo más que de su caja espacial, por otra parte girada) que de pronto se interrumpe, se disloca cuando leemos sus títulos. (si lo vaís haciendo lo comprenderéis)

 

La última Cena

 

Es la contaminación de los géneros de la posmodernidad, en donde la obra se fracciona (en realidad lo hace el espectador ante ella) con mensajes contradictorios entre texto e imagen que nos obligan a repensar la imagen tras leer el título y darnos cuenta de lo frágil que puede ser nuestra percepción, de cuán fácil es engañarnos (como insiste Ana en sus artículos sobre publicidad)

Capitalismo popular

 

Por eso acaso no sea nada frívolo su Caverna de las ideas (el mito de la luz y la oscuridad pero también del conocimiento y la ignorancia dado la vuelta, pues ¿la bola de la discoteca es la luz, el saber, o su simple tergiversación, su salida trasera?)

 

La caverna de las ideas

 

Vexation

 

Y es que los cuadros de Cobos juegan con numerosas tensiones, también puramente estilísticas. ¿Son abstractos, juegos de color que lejanamente se asemejan a la realidad, o son imágenes desvaídas, sin cuerpo, como lejanos recuerdos? Algo a lo que tan bien juega Barceló

 

Detalle de Capitalismo popular

 

No cruce la escena

 

Posibilidad

 

Una obra en principio fácil y decorativa que se contradice a sí misma y deja, al final de la observación, al espectador más perplejo. Pues más que certezas nos genera dudas sobre la realidad y sobre el mismo hecho de pintar, un recuerdo que va más allá de lo visual para ingresar en el terreno de las ideas o, peor quizás, el de los espejos, siempre tan peligrosos, como ya nos advirtió el gran posmoderno antes de la posmodernidad, que fue Borges en donde todo es tan verdad (o mentira) como el lector quiera penetrar en sus fantásticos laberintos para ver la Últimas noticias

 

Últimas noticias

 

Imágenes y texto: Vicente Camarasa

 

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16/01/2010 09:47. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

LOS COLORES MANIERISTAS CON EL GRECO COMO EJEMPLO

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

El manierismo (especialmente el denominado frío frente al cálido de un Miguel Ángel o sus seguidores) es un estilo aristocrático, dirigido a personas de cultura, refinadas, un tanto hartas de la perfección formal del Renacimiento clasicista. Por ello se buscará lo artificioso, aquello que nunca se haya hecho, lo sorprendente, lo imaginativo.

Partiendo de esta idea es lógico que nos encontremos de un estilo que huya tanto del naturalismo como del idealismo. Se trata de una búsqueda (individual) por la sorpresa, el artificio…

Esto lo podemos ver perfectamente en los colores. Esos tonos metálicos, tornasolados o (y) ácidos que invadieron todas las grandes obras del momento.

Los tonos metálicos son aquellos que se vuelven blancos al darles directamente la luz, como ocurre con el metal, produciendo reflejos. Los podéis ver perfectamente en este cuadro de su apostolado (también en la imagen que abre el artículo)

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

En cuanto a los tornasolados (en el fondo una evolución fantasiosa de los metalizados) son aquellos que cambian de tono con la luz, pudiendo pasar del verde al amarillento, como vemos en muchas ocasiones en los cuadros del Greco

 

Fijaros en la capa del ángel

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

Lo de colores ácidos es más complejo de resumir, pues en el fondo nos encontramos con una metáfora sinestésica (es decir, que pasa un adjetivo de un sentido, en este caso el gusto, a otro, la mirada). Estos colores (muy típico el amarillo verdoso) es un color tan chirriante en el ojo como chupar un limón (¿No lo percibís? Es esa misma sensación). Colores inestables y muy difícilmente representables en la memoria, vociferantes, llenos de aristas.

Lo mejor para comprenderlos es verlos.

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

Vicente Camarasa

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18/01/2010 19:43. sdelbiombo #. Renac. España No hay comentarios. Comentar.

LA IDEOLOGÍA NOBILIARIA EN EL ROMÁNICO

Tal vez David y Goliat. Vezelay

 

Hoy hemos estado hablando en clase de los nobles y su manera de pensar aprovechando unos fragmentos de la Chanson De Roldán. La importancia que tiene para ellos la valentía, la victoria, la fuerza física o el honor, unas ideas que habían heredado desde muy lejos (son las de los pueblos bárbaros que conquistaron el imperio romano) e hicieron del feudalismo una sociedad violenta. Lo puedes ver con numerosas fotos en el Tapiz de Bayeu y su enlace al blog de JV.

 

 

 

Tomado de http://ojosoria.blogspot.com/2008/10/san-miguel-de-gormaz.html

 

Junto a estas ideas típicas de las sociedades que hacen de la guerra una de sus principales actividades, la importancia que fue teniendo la iglesia hizo que muchas de estas características se fueron cristianizando, como la Tregua de Dios (que impedía luchar en días sagrados) o reconvirtiendo la guerra en una guerra santa, una yihad como la que practicaban los islámicos.

El noble se convierte así en la espada de Dios. Utiliza su violencia para derrotar al mal que acecha en todos los lugares, como podéis ver en este capitel segoviano (San Juan de Caballeros)

 

 

Vezelay. Mira el demonio en el centro

 

Vezelay. Recuerda que el arte románico es muy simbólico. En este caso el león sería el pecado.

 

Aparecen además continuos santos-guerreros, como San Miguel, con los que se puede identificar perfectamente el noble

 

Estella. Iglesia de San Miguel

 

Pero a esos nobles les podemos ver también en otras representaciones del arte románico. Cuando un campesino observaba los famosos pantocrator de portadas y ábsides no sólo estaba viendo al Dios Justiciero, sino a un poder más cercano, el del señor feudal que, igual que la divinidad, tiene el poder de la justicia sobre sus siervos. Su imagen es toda una advertencia a esos campesinos analfabetos sobre la mirada del noble que todo lo ve y castiga por ello, antes incluso de la muerte.

 

Portada de Conques. Francia

 

Pero además los nobles tienen otra función. Una parte de las riquezas que generan sus feudos y conquistas terminan pasando a la iglesia. El miedo al infierno, el interés por una iglesia que reza por ellos pero también les controla a sus siervos con el miedo, les hace donar terrenos, pagar construcciones… Para que a nadie se le olvide de este acto los vemos aparecer en capiteles y pinturas ofreciendo una iglesia, como vemos en este capitel

 

San Lázaro de Autum

 

Imágenes y texto: Vicente Camarasa

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19/01/2010 08:57. sdelbiombo #. ROMÁNICO No hay comentarios. Comentar.

SOBRE LA PERSPECTIVA LINEAL Y AEREA

Ana ha publicado en su blog un espectacular (y muy didáctico) post de la perspectiva que hace un repaso, especialmente, a los dos grandes modelos renacentistas: la lineal y la aérea

Sencillamente genial

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20/01/2010 22:01. sdelbiombo #. RENACIMIENTO en ITALIA No hay comentarios. Comentar.

HOLBEIN. LOS EMBAJADORES. Una vanitas escondida pero también muchas otras cosas

Os quiero presentar un cuadro que me ha fascinado desde hace ya tiempo


 

La denominación tradicional son los embajadores, os los presento

Jean de Dinteville a la izquierda, era embajador de Francia en Inglaterra en la fecha del cuadro. A la derecha encontraréis a su amigo, Georges de Selve, obispo de Lavaur, que fue ocasionalmente embajador de la Santa Sede:

Ambos se habían reunido precisamente en Londres para unas conversaciones secretas y espinosas: las  de mediar entre Inglaterra y Francia para evitar una ruptura entre ambos países (por culpa del famoso matrimonio de Enrique VIII con Ana Bolena) y crear así (junto a la Santa Sede) una fuerza compacta contra el emperador Carlos V.

Os cuento todo esto para que valoréis un aspecto poco tenido en cuenta en el Renacimiento: el renacer de la política. Figuras como Maquiavelo, Tomas Moro o Castilglione, y basándose en autores clásicos como Tito Livio, darán fuerza a esta nueva actividad en donde hay que combinar la razón renacentista, su idea de armonía y equilibrio, la discreción… hasta convertirla en una verdadera obra de arte (como ya la denominara Burckhardt). Un verdadero triunfo de lo humano que pretende (nada menos) llegar a controlar el destino por medio de la razón.

 

Otro de sus rasgos típicamente renacentistas es toda la amplia recapitulación que hace del mundo en la mesa y estantería trasera. En ella podemos ver desde la ciencia hasta la música (Alberti hablaba constantemente de la armonía musical como el máximo representante de la belleza, por su componente matemático y a la vez sensitivo que permite al hombre conocer más allá de sus sentidos).

 

 

 

En cuanto a la ciencia es especialmente geográfica (con sus astrolabios, mapas…) que nos recuerdan la importancia de los descubrimientos científicos a la hora de hacer un nuevo mundo por completo distinto a lo medieval. Una ciencia que, una vez más, se une al control político (precisamente el del emperador Carlos V que controla el Nuevo Mundo, siendo sus riquezas el motor último de su poder)

 

Pero el cuadro, además de una loa a la política, la música o la ciencia, es también un perfecto ejemplo del mundo manierista y sus contradicciones. Como muchas obras de la época, su mensaje es sumamente oscuro, pues estaba destinado para una élite (incluso, a veces, para una sóla persona) y está lleno, por tanto, de simbolismos pocos conocidos.

Hay sin embargo un detalle sumamente relevante. El libro que se encuentra junto al laúd

 

 

 

Éste, en la página de la izquierda, muestra la traducción del primer versículo del himno Veni sancte Spiritus de Lutero y la de la derecha la introducción a la Versión abreviada de los Diez Mandamientos del mismo Lutero al que Holbein conocería en Basilea antes de su traslado definitivo a Inglaterra.

Nos sitúa, por tanto, la reforma dentro del panorama internacional de los dos embajadores. De nuevo la política, aunque sea disfrazada de formas religiosas; y de nuevo un ataque a Carlos V, el paladín de la religión Católica.

Por cierto, y ya antes de entrar en el último tema, ¿alguien había visto el crucifijo en la parte izquierda del cuadro, casi oculto por el cortinaje?

 

Todo esto siempre me ha parecido fascinante, pero lo que siempre me llamó la atención fue siempre esa mancha que ocupa toda la zona central. Un hueso de sepia, han dicho, aunque realmente es una calavera pero hecha de una forma particular.

En realidad se trata de una anamarfosis, una peculiar perspectiva que ya explicamos en otra ocasión. Una figuración deformada por medio de un sistema que desconozco (¡Ana, socorro!) que necesita ser vista de forma lateral, como podéis ver en esta fotografía.

 

 

Y es que el cuadro se encontraba en la pared del fondo de una sala, y no sería verdaderamente visto hasta que el espectador saliera por una puerta lateral que se encontraba a su lado. Como veis una verdadera sorpresa manierista que juega con el espectador poco avisado (justo lo contrario de lo que hará el barroco, que conducirá siempre de la mano a este espectador para que vea lo que se quiere transmitir, sin pedirle ningún otro esfuerzo que el asombro)

 

Con esta calavera de pronto todo el cuadro cambia de mensaje y se convierte en una vanitas, una reflexión sobre la muerte y la fugacidad de las cosas mundanas, como la política, la ciencia, la música, la propia belleza. Un mensaje que niega todo lo anterior y que es reafirmado por la cuerda rota del laúd y que, una vez más, nos lleva a la contradicción manierista de un arte sin sentido final o cerrado. Un gran rompecabezas que una y otra vez hay que componer para deleite intelectual del espectador educado.

 

 

Para saber más

http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/h/holbein/hans_y/1535a/index.html (imágenes en gran tamaño)

http://yo-y-el-arte.blogspot.com/2006/12/holbein-y-los-embajadores-2.html

 

Todas las fotos tomadas de http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Embajadores

 

Vicente Camarasa

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LA BIBLIA EN PIEDRA. SANTO DOMINGO DE SORIA

Si el arte románico es una forma de dominación sobre las clases más bajas (como asegura Sureda y nosotros hemos intentado explicar en el Miedo Románico), evidentemente las imágenes eran fundamentales para una sociedad casi por completo analfabeta. Esta es la idea de la Biblia en piedra: la iglesia románica se convierte en el lugar en donde la escultura explica los libros sagrados y sirve para crear el sistema moral que deben de cumplir las personas.

EL RESTO DEL ARTÍCUO SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 


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24/01/2010 20:06. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 1 comentario.

LE CORBUSIER. LA UNIDAD DE HABITACIÓN EN MARSELLA

Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...

 

Le Corbusier fue el Picasso de la arquitectura y esta Unité una de sus obras más complejas y ricas de significados, en donde podemos ver gran parte de sus dos grandes periodos artísticos, así como sus ideas sobre el urbanismo y la ciudad

Encargada por el gobierno francés como viviendas sociales tras las destrucciones de la II Guerra Mundial, Le Corbusier intenta crear en ella una verdadera ciudad autosuficiente (un lejano eco de las famosas ciudades jardín decimonónicas de Howard pero también de los falansterios de Fourier), que concentrara en vertical la población para poder planificar el espacio circundante para grandes vías de circulación y zonas verdes, segregando las funciones urbanas para dar más importancia tanto a la movilidad como a la luz natural para las zonas de residencia.

Tomado de juanantoniochamorro.wordpress.

El edificio proyectado para 1,600 habitantes 58 apartamentos en dúplex, con galerías comerciales en sus corredores interiores

 

Calle para servicios

Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...  

"Si se hacen conjuntos de 350 casitas situadas en jardines, no se logrará la síntesis y el sincronismo de las tareas cotidianas. Pero si se reúnen 350 casas, unas sobre otras, de cierto modo inteligente y organizado, se quiebran las distancias, se las anula." 

"Así, se pueden realizar funciones que se ejecutan sin interrupción en la vida cotidiana. Primero, las compras se hacen en una cooperativa ubicada en el centro del edificio. En tanto, la unidad de habitación agrupada permite tener sol para cada vivienda; espacio, algo que todos buscan lejos, y pone la vegetación al alcance de todos, alrededor de la casa."

Tomado dearquitectura.com

 

Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...

 

 En cuanto a la pura construcción es un perfecto ejemplo de sus famosos cinco puntos de la nueva arquitectura (1926)

El edificio se apoya en gigantescos pilotis que eliminan las humedades y dan un espacio interno utilizable para numerosos usos.

Tomado de http://unidadmarsella.blogspot.com.es/

La estructura de hormigón de grandes pilares permite tanto la planta libre (que puede ser distinta en cada planta) y la fachada-cortina, con tantas ventanas como se quiera, pues tanto los muros interiores como exteriores no son sustentantes (Lo puedes ver explicados en el artículo dedicado a la Escuela de Chicago

 

Tomado de etsamtaller10madrigalbeatriz.blogspot.com/

 

Planos

Tomado de http://unidadmarsella.blogspot.com.es/

 Las ventanas apaisadas y corridas proveen una máxima luminosidad, reservando la intimidad.

La terraza-jardín. Los nuevos sistemas de cubrición permiten prescindir de los tejados clásicos para crear una terraza plana verdaderamente ejemplar, que incluía una piscina una pista del atletismo de 300 metros, un gimnasio cubierto, un club,  enfermería, guardería y,  espacio social.

 

Terraza

Tomado de juanantoniochamorro.wordpress.

 

A todo esto se añade la utilización del hormigón armado en crudo, sin tratamiento ni pintura

(Todos estos puntos pueden verse ejemplificados en la Casa Saboya en

http://www.hiru.com/es/artea/artea_03520.html

 

 Sin embargo, la Unité va algo más allá del puro funcionalismo de la primera época de Le Corbusier, y ya está anunciando lo que será su obra madura.

Por una parte es sumamente interesante el propio uso del material, que como ya dijimos no se encubre ni pinta. Sus colores grisáceos, sus texturas, su pasividad dan una fuerte expresión a la obra (más allá de lo puramente utilitario) y anuncian lo que el propio Le Corbusier denominará como brutalismo.

De la misma manera tanto la colocación de vanos (que supera la regularización seriada), como sus profundos balcones que juegan con el sol y la sombra (antecedente de los futuros brise-soleil),

 

Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...

 

y sobre todo alguna de las estructuras de su terraza que la convierte en un verdadero paseo arquitectónico, juegan con formas masivas, elípticas, curvilíneas y en revolución que hacen recordar mucho a Gaudí y su famosa Pedrera.


 Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...

 

 Es el triunfo del sentimiento y la forma sobre la estricta utilidad y raciocinio que abrirá las puertas al neoexpresionismo posterior de Notre Dame de Rochard o Chardigart

Nuestra Señora de Haut. Le Corbusier

 

En resumen: una verdadera máquina para vivir en donde se une el maquinismo (su silueta se inspira en un gran barco), la modernidad de sus materiales pero sin descuidar el aspecto humano en todas sus facetas, incluso en sus propias dimensiones, basadas en su famoso modulor (un sistema de medidas casi renacentista, pues se basa en el número aúreo, para la modernidad)

 

 

Sus imitaciones han sido incontables en las grandes ciudades, aunque muy a menudo superficiales, como estas que podéis ver del barrio de la Concepción en Madrid, verdadero ejemplo de antiurbanismo que habría escandalizado a Le Corbusier

 

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Para saber más os recomiendo este vídeo

http://www.youtube.com/watch?v=Tyr4KJuIgjI

 

 

Vicente Camarasa

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TIZIANO Y LA NUEVA IMAGEN DEL PODER. CARLOS V EN LA BATALLA DE MULBERG

 

 

Carlos V en la batalla de Mülberg

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Tizian_082.jpg

 

Nadie podría pensar que Carlos V llegó a esta batalla agotado y exhausto, postrado en una litera de la que no se levantaría ni un minuto. O acaso sí, pues los pinceles de Tiziano lograron la maravilla de contar la historia real por debajo de la imaginada, y si nos fijamos con atención en el rostro del emperador, vemos todo su cansancio vital, su hastío ante un problema que (pese a la victoria) no tendrá solución, pues los luteranos de la liga Smalkalda dirigidos por Felipe de Hesse perderán en el campo de batalla pero ganarán la guerra final, obligando al emperador a decretar la Paz de Ausburgo en donde se da libertad de elección de religión a cada príncipe del Imperio.

 

Temas históricos aparte, ahora lo que nos interesa es conocer como Tiziano fue capaz de crear un tema iconográfico que utilizará todo el barroco (Rubens, Velázquez, Bernini… ) y llegará hasta el mismísimo Napoleón cruzando los Alpes, ya en el siglo XIX.

 

Napoleón cruzando los Alpes. David (Neoclasicismo)

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Napoleon

 

Su éxito rotundo se crea en la combinación de varios factores.

Por una parte recoge la idea romana del retrato ecuestre, cuyo mejor ejemplo conservado era la de Marco Aurelio.

 

 Retrato ecuestre de Marco Aurelio. Roma.

 

En ella (como en las decenas que debieron coronar arcos triunfales) el caballo es el asiento del poder, basado en las armas pero también en la capacidad de dirección. (Curiosamente, el emperador no lleva un arma moderna, sino una larga lanza muy poco efectiva que tiene más de símbolo que de instrumento; de la misma forma cuando Velázquez retome estos retratos ecuestres utilizará el bastón de mando para indicar la importancia de la dirección, del poder más de la inteligencia y la organización que de la fuerza).

 

 Tomado de wikipedia

Crea así el llamado retrato de aparato, en donde, además de la captación psicológica, se retrata algo más complejo, el cargo político del retratado. Una pintura de ideas destinada (como hará constantemente el posterior barroco) a la propaganda como uno de los múltiples mecanismos que tendrá el poder absoluto para subordinar al pueblo.


 Sin embargo ya Ucello o Castagno habían utilizado el retrato ecuestre, ¿por qué es el modelo de Tiziano el que se impone? Quizás sea por su propia tactilidad; me intentaré explicar mejor.

Al modelo romano-renacentista Tiziano le une la famosa pincelada suelta que le permite incluir a la figura en un paisaje realista y dar a los distintos elementos una fuerte sensación de realidad por medio de las texturas (el acero de su armadura brillante, la suavidad de las plumas del yelmo, lo sedoso de la piel del caballo). Con esto, como tantas vences hará Tiziano, convierte el símbolo (una pura elaboración mental, como ya veíamos al principio de este artículo) en una imagen puramente visual, que nos entra por los sentidos sin necesidad de pensar demasiado (adelantándose de esta manera, una vez más, al Barroco)

En esta misma línea, el color tendrá una importancia decisiva. Si os fijáis en la imagen veréis como hay un color dominante, el rojo (de los adornos pero también del atardecer, en el que supuestamente se paró el sol para que el emperador pudiera atacar). Este color, unido a la guerra pero también al poder, es el color que más llama la atención al ojo humano y carga de tensión cualquier contenido (como bien aprenderá de Tiziano el futuro Caravaggio).

A esto demos de unirle una composición equilibrada (pues el poder y la majestuosidad del emperador así lo necesitaban) pero con una fuerte tendencia al desplazamiento (hacia de derecha, como nos señala la lanza, el paso del caballo pero también la mirada de Carlos V, mientras la izquierda aparece cerrada a nuestra mirada por la zona oscura de árboles) le daremos un nuevo impulso a la idea de avance inexorable, al poder de los ejércitos hispanos (Para saber más esta idea de la lectura de la imagen de izquierda a derecha y sus implicaciones os recomiendo este maravilloso artículo de Ana)

Felipe II por Tiziano

 

Vicente Camarasa

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EL CLAUSTRO DE SANTO DOMINGO DE SILOS. LA CAPITAL DEL ARTE ROMÁNICO (I)

 

 Pocos lugares en Europa mantienen una riqueza románica tan exquisita como el claustro de Santo Domingo de Silos (Burgos), y me gustaría dedicarle algunos artículos con más fotos que textos para que vosotros lo podáis descubrir y, en cuanto podáis, lo visitéis.

Lamentablemente, sólo el claustro ha conservado su completo aspecto románico, pero con ello ya es suficiente.

 

 Se trata de un típico espacio cuadrangular que derivaría de modelos antiguos (desde el peristilo de las casas romanas pasando por el atrio de las basílicas paleocristianas e, incluso, el shan de las mezquitas). Es, en el fondo, el omphalos, el centro del mundo de la comunidad con su fuente central.

 

 Cada uno de sus tramos o pandas se abren al exterior por medio de arcos de medio punto apeados sobre columnas pareadas, las más antiguas incluso con éntasis (ensanchamiento central) y unidas.

 

 En el centro de las arquerías (para una mejor sustentación) nos encontramos con unos machones disfrazados por cuatro columnas.

 

 Sobre estos arcos corre una línea decorativa del llamado taqueado jaqués, motivo típico del Camino de Santiago con el que está vinculado el monasterio.

 

 En torno suyo se encontrarían las distintas estancias típicas de un monasterio que podéis consultar en la vida de un monje medieval

 

 Su techo es una obra maestra de la carpintería mudéjar, recientemente restaurado.

 

 Su sala capitular


Más artículos dedicados a Silos en este blog

Los capiteles

La composición de los machones

La estética románica

El bestiario

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Texto e imágenes

Vicente Camarasa

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31/01/2010 19:34. sdelbiombo #. ROMÁNICO No hay comentarios. Comentar.


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