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Se muestran los artículos pertenecientes a Mayo de 2015.

Análisis y comentario. EL MARTIRIO DE SAN FELIPE. RIBERA

Tomada de wikipedia


Tema: nos encontramos ante una imagen de tema religioso puesto que nos narra el martirio de San Felipe, de una manera cruda, verosímil. El artista nos sumerge en el cuadro de una manera viva, dirigiendo toda nuestra atención había el santo, quien esta rodeado de personajes espectadores así como lo somos nosotros. Con todo ello los que se pretende es hacer propaganda de la fe.

Soporte y técnica: Debido a la progresiva evolución de la técnica, nos encontramos ante una obra sobre lienzo al óleo.
En cuanto a la pincelada es suelta, donde los detalles a poca distancia se difuminan, pero a la distancia adecuada reflejan a la perfección las calidades táctiles.

Composicion .La imagen principal se compone mediante un exquisito juego de diagonales lo que produce un ruptura visual con respecto a la etapa anterior (Renacimiento), donde predomina el equilibrio. En  esta obra, en contrapunto con las obras de Tiziano o Leonardo da Vinci, armónicas en cuanto a la composición, predomina una tendencia ya utilizada en el manierismo clasicista de Rafael o el tenebrismo de Caravaggio. Así, la composicion rompe el equilibrio como una forma de expresividad. 

Además, se caracteriza por ser atectónica.

Luz: Se trata de una luz dirigida, rozando el tenebrismo, lo que el autor pudo tomar de pintores como Caravaggio, amante de este aspecto de tensión que proponen sus obras.

Espacio: La obra plantea un espacio reducido que da cabida a los personajes que envuelven a la figura principal. Podríamos  visualizar cuatro planos, lo que da mayor perspectiva a la obra y, además, la carga de realismo. También podemos observar la aparición de diversos escorzos, lo que también crea visualmente mayor amplitud.

Figuras. Muy realistas, huyendo de la idealización, con un especial interés por las texturas

Comentario
Según todas las características mencionadas con anterioridad, podemos afirmar que nos encontramos frente a una obra perteneciente al Barroco, movimiento que se caracteriza por ofrecer un contrapunto con respecto al Renacimiento, suponiendo así una ruptura de las ideas clásicas.
Hay un gran interés por las perspectiva o el realismo en su máxima expresión, fruto de una evolución desde el manierismo de Miguel Ángel.

El autor profundiza en una visión verosímil de la realidad en donde los rostros se cargan de expresividad, los ambientes cobran vida y se rompe la armonía mediante la existencia de numerosas lineas diagonales que confieren  a la obra mayor dinamismo...

San Bartolomé. Ribera

En concreto, en esta obra podemos comprender la vertiente tenebrista, en especial de Caravaggio, al que Ribera sigue en la primera época de su trayectoria. Tenebrismo que nos envuelve en un mundo cargado de luces y sombras, dirigiendo la mirada del espectador hacia el punto exacto de tensión, creando así la "obra" perfecta, poniendo al espectador en la posición del público

Caravaggio. Crucifixión de San Pedro


Todos estos aspectos son claro reflejo del momento en el cual se desarrolla este movimiento, marcado por la influencia religiosa, en concreto la contrarreforma, que cambia las tendencia en el arte al convertirse esta en uno de los mayores mecenas. Además, el siglo XVII, conocido como el "Siglo de Oro" en España así como en el arte, se produce en contrapunto una decadencia política y económica lo que lleva al fin del reinado de la casa de Austria en España ( Felipe III, Felipe IV y Carlos II ). 
Finalmente, podemos destacar en cuannto a las influencias anteriores, la de Caravaggio con su iluminación tenebrista o la de Tiziano con su pincelada suelta, que se culminarán en Velazquez, como podemos comprobar en obras como El aguador o Las Meninas .

Milagros Mastrapa. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

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03/05/2015 19:06. sdelbiombo #. Barroco español XVII No hay comentarios. Comentar.


MIES VAN DER ROHE Y EL RASCACIELOS

La gran eclosión del Estilo internacional se producirá con la llegada de Mies van der Rohe a EE UU.

El artista ya tenía un estilo plenamente desarrollado (que ya analizábamos aquí en su famoso Pabellón alemán) basado en una nueva percepción del espacio y su famoso "menos, es más" que se unirá a la tradición americana por el rascacielos (iniciada en la ya analizada Escuela de Chicago) y un capitalismo triunfante. De esta conjunción nacerán sus grandes rascacielos que serán la referencia hasta la actualidad.

Su primera gran obra serán las torres de apartamentos gemelas en el Lake Shore Drive, las llamadas cajas de cristal.

En ellos ya se encuentran todas las referencias del estilo internacional (estructura de acero y hormigón, planta libre, grandes fachadas acristaladas, su sentido modular, la limpieza de todo ornamento que no sea la propia estructura ortogonal...

Lake Shore Drive.

Unos años después, efectuó su obra maestra, el edificio Seagram en Nueva York

Edificio Seagran. NY

Una de sus grandes novedades es la de aguantar las presiones inmobiliarias y no construir todo el terreno, retranqueando el edificio para crear una plaza delante suya que permitía su contemplación y daba un sentido urbanístico a la zona, creando una plaza pública ante él.

Esta plaza (como ocurría en sus obras anteriores) consigue crear un fantástico espacio (interior-exterior) en el encuentro del edificio con la ciudad a través de su gran entrada.

Sus habituales características de diseño en el mismo límite de la abstracción se plasman en los extraordinarios muros cortina que reflejan su entorno.

Para que (como era habitual en su obra) el exterior del edificio representara su interior, Mies recurrió a un sofisticado truco.

La legislación estadounidense exigía la cobertura de los elementos metálicos con una capa de hormigón (para evitar el colapso de la estructura en caso de incendio).

Esta medida impedía la sinceridad total de la construcción, lo cual fue evitado forrando de nuevo el hormigón con una estructura metálica a la vez que se disponían en el exterior del edificio falsas molduras de acero que explicaran su construcción

Se conseguía así la perfecta caja de acero y cristal rematada por una cornisa cerrada, todo un símbolo que influirá en los arquitectos posteriores.

Imágenes tomadas de wikipedia

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09/05/2015 12:53. sdelbiombo #. Arquitectura moderna No hay comentarios. Comentar.

Análisis y comentario VILLE SABOYE. LE CORBUSIER

Realizada en 1928-30

Tomado de recreodeinteriores.wordpress.com

 Planta. Muestra una preferencia por las formas geométricas claras (formadas por ángulos rectos).

Tomado de plataformaarquitectura

Planteada, por medio de las vigas, como planta libre (en donde los tabiques son simplemente separadores), la estructura de los distintos pisos cambia por completo, con una planta a nivel del suelo con entrada directa para los automóviles (una de las grandes fascinaciones del arquitecto), con espacio para tres de ellos, una planta noble para la vivienda y una terraza superior habitable en la superior

Tomado de todosobrehtc.blogspot.

En dicha terraza (realmente una terraza doble, pues se unen la de la planta principal con la superior) se utilizan los tradicionales cortabrisas en uno de sus laterales que protegen frente a los vientos dominantes

Tomado de plataformaarquitectura

Las distintas plantas se comunican por medio de rampas y escaleras que funcionan casi como si de esculturas se trataran

Tomado de plataformaarquitectura

Alzado. 

 Los materiales siempre son, en este autor, modernos, en especial el hormigón y el cristal. La resistencia y flexibilidad de dichos materiales permite distribuir libremente la planta libre de la que hablamos anteriormente.

Para sus sustentación se recurre a vigas de hormigón que, en su planta baja se convierten en los famosos pilotes que aíslan la edificación del suelo (humedades) y crean un jardín inferior.

Gracias a ellos, la arquitectura parece verdaderamente recién posada sobre el suelo.

Tomado de polillaradiactiva.blogspot.com.es

En cuanto a la luz (fundamental siempre en sus obras), aparecen las que también serán típicas ventanas apaisadas y corridas que permitan buenas vistas del exterior sin perder privacidad.

La cubierta es plana y se renuncia a todo tipo de decoración que no sea estrictamente arquitectónica 



Tomado de plataformaarquitectura

 

 COMENTARIO.

 La Villa Saboya es una de las primeras obras maestras en la larga y fecunda carrera de Le Corbusier.

Su realización es fruto de las investigaciones del artista de la casa como máquina para vivir en donde (como es típico en el funcionalismo) la función hace la forma, dándole especial atención a aspectos cotidianos (que a nosotros nos siguen pareciendo rabiosamente modernos) como la iluminación sin perder la intimidad (gracias a sus ventanas corridas), el automóvil, la integración de la naturaleza (circundante, la superior a través de la terraza que se protege de los vientos...), el control de humedades (con los pilotes)

Esta dimensión humana le acerca a Wrigth y sus casas de la pradera y le separa de las perfectas e inhabitables casas de Mies van der Rohe, y en el fondo se encuentra emparentada con el más puro clasicismo, especialmente con Palladio y sus villas.

Todo este tipo de intervenciones las realiza sin acudir al ornamento (ya condenado por Adolf Loos), con un lenguaje plenamente moderno (ortogonalidad, materiales, limpieza...) que era el camino que el modernismo geométrico (Makintosch) y el protorracionalismo (Perec) habían marcado para la modernidad, y que es plenamente coherente con el desarrollo del arte contemporáneo (Picasso y el cubismo, Mondrian, el constructivismo ruso, Malevich).

Su evolución posterior, aunque vuelva a retornar a estas ideas unidas a su cobcepto de urbanismo (Unidad de Habitación), sufrirá una podeosa evolución hacia formas más expresionistas, como ya analizamos en la iglesia de Nuestra Señora de Haut

Vicente Camarasa

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17/05/2015 09:47. sdelbiombo #. Arquitectura moderna No hay comentarios. Comentar.

Análisis y comentario. EL PARASOL. GOYA

Tomado de wikipedia

Tema costumbrista, aunque muy idealizado (se trata de una aristócrata disfrazada de maja, típico atuendo popular, con su criado - o tal vez pretendiente- que la cubre con una sobrilla). Al fondo encontramos un paisaje también idealizado (paisaje pintoresco)

La técnica empleada es óleo sobre cartón (que posteriormente se pasaría a tapiz)

La composición resulta muy equilibrada, con las figuras formando un triángulo equilátero a la manera renacentista y dos diagonales en la parte posterior (muro y arbolillo) que se contrapesan entre sí.

Predomina el color sobre la línea (en algunas zonas como la pechera de la mujer se observa perfectamente la pincelada suelta), utilizando una gama pastel (colores mezclados con blanco)

La luz es representativa, muy suave, que no intenta crear tensión, sino todo lo contrario, subrayar aún más la idealización y suavidad de toda la escena.

La perspectiva utilizada es la aérea, iniciada por Leonardo ensu sfumato

Las figuras son idealizadas, de poses relajadas y un tanto aristocráticas (fijaros cómo coge el abanico)

Comentario.

Las características analizadas (luz suave, composición equilibrada, sfumato, poses aristocráticas, costumbrismo idealizado) nos llevan a encuadrar la obra en el primer periodo importante de la producción de Goya: los cartones para tapices (Carlos III)

Introducido en la fábrica de Tapices por su suegro Bayeu, Goya realiza entonces los cartones preparatorios para la realización de los tapices.

La gallinita ciega.

Tomado de wikimedia.org

En ellos los temas le son dados, correspondiendo a una visión idealizada de la naturaleza (paisaje pintoresco) y de la sociedad (sus personajes son aristócratas "disfrazados" de majos que juegan y se divierten). Se trata de un mundo un tanto frívolo y elitista que recrea la ideología rococó triunfante en Francia (aunque eliminando el erotismo), país tan cercano a los reyes hispanos, emparentado con los Borbones galos. (Se pueden comparar perfectamente con obras como el Columpio de Fragonardlas escenas galantes de Watteau o los frescos de Tiépolo)

Fragonard. El Columpio

Tomado de wikipedia

Estas obras, que pasarían a decorar palacios y casitas reales mantienen una técnica también rococó de colores pastel, gestos aristocráticos, paisajes vaporosos (heredados de Van Dyck).

La Pradera de San Isidro

El cacharrero

La vendimia

Tras este periodo, la obra de Goya (en contacto con la velazqueña y veneciana) evolucionará rápidamente, tanto en la retratística (Familia de Carlos IV) como en la pintura de historia, cada vez más "politizada" y crítica contra la realidad (Fusilamentos, cuadros de Gabinete), desembocando finalmente en sus famosas pinturas negras, verdadera antesala del expresionismo del XX

 

GOYA BÁSICO

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18/05/2015 19:37. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

Análisis y comentario. ARMONÍA EN ROJO. MATISSE

 

  Tomado de fauvismosigloxx.wordpress.com      

Tema. Nos encontramos con un bodegón con figura al que se añade (como es muy típico en el pintor) una ventana abierta que pone en relación exterior e interior. Todo tipo de historia ha desaparecido, mostrándonos las cosas sin ningún tipo de relación literaria. Es algo puramente visual.

Técnica. Óleo sobre lienzo, con poco interés por la textura.

Composición. Equilibrada. Las tres zonas más importante (ventana, mujer y silla) se colocan de forma triangular, repartiendo el resto de los motivos por la tela.

Color, parte esencial del cuadro. Plantea una fuerte contraposición entre los cálidos (rojo y amarillos) y los fríos (azules y verdes). Su tonalidad está muy saturada.

Son colores planos, sin ningún efecto de la luz sobre ellos, creando grandes zonas cromáticas de color puro.

Son, en todo caso, colores irreales o arbitrarios que no guardan ningún tipo de relación con la realidad.

La línea es gruesa, separando de forma nítida las zonas cromáticas. Hay un gusto por la curva y la ondulación (en los motivos ornamentales) casi continua que comunica al cuadro un constante movimiento del que carece la composición.

La perspectiva se realiza a través de los colores (perspectiva cromática), con los cálidos acercando y los fríos alejando (en la ventana). En las zonas en donde predomina un solo color (interior rojo) el espacio desaparece y se vuelve plano, al igual que las figuras (bidimensionales) en las que se omite cualquier tipo de detalle, perfilándose a través de sus rasgos más significativos que se convierten en puras zonas cromáticas.

 

COMENTARIO.

Matisse consigue en este lienzo gran parte de las características que definirán su estilo más maduro. Partiendo de la violencia de los colores y su aplicación pura (sin influencia de la luz) que ya aparecían en el Salón de Otoño de 1905 (inicio del fauvismo) intentará dulcificar la potencia cromática de los mismos a través de la contraposición de fríos y cálidos y, sobre todo, por medio de la curva (arabesco) que anima y suaviza la imagen, buscando una mayor sensualidad. (Como en La Alegría de Vivir).

La alegría de vivir

Tomado de todoelarte.blogspot.com

Con todo ello pretendía, según sus propias palabras, crear un sillón para la mirada, una imagen sin ningún tipo de historia que sólo se imponga por medio de los registros cromáticos animados por la línea que podemos ver en cuadros posteriores, como la Danza.

La danza

Tomado de www.ultrafilosofia.com

Ya no hay literatura en la pintura, sólo quedará lo visual. Un juego de colores, formas y líneas que busca lo apacible y amable, al contrario que su gran rival hacía en la misma época: Picasso, Las Señoritas de Avignon.

Las Señoritas de Avignon. Picasso

Toda esta revolución (que tiene sus precedentes más próximos en las obras de Gauguin) y seguirá evolucionado por caminos en donde lo musical es cada vez más importante (el color entendido como música del ojo, sinestesia), entonado bajo un cromatismo toda la obra (que al principio era el azul, luego retocado por el rojo). El color se ha independizado por completo de la realidad.

Gauguin

Tomado de es.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin

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19/05/2015 19:31. sdelbiombo #. SIGLO XX hasta Segunda Guerra Mundial No hay comentarios. Comentar.

POLLOCK PINTANDO

 

 

Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y literalmente "estar" en la pintura.

Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida con arena, vidiros rotos o cualquier otro material añadido.

Cuando estoy "dentro" de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de un periodo de "aclimatación" me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la pintura resulta bien.

TOMADO DE Pollock (1956)

Tomado de contemporarycritique.wordpress.com

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Un Análisis de Pollock lo tenéis aquí

 

Aquí tenéis una aplicación informática que os permitirá acercaros al modo de pintar de Pollock

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24/05/2015 13:14. sdelbiombo #. Después del 1945 No hay comentarios. Comentar.


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