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Análisis y comentario de Carlos V. Tiziano

Tomado de wikipedia

-Análisis:

La pintura ante la que nos encontramos se trata de un retrato ecuestre, concretamente uno de aparato, el cual nos muestra tanto lo psicológico como la posición social del personaje, pintando que en este caso es el emperador Carlos V, quien está montado en su caballo a punto de entrar en combate. Este hecho nos deja claro que es un tema político el que se está tratando.

 La pintura está realizada sobre lienzo utilizando la técnica del óleo, en la que se especializará sobre todo la escuela Veceniana, a la que pertenece este cuadro. Esta técnica permite que el color predomine sobre la línea (pincelada suelta) y que la figura se integre mejor en el paisaje consiguiendo más realismo.

En cuanto a la composición, se ve con claridad que es simétrica y que está recogida en un triángulo, algo propio del Renacimiento y su busqueda de lo armónico y proporcionado. Pero vemos que no está en el centro del cuadro, sino que está levemente desplazado a la izquierda lo que lo acerca más al marienismo, dejando así también espacio para que se pueda apreciar el paisaje el cual termina de completar el cuadro. También podemos añadir que aunque hay líneas diagonales, éstas son muy leves pero lo suficientemente inclinadas para dotar a la obra de cierto movimiento, en concreto al caballo. Además, es una composición tectónica, ya que no hay ningún elemento de importancia cortado, se ve perfectamente al personaje.

Los colores que son utilizados son de predominio cálido y además dichos colores son saturados. El que más predomina es el dorado, algo que caracteriza al autor de la pintura.

 La luz produce contrastes entre las zonas iluminadas y las que no lo están creando así claroscuros que resaltan la figura del monarca y además las texturas.

En el espacio se aprencian como las figuras gracias a ese mismo claroscuro antes mencionado adquieren volumen lo que las hacen no ser bidimensionales sino tridimensionales y con perspectiva. En cuanto a la perspectiva la que se utiliza es la perspectiva aerea que comenzó a utilizar Leonardo Da Vinci y que se perfecciona más tarde en la Escuela Veneciana como se aprecia en esta obra. Con está técnica el cuadro adquiere más profundidad y de nuevo realismo, ya que se basa en que según se alejan los elementos, más borrosos se vuelven asemejándose con lo que le ocurre a la vista humana. De esta manera se unen de forma más real la figura y el paisaje. Por último hablaremos de las figuras que componen el cuadro. Concretamente la figura que esta obra posee es realista con una posición dinámica como se ve en el caballo apoyado sobre dos patas en vez de cuatro. También es expresiva ya que se ve el rostro cansado del emperador y por ello se considera a la obra un retrato de aparato como al inicio se ha mencionado, es decir, busca la introspección psicológica para así poder llegar mejor a los espectadores. Y algo que se puede también añadir es la importancia de las texturas, en las que el autor quiere dotar de bastante importancia y que se puede apreciar en las diferencias de la rugosidad del mantón que lleva el caballo y en el brillo y la pesadez que contiene la armadura.

 

-Comentario:

 

La obra que acabamos de analizar es una pintura de Tiziano llamada Carlos V en la Batalla de Mülberg, combate clave en el problema religioso que había en esos momentos en Europa entre católicos y reformistas, por lo que Tiziano reprenseta al emperador como defensor del pueblo y del Catolicismo, lo nos proporciona un avance de lo que será el futuro mundo barroco basado en la propaganda de los reyes y a la Iglésia. Esto mismo nos dice quien es el comitente, el mismo Carlos V quien admiraba a Tiziano. Además, precisamente en esta época el mecenazgo se consideraba una forma de mucho prestigio.

 

Esta obra pertenece a la Escuela Veneciana, nacida a finales del Quattrocento y que avanzará a ideales marienistas con el paso del tiempo como se ve en la obra. (uso de lienzo, predominio del color sobre la linea, expresión frente a tranquilidad y armonía, dinamismo frente a estabilidad, luz expresiva frente a la representativa, etc).

La obra analizada recoge influencias de la escultura ecuestre de Marco Aurelio y también de la Gatamelatta de Donatello (Quatrocento), lo cual recalca su prestigio. La pintura de Tiziano y sus seguidores tendrá mucha influencia en la futura pintura del Barroco la cual cogerá elementos de la escuela veneciana y los irá perfeccionando lo que se puede ver en obras de Velázquez como Felipe IV o tambien en obras de Rubens.

 

Nerea Sánchez
 

 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

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28/03/2017 19:42. sdelbiombo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

Análisis y comentario. El lavatorio de pies. Tintoretto

 

Tema: Se trata de un relato bíblico (nuevo testamento) de cómo Jesús les lavó los pies a los apóstoles, para demostrarles su humildad y que había venido al mundo para servir a los hombres. En el extremo derecho, se entreve la Última Cena

Soporte: Se utiliza el lienzo y como técnica una mejora del óleo que utiliza como aglutinante aceite, con un claro uso de la pincelada suelta.

Composición asimétrica y dinámica,  está pensada para verse desde la derecha, con grupos que van alejándose en diagonal hacia la arquitectura. Los grupos aislados del gran eje, como la ultima cena, son típicamente manieristas.

Línea y color: Predomina el color sobre la línea debido del uso de una pincelada suelta característica de este autor. Tintoretto usa una gama de colores  amplia; basta ver cómo combina colores cálidos (como los rojos, rosas, carnes y marrones) y fríos (como los azules utilizados mas en el fondo) y los distintos grados de saturación de éstos.

La luz que baña la escena es difusa y crea en esta ocasión un claroscuro bastante acusado que genera una gran sensación de volumen tanto en la figuras como en la arquitectura en la que éstas se sitúan.

Espacio, está representado por medio de una forzada perspectiva lineal en la que el punto de fuga se coloca muy desplazado del centro de la imagen, dentro del arco de triunfo de la izquierda del cuadro. Llama la atención la perspectiva del cuadro y la situación de Cristo dentro de él.  Añade el uso de una perspectiva aérea observable en la mesa y su espacio interior (casi pintando el aire).

 Figuras: Las figuras que se representan son realistas ya que copian la realidad, con un buen uso del canon, posiciones dinámicas y algunas forzadas.

Comentario

Esta obra pertenece a la pintura veneciana ya que podemos observar algunas características claramente de ella: el empleo del lienzo, técnica al óleo,  la perspectiva aérea y dotan las obras de una mayor sensualidad y eliminando su carácter racional por uno más visual y sensitivo que triunfará en el Barroco.

Esta escena del lavatorio de los pies que Cristo hace a los apóstoles es una obra de encargo que recibe Tintoreto para la iglesia de san Marcuola en Venecia. Tenía que hacer juego en la iglesia con otro cuadro con la escena de la Última cena situado justo enfrente. Era un encargo importante y el joven pintor se esmeró para demostrar su valentía en el arte y su dominio de las tendencias más actuales de su época.

Comienza a mezclar lo veneciano (color, pincelada, uso de arquitecturas palladinas) con formas manieristas (algunas recuerdan a Miguel Angel, descentramiento de la perspectiva, lectura dislocada, no lineal,  y perspectiva acelerada).

En la etapa posterior, el barroco, el estudio de la perspectiva y de profundidad que hizo Tintoretto en esta obra fue muy admirado años después por Diego Velázquez que lo traería a España en uno de sus viajes a Italia (Espacio de la Meninas). 

Christian Toscano. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

PARA SABER MÁS DEL PINTOR Y SU OBRA

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26/03/2017 17:32. sdelbiombo #. Pintura veneciana No hay comentarios. Comentar.

Análisis y comentario de las Tres Gracias. Rubens

La pintura que se nos presenta es de carácter mitológico, ya que nos cuenta el mito de las 3 gracias. En ella se pueden diferenciar a las hijas de Zeus y la ninfa Eurinome. Éstas presidían los banquetes, danzas y todas las actividades placenteras. Además podemos reconocer a un personaje real en esta pintura, la gracia más situada a la izquierda es su amante y segunda esposa Helena Fourment. La finalidad de esta pintura es propagandística como es usual en la época.

 El soporte de esta pintura es el lienzo y su técnica es el óleo donde se emplea el aceite como aglutinante. La pincelada suelta es muy visible.

La composición es simétrica donde la gracia del medio actúa como eje central , creando una composición triangular llena de múltiples curvas, lo que crea un mayor dinamismo en la escena.

 La luz naturalista incide mucho sobre los cuerpos, creando figuras resplandecientes, muy iluminadas y llenas de luz, lo que hace destacar a las figuras sobre el fondo. Además, la luz matiza bien el volumen de los cuerpos.

En el espacio se puede observar un paisaje con perspectiva aérea o sfumato.

Las figuras son realistas ya que intentan imitar la realidad y los cánones de belleza del período, es un canon opulento voluminoso muy alejado de la armonía clásica. Se encuentran en una postura bastante estable para el período en el que fue pintada, pero está presente la expresividad y la relación que existe entre los personajes. Las texturas se pueden ver principalmente en los cuerpos de las gracias o en el paisaje.

Comentario

La obra que se nos presenta es Las tres gracias de Rubens.

Esta obra pertenece al período barroco, más concretamente a la pintura de los Países Bajos. Esto es visible en la función propagandística tan característica del Barroco para dar la sensación de aparentar, la poca idealización de las figuras mostrando un canon opulento, el movimiento que provocan las numerosas líneas curvas o el propio color y el tratamiento emocional del tema. También podemos reconocer los rasgos barrocos en la composición tan exuberante.

Los principales comitentes de esta obra son una nueva clase social, el rey y la nobleza cortesana que encargarán estos cuadros para mostrar su poder económico.

Rubens cogerá numerosas influencias de otros autores como Bernini en la forma de componer, de Caravaggio en su interés por las texturas, de Miguel Ángel la forma serpentinata, el canon ensanchado… o de la pintura veneciana el interés por la naturaleza y por la pincelada suelta. Servirá como influencia de las futuras obras del Barroco y en autores como Rembrandt o en el barroco español.

Nerea Viejo, 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE RUBENS

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24/03/2017 18:58. sdelbiombo #. Barroco Holanda y Flandes No hay comentarios. Comentar.

Análisis y comentario. RONDA NOCTURNA. REMBRANDT.

Tema. El cuadro se inserta dentro del género del retrato corporativo, tan característico de la escuela holandesa del XVII, que responde así a una peculiar situación social y política en donde la burguesía tiene un fuerte poder (frente a la nobleza e iglesia en los países católicos), convirtiéndose en comitente.

Concretamente, representa a la compañía de milicianos comandada por el capitán Franz Banning Cocq, celebrando la visita de María de Médicis, viuda de Enrique IV de Francia, a la ciudad de Amsterdam.

 Composición. La obra está tratada de una forma particularmente dinámica, representando un gran número de personajes (en los que se evita las poses demasiadas estudiadas) saliendo de una callejuela en el momento de iniciar la marcha. El grupo aparece así, en medio de la noche, como sorprendido bruscamente por la cámara fotográfica.

La composición resulta extremadamente viva gracias al movimiento y actitudes diversas de las figuras (una toca el tambor, otra sujeta la bandera, dos limpian sus arcabuces, una niña corre entre el grupo...) y la yuxtaposición de planos y personajes que, eliminando toda jerarquía, busca expresar el movimiento del instante y la sensación de grupo

Réplica en relieve de bronce en donde se puede comprender mejor la composición y la construcción del espacio


Esta confusión y dinamismo, sin embargo, tan sólo es aparente. Si se mira con atención se puede observar una cuidada distribución de las masas en torno a las dos figuras principales que, fuertemente iluminadas, forman el centro del cuadro. En torno a ellas, ocupando un plano más lejano y oscuro, se abren dos grupos compuestos en forma semicircular que abren espacios vacíos a sus lados, subrayando su importancia.


Por lo demás, la obra se estructura en torno a dos ejes. El horizontal está determinado por un telón de figuras que cierran el espacio inferior, mientras que el vertical determina la posición del capitán. A ellos se unen, animando la escena, las diagonales marcadas por la larga lanza de la derecha y el asta de la bandera que tiene continuación en el bastón del capitán. Ambas líneas se cruzan en la niña, fuerte y extrañamente iluminada que, según algunos autores, podría ser la aparición casi fantasmal de Saskia, esposa del pintor fallecida ese mismo año, que porta un gallo, emblema de la compañía.


Pincelada. Como es habitual de la época y el autor la pincelada, heredada desde la escuela veneciana, es suelta, con gran riqueza de empastes (distintos según las zonas) y gusto por el tratamiento de las texturas. Aplicada a base de manchas la técnica define las formas sin recurrir al dibujo, buscando una unificación entre las cosas y los personajes con su entorno, difuminando los contornos.

El color. Toda la obra se desarrolla en tonos cálidos a base de ocres y tierras animados por los tonos rojos del echarpe que fijan la visión del espectador en la persona del capitán, destacando sobre su ropa negra, y los blancos dorados (tan típicos del autor) haciendo ecos a sus lados. En torno a esta zona de mayor cromatismo, surgiendo de la penumbra, aparecen pequeños puntos cálidos en las distintas caras y manos de la muchedumbre, como una especie de constelación que girara, tumultuosa, a su alrededor.


La luz. Básicamente proviene de la parte izquierda y resulta fundamental como modeladora de las figuras y sus colores, dando una sensación de cierta teatralidad, tan típica de la época. Gracias a ella se nos destacan personajes y gestos que surgen de la penumbra, tal y como ya hacía Caravaggio, que tanto influyó en el autor. Sin embargo, en Rembrandt, esta luz resulta menos tajante que en el italiano, añadiéndole unos valores atmosféricos que unifican la escena y la humanizan, creando un verdadero espacio misterioso desde el que emergen los personajes de una manera efímera, como imágenes fugaces que forman parte propia del ambiente.


Por otra parte, como ya se dijo, la luz es la verdadera constructora en su estilo, potenciando las sensaciones de movimiento y dinamismo del grupo al mostrarnos sus múltiples gestos y ademanes que la propia penumbra subraya. Genera, además, el espacio, guiándonos por él gracias a estallidos luminosos que nos introducen en el lienzo (como la figura de la niña, en segundo plano y fuertemente iluminada) o nos lo comunican hacia el exterior (brazo del capitán extendido hacia nosotros y a la vez incluido en el cuadro gracias a su nítida sombra sobre el traje de su acompañante). Por último, el tratamiento lumínico de la obra consigue crear una sensación de conjunto que, sin omitir la individualización de los personajes, unifica todo el ambiente consiguiendo un efecto total a la vez que cotidiano.

 

El espacio. La sensación producida por el cuadro, desarrollado en la calle, se pone en relación con el espectador, haciendo penetrar su espacio gracias a la acentuación del movimiento dentro-fuera que arranca desde las tinieblas del fondo y culmina en la mano extendida del capitán que invade nuestro espacio uniéndolo al del lienzo por la sombra proyectada sobre la ropa de su lugarteniente.

Esta preocupación por lo espacial y su relación con el espectador es típica del Barroco y, con distintos medios, podría observarse también en un cuadro contemporáneo de la Ronda, como sería las Meninas.

Personajes

Ya analizados anteriormente, destacan por su realismo, naturalidad, dinamismo y trabajo de las texturas.

 

COMENTARIO.

 Esta obra es el perfecto ejemplo de lo que significó el estilo del Rembrandt maduro, pleno de facultades, que utiliza todos sus medios técnicos para conseguir una imagen potente y perturbadora que va más allá del puro encargo recibido.

Entre sus mayores logros destaca la luz, bajo cuya dirección se organiza composición y cromatismo. Las sucesivas capas de barniz que se aplicaron con posterioridad para proteger la obra han formado una pátina, oscurecida por el paso del tiempo, sobre la superficie de la obra que debió ser más clara o, al menos, más visible, haciendo apreciable la arquitectura del fondo, lo cual redundaría en favor de una estructura más estable y un espacio más concreto, cerrado por este telón de piedra, en donde la multitud y sus movimientos sería aún más intensos, potenciando la sensación de escenografía tumultuosa generada a través de los múltiples recorridos que el espectador puede realizar por el laberinto de personajes que ocupan el espacio y lo animan con sus gestos y direcciones contrarias.

Esta última característica redunda en su ya citada sensación de cotidianeidad, de escena sorprendida en pleno desarrollo que se expone como un instante atrapado y separado del tiempo, tal y como era habitual en el barroco, al igual que el tratamiento de la luz, del espacio continuo y degradado en profundidad o el ansia de realismo y las composiciones movidas por diagonales y ademanes de los personajes.

Todas estas características, tras un periodo de oscuridad y silencio que sucedería a la obra de Rembrandt desde la mitad de siglo, cautivarán a pintores posteriores como Goya (sobre todo a través de su grabados), románticos como Delacroix o, ya en el siglo XX, al propio Picasso, que siempre asimilará la figura de Rembrandt con la del pintor por antonomasia, dedicándole numerosas obras en los años últimos de su vida, cuando su labor se volvió sobre la propia pintura y reinterpretó (enfrentándose a ellos) a autores consagrados, como Rembrandt o Velázquez.

 

 

04/02/2017 12:07. sdelbiombo #. Barroco Holanda y Flandes No hay comentarios. Comentar.

UN PLANO INTERACTIVO DE LA ALHAMBRA

12/11/2016 20:11. sdelbiombo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

HUIDA A EGIPTO. GIOTTO

22/10/2016 18:48. sdelbiombo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

LA FACHADA OCCIDENTAL DE LA CATEDRAL DE REIMS

-Análisis:

La fachada a analizar tiene una fuerte tendencia a la verticalidad y está compuesta por tres pisos los cuales contienen unas puertas de acceso, un rosetón enmarcado con un arco apuntado, una galería en la que también se encuentra la tribuna y por último dos torres al que le faltan las agujas caladas.

Esta fachada esta construida con la técnica llamada sillería cuyos componentes (sillares) están perfectamente cortados y cada elemento apreciable nos remiten al gótico. Los arcos que posee son apuntados, algunos rematados con gabletes, componentes totalmente decorativos propios de este estilo; también posee un rosetón, contrafuertes y pináculos.

Debido a la gran cantidad de vidrieras que contiene, se puede decir que el vano predomina sobre el muro.

En su decoración se puede ver de manera más clara que es esta fachada es de arquitectura gótica ya que contiene arcos ciegos, tracerías con trifolios y tetrafolios y numerosas vidrieras. Pero eso no es todo sino que todos estos elementos están también acompañados de esculturas en la galería y en las jambas de las puertas.

En cuanto a la luz, la fachada es bastante articulada y la luz tendrá una influencia importantísima en el interior por la multitud de vidrieras de las que consta la construcción. 

Gracias a la composición de la fachada podemos saber que en el interior nos encontraremos con una planta longitudinal dividida en tres naves cuyo crucero será coronado con un cimborrio.

Y por último en cuanto al entorno que la rodea, cabe destacar que es una arquitectura que por su altura ya predomina sobre los edificios que la rodean por lo que es una construcción que se convierte en un símbolo visual de la ciudad.

 

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-Comentario:

La fachada en H o normanda ya nos informa de que nos encontramos ante una arquitectura de origen gótico, al igual que su verticalidad o los elementos constructivos que posee, aunque este modelo propiamente dicho tiene como antecedente el Románico normando.

Además por su modo de construcción la podemos clasificar en una etapa concreta del arte gótico, la cual sería el gótico clásico pero con presencia de algunos elementos que indican que también fue realizada en la siguiente época, la flamígera.

De la época clásica podemos apreciar los arcos y las tracerías con tetrafolios mientras que en las partes altas de la fachada se ve una decoración más ornamentada, algo propio del gótico flamígero, de hecho las torres serían terminadas con dos agujas caladas pero éstas no se llegaron a construir.

Este estilo surge a finales del siglo XII con el cambio ideológico, económico y social que se produce en la época, ya que surge la burguesía, comerciantes enriquecidos por el comercio y la artesania (gremios) que serán los nuevos comitentes y los mayores promotores del arte urbano centrándose sobretodo en las catedrales.

Estos burgueses pedirán un arte distinto al que se dio en los siglos anteriores, concretamente en la etapa del arte románico. En el ámbito religioso ya no se busca someter a los fieles y buscar su obediencia a través del miedo (control ideológico) sino que ahora se busca atraerlos de manera positiva, a través de los sentimientos.

La arquitectura más importante en estos siglos será la catedral, edificio que será el centro en el que toda la ciudad se volcará ya que su construcción puede durar siglos enteros. Lo que destaca es la importancia que se le da a la luz ya que se le considera divina y algo necesario, por ello estos edificios constarán de una gran cantidad de vidrieras, lo que hará que también se tengan que desviar los pesos. 

El mismo estilo tendrá una evolución a lo largo del tiempo, desde su primer estilo que es el protogótico del siglo XII, pasando por el clásico (s. XIII) con obras como la catedral de León, el marienista (s.XIV) con obras como la catedral de Burgos y por último el flamígero y más recargado en adornos. (s.XV) con obras como San Juan de los Reyes. Este último estilo acabará siendo sustituido por el Renacimiento. 

Nerea Sánchez. 2º Bachillerato.  IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 PARTES DE UNA FACHADA GÓTICA

Imágenes tomadas de wikipedia

Catedral de León

Catedral de Notre Dame. París

Catedral de Burgos


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12/10/2016 13:42. sdelbiombo #. GÓTICO No hay comentarios. Comentar.

EL PUENTE DE ALCÁNTARA

.Realizado a principios del siglo I d C como parte de la calzada de la Vía de la Plata de la región Lusitana por Cayo Julio Lacer

Formado por arcos de medio punto que apoyan en grandes pilares sin aliviaderos ni cuñas para cortar la corriente

.En su centro (reconstruido) se alza un arco del triunfo

Como forma de decoración las partes altas se encuentran almohadiladas

02/10/2016 17:42. sdelbiombo #. Arte romano No hay comentarios. Comentar.


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