Tomado de http://clemenciasenil.blogspot.com/search?updated-max=2009-04-20T00%3A47%3A00-07%3A00&max-results=15

Es el momento cultural que nos ha tocado vivir. La etiqueta que le han puesto a la cultura desde los años ochenta (aunque sus raíces se encuentran en pensadores de finales de los 60). Intentaré explicarlo un poco.

La modernidad habría comenzado en torno al siglo XVIII con un movimiento llamado ilustración. Sus pensadores (Rousseau, Montesquieu, Voltaire, Newton…) querían llegar a la felicidad por medio de la razón. La razón aplicada a la política (de la que saldría nuestra actual democracia), a la ciencia (con el método científico), al arte (con el neoclasicismo) o a la vida cotidiana (eliminando todo tipo de supersticiones, de tradiciones ilógicas…).

Goya. Detalle de uno de sus famosos caprichos

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Caprichos

Este proyecto generó un enorme avance en todos los campos, y nos aportó el modelo tecnológico actual en donde nuestra vida está cada vez más ayudada por la ciencia, la tecnología, las máquinas…También consiguió enormes avances sociales (desde el voto universal a los derechos humanos) y económicos (la revolución industrial de finales del XVIII que fue haciéndose cada vez más potente hasta llegar a la actual globalización).

Todo esto estuvo muy bien, pero a mediados del siglo XX la modernidad comenzó a presentar cada vez más puntos oscuros. La ciencia que nos había ayudado tanto también sirvió para provocar las matanzas de la I y II Guerra Mundial o consiguió crear la bomba atómica. Las máquinas nos hicieron más poderosos y ricos, pero también comenzaron a destrozar el medio ambiente de nuestro planeta. La economía cada vez se agrandó más pero eso provocó crisis y también una pobreza cada vez mayor en algunos países (los subdesarrollados) y sectores de población.

Pero ahí no acabó todo. La teoría de la relatividad abrió caminos nuevos a la ciencia, que cada vez vio con mayor claridad que todo no era tan lógico como parecía (e incluso comprobó que el propio científico interfiere en los resultados de sus experimentos).

En el terreno del pensamiento las investigaciones de Freud demostraron que, además de la razón, el hombre se encuentra dominado por instintos subconscientes, y Marx y sus seguidores pusieron en evidencia que el capitalismo no era tan armonioso como parecía, y que llevaba dentro suyo el germen de su destrucción. El golpe de gracia lo daría Nietzche cuando, más que la razón, dio más valor a la voluntad, a los sentimientos, al poder. En sus escritos también mató a Dios, que ya era innecesario ante el superhombre.

En el terreno artístico la evolución pasa del culto al sentimiento (Romanticismo), a la denuncia (realismo) o al final de la representación (post-impresionismo). El mundo se romperá en pedazos con las señoritas de Avignon de Picasso.

Señoritas de Avignon. 1907. Picasso

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/363.htm

Como veis todas las grandes verdades (la felicidad que nos daría el capitalismo o la ciencia, la idea de Dios, la razón, la idea de igualdad…) se fueron poco a poco rompiendo, y nos fuimos dando cuenta de que el proyecto ilustrado tenía sus límites. Comenzó entonces una época de sospecha. ¿Qué era verdad, que podía serlo para siempre, qué deberíamos conservar?

La nueva sociedad nacida de todos estos cambios cada vez se fue volviendo más individualista, más consumista, y ni siquiera la idea de la diferencia de sexo se mantuvo. En los años 60 del siglo XX el feminismo explota de forma incontenible y busca para la mujer un nuevo papel distinto al tradicional. En esos momentos también se rompe la idea de sabiduría tradicional. La edad ya no es un mérito, no hay que obedecer a los mayores (a menudo anclado en ideas que muy pronto se quedan antiguas) y ser joven se pone de moda. Se rompe también con el tradicional sistema de poder vertical (de arriba abajo), que se cuestiona desde todos los puntos de vista, se acaba con el tabú del sexo, con el de la propia obra de arte (y del autor, y del mérito, y el de la belleza) por parte de Duchamp que expone un urinario…

Duchamp. Fuente

Tomado de vagaquimera.blogspot.com/2007/09/marcel-ducha...

Una serie de pensadores (Foucault, Lacan, Derrida) comienzan a desmontar hasta los propios mensajes ya sean visuales como lingüísticos, haciéndonos conscientes de todas las trampas que tiene el lenguaje y la imagen. Todo se analiza y se revisa, se deconstruye (una palabra mágica para la época, reconstrucción) y se pone en cuarentena, pues han acabado ya los grandes discursos (Lyotard).

El muro de la modernidad se ha derribado a base de grandes mazazos y ahora sólo nos quedan las ruinas, pedazos de la antigua grandeza del proyecto moderno que pretendió hacernos felices y ahora parece un solar derribado. En este paisaje tras la batalla, surgirá la posmodernidad

Vicente Camarasa

Valla xenofobia

 Gracias a Ana (a la que tantos nuevos horizontes le debo este año), he conocido un blog sumamente interesante. Se llama simplemente Ä.

Detrás suyo se encuentra Ángel Constantino, un interesante fotógrafo y diseñador (no sé si este orden es el correcto), que ha comenzado a realizar un blog con su propia obra.

Ser humano.

 De su obra me gustan especialmente dos características. La primera de ellas es su fina ironía, tanto en sus puros juegos visuales como en otras piezas más elaboradas

 Bon Profit.

Don not disturb.

Me gusta también su rigor conceptual que elimina la paja superflua para centrarse en el mensaje.

 Siglo XXI

Pues son obras de una estudiada y calculada sencillez bajo la cual siempre hay una lectura más profunda. Fotos que ganan con el tiempo, cuando se las frecuenta y se va descubriendo en ellas que nada falta pero tampoco sobra.

Algunas verdaderamente inquietantes en cuanto logran resumir en una imagen, ideas profundas, rotundamente actuales.

En ese sentido una de mis favoritas es ésta. Me gusta por su sensación de que somos personas reconstruidas, hechas por decenas de vendas que van apilándose sobre lo que fuimos, que serán cubiertas por lo que seremos.

De la serie Máscaras.

 Si queréis entrar en el blog ésta es su dirección

http://a-dieresis.blogspot.com

Vicente Camarasa

 

Vermeer. La joven de la perla.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla

Un acercamiento interesante y bastante fiel a cómo era el mundo de los pintores en la Holanda del siglo XVII , se nos muestra en la Película “La joven de la perla”, que retrata la gestación de este famoso cuadro de Johannes Vermeer.

Vermeer es, probablemente, uno de los pintores más fascinantes que se pueden contemplar en nuestra vieja Europa. Vivió como un oscuro pintor provinciano, sin apenas salir de su ciudad natal, Delft, sobreviviendo gracias a la fortuna familiar de su esposa y al trabajo que, lentamente, hacía salir de su taller. El artista era muy meticuloso, trabajaba con gran minuciosidad, en cada uno de sus cuadros, que no solían ser muy grandes.

Vermeer fijaba un motivo frente a su caballete, estaba especialmente atento a las variaciones de la luz, por lo que en sus obras suelen aparecer cerca de la ventana, e intentaba captarlo a través de las lentes de la cámara oscura. No obstante, este post no trata sobre su forma de trabajar, lo que indudablemente es importante, sino de cómo influyeron las circunstancias históricas y comerciales del momento en el resultado de su pintura.

Vermeer. La lechera

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Vermeer_-_The_Milkmaid.jpg

En 1660 , cuando empieza a desarrollarse su producción más importante, Holanda ha conseguido, tras varios años de luchas, su independencia de España. La República de los Países Bajos, las Provincias Unidas, son un estado aristocrático con importantes intereses comerciales, ya que su única riqueza viene de su posición estratégica , entre Inglaterra, Francia Alemania y los Países Nórdicos, su marina y la importancia de su mercado , especialmente textil y productos de lujo.

Pero además de independizarse de España, Holanda ha conseguido expansionarse en el Indico y en el Atlántico. Se ha fundado la Compañía holandesa de las Indias Orientales en 1602 y  Holanda consigue importantes enclaves portugueses , como las Molucas , Indonesia , o establecer compañías que comercien con los nativos. Las principales importaciones son las especias alimentarias: canela, clavo, pimienta, azafrán. Pero hay otras.

En los cuadros de Vermeer es frecuente un elemento que también se ve en otros pintores de la época: los mapas. Las casas de alcurnia ostentaban con orgullo este elemento decorativo, no sólo símbolo de estatus, sino también toda una declaración de principios. Los mapas suelen mostrar el territorio holandés, ganado después de tantos esfuerzos, pero también aparecen mapamundis, que muestran la vastedad de enclaves en los que se asienta el imperio holandés : América del Norte, Brasil, Indonesia, India...  y en uno de los barcos que hace el trayecto de vuelta a Amsterdam, entre otras mercancías, viaja una carga preciosa.

Vermeer. Alegoría de la pintura.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_arte_de_la_pintura

Si observamos las siguientes obras : “La lechera”, “ Mujer con collar de Perlas” , o la” Alegoría de la pintura”, notaremos la presencia de un color cálido, brillante, envolvente: es el amarillo índigo.

Inútilmente lo buscaremos en Velázquez o en Murillo. Este color está en los cuadros de Vermeer porque era Holanda quien controlaba el comercio con sus productores. Resultaba un color caro por cómo se obtiene: a partir de la orina de la vaca que se haya alimentado de hojas de mango. El sistema, además de costoso, era cruel, ya que el estómago de la vaca no tolera bien este alimento, por lo que a la larga se acabó desechando. El brillo es intenso, casi aúreo, y no es extraño que el pintor lo empleara muy a menudo. El hecho de que aparezca en los vestidos de las mujeres da cuenta de la importancia que tenía como tinte. Las ropas teñidas con él parecen ser de seda, tejida del tipo raso o satén, que también era un objeto de importación, y por tanto de prestigio. Por tanto, mapas y sedas situaban inmediatamente al modelo en una categoría, la de los favorecidos por la fortuna del próspero comercio holandés.

No olvidemos por último la protagonista de su cuadro más famoso, la perla. El tamaño de la misma es considerable, sin duda es un objeto exquisito.  Su llegada a Amsterdam pudo provenir de la isla de Ceilán , donde pescarlas era una tradición nativa. 

Ana Molinero

Etiquetas: Vermeer, color, índigo

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Vicente Camarasa

Me ha llamado la atención dos obras recogidas en la ventana del zulo que hablan de un tema que cada vez me interesa más: el camuflage o la invisibilidad.

Resulta curioso que en plena era del individualismo militante nuestra propia personalidad vaya quedando cada vez más camuflada dentro del paisaje global. La moda (tanto en las vestiduras como en los propios pensamientos) nos hace cada vez más iguales al mundo, seres planos perfectamente invisibles (integrados, como diría Umberto Eco).

Es la pérdida del pensamiento crítico del ser diferentes no por pura pose sino por necesidad vital, aunque eso signifique darnos visibilidad y estar expuestos a la crítica o la simple risa.

¿Sería eso una nueva señal de los tiempos o, por el contrario, uno de los problemas que deberíamos resolver para salir de esta crisis, que más económica es moral y de ideas, en la que estamos sumergidos?

Las dos primeras fotos pertenecen a Emma Hack , y además de lo ya dicho, me resultan extremadamente sutiles, una verdadera reconversión del art nouveau  a los tiempos posmodernos en donde toda belleza tiene su lado oscuro

En cuanto a las dos siguientes, el artista es Liu Bolin, un artista plástico chino mucho más contundente, que elimina los rasgos de esteticismo para dar una mayor fuerza a este mensaje de no ser nadie

Todas las imágenes han sido tomadas de

http://laventanadelzulo.blogspot.com/search/label/Arte?max-results=20

Vicente Camarasa

 

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Vicente Camarasa

(Las fotografías son libres, pero si váis a utilizarlas citad su fuente, por favor)

Julian Schnabel.

Tomado de elsindromechejov.blogspot.com/2007/01/cheever

Aquí puedes consultar la primera parte

 Con frecuencia decimos que si el aspecto externo de un objeto ha cambiado (su apariencia) es debido a la variación de la luz que lo ilumina, pero para ser conscientes de esa “modificación” en la apariencia, los cambios cualitativos de la luz deben ser bruscos y evidentes, ya que si no pasan inadvertidos para la gran mayoría de personas.   Algo que no ocurre con los pintores puesto que captan mejor los elementos que matizan cada color y son ellos los que tienen una gran capacidad para convertir los colores de superficie (permanentes) en colores de estímulo.

Esto lo saben muy bien los impresionistas para los cuales la luz captada en ambientes naturales se convierte en objeto central en sus composiciones 

Catedral de Rouen. Monet. Una serie en la que, desplazándose progresivamente, quería estudiar las variaciones de la luz en la fachada con el paso de las horas.

En el post-impresionismo Vincent Van Gogh con una pincelada muy pastosa, emplea colores agresivos y saturados para mostrar así el mundo hostil que percibe y Cezanne para quien “un cuadro no representa más que colores”, mezcla unos colores con otros para conseguir un todo armónico (sinestesia; la pintura como música)

El sembrador. Van Gogh.

Tomado de lasonceyonce.blogspot.com/

En el siglo XX surgen numerosas tendencias basadas en una forma de expresión más libre del artista. Algunas vanguardias como el Fauvismo (Matisse, Derain) darán mucha importancia al color (con su uso no se pretende representar la realidad sino generar relaciones con otros, al igual que Cezanne) y el Expresionismo (Munch, Kirchner) que combina la deformación en el dibujo y la utilización de colorido exagerado y distorsionado) 

El grito. Munch.

Tomado de miriadas.wordpress.com/.../una-soledad-asistida/

A partir de este momento somos conscientes de que en arte contemporáneo las formas de entender el significado del color son diferentes ya que aquí podemos encontrar desde intenciones simbólicas y emocionales (KANDINSKY. ,u experto en el estudio del color y para quien los colores representan estados anímicos) y en una línea parecida, Mondrian que también cree en el contenido espiritual de los colores (COMPOSICIÓN?) hasta el empleo puro del color en el expresinismo abstracto de los años 50 (MARK ROTHKO donde se elimina la forma y cuyas obras buscan emocionar al espectador, envolviéndole con colores representados en franjas, el color field).

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Mark_Rothko

Pollock, a través de la técnica de goteo de la pintura (dripping) crea una obra en la que no hay principio ni fin sino un recorrido continuo) Otra figura destacada es el artista  Yves Klein  (con influencia de Goethe) que aspira a la sensación de “absoluta espiritualidad” a través de obras monócromas de un azul especialmente intenso, el color IKB (International Klein Blue).

Sin embargo, no debemos pensar que el color es algo exclusivo de la pintura, pues en escultura también puede tener sobre nosotros unos efectos sorprendentes y esto donde mejor se puede ver es en la figura de Anish Kapoor, nacido en la India en 1954 y cuyo uso del color en sus obras hace introducirse al espectador en un mundo inmaterial donde la intensidad del pigmento puro esparcido sobre las formas de montaña le aporta un aspecto mágico que supone un verdadero deleite para los sentidos.

Tomado de Tomada de http://mollytate.wordpress.com/geometric

Mar San Segundo

Como fin de fiesta, y después de tantas aportaciones y sugerencias, Ana nos ofrece el trabajo que han realizado los alumnos de 4º ESO jugando con las texturas. Se eligió para ello obras del modernista Klimt, y poco se puede decir sobre los resultados.

 IM-PRESIONANTES.

Verdaderamente, el año ha sido pródigo en hallazgos de todo tipo, tanto personales como profesionales. Como un niño pequeño he reaprendido a ver el mundo desde unas nuevas sensibilidades (artística en Ana, literaria en Rocío, vital sin perder la racionalidad en JV, maravillosamente irónica en Ignacio, tan tierna en Alejandra, tan profesional en Juanjo, musical casi renacentista en Jorge…) que me han enriquecido sobremanera, me han sacado de la triste tranquilidad de una fase ya acabada de mi vida y me han abierto muchos horizontes nuevos.

Otro tanto ha ocurrido con muchos nuevos alumnos que me han permitido conocer una nueva forma de vivir y tanto cariño me han dado, contagiándome su alegría de vivir, su ternura a veces brusca pero auténtica, los bellos paisajes de su entorno…

A todos ellos, muchas gracias, sólo eso, por una vez prefiero no poner más palabras que estropearían lo que verdaderamente siento.

Y pasado el rollo, os dejo con lo verdaderamente importante. Las fotos pertenecen a las obras realizadas por :Noelia Sanz, Mónica Pertínez e Itziar López (el beso); Sara Gómez, Sergio e Ismael (el abrazo); Noelia Díaz y Elena (La Sirena), Las tres edades( fragmento): Gema y Sonia (la tres edades, fragmento);  Bárbara y Juliana (Friso de Beethoven); Vanessa y Catalina. Todos alumnos de 4º ESO A del SIES La Poveda en Campo Real

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Vicente Camarasa

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2009/04/21/sentidos-de-juan-munoz

 A Juan Muñoz, como buen barroco, le fascinaban los espejos que multiplican la realidad; le gustaban los suelos de baldosas que crean trampantojos a la mirada, figuras que hablan y se relacionan.

Como artista Barroco amaba el enigma que tienen las Meninas de Velásquez en donde la realidad y la pintura se confunden; amaba que el espectador se integrara en sus obras, se pasera entre ellas Me gustaría que el espectador pudiera entrar en la obra de arte como un actor entra en su propia escena... Me gustaría que quien acude a una exposición, ya sea en un museo o en una galería, se comportara como lo haría un actor, un actor inmóvil

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2009/04/21/sentidos-de-juan-munoz

Y es que Juan Muñoz vivía para engañarnos con las apariencias, para decirnos que lo más importante es el espacio o el movimiento. Como buen artista barroco disfrutaba tanto haciendo sus figuras como ideando las escenografías que las iban a envolver, y gustaba de los enanos, de la música, del gesto y la luz expresiva y sus grandes sombras provocadas, como un nuevo Caravaggio

Tomado de http://latadezinc.blogspot.com/2008/08/juan-muoz-madrid-1953-ibiza-2001.html

Decenas de veces, mientras vemos sus obras, podemos recordar a Velázquez, a Bernini escultor, a Borromini, Rembrandt incluso. Su obra está tan llena de ellos que no le falta ni siquiera la música que debieron acompañarlas en su momento.

Pero Juan Muñoz es algo más que un artista barroco, le sobra cinismo y la faltan certezas para serlo. Es un artista posmoderno que encaja tan fácilmente en nuestro tiempo que es lógico las masas de gente que han invadido el reina Sofía.

Él ya no tiene un rey ni una iglesia que defender (como haría Bernini o Velázquez), ni siquiera una burguesía a la que alabar (como hacía Rembrandt).

Él vive en un tiempo en el que ha dejado de haber tiempo. Un tiempo cíclico y sin grandes discursos, un mundo plural, acaso quisiéramos que multicultural en donde los chinos se mezclan con los enanos y los dibujos animados, las bailarinas sin pies con los desastres ferroviarios.

Tomado de http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

 Un mundo sin Dios, asesinado por Nietzche y finiquitado por la propia Iglesia. Un mundo en donde todo cambia pues la vida se ha vuelto líquida y se adapta a cada nuevo vaso que pretendemos llenar.

Pieza de conversación

Tomado de http://www.elmundo.es/albumes/2009/04/21/exposicion_juan_munoz_reina_sofia/index_1.html

Y nada permanece, nada es real del todo, el mundo se ha vuelto un simulacro, como las Vegas y sus hoteles que remedan los canales venecianos.

Por eso todo nos sorprende, porque nos intenta engañar y luego, como un buen y disciplinado agnóstico, nos enseña los trucos del engaño. Las esculturan parecen hombres pero no lo son, para que paseemos entre ellas sabiendo que se parecen a nosotros mismos pero son mentira.

Es tal la brutalidad de sus esculturas que éstas hablan y mueven los labios para luego… no decir nada, o contárselo sólo a una pared. ¿Acaso porque no hay ya nada que decir, sólo murmullos, como una televisión encendida para nadie?

Tomado de http://latadezinc.blogspot.com/2008/08/juan-muoz-madrid-1953-ibiza-2001.html

Y todo parece realista, pero no lo es. Los ojos están pellizcados en su resina para que, cuando nos acerquemos nos encontremos con una realidad muy distinta a la que nos parecía, igual que a menudo realiza Barceló

 Y es que, como ocurría en Dubufet, las obras de Juan Muñoz tienen algo de risa y algo de miedo. Nos sorprende y nos divierte, primero, para provocarnos un escalofrío después. Sus obras se dejan mirar fácilmente, pero se olvidan con mucha dificultad, pues en el fondo todo nos recuerda la triste condición humana, su desvalimiento, lo poco que somos frente a lo mucho que nos creemos

Tomado de http://www.elpais.com/fotografia/cultura/i/Hanging/figures/i/1999/elpfotcul/20080124elpepicul_3/Ies

 Y si todo lo dicho ya sería bastante, no es suficiente para la obra de Juan Muñoz. Pues falta el público, quizás mucho más importante que su obra. Como ya hiciera Duchamp con su famosa fuente su arte queda incompleto sin un espectador que lo mire y lo sienta.

Tomado de http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

Para eso sus figuras no son sólo figuras, sino piezas en un espacio. Las obras no se cierran en sí mismas sino que se abren a las salas y las transforman sólo para que el espectador pueda entrar en el juego y andar entre ellas, pararse, darse la vuelta, sentirse incómodo entre chinos sonrientes ,  un verdadero dios ante otras diminutas o formar parte de ellas convirtiéndose en una sombra junto a la sombra proyectada.

Lo vi en Bolonia

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Mu%C3%B1oz_(escultor )

Quizás sería muy interesante, acaso más interesante que ver las propias obras, fijarnos en dos cuestiones: cómo modifican el espacio circundante haciéndonos visible nuevas formas de percibirlo y qué curiosas relaciones establece con el espectador al que obliga a convertirse en un verdadero mirón, como hacía el Picasso último, haciéndole entrar en la intimidad de los grupos que hablan entre sí, obligándole a agacharse para contemplar un rostro que luego no podrá ver, reflejándose en los espejos mientras gira en torno a una obra, escuchando la pared por si acaso hay algo que oír tras ella… Un verdadero espectáculo, sobre todo el de los niños que aún no conocen la vergüenza y se dejan arrastrar por las sugestiones de esta obra rica, múltiple, divertida y terrible, de la que hemos intentado destacar algunas clave, aunque es IMPRESCINDIBLE ir a conocerla en persona y sentirla por uno mismo, pues seguro que encontrará nuevas ideas que nos encantaría que compartiérais en este artículo.

Yo, por el momento, pongo un enlace con la más joven colaboradora de nuestro blog, Aurora, que desde su sensibilidad increíble (jamás he visto a un niño ver las obras de arte con esa facilidad, sacar el mensaje oculto en ellas como si estuviera escrito en letras fosforescentes), nos cuenta sus experiencias

 Si queréis ver más, aquí tenéis vídeos interesantes

http://www.youtube.com/watch?v=SOXCBkODfeg&feature=related (Un niño viendo la exposición)

http://www.youtube.com/watch?v=hkUuylN9tF0&feature=related (Las esculturas que respiran)

http://www.youtube.com/watch?v=Qlw-6WuKCUM&eurl=http%3A%2F%2Fblogs%2Elarioja%2Ecom%2Fnoesundiacualquiera%2Fcategory%2Farticulos&feature=player_embedded (general)

Para leer más cosas sobre Juan Muñoz

http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Juan/Munoz/2255

Vicente Camarasa

Etiquetas: JuanMuñoz

En este artículo analiza la importancia geográfica, política y económica de la Sierra del Segura (Jaen) y nos muestra unas curiosas fotos sobre la misma.

Esperamos más artículos del tema, claro; todo un menú de degustación entero y no sólo un plato (aunque eso sí, maravillosamente emplatado). Queremos el Bulli entero.

Vicente Camarasa