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Se muestran los artículos pertenecientes a Marzo de 2017.

Análisis y comentario de las Tres Gracias. Rubens

La pintura que se nos presenta es de carácter mitológico, ya que nos cuenta el mito de las 3 gracias. En ella se pueden diferenciar a las hijas de Zeus y la ninfa Eurinome. Éstas presidían los banquetes, danzas y todas las actividades placenteras. Además podemos reconocer a un personaje real en esta pintura, la gracia más situada a la izquierda es su amante y segunda esposa Helena Fourment. La finalidad de esta pintura es propagandística como es usual en la época.

 El soporte de esta pintura es el lienzo y su técnica es el óleo donde se emplea el aceite como aglutinante. La pincelada suelta es muy visible.

La composición es simétrica donde la gracia del medio actúa como eje central , creando una composición triangular llena de múltiples curvas, lo que crea un mayor dinamismo en la escena.

 La luz naturalista incide mucho sobre los cuerpos, creando figuras resplandecientes, muy iluminadas y llenas de luz, lo que hace destacar a las figuras sobre el fondo. Además, la luz matiza bien el volumen de los cuerpos.

En el espacio se puede observar un paisaje con perspectiva aérea o sfumato.

Las figuras son realistas ya que intentan imitar la realidad y los cánones de belleza del período, es un canon opulento voluminoso muy alejado de la armonía clásica. Se encuentran en una postura bastante estable para el período en el que fue pintada, pero está presente la expresividad y la relación que existe entre los personajes. Las texturas se pueden ver principalmente en los cuerpos de las gracias o en el paisaje.

Comentario

La obra que se nos presenta es Las tres gracias de Rubens.

Esta obra pertenece al período barroco, más concretamente a la pintura de los Países Bajos. Esto es visible en la función propagandística tan característica del Barroco para dar la sensación de aparentar, la poca idealización de las figuras mostrando un canon opulento, el movimiento que provocan las numerosas líneas curvas o el propio color y el tratamiento emocional del tema. También podemos reconocer los rasgos barrocos en la composición tan exuberante.

Los principales comitentes de esta obra son una nueva clase social, el rey y la nobleza cortesana que encargarán estos cuadros para mostrar su poder económico.

Rubens cogerá numerosas influencias de otros autores como Bernini en la forma de componer, de Caravaggio en su interés por las texturas, de Miguel Ángel la forma serpentinata, el canon ensanchado… o de la pintura veneciana el interés por la naturaleza y por la pincelada suelta. Servirá como influencia de las futuras obras del Barroco y en autores como Rembrandt o en el barroco español.

Nerea Viejo, 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

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Análisis y comentario. El lavatorio de pies. Tintoretto

 

Tema: Se trata de un relato bíblico (nuevo testamento) de cómo Jesús les lavó los pies a los apóstoles, para demostrarles su humildad y que había venido al mundo para servir a los hombres. En el extremo derecho, se entreve la Última Cena

Soporte: Se utiliza el lienzo y como técnica una mejora del óleo que utiliza como aglutinante aceite, con un claro uso de la pincelada suelta.

Composición asimétrica y dinámica,  está pensada para verse desde la derecha, con grupos que van alejándose en diagonal hacia la arquitectura. Los grupos aislados del gran eje, como la ultima cena, son típicamente manieristas.

Línea y color: Predomina el color sobre la línea debido del uso de una pincelada suelta característica de este autor. Tintoretto usa una gama de colores  amplia; basta ver cómo combina colores cálidos (como los rojos, rosas, carnes y marrones) y fríos (como los azules utilizados mas en el fondo) y los distintos grados de saturación de éstos.

La luz que baña la escena es difusa y crea en esta ocasión un claroscuro bastante acusado que genera una gran sensación de volumen tanto en la figuras como en la arquitectura en la que éstas se sitúan.

Espacio, está representado por medio de una forzada perspectiva lineal en la que el punto de fuga se coloca muy desplazado del centro de la imagen, dentro del arco de triunfo de la izquierda del cuadro. Llama la atención la perspectiva del cuadro y la situación de Cristo dentro de él.  Añade el uso de una perspectiva aérea observable en la mesa y su espacio interior (casi pintando el aire).

 Figuras: Las figuras que se representan son realistas ya que copian la realidad, con un buen uso del canon, posiciones dinámicas y algunas forzadas.

Comentario

Esta obra pertenece a la pintura veneciana ya que podemos observar algunas características claramente de ella: el empleo del lienzo, técnica al óleo,  la perspectiva aérea y dotan las obras de una mayor sensualidad y eliminando su carácter racional por uno más visual y sensitivo que triunfará en el Barroco.

Esta escena del lavatorio de los pies que Cristo hace a los apóstoles es una obra de encargo que recibe Tintoreto para la iglesia de san Marcuola en Venecia. Tenía que hacer juego en la iglesia con otro cuadro con la escena de la Última cena situado justo enfrente. Era un encargo importante y el joven pintor se esmeró para demostrar su valentía en el arte y su dominio de las tendencias más actuales de su época.

Comienza a mezclar lo veneciano (color, pincelada, uso de arquitecturas palladinas) con formas manieristas (algunas recuerdan a Miguel Angel, descentramiento de la perspectiva, lectura dislocada, no lineal,  y perspectiva acelerada).

En la etapa posterior, el barroco, el estudio de la perspectiva y de profundidad que hizo Tintoretto en esta obra fue muy admirado años después por Diego Velázquez que lo traería a España en uno de sus viajes a Italia (Espacio de la Meninas). 

Christian Toscano. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

PARA SABER MÁS DEL PINTOR Y SU OBRA

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26/03/2017 17:32. sdelbiombo #. Pintura veneciana No hay comentarios. Comentar.


Análisis y comentario de Carlos V. Tiziano

Tomado de wikipedia

-Análisis:

La pintura ante la que nos encontramos se trata de un retrato ecuestre, concretamente uno de aparato, el cual nos muestra tanto lo psicológico como la posición social del personaje, pintando que en este caso es el emperador Carlos V, quien está montado en su caballo a punto de entrar en combate. Este hecho nos deja claro que es un tema político el que se está tratando.

 La pintura está realizada sobre lienzo utilizando la técnica del óleo, en la que se especializará sobre todo la escuela Veceniana, a la que pertenece este cuadro. Esta técnica permite que el color predomine sobre la línea (pincelada suelta) y que la figura se integre mejor en el paisaje consiguiendo más realismo.

En cuanto a la composición, se ve con claridad que es simétrica y que está recogida en un triángulo, algo propio del Renacimiento y su busqueda de lo armónico y proporcionado. Pero vemos que no está en el centro del cuadro, sino que está levemente desplazado a la izquierda lo que lo acerca más al marienismo, dejando así también espacio para que se pueda apreciar el paisaje el cual termina de completar el cuadro. También podemos añadir que aunque hay líneas diagonales, éstas son muy leves pero lo suficientemente inclinadas para dotar a la obra de cierto movimiento, en concreto al caballo. Además, es una composición tectónica, ya que no hay ningún elemento de importancia cortado, se ve perfectamente al personaje.

Los colores que son utilizados son de predominio cálido y además dichos colores son saturados. El que más predomina es el dorado, algo que caracteriza al autor de la pintura.

 La luz produce contrastes entre las zonas iluminadas y las que no lo están creando así claroscuros que resaltan la figura del monarca y además las texturas.

En el espacio se aprencian como las figuras gracias a ese mismo claroscuro antes mencionado adquieren volumen lo que las hacen no ser bidimensionales sino tridimensionales y con perspectiva. En cuanto a la perspectiva la que se utiliza es la perspectiva aerea que comenzó a utilizar Leonardo Da Vinci y que se perfecciona más tarde en la Escuela Veneciana como se aprecia en esta obra. Con está técnica el cuadro adquiere más profundidad y de nuevo realismo, ya que se basa en que según se alejan los elementos, más borrosos se vuelven asemejándose con lo que le ocurre a la vista humana. De esta manera se unen de forma más real la figura y el paisaje. Por último hablaremos de las figuras que componen el cuadro. Concretamente la figura que esta obra posee es realista con una posición dinámica como se ve en el caballo apoyado sobre dos patas en vez de cuatro. También es expresiva ya que se ve el rostro cansado del emperador y por ello se considera a la obra un retrato de aparato como al inicio se ha mencionado, es decir, busca la introspección psicológica para así poder llegar mejor a los espectadores. Y algo que se puede también añadir es la importancia de las texturas, en las que el autor quiere dotar de bastante importancia y que se puede apreciar en las diferencias de la rugosidad del mantón que lleva el caballo y en el brillo y la pesadez que contiene la armadura.

 

-Comentario:

 

La obra que acabamos de analizar es una pintura de Tiziano llamada Carlos V en la Batalla de Mülberg, combate clave en el problema religioso que había en esos momentos en Europa entre católicos y reformistas, por lo que Tiziano reprenseta al emperador como defensor del pueblo y del Catolicismo, lo nos proporciona un avance de lo que será el futuro mundo barroco basado en la propaganda de los reyes y a la Iglésia. Esto mismo nos dice quien es el comitente, el mismo Carlos V quien admiraba a Tiziano. Además, precisamente en esta época el mecenazgo se consideraba una forma de mucho prestigio.

 

Esta obra pertenece a la Escuela Veneciana, nacida a finales del Quattrocento y que avanzará a ideales marienistas con el paso del tiempo como se ve en la obra. (uso de lienzo, predominio del color sobre la linea, expresión frente a tranquilidad y armonía, dinamismo frente a estabilidad, luz expresiva frente a la representativa, etc).

La obra analizada recoge influencias de la escultura ecuestre de Marco Aurelio y también de la Gatamelatta de Donatello (Quatrocento), lo cual recalca su prestigio. La pintura de Tiziano y sus seguidores tendrá mucha influencia en la futura pintura del Barroco la cual cogerá elementos de la escuela veneciana y los irá perfeccionando lo que se puede ver en obras de Velázquez como Felipe IV o tambien en obras de Rubens.

 

Nerea Sánchez
 

 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

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28/03/2017 19:42. sdelbiombo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.


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