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Se muestran los artículos pertenecientes al tema Desde los 80 a hoy. Postmodernidad.

Peter Fischli y David Weiss. El curso de las cosas

Peter Fischli y David Weiss formaron un extraordinario equipo artístico cuya obra se ha movido entre el video-arte y el mundo neodada (aunque con un fuerte contenido político y social que les podría aproximar al arte político de Krugger, Guerrilla Girl, Trokell, Hacke...), jugando con la baza de la ironía (cuando no la pura parodia) para desvelar oscuros instrumentos de dominación social.

Una de sus obras más reconocidas es esta famosa película (casi 30 minutos) de 1987.

Hoy en día, tras los efectos mariposa del Hormiguero y los virales de internet, acaso nos puede parecer demasiado visto, pero en su estreno fue un verdadero aldabonazo.

En realidad se trata de una combinación de reacciones físicas y mecánicas que, si nos dejamos llevar por las imágenes, nos fascinará por su suspense, por sus constantes sorpresas y movimientos.

En realidad, el origen de esta idea la podríamos rastrear en las máquinas de Tinguely, unas verdaderas máquinas inútiles que ya vimos aquí que, en su momento más extremo, pueden legar a autodestruirse. Como ellas son una verdadera parodia del mundo industrial y la ciencia, utilizados con el sentido contrario al que les he propio, la productividad.


Frente a ello, y como buenos neodadas, apuestan por los más complejos cálculos y efectos para el simple entretenimiento, con una estética en las antípodas del glamour y la belleza (¿o acaso esa es la belleza de nuestros tiempos, tan puramente líquida antes incluso de que la bautizara Bauman?).

Y ya puestos en la metáfora, ¿podríamos ver en esta película algo de nuestra propia vida, de nuestra sociedad "perfectamente sincronizada"?

Bajo las apariencias de banalidad, la obra de Peter Fischli y David Weiss nos ofrece un panorama en el fondo apocalíptico en donde la grasa del suelo o un neumático destrozado conviven con la más estricta sincronía

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08/06/2015 18:43. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

GUERRILLA GIRLS. FEMINISMO Y DENUNCIA

Tomado de depasoarte.blogspot.com.

Sólo el 5% de los artistas representados en el museo son mujeres. El 85% de los desnudos son femeninos.

Acaso sea ésta una de las obras emblemáticas de este colectivo que inició su andadura en 1984 y en la actualidad ya se considera extinguido aunque existen numerosos autores que siguen su línea de trabajo

Enmarcado en la doble línea de arte de denuncia y feminista, sus obras renuncian a lo estético para buscar la denuncia del machismo imperante en el mundo del arte.

Su obra, como ya planteara Aurora Fernández de Polanco, es un perfecto ejemplo de arte impuro en el que se unen las referencias a la Historia del Arte (el cuerpo de la Venus o el fotomontaje de raíz dadaísta) con el uso de la palabra como portador de mensaje (y unido a ésta, la estadística como una forma de denuncia)

Era habitual (y de nuevo desde una raíz dadaísta) su presentación física con esas máscaras de gorila que fueron el símbolo de su identidasd, creando apariciones públicas en debates de arte que más tarde se convertían en carteles


Tomado de conchamayordomo

Un arte activista y comprometido que se aleja del "vaginismo" típico de feminismo para centrarse en cuestiones sociales, acercándose a los modos de contrapublicidad que tendrían su parangón con Holtzer o Bárbara Kruger, de la que ya hablamos en este blog

Para saber más

Vicente Camarasa

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09/12/2012 09:46. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

Paul Kuczynski . Arte para pensar... e indignarse

Paul Kuczynski , nacido en 1976 en Szczecin, se graduó de la Academia de Bellas Artes en Poznan.  Desde hace más de ocho años es uno de los ilustradores más galardonados del mundo. No podría ser menos, sus imágenes son verdaderas bombas de relojería que dejan nuestro mundo descubierto de hipocresía.

Nada queda fuera de su visión crítica, tan dulce en el estilo como corrosiva en el mensaje: las diferencias norte-sur, la ecología, la guerra, la pobreza y la riqueza como dos caras de la misma moneda, la cultura, la política, nuestras miserias cotidianas, la educación...

Son imágenes para pensar y recordar que bien valdría ponerlas delante de los grandes discursos que oímos una y otra vez. Nos vacunaríamos ante tanto eufemismo e hipocresía


Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Aquí os dejo una selección de obras tomada de Cuánta razón

Vicente Camarasa

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02/12/2012 10:26. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

CHILLIDA. EL PROYECTO DE TINDAYA

Tomado de http://paulinorivero.com/2011/01/19/tindaya-fundamental-fuerteventura/

Fue su última gran obra... que jamás llegó a concretarse. Excavar un antiguo volcán para que el hombre pudiera ver el mar y el horizonte, el sol, la luna y las estrellas. Una verdaera utopía y todo un testamento artístico.

Tomado de http://www.artifexbalear.org/tindaya.htm

En esencia se trataba de crear el negativo de la montaña en su interior, con conceptos cercanos a sus obras en alabastro en donde el vacío y la luz generarían la escultura. El último eslabón de su interés por el vacío que ya analizamos.

El proyecto fue de larga gestación, y el escultor viajó a numerosos lugares buscando su montaña. Al fin creyó encontrarla en Fuerteventura.

En la misma montaña ya existía una cantera de piedra, lo que permitiría reducir costes y recuperar un lugar degradado y en franco abandono

En su proyecto existiría una zona central sin ángulos rectos a la que se accedería por una amplia embocadura en pendiente. Sobre la cámara central se abrirían dos huecos que dejaran pasar la luz del sol y la luna.

Como puede advertirse, ya no sólo se trataría de vacío sino de un vacío de encuentro. Un lugar en donde el hombre pudiera reencontrarse a sí mismo a través de lo esencial: las entrañas de la tierra, la luna, el sol y el horizonte. Toda una colección de referencias entre el misticismo, el tao y el romanticismo tan típico de su obra pero llevado a dimensiones colosales.

La mentablemente, el proyecto nunca llegó a realizarse. Presiones medioambientalistas (a mi juicio mal entendidas) terminaron por embrollar lo que habrís sido su testamento y todo un polo de crecimiento (económico pero también espiritual) para la isla

Para saber más

http://www.majorero.com/plataforma/entrar.html

TODOS NUESTROS POST SOBRE CHILLIDA

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27/11/2012 14:26. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

MARK LANGE. JUEGOS POSMODERNOS

Tal y como aseguraba Venturi en su análisis sobre las Vegas, una de las actitudes más comunes de la posmodernidad es la visión irónica y a menudo lúdica del pasado.

Bajo este prisma Lang es plenamente posmoderno, pues gran parte de su obra busca el juego con el pasado, cambiando los referentes de los cuadros clásicos hasta subvertir su significado.

Hay además, otra característica posmoderna: la autorreferencialidad. El cuadro dentro del cuadro al que tantas páginas dedicara Foucault es un componente continuo de sus obras, como si se convirtieran en un juego infinito de espejos.

Y es que su pintura, en primera visión tan fácil, a veces esconde una narración compleja en su interior. Como este matrimonio Arnolfini o lo que sucede después del retrato

En ellas los modelos o figuras clásicas han sido sustituidos por personajes cotidianos que ¿juegan? A interpretar, como ocurre con Shermann, ¿o es que en su vida cotidiana terminan por parecerse a cuadros clásicos?

 Me gusta especialmente cuando pintor y pintura intercambian sus papeles en una obra un tanto paranoica, como lo es nuestra sociedad del espectáculo en donde somos actores y espectadores al mismo tiempo y las categorías (aunque no las económicas) se entremezclan cada vez más

¿Por qué no jugar con él?

 Mark Lang nació en Canadá, en 1966

Imágenes: Mark Lang

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 Vicente Camarasa

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02/10/2012 18:03. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

Michael Reedy

Entre el desnudo clásico y el ciborg la obra de Michael Reedy es fascinante. Yo la descubrí gracias a un blog amigo del que tomo las fotos no referenciadas.

Su obra maneja múltiples registros y es rica en matices.

Por un lado nos encontramos con algunas formas de desnudo tradicionales. Desnudos que juegan con una contradicción: la cotidianeidad de sus poses (de fuerte sensualidad, casi amateur) que, sin embargo, tiene algo de heroico o sagrado, con los nimbos que (como si fueran una simple decoración) alejan a las figuras de los mortales y les confieren un cierto aire simbolista (paricularmente muchas de sus imágenes me traen a la memoria a Klimt y sus iconos laicos)

Esta sensación se agudiza aún más en algunas de sus obras en donde casi estaríamos tentados de hablar de vanitas, de reflexiones sobre la fugacidad de la vida y la belleza, como una flor delicada, a punto siempre de marchitarse.

http://roncandoenelnostromo.wordpress.com/2011/02/21/michael-reedy/

Pero aún podemos encontrar mucho más en su obra.

Recuperando las láminas médicas que nos muestran nervios, tendones, huesos o venas, el pintor a menudo nos abre el cuerpo de sus modelos para contarnos lo que hay debajo de la piel.

Es entonces cuando comprendemos la máquina que hay detrás de nosotros. Lo ciborg que somos. Pura anatomía descriptiva que lucha contra la individualidad, los sentimientos, la sexualidad como inbención racional. Física Vs espiritualidad

Ante sus obras parecemos condenados a ser simples recipientes de impulsos eléctricos, hormonas y reacciones químicas.

http://roncandoenelnostromo.wordpress.com/2011/02/21/michael-reedy/

Y todavía un tercer nivel más que en un principio pasa desapercibido y con el tiempo termina por convertirse en obsesionante. Me refiero a los fondos de sus pinturas, aquellos en donde aparecían nimbos, pero también ojos alados que observan, hombres que luchan, olas...

Con poco que nos fijemos en ellos encontraremos numerosas referencias a la pintura (desde Miguel Ángel a Redón, la pintura japonesa, Dalí, Durero, el op art, el cómic, los cuentos infantiles...) en todo un juego de deslizamientos típicamente posmoderno en donde los homenajes se camuflan en lo decorativo, convirtiéndose en algo similar a las imágenes dobles de los surrealistas.

http://www.escapeintolife.com/artist-watch/michael-reedy/

Simplemente fijaros en esta última pintura. Si le dedicáis el tiempo sufiente, tras el desnudo inicial encontraréis pequeños putti que descorren las cortinas como un nuevo Entierro del Conde Orgaz.

Angelotes en medio de armas de fuego y dianas que convierten la apertura de gloria en algo decididamente más moderno y agresivo.

Con dos perros que ¿protegen, amenazan? a la mujer cuto pecho está abierto para mostrarnos su tráquea y ¿encontrarnos con un crucificado? De ser así se convertiría en la Virgen amenazada por la violencia

http://www.escapeintolife.com/artist-watch/michael-reedy/

 

 Vicente Camarasa

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¿QUÉ ES LA POSMODERNIDAD? Tercera parte: ¿qué es la realidad? El pensamiento femenino

Tomado de h2oz33.wordpress.com/.../bill-viola-surrender/

 

Si todo lo que existe ya no puede explicarse en un discurso articulado, si la realidad es un conjunto de millones de fragmentos, una multitud de piezas de un puzzle que sabemos imposible de montar, ¿en dónde estamos? ¿qué es la realidad? ¿cómo podemos mirarla?

En femenino, nos dirán algunos, entendiendo con esto una forma de comprender por medio de la intuición, creando grandes sistemas de ideas unidas por conexiones de relaciones (la modernidad, siguiendo esta teoría sería masculina, lógica, fuertemente estructurada y jerarquizada de causa efecto).

Nuestro pensamiento se vuelve así flexible, más atento a las sutiles influencias que a las pesadas interdependencias. Será una mirada de soslayo (frente a la mirada agresiva de la modernidad, como diría Lacan), un vistazo más empático que racional, lleno de sugerencias pero sin asegurar certezas, en el que importa tanto la figura como o el fondo (o mejor dicho, la relación entre ellos), la sinestesia o relación entre los sentidos, la participación activa de las emociones como hemos podido ver en la obra de Juan Muñoz. Si os gusta el cine, Blade Runner ejemplifica todo esto.

 

 

 

Tomado de saulon.wordpress.com/2007/12/

 

Fruto de todo ello será la metáfora como forma de conocimiento. En realidad este sistema ya lo llevamos utilizando desde el comienzo de esta serie de artículos. Frente al pensamiento lineal, cartesiano, de proposiciones que van organizando un sistema de verdades, cada vez más intentamos explicar (explicarnos) por medio de fogonazos instantáneos que alumbrar por un instante para luego perderse. Algo semejante al satori oriental, al conocimiento budista, que comprende sin saber, sin palabras exactas (en ese sentido toda la filosofía oriental es más femenina que masculina, basada en la intuición, el absoluto, la verdad sin comprobaciones empíricas sino emocionales), como es habitual en Anish Kapoor

 

 

Por eso el arte propone más que explica, da pistas, es el famoso dedo que señala la luna. El artista se ha convertido, más que en un creador de certezas, en un excavador, un zahorí que señala la presencia de agua. Sus obras no están autoconcluidas, sino que son obras abiertas (como ya las definiera Eco), máquinas de significación que el espectador puede utilizar para iniciar su búsqueda (así deberíamos utilizar los cuentos de Borges y, aún más, de Cortázar) dentro de un nuevo sistema de conocimiento (el rizoma de Deleuze) en donde lo multicasual e híbrido sustituye a los conocimientos jerarquizados de causa y efecto.

 

Mucho de todo esto tiene este video de Bill Viola, en donde se fragmenta el discurso lógico, se subvierte las categorías y la realidad y su reflejo se separan, unen, rompen sus vínculos y jerarquías para dejarnos ensoñar libremente. ¿Alguien sería capaz de explicarlo de forma narrativa lógica o nos quedaremos con instantes, con sensaciones? Probadlo a hacer y comprenderéis mucho de lo dicho

 

http://www.youtube.com/watch?v=D_urrt8X0l8

 

Como ya hiciera Marcell Duchamp con sus ready made, estas obras plantean más interrogantes que respuestas e inician el proceso de conocimiento pero no lo culminan. Son el inicio de las cadenas de preguntas que haría famoso a Derrida (en una conferencia sobre Van Gogh, en vez de realizar una exposición típica, se limitó a formular toda una retahíla de preguntas en torno a su obra, sin explicar otra cosa que sus dudas)

 

Vicente Camarasa

11/05/2012 15:51. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

UNA OBRA DE ARTE ACTUAL VISTAS EN LA RED. ARNAUD

Paseando por la red he encontrado unas cuantas obras de arte contemporáneo que me han llamado la atención y que quiero compartir con vosotros. Inicio así una pequeña sección dentro de Arte Actual que nos pueda ir sirviendo para ver algunas cosas interesantes. Si vosotros encontráis alguna que os llame la atención, me la podéis mandar con su página de referencia y vuestra personal opinión

 

 

 

El juego de los milagros” del  uruguayo Federico Arnaud, 2006

 

Una verdadera sorpresa por la combinación de lo sagrado y lo más banal y lúdico, además analizada en profundidad en la propia página que podéis encontrar aquí

Para mi toda una profunda crítica de lo que la propia iglesia ha convertido su religión

 

 

Vicente Camarasa

14/04/2012 08:18. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

HAY QUIEN NO SE LAS CREE. ARTE COMBATIVO. TERESA MARGOLLES

 

Así vista la obra de Teresa Margolles no dice mucho, pero ¿y si os cuento que la tela fue la que recogió los residuos del suelo de las calles de Ciudad Juárez, donde se sucedieron, se suceden, cientos de hechos violentos?

¿Y si os digo que la frase, bordada en hilo de oro, fue tomada de un mensaje dejado por el crimen organizado junto a una de sus víctimas?

¿Y si supiérais que este bordado fue realizado por personas de esta ciudad?

Entonces, ¿cambia vuestra perspectiva de la obra?

 

Vicente Camarasa

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10/03/2012 10:23. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

BOLTANSKI, EL HACERDOR DE ARCHIVOS DE AUSENCIA

Cientos de fotografías en blanco y negro, borrosas por el tiempo e iluminadas por lámparas como si fueran velas que, en vez de iluminar, tapan sus rostros.

 

Tomado de http://vanbam.wordpress.com/category/referentes

Cientos de cajas organizadas en estantes industriales que se encuentran llenas de objetos que, tiempo ha, pertenecieron a los que ya no están

Tomado de http://rendezvousacollaboration.wordpress.com/2011/04/27/christian-boltanski

Sombras chinescas que subvierten los temas infantiles para regresar a las primeras pesadillas.

Tomado de http://beadever.blogspot.com/2011/03/christian-boltanski.html

 

Latidos de corazones grabados en su atelier para encerrarlos en Teshima (Japón).

 

Estas son obras de Boltanski, nacido a finales de la II Guerra Mundial en una familia marcada por el Holocausto.

Sus obras son herederas de las famosas vitrinas de Beuys, de su consideración de los objetos como portadores de la humanidad y sentimientos de sus dueños (justo en las antípodas de los irónicos, industrializados y despersonalizados Ready-made de Duchamp o de las acumulaciones que hiciera Arman)

BEUYS. Violín de fieltro. Vitrina Berlín

 

Junto a ello se encuentra una de las ideas centrales de la posmodernidad: el archivo. Archivo como antídoto del paso del tiempo y contenedor de la memoria (con claras conexiones con el pensamiento de Foulcaut). Un archivo que, frente a otros mucho más frívolos, el autor trabaja en meditadas representaciones (verdaderas escenografías) en donde la luz juega un papel radical.

Tomado de http://diegoarroyoeresmas.blogspot.com/2010/11/delirios-de-medianoche-y-demas.html

 Consigue así obras que parecen altares fúnebres, colecciones de reliquias laicas, lugares de recogimiento (incómodo), verdadera memoria histórica que arranca en cada individuo, en sus rastros (fotografías raídas por el tiempo, objetos cotidianos, ropas, cédulas de identidad ya inservibles, cartas ya sin dueño ni destinatario…) para hablarnos de la vacuidad de todo, de nuestra vida frenética, consumista, preocupada en naderías

 

Tomado de http://docentes2.uacj.mx/fgomez/museoglobal/ART_PG/B/boltanski.htm

 Lo suyo, siendo teatral, es un arte contenido que genera unas profundas experiencias al que lo contempla en directo. Un arte que habla de la muerte en voz muy baja, casi susurrante, antitecnológico aunque utilice la tecnología.

Un arte en blanco y negro, profundamente pesimista ante la multiplicidad de nuestras pantallas en color y ciudades parpadeantes. Un arte que habla de ayer, de lo desaparecido, frente a nuestra ansia de novedades. Algo parecido a lo que hace Jaar, pero hablando de ausencia.

 

Tomado de http://www.esbaluard.org/es/colleccio/obres/34/le-juif-errant

 

Os dejo algunos vídeos de sus instalaciones a los que le falta, sin embargo, ese halo de ausencia, de misterio, que tiene su contemplación directa.

 

http://www.youtube.com/watch?v=33C4X7tO4BI&NR=1

 

http://www.youtube.com/watch?v=CPHlI4wg1s8&NR=1

 

http://www.youtube.com/watch?v=f7naFaIHaZs&feature=related

 

Para saber más

http://www.escaner.cl/escaner43/yusti.htm

 

Vicente Camarasa

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LEÓN GOLUB LLEGA A MADRID

 

 No se puede quedar al margen de sus pinturas. O las odias o te fascinan. No se puede quedar al margen de sus temas, pues pocos autores son tan poco complacientes ni en sus temas ni en sus técnicas. Un típico representante de la posmodernidad dura, militante, fuertemente politizada

 

 

Su obra tiene como uno de sus ejes la exploración del lado más oscuro del hombre. Por ello no nos debe extrañar su obsesión por la guerra, la tortura, la violencia sin razón, la prostitución…, sin recurrir casi nunca a la metáfora o al humor sino a la pura y simple presentación de los hechos que dejan pocos resquicios posibles.

 

 

 

 

En todo esto tiene Golub un claro referente que ya ha aparecido en varias ocasiones en este blog: Goya y la representación de la violencia, que se hace explícito en los propios títulos de sus últimas obras (Caprichos, Horrores de la Guerra), asi como su interpretación picasiana.

 

 

Bajo toda esta terrible actualidad varias corrientes grandes corrientes fluyen bajo su pintura:

La influencia de la monumentalidad clásica (heredada de un gran viaje a Italia)

 

La pintura informalista que podemos ver en el detalle de sus grandes lienzos pintados, raspados, salpicados, así como de su corolario sureño: los grandes miralistas mejicanos.

 

 

 

 

El expresionismo clásico de Ensor, Schiele…

 

 

Menos conocidas pero sumamente impactantes quiero señalar los retratos de dictadores, toda una reflexión sobre el poder y sus oscuridades, y en especial las dedicadas a Franco

 

Fidel Castro

 

Pinochet

 

Deng Xiao Ping

 

Kissinger

 

Franco

Franco

 

 

Franco


Para saber más

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/golub.html

 

Vicente Camarasa

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29/05/2011 19:43. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

CÉLESTE BOURSIER-MOUGENOT. PÁJAROS MÚSICOS Y ALGO MÁS

Tomado de http://toobea.blogspot.com/2010_05_01_archive.html

Aprovechando estos últimos días de navidades he ido a ver la exposición on&on de la Casa Encendida. Una exposición sobre arte efímero en la que las piezas terminaban con la misma (como una magnífica instalación hecha con chocolate, u otra con la cera de unas velas, o la que produce el Moho que crece sobre una sala de reuniones)

Sin embargo, y con mucho, la que más me ha fascinado es esta pieza de CÉLESTE BOURSIER-MOUGENOT. (Pinchad en el nombre para ver el vídeo)

Poco hay que decir de ella tras ver el vídeo de una pieza similar que se expuso en Londres. Sólo que la música accidental de los pájaros que atraía en un primer momento terminaba por pasar a un segundo plano cuando pasaban los minutos y te sentías rodeados de esos pajarillos y sus diminutos quehaceres.

Era una delicia verles hacer sus nidos encima de las guitarras eléctricas, sus pequeñas ciutas, su revoloteo constante.

Y era curioso, todos los que estábamos en aquella instalación, sonreíamos suavemente. Interesante, ¿verdad?

Si alguno quiere sentir la experiencia (muy recomendable) aún está hasta el 16 de enero.

 Vicente Camarasa

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09/01/2011 09:05. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

TONELADAS DE PIPAS CON VARIOS SIGNIFICADOS. Ai Weiwei

Tomado de http://www.elpais.com/fotografia/cultura/pipas/Ai/Weiwei/elpdiacul/20101015elpepucul_7/Ies

 

Desde ya hace varias semanas estoy intentando sacar tiempo para hacer una pequeña reseña sobre esta obra que me ha impactado (desgraciadamente sólo por televisión).

Supongo que muchos ya la conoceréis, pues una de sus características es la espectacularidad de la propuesta: varias toneladas de pipas hechas y pintadas artesanalmente en cerámica que se alfombra la famosa sala de Turbinas de la Tate, dejando que los visitantes deambulen por este crujiente suelo (bueno, ya no, pues problemas sanitarios lo han prohibido). Una performance en toda regla en donde el espectador debe interactuar con la obra; una obra expandida más allá del marco de un lienzo o una escultura tradicional en donde se apela a otros sentidos, aparte de la vista.

 

Echadle un vistazo al vídeo

 

Pero además de la experiencia sensorial (que debe ser muy interesante, auditiva, táctil y también cenestésica), creo que la obra va más allá, o por lo menos así lo han querido ver las cúpulas gobernantes chinas que sometieron a unos cuantos días de arresto domiciliario al autor.

Las pipas tienen, en el imaginario chino, una primera relación: Mao que aparecía en sus grandes carteles propagandísticos utilizaba los girasoles de fondo para referirse al inmenso pueblo chino (cada uno de ellos, una pipa). Según esto, ¿pisar a Mao?

 

Tomado de http://www.telecinco.es/informativos/cultura/noticia/1382540

 

Pero la obra va más allá, tal vez nos hable de globalización, aunque desde un punto de vista no tradicional, el lado chino. Esas pipas han sido realizadas por artesanos chinos, una a una, para el goce (y el pisoteo) occidental. Han invadido el espacio artístico europeo como hacen los textiles, los electrodomésticos…, para disfrute económico de nuestras amplias clases medias. Un disfrute occidental que esconde (es su otra cara de la moneda) explotación y trabajo miserable oriental… (esto seguro que le gustará a JV, aunque lo siguiente tal vez no, pero ahora que estás tan lejos hay que darte vidilla) y la creación de esas élites multimillonarias que están naciendo en la comunista China.

 

Tomado de http://lamaldiciondeldiablolabrujayloschinos.blogspot.com

 

 Pero también todo sea una glorificación del trabajo artesanal o, quizás, un juego de engaños.

Todo a la vez, como buen obra de arte que, como ya nos dijo Eco, es una opera apreta, abierta a múltiples significados que el espectador ha de encontrar en función de su nivel cultural, experiencias…

 Si quieres saber más del autor

http://carbularte.blogspot.com/2010/11/una-piedra-en-el-zapato-para-la-china.html

 

Vicente Camarasa  

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OBJETOS OCULTOS Y DESEO. DE DUCHAMP A FRITZIA IRIZAR

Siendo empezar como casi siempre, pero ya en 1916 Marcel Duchamp creó un ready made asistido (necesitaba la intervención activa y física del espectador) llamado Ruido secreto

Como el propio Duchamp explicó “un ovillo de cordel entre dos placas de latón unidas por cuatro tornillos largos. Dentro del ovillo Walter Arensberg colocó secretamente un pequeño objeto que hace ruido al ser agitado. Y todavía no se qué es, ni tampoco lo sabe, me imagino, nadie más”

Tomado de http://epbamartinsantiagoduchamp.blogspot.com

 

En el mismo año realizó su Plegable... de viaje, una simple funda de una máquina de escribir bajo la que se encuentra … No sabemos lo que se encuentra.

Tomado de http://epbamartinsantiagoduchamp.blogspot.com

En ambos ready made (además de otros significados, pues su polisemia es enorme), Duchamp especulaba sobre una categoría poco explotada en el arte: lo oculto. Acaso podríamos buscar su prehistoria en el romanticismo en donde en muchas ocasiones se nos hurta lo que los personajes ven, o su hijo natural, el simbolismo.

Sin embargo Duchamp, como siempre, va más lejos y plantea problemas que llenarán (sin acabar de ser resueltos) en toda la modernidad.

Habla (sin hacerlo) de lo que no nos es accesible, que se ratifica por su propia ausencia visible y genera, en contrapartida, un fuerte deseo, tan humano, el de conocer lo que se nos está vedado, oculto.

Ésa lectura incide en su filosofía del ready made como máquinas de significar que el espectador tiene que poner en funcionamiento. Inicios de procesos mentales o, en este caso, emocionales. La creación de un deseo oscuro, el juego con los enormes tentáculos del deseo.

La obra se expande a territorios hasta entonces desconocidos y, como niños pequeños, se nos anuncia un secreto pero luego se nos niega su revelación, produciéndose así una potente sensación de intriga y necesidad.

 

Sin ser exhaustivos el siglo XX encontramos muchas más cosas escondidas, como las famosas latas de mierda de artista de Manzini. Supuestas, pues nadie se ha atrevido a abrirlas para comprobar su contenido

O los famosos empaquetamientos de Christo

O las cajas cerradas del proyecto Ruanda que ya analizamos en un artículo dedicado a Alfredo Jaar

Tomado de http://www.imaginarymuseum.org/MHV/PZImhv/JaarRwandaProject.html

 

Y todo este largo preámbulo para llegar a una obra recentísima que me ha conmovido y que he comprado recientemente en una magnífica exposición Fetiches Críticos (Centro 2 de mayo de la Comunidad de Madrid). Fe de azar

Su autora es Fritzia Irizar, y consta de un gran montón de sacos de sal expuestos en una sala. Junto a ellos existe un documento firmado por notario y una explicación de los mismos.

 

 

En una tonelada de sal se colocó un diamante de 1.000 dólares, acto realizado ante notario. Más tarde se rellenaron 333 sacos de 3 Kg de esta sal que se ponen a la venta por el precio de 3 euros. En un documento adjunto se les notifica a los posibles espectadores que, en el caso de abrir o romper los sellos de seguridad, el saco dejará de tener valor artístico.

 

 

¿Comprendéis la larga vuelta? De nuevo el deseo. Yo he comprado un saco de sal, una obra de arte pero, sobre todo, un deseo. Existe una posibilidad entre 333 de que en mi bolsa se encuentre el diamante y, ¿lo debo abrir o esperar a que se revalorice? Si lo pongo en la vitrina del salón tendré un deseo rondando en torno suyo. ¿Existirá el diamante en mi saco? ¿Debo rendirme al deseo instantáneo o gozar de la incertidumbre?

 

 

Si la obra de arte es una máquina de generar sentimientos ésta lo ha conseguido a la vez que está planteando una sutil reflexión sobre el beneficio a corto o largo plazo, a la consumación de los deseo, a la compra o al ahorro…

Fascinante

 

Vicente Camarasa

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22/07/2010 08:24. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

MIRALDA. SOLDADOS DE SALDO

¿Kitsch o provocativo? Yo aún no lo tengo claro.

Y es que la obra de Miralda siempre se ha movido entre ambos concepto: cultura popular (populachera)-crítica, sin que jamás haya conseguido saber qué es lo cierto.

Por eso me voy a limitar a presentaros algunas obras (algunas verdaderamente inquietantes, otras… puff, no lo sé) compuestas por miles de soldaditos de saldo aplicados a los más curiosos formatos

 

 

 

 

 

 

Vicente Camarasa

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09/07/2010 13:58. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

MONA HAUTOM. LA EDUCACIÓN PARA LA PAZ SE COMIENZA DISTINGUIENDO LO QUE ES VIOLENCIA

Tomado de http://www.e-flux.com/shows/view/1874

Mujer y palestina (aunque nacida en el Líbano y muy pronto en el exilio). Bajo estas ideas se puede ya entender que su arte no será excesivamente complaciente.

Una parte importante de sus obras parte de su doble condición de mujer y de musulmana (de cultura musulmana más que propiamente religión). En ese sentido su actitud es la investigar las relaciones de poder (el hombre sobre la mujer, el occidental sobre otras culturas, el soldado sobre el civil…).

Sus medios son muy variados, desde simples objetos cotidianos (a menudos relacionados con la cocina) que se agrandan mostruosamente para evocar ideas de cárceles y torturas

Tomado de http://www.eladerezo.com/ultimas-tendencias/rallador-de-mona-hatoum.html

Granadas de mano reconvertida en una especie de dulces frascos de perfume de cristal coloreado, con un fuerte choque entre significado y significante

Tomado de http://www.openmagazine.co.uk/blog/tag/mona-hatoum

También llaman la atención sus cárceles. Instalaciones casi minimalistas que crean fuertes efectos...

… pero sólo cuando nos acercamos

Ambas tomadas de

http://contessanally.blogspot.com/2009/07/palazzo-querini-stampalia-mona-hatoum.html

 

Tomado de

http://twokitties.typepad.com/my_weblog/2009/08/index.html

 

O a través de la luz, que nos crea una cárcel de sombras

 

Incluso en una cárcel se convierte este jaula llamada mejicana

http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2009/08/mona-hatoum-beirut-libano-1952.html

 

De todas formas una de mis obras favoritas es esta instalación. Enetrad en el video y ya me diréis

 

http://www.youtube.com/watch?v=-4-hS38s45I&feature=related

 

Para saber más

http://www.ritnit.com/2007/09/16/mona-hatoum-beirut-libano-1952

http://www.artecreha.com/La_mujer_en_el_Arte/mona-hatoum.html

 

Vicente Camarasa

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NUEVA PINTURA CHINA. EL LADO OSCURO DEL MILAGRO ECONÓMICO

 

Wang Guangyi

China será el futuro del mundo, nos dicen los analistas económicos. Su famosa Vía China hacia el capitalismo está triunfando y su crecimiento económico sigue aún en medio de la crisis.

Es, además, el mayor poseedor de bonos de Estados Unidos, una gran potencia demográfica, el creador de eventos como las últimas olimpiadas o la expo de Sangai…

Sin embargo todo este dorado (como diría Sennett) tiene su lado oscuro. Uno de los mejores medios de descubrirlo es la magnífica generación de pintores que, frente a una posmodernidad blanda, siguen apostando por un arte crítico, en ocasiones demoledor.

Así Wang Guangyi nos habla, de otra manera, de la famosa frase de Deng Xiao Ping: un país, dos sistemas. Un comunismo colonizado por los logos capitalistas por excelencia que sólo mantiene las poses anteriores mientras se vende al capitalismo global (o lo compra, quien sabe), con un giro a lo Warholl sumamente potente

 

 

En una línea semejante se mueve Yue Minjun . Lo suyo sin pinturas (de pop estridente, acaso la influencia más común en esta generación) de los triunfadores del nuevo sistema. Esos grupos de multimillonarios que sonríen de forma ¿siniestra? Mientras se tocan con los símbolos occidentales

 

 

 

Ante este espectáculo de autosatisfacción resulta verdaderamente conmovedor ver los rostros ensimismados, terriblemente tristes de Zhang Xiaogang

 

 

 

¿Y qué decir de las esculturas y fotomontajes de Gao Brothers? Creo que sobran las palabras ante estas estructuras que oprimen de los individuos?

 


Mi debilidad es Zhong Biao. Me fascina su uso del hiperrealismo mágico y sus imágenes son perfectas metáforas de la nueva sociedad China, acaso menos potentes que algunas anteriores pero con una gran cantidad de registros asombrosa. ¿Por qué levitan sus figuras, es acaso el ansia de libertad?

 


¿Qué más se puede decir ante esto?

 

 

 

 

Tomado de http://www.zhongbiaoart.com/portfolio.htm

 

Resto de las imágenes tomadas de un blog que os aconsejo

http://eldadodelarte.blogspot.com/search/label/20%20domingos%20orientales

 

Vicente Camarasa

 

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ALFREDO JAAR. LA MIRADA QUE SÓLO QUIERE VER LO IMPORTANTE

Es muy habitual que utilicemos imágenes excesivamente potentes para intentar explicar y conmover a los ciudadanos del primer mundo ante los dramas del subdesarrollo. ¿Quién no recuerda la típica imagen del niño desnutrido hasta los huesos o la famosa imagen (de la que hablaremos en otra ocasión )que hizo terriblemente famoso a Kevin Carter?

 

Tomada de http://helektron.com/2007/12/28/la-verdadera-historia-del-premio-pulitzer-que-gano-kevin-carter

 

Ante este tipo de imágenes uno no puede dejar de pensar en lo que se quiere vender: ¿compasión o morbo? ¿Nos quiere sacudir el alma para que les ayudemos o simplemente es un espectáculo más de nuestra sociedad, siempre tan necesitada de nuevas sensaciones?

 

Y es precisamente ante estas cuestiones contra las que reacciona Alfredo Jarr. Su arte, comprometido como pocos, intenta no caer en la morbosidad o la falsa compasión.

Un ejemplo claro de su forma de actuar fue su famoso proyecto Ruanda. La terrible guerra civil de finales de los 90 que llegó a ocasionar un genocidio mucho mayor al que sufrieron los judíos en los campos de concentración nazis, apenas si aparecía en nuestros medios de comunicación, y cuando lo hacían eran para describir atrocidades sin cuento.

Ante ello Jaar fotografió miles de instantaneas para sólo quedarse con una los ojos de Nduwayzu, un pequeño sobreviviente de la matanza.

 

Tomado de cali.vive.in/arte/cali/exposiciones_arte_cali.

 

Evidente no era la imagen que esperaríamos de la terrible matanza, y quizás por ello mismo nos conmueve más. Por su potencia silenciosa. Esa mirada dice mucho más de la tragedia que la imagen más atroz. Es, además, una mirada que nos mira, que no nos deja sentirnos indiferente (no podemos decir eso de qué bella exposición). Por el contrario. En su mudez nos acusa por nuestra frivolidad, por el olvido al que sometemos a todo ese mundo pobre mientras nosotros despilfarramos.

La impresión es aún mayor cuando nos encontramos esta foto (colocada en formato diapositiva) formando grandes montañas sobre las mesas. ¡Cómo se puede contar mejor toda la matanza! ¿Cuántos Nduwayzu ya nunca nos podrán mirar por la sencilla razón de que fueron asesinados?

 

Tomado de www.nyfa.org/archive_detail_q.asp?type=3&qid=

 

Si queréis saber más de este autor aquí tenéis un video de la Exposición Ruanda, , y aquí una larga explicación sobre su significación

 

Sin embargo os animo a entrar en el artículo que ya le dedicamos en GEOBIOMBO sobre otra de sus obras maestras: Emergencia: África

 

Vicente Camarasa

 

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01/05/2010 00:26. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

BARBARA KRUGER O EL FEMINISMO POSMODERNO

 

NO NECESITAMOS OTRO HEROE

Tomado de http://www.flickr.com/photos/24992147@N03/2654391294

 

El arte de Kruger me gusta por varias razones. Primero por su compromiso.

Al igual que decíamos de Santiago Sierra, Kruger no se encierra en lo estético o lo simbólico; por el contrario, sus obras son directas flechas a nuestra sociedad y estereotipos. Una especie de antianuncios que se olvida del supuesto mundo feliz en el que nos dicen que vivimos para sacar a la luz el maltrato a las mujeres, el consumismo, los mensajes religiosos, la esencia más oscura del poder.

 

USTED ES UNA PERSONA MUY ESPECIAL

Tomado de http://luishorcajo.blogspot.com/2009/11/barbara-kruger.html

 

 

HAGO COMPRAS, LUEGO EXISTO

Tomado de http://www.pbs.org/art21/slideshow/?slide=541&showindex=84

 

Es el postmodernismo duro, la imagen poderosa, una nueva forma de activismo que recoge la concepción del arte que ya tuvieron los orígenes de la modernidad (Goya, Munch, los expresionistas, el mundo Dadá…).


TU CUERPO ES EL CAMPO DE BATALLA

Tomado de http://2politicaljunkies.blogspot.com/2009_09_01_archive.html

 

Junto a este mensaje antisistema (que comparte con Ferrari, Santiago Sierra, Rogelio López Cuenca, Jarr…, y que tiene un claro referente en Beuys), Kruger maneja de forma magistral los medios de comunicación para hacerles la propia crítica. Con imágenes mínimas, muchas veces fotografías retocadas a formas básicas, el mensaje se crea en las internas contradicciones entre imagen y textos (otro de las técnicas favoritas de la posmodernidad, los géneros mixtos, los formatos impuros como diría Aurora Fernández de Polanco).


 

SU COMODIDAD ES MI SILENCIO

Barbara Kruger, Untitled (Your Comfort is My Silence), 1981.

Tomado de www.glasgowmuseums.com/venue/showExhibition.c

 

Es toda una reflexión sobre la mirada como algo que arremete, pues transmitimos con ella todos nuestros prejuicios. Un juicio sobre las construcciones sociales que son, en la actualidad, el hombre, la mujer o la estructura social, sacado directamente del pensamiento de Foucault o de Lacan.

 

TU MIRADA PEGA MI LADO DE LA CARA

Tomado de http://www.nyu.edu/library/bobst/research/fales/exhibits/downtown/soho/sohoart/documents/kruger.html

 

NOS CONSTRUYEN EL CORO DE LAS PERSONAS DESAPARECIDAS.

Tomado de http://phomul.canalblog.com/archives/kruger__barbara/index.html

 

Cada una de sus obras es una reflexión sobre todas esas ideas preconcebidas que nos condicionan la vida, especialmente las mujeres, inmersas en una cultura aún masculina (y por ello violenta, consumista, agresiva y competitiva). Repensar sobre estos aspectos (muy a menudo olvidados) es la forma que ella propone para cambiar los roles y, por tanto, buscar una nueva sociedad más igualitaria en donde la represión (al menos en el mundo desarrollado) ya no la ejercen las armas sino las palabras y las imágenes  y los pensamientos que van detrás suyos.

 

HEMOS RECIBIDO ÓRDENES DE NO MOVERNOS

Tomado de http://phomul.canalblog.com/archives/kruger__barbara/index.html

 

Seguro que de todo esto Ana nos podrá hablar mucho mejor.

 

PIENSO EN TI

Barbara Kruger - Thinking of You (1999)

Tomado de http://nothing2d.wordpress.com/2009/09/02/a-plan/

 

Para saber más

 

http://www.babab.com/no08/barbara_kruger.htm

http://todosobrebarbarakruger.blogspot.com

 

Vicente Camarasa

 

 

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SANTIAGO SIERRA, UN ARTISTA TAN POLÉMICO COMO ÉTICO

 

PERSONA REMUNERADA DURANTE UNA JORNADA DE 360 HORAS CONTINUAS
Nueva York, Septiembre de 2000

Tomada de

http://www.santiago-sierra.com/20008_1024.php

 

Quizás sea uno de los artistas españoles más destacados del momento (aunque en la actualidad reside en Méjico). Un artista que, ya sea a favor o en contra, nunca dejará indiferente al espectador. Pues en su obra la polémica siempre va unida a la ética. Él entiende el arte no como una forma de belleza, sino como un instrumento de denuncia, y eso suele doler, más aún cuando los métodos utilizados se salen del marco tradicional (y protector) de la galería.

 

Su trabajo se fundamenta en la creación de performances e instalaciones muchas de ellas efímeras, de las que sólo nos queda el registro fotográfico o la narración de los hechos.

Es imposible resumirlas todas aquí (ya le dedicaremos otro artículo más adelante) y sólo mencionaremos algunas para estudiar su forma de trabajo y sus temas fundamentales.

 

Entre sus temas más reiterativos se encuentra la crítica a la nueva globalización insistiendo en la idea de paro, la inmigración o la progresiva pérdida del valor de la persona en la nueva sociedad global. Así contrató a  once mujeres indias tzotziles sin conocimiento de lengua española que recibieron dos dólares por la hora por el trabajo de repetir una frase en español que no comprendían: "Estoy siendo remunerado para decir algo cuyo significado ignoro".

 

Muro de una galeria arrancado, inclinado a 60 grados del suelo y sostenido por 5 personas (México D.F., 2000)

También pidió a unas prosdtotitas que se tatauran el cuerpo por una dosis de heroína

 

 

Tomado de http://totonko.com/2008/06/santiago-sierra-y-su-controversial-obra

 

También coordinó la excavación de fosas por parte de emigrantes remunerados en la costa de Cádiz, uno de los lugares del mundo que más pateras recibe, casi siempre con emigrantes muertos o al borde de la vida

 

3000 huecos, Cádiz

Tomada de http://www.masdearte.com/imagenes/fotos/Nsierranmac.jpg

 

En el mismo registro, Santiago Sierra hizo una de sus obras más conocidas. El propio gobierno español (entonces con el PP en el poder) quiso dar un rasgo de alta modernidad y le encargó una obra para la Bienal de Venecia de 2003. La propaganda de país abierto y ultramoderno que se pretendía conseguir se dio la vuelta y le salió el tiro por la culata.

El autor trabajó en el Pabellón español en Venecia de una forma insólita. Lo primero que hizo fue tapiar la puerta principal y tapar con cinta adhesiva el rótulo.

 

 

Muro cerrando la entrada principal

Tomado de http://hipercroquis.net/2006/10/07/santiago-sierra-en-el-pabellon-veneciano-de-la-espana-negra/

 

Una vez hecho esto obligó a los espectadores que quisieran visitar nuestro pabellón a entrar por una puerta trasera que custodiaba un guardia jurado. Éste tenía como única función permitir el paso solamente a aquellos que enseñaran su carnet de identidad español, los que no tuvieran papeles no podían entrar en el pabellón, tal y como se planteaba en la ley de inmigración española que el PP había reforzado aún más en los años anteriores.

La polémica comenzó cuando se le pidió el carnet al Ministro de cultura español y se intensificó mucho más cuando se dejó en la puerta a representantes oficiales de EE UU pues no tenían carnet de identidad español.

Por si fuera poco, aquellos que pudieron entrar en el Pabellón se encontraron con una imagen sorprendente. Nada. O mejor dicho nada nuevo, pues la basura acumulada en el pabellón no se limpió y sólo quedaba el espectáculo de las glorias ya pasadas (¿acaso el propio imperio español?) y una reproducción real de una mujer contratada para hacer un recuerdo de Mujer con capirote de Goya.

 

 

Tomada de http://hipercroquis.net/2006/10/07/santiago-sierra-en-el-pabellon-veneciano-de-la-espana-negra/

 

Para saber de este trabajo de Venecia

http://hipercroquis.net/2006/10/07/santiago-sierra-en-el-pabellon-veneciano-de-la-espana-negra

 

Para conocer más a este autor

http://www.replica21.com/archivo/articulos/a_b/420_anton_sierra.htm

http://www.aacadigital.com/contenido.php?idarticulo=190

Vicente Camarasa

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11/04/2010 11:40. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

MIQUEL BARCELÓ (3). EL BARROCO POSMODERNO QUE SIGUE HACIENDO VANITAS

Tomado de http://lozzanoart.blogspot.com/2009/09/miquel-barcelo.html (Una magnífica página)

 

Una de las vertientes que siempre me ha fascinado de la obra de Barceló son sus citas culturales. Como buen posmoderno la historia es revisitada desde nuevos enfoques, muchas veces sumamente originales.

Sólo hace falta ver alguna de sus primeras obras (En el cine) para ver cómo las perspectivas forzadas de luz y líneas de fuga en diagonal tan de Tintoretto son reutilizadas para un tema de una modernidad que ya para su época no es nada moderna, y en el fondo es una nueva cita cultural.

Sin embargo en este artículo me quiero centrar tan sólo en una categoría tan hispana como son las vanitas. Ya hace tiempo analizamos las vanitas barrocas, pero su historia es mucho más extensa y las podemos seguir viendo en Goya o en Picasso

Barceló ha continuado esta línea de la reflexión sobre la muerte en su estado más básicos.

Lo ha hecho a base de cráneos pintados y esculpìdos hechos de la propia materia orgánica que tarde o temprano tenderá a su propia putrefacción.

 

Tomado de http://lozzanoart.blogspot.com/2009/09/miquel-barcelo.html (Una magnífica página)

 

Pero aún ha ido más lejos, y en una vuelta de tuerca genial, ha llegado al propio origen (¿no es eso la verdadera originalidad?)

 

 

De la muerte nos ha llevado a la vida, y si no observar esta obra en donde eros y thanatos se unen de una forma magistral que no hace necesario más palabras

 

 

 Vicente Camarasa

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MIQUEL BARCELÓ (2). ¿MIRADA MULTICULTURAL O INTERCULTURAL?

El problema de tener amigos tan inteligentes es que te obligan a pensar y a replantearte tus ideas previas. Y esto es un buen ejercicio mental, muy saludable.

Pero más saludable aún es no tener demasiado claros los conceptos finales y dejar la puerta abierta a la polémica y la confrontación de ideas.

Y cuento todo esto a raiz de un comentario de JV sobre el primer artículo que dedicamos a Barceló.

Yo planteaba su mirada posmoderna como algo intencionadamente falso, al menos en el sentido de jugar con una mirada cercana abstracta que se contrapone con otra figurativa en una mayor lejanía. Una tensión que obliga al espectador a cuestionarse la pintura y su propia mirada (algo muy típico de la posmodernidad, como ya analizó Eco en su Obra Abierta).

Hablaba, además, de que esta actitud puede generalizarse a una actitud mucho más amplia también típica de nuestro tiempo: las apariencias o lo políticamente correcto frente a la realidad más profunda (el simulacro frente a la realidad misma y los filtros que se nos imponen entre la realidad y la persona como forma de afirmar el poder, tal y como analizó ya Foucault)

A todo esto apareció la palabra multiculturalidad frente a lo que JV plantea la interculturalidad. Y en ese punto estamos.

La cuestión no es baladí. Por lo que yo entiendo la multiculturalidad se opone a la interculturalidad por mantener la primera espacios cerrados e independientes entre cultural que simplemente conviven en el mismo tiempo pero sin confundirse ni mestizarse. Por el contrario, la interculturalidad propone un mestizaje mucho más profundo del que debería generarse una nueva cultura mucho más global.

Dejando a un lado la posibilidad real de la interculturalidad (mucho habría que hablar de ella en los aspectos puramente prácticos, pese a que sea la actitud más interesante y con mayor posibilidad de mejora de nuestras sociedades), ¿qué postura representa realmente Barceló?

Es evidente que su obra une momentos históricos (el barroco, el manierismo, Grecia incluso) y geográficos distintos. Es conocido su amor por África (Mali) que ha dado sus mejores obras. Pero el problema fundamental no es lo que representa sino cómo lo hace. Qué mirada establece sobre África…

Ese es el verdadero problema cuya solución no es fácil pues en ambos sentidos tenemos ideas.

A mi humilde juicio Barceló es intercultural en sus obras más íntimas, aquellas que se ocupan de un África llena de pequeños gestos, de un futbolín, de una bicicleta… Imágenes llenas de una verdadera África en las que se utiliza una técnica aprendida de lo occidental.

Mujer pariendo

 

Futbolín

 

Mujer con niño matando un pollo

 

Sin embargo, también hay un África pintoresca, vista desde prejuicios occidentales que nos conducirían al siglo XIX en imágenes como estas.

 

Un África traspasada por el discurso ecológico y marxista que sólo quiere ver en ella la visión consolidada por los medios de comunicación que habla de explotación y nos deja un poco más tranquilos ante la visión levemente crítica que propone. Ya somos solidarios, nos decimos al verlo, aunque ¿realmente comprendemos algo verdaderamente esencial de su cultura y forma de ver la vida?

 

Pluja contracorrent

 

Somalia

 

En cuanto a sus paisajes, ¿no es la versión sublime típicamente romántica aplicada a un nuevo territorio que sólo nos aporta una imagen potente, y magnífica, pero que podría ser África o Asia o Pernambuco?

 

Temporada de lluvias

 

Queda ya abierta la sesión de polémica.

 

Todas las imágenes tomadas de

http://lozzanoart.blogspot.com/2009/09/miquel-barcelo.html (Una magnífica página)

 

Vicente Camarasa

 

 

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MIQUEL BARCELÓ (1) O DE LOS ENGAÑOS DE LA MIRADA QUE SON LA CERTEZA DE LA INTELIGENCIA

 

Tomado de

http://lozzanoart.blogspot.com/2009/09/miquel-barcelo.html

 

Aprovechando la exposición que le dedicará la Caixaforum de Madrid al artista (febrero-abril 2010), ya es hora que hagamos entrar en este blog a uno de mis artistas vivos favoritos.

Y es que su obra está llena de sugestiones, de modernos clasicismos que, como le ocurría a Picasso, sabe renovar las imágenes e ideas antiguas haciéndolas suyas.

Y quiero empezar por lo que me fascinó la primera vez que pude verle en directo, en una ya muy lejana retrospectiva en Valencia: su tensión entre forma o fondo o cómo jugar con la mirada.

Este tema es uno de las cuestiones más repetidas en la posmodernidad, y nosotros lo hemos tratado ya en autores como Chema Cobos o Juan Muñoz. En el fondo es una simple evidencia de un mundo lleno de simulacros (copias de la realidad más reales que la realidad misma, hiperrrealidades sin necesidad de referentes, como ya las definiera Baudrillard o Foucault) en la era en que los medios de comunicación, los anuncios publicitarios o la política telegénica irrumpen en nuestro imaginario de forma mucho más intensa que la propia realidad palpable.

 

¿Por qué nos ha de sorprender entonces que los artistas nos manipulen también? Acaso su intención es mejor que la del resto de medios: hacernos caer en la cuenta de la constante mentira que nos venden sin pausa nuestros políticos, nuestros ideólogos, nuestros grandes comerciantes…

 

Retrato de John Berger

Tomado de http://lozzanoart.blogspot.com/2009/09/miquel-barcelo.html

 

Nos mienten para que nosotros sepamos que somos engañados, que tras la realidad que nos quieren hacer ver hay muchas otras realidades posibles, aunque necesitan de nuestra atención, de una actitud activa, para que podamos descubrirlas.

Por ello las obras de Barceló son o falsos abstractos o falsos cuadros realistas, en realidad da lo mismo, pues lo importante es la ruptura con la verdad única a favor del multiculturalidad, lo híbrido, lo mestizo…

Por eso ver un cuadro en directo de Barceló es fundamental pues encontraremos en ello la visión plena de la obra, un lejano recuerdo de la realidad vista a la distancia y rigurosamente expresionista abstracta en las cortas distancias, lleno de grumos de pintura y todo otro tipo de sustancias (una clara lección que el mallorquín ha aprendido de otro de nuestros grandes artistas vivos, Antoni Tapies).

 

.

(Visión fragmentaria y lateral)

 

En este juego las cosas, por lo demás, aún se pueden complicar más, y puede ser el propio soporte quien se combe para producir imágenes invisibles (al modo casi de las que hacía Dalí) dentro de otra puramente pictórica

 

Tomado de

http://www.deseoaprender.com/Barcelo/index.php?gallery=.ℑ=L%20anguille.jpg⟨=is

 

Pero rizando el rizo, el espectador que quiera acercarse a los cuadros de Barceló encontrará, dentro de la abstracción de grumos de pintura, objetos tan puramente reales como colillas que funcionan como colillas que, sin embargo, exhalan un humo que es pura pintura. Posmodernidad o ¿qué es verdad?

 

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Lo que nosotros decidamos

 

 

Vicente Camarasa

 

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CHEMA COBO Out of frame.

Panorámica

 

Pude ver esta exposición en el CAC de Málaga, un museo verdaderamente arriesgado en sus producciones, con un criterio amplio pero riguroso que tanta envidia da cuando uno lo lee en los culturales.

Yo no conocía al autor más que por alguna obra suelta y me fascinó su evolución y coherencia.

 

La promesa

 

Me gustó su posmodernidad tan lúcida que es capaz de jugar con nosotros y contarnos dos discursos a la vez. Uno visual, sosegado, de citas culturales evidentes (desde el impresionismo hasta las piscinas de Harvey o la Última Cena de Leonardo despojada de todo más que de su caja espacial, por otra parte girada) que de pronto se interrumpe, se disloca cuando leemos sus títulos. (si lo vaís haciendo lo comprenderéis)

 

La última Cena

 

Es la contaminación de los géneros de la posmodernidad, en donde la obra se fracciona (en realidad lo hace el espectador ante ella) con mensajes contradictorios entre texto e imagen que nos obligan a repensar la imagen tras leer el título y darnos cuenta de lo frágil que puede ser nuestra percepción, de cuán fácil es engañarnos (como insiste Ana en sus artículos sobre publicidad)

Capitalismo popular

 

Por eso acaso no sea nada frívolo su Caverna de las ideas (el mito de la luz y la oscuridad pero también del conocimiento y la ignorancia dado la vuelta, pues ¿la bola de la discoteca es la luz, el saber, o su simple tergiversación, su salida trasera?)

 

La caverna de las ideas

 

Vexation

 

Y es que los cuadros de Cobos juegan con numerosas tensiones, también puramente estilísticas. ¿Son abstractos, juegos de color que lejanamente se asemejan a la realidad, o son imágenes desvaídas, sin cuerpo, como lejanos recuerdos? Algo a lo que tan bien juega Barceló

 

Detalle de Capitalismo popular

 

No cruce la escena

 

Posibilidad

 

Una obra en principio fácil y decorativa que se contradice a sí misma y deja, al final de la observación, al espectador más perplejo. Pues más que certezas nos genera dudas sobre la realidad y sobre el mismo hecho de pintar, un recuerdo que va más allá de lo visual para ingresar en el terreno de las ideas o, peor quizás, el de los espejos, siempre tan peligrosos, como ya nos advirtió el gran posmoderno antes de la posmodernidad, que fue Borges en donde todo es tan verdad (o mentira) como el lector quiera penetrar en sus fantásticos laberintos para ver la Últimas noticias

 

Últimas noticias

 

Imágenes y texto: Vicente Camarasa

 

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16/01/2010 09:47. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

FRANCIS ALYS. 300 FABIOLAS

Tomado de http://2.bp.blogspot.com/_1lW--LssEQ4/SjtT2WGPO-I/AAAAAAAAAUk/1HmxCSC-M7k/s1600-h/NPGFabiola6.jpg

 

300 cuadros con una misma imagen repetida, una especie de matrona romana de velo rojo y rostro de suave tristeza.

300 cuadros de autores diversos, amateur, a menudo con escasas cualidades artísticas; incluso uno hecho con judías, lentejas y garbanzos.

 

 

Tomado de http://c-monster.net/blog1/2008/10/08/francis-alys-at-lacma

 

300 cuadros hechos como reproducción de un cuadro de poco valor artístico del pintor academicista decimonónico Jean Jacques Herner, que por otra parte en la actualidad se encuentra en paradero desconocido.

Pero, ¿qué es esto?

 

Tomado de http://c-monster.net/blog1/2008/10/08/francis-alys-at-lacma

 

Esto es una obra de uno de los más interesantes artistas posmodernos, Francis Alÿs, un belga residente en Méjico que intenta con su arte plantearnos preguntas más que darnos respuestas.

Con sus performances y actividades diversas, el artista es un heredero de Duchamp, de Beuys. Arte como pregunta que necesita de un espectador que conozca algunos detalles previos para poder después plantearse dudas.

Os cuento esos datos previos.

Fabiola fue una santa que vivió en Roma hacia el S. IV D.C. Una santa que bien podría ser la protectora de las mujeres maltratadas, pues ella lo fue por su primer marido, del que se divorció, para luego vivir una vida de penitencia.

Su vida tuvo poca repercusión en el arte hasta el mismo siglo XIX,l cuando  el Cardenal británico Nicholas Patrick Wiseman escribió el best-seller Fabiola o la Iglesia de las Catacumbas en 1854. Desde este texto el ya citado Herner hizo un cuadro que ha tenido una espectacular éxito, aunque sólo en los autores amateur, que han realizado miles de copias de este cuadro.

Alys. Ha ido recopilando cientos de estas copias (tan poco artísticas) y ahora ha procedido a exponerlas. Este acto es el verdadero arte, el origen de todas las preguntas. La primera y principal sería: ¿esto es arte? ¿Podemos considerar artista a Alys que no ha pintado ninguna de ellas y sólo las ha reunido? ¿Por qué lo ha hecho, qué debemos pensar ante ellas? ¿Nos debemos maravillar ante estas obras, copias bastante malas de un cuadro que tampoco pasará nunca a la Historia del Arte? ¿Por qué ha tenido este éxito popular la imagen? ¿El kistch puede ser arte? ¿Qué es arte, el objeto que miramos o las intenciones con las que lo mira el espectador?

Las preguntas podrían multiplicarse durante horas, pues esta exposición es, simplemente, una máquina de hacer preguntas, como ya hizo Marcell Duchamp con su urinario, una opera aperta, como ya nos explicó Eco, en donde el arte sólo es una excusa para replantearse temas que habitualmente no hacemos.

 

Muchas de estas preguntas os las podéis hacer en la exposición que se encuentra en la Abadía de Santo Domingo de Silos

Para saber más

http://delmuseoimaginario.blogspot.com/2009/02/francis-alys-fabiola.html

 

Vicente Camarasa

24/11/2009 07:23. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

DOS NUEVAS MIRADAS AL PAISAJE: EVA LOTZ Y DARÍO URZAY

 

Darío Urzay

 

De las últimas exposiciones de arte actual que he podido visitar ha habido dos que me han llamado la atención. Ambas, curiosamente, planteaban un tema común: el paisaje y su reconversión por medio del arte y la técnica.

En la Casa Encendida se pudo ver la exposición Viajes de Agua de Eva Lootz. Una muestra un tanto irregular aunque con algunos hallazgos sorprendentes. Su tema giraba en torno a la hidrografía y me resultaron muy interesantes dos piezas. Una era una simple maqueta (y su sombra, acaso lo mejor) que simplemente reproducía el sistema hidrológico de un río y sus afluentes. Pasmoso cómo la Naturaleza puede hacer obras de tanta belleza formal

 

 

La otra obra que me interesó fueron dos esculturas realizadas a partir de los cálculos del caudal histórico del río. Matemática e informática que terminan en resolverse en unas formas blandas y exquisitas que son en sí misma puras esencias de agua

 

 

En las colecciones ICO exponía Darío Urzay, un ¿fotógrafo? ¿un pintor? ¿un artista de net art? En realidad una obra mixta, ambigua como es tan típico de la posmodernidad en donde las apariencias gustan de ser eso, puras imágenes más allá de lo real que hemos de observar pero también repensar.

 

 

Pues las obras de Urzay parten, como en esta ocasión, de tomas aéreas y de vistas topográficas que más tardes son manipuladas por medio de pintura y resinas hasta conseguir ese aspecto evanescente y pulido que a veces roza lo kisch y otras veces lo sublime. Una especie de topografía emocional. De paisaje manipulado y recreado, humanizado hasta el extremo para luego presentarse por medio de lo más emocional: el color.

 

.

 

 

Podéis ver más obra suya en

http://www.distrito4.com/biografia.asp?Galeria=&Id=19

 

Vicente Camarasa

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA. EL NEOMANIERISTA

 

 

Ahora que estamos hablando tanto de posmodernidad, mi primer contacto con ella lo tuve gracias a Pérez Villalta, este pintor andaluz de la perspectiva y los mundos míticos-modernos.

 Su obra madura se inicia a finales de los 60, cuando se traslada a Madrid y conoce a una serie de autores con los que conformará una nueva tendencia realista que terminará desembocando en la movida madrileña de los 80 (Alcolea, Franco, Gordillo…).

  

Es, por tanto, hijo de toda la gran revolución en torno al 68 (mayo del 68, manifestaciones contra la Guerra de Vietnam, movimiento hipie, revueltas estudiantiles contra Franco…) que marcarán el inicio de la posmodernidad. Será un lector de Guy Debord, de Foucault, de Perec; un amante de la pintura Pop (especialmente británica)… que están comenzando a reconstruir el mundo del capitalismo para ir abriendo las grietas en las que vivimos en la actualidad.

 

Sin embargo, toda esta agitación quedará encubierta en su obra, sólo se conocerá en una lectura más profunda, pues en un típico guiño posmoderno Pérez Villalta, abandona la realidad histórica para centrarse en los mundos manieristas y mitológicos.

Manierista en la concepción del espacio pictórico por medio de la perspectiva. Sus cuadros se organizan a través de suelos, pasadizos y arquitecturas que son manipuladas por efectos de perspectiva sumamente potentes. Perspectivas falsas, por supuesto, que demuestran su propia fragilidad sólo con que el espectador se fije un poco en ellas y vea como se deforman según se recorre el cuadro, normalmente armado en torno a varios puntos de vista, como haría un Broncino o un Pontorno. (¿No es esto la estética del fragmento de la que hablábamos el otro día?)

 

Tomado de paradoxportal.blogspot.com/2007/12/paradoja-d...  

 

Otro de sus rasgos son los personajes que habitan estos espacios ficticios. Aunque existen personajes actuales (pintores de su generación, personajes de esta famosa movida tras un concierto), es habitual en su obra la aparición de seres mitológicos, de seres deformes que a duras penas actúan en estos espacios que les vienen grandes, que les son extraños, como un nuevo Giorgio de Chirico o Juan Muñoz.

 

Sus acciones se muestran cercanas a la magia o, por el contrario, a los actos más cotidianos (esos hombres que duermen, como en la novela homónima de Perec); una nueva unión de fragmentos sin hilo conductor que terminan generan lugares fascinantes en donde el tiempo se encuentra detenido, invadido por un espacio amenazante. Somos nosotros en este nuevo mundo sin certezas (ya no existe la del espacio) realizando ritos monótonos o sutiles (acaso es lo mismo)

 

En su obra existen otras influencias, como podéis ver en este texto extraído de LUX ATENEA (un blog cultural sumamente sugerente)

Utiliza la estética minimalista para aumentar la intensidad emocional del espectador, usando tonos cromáticos no muy frecuentes que se mueven entre los tonos pastel (de aparente tacto algodonoso) y los tonos crudos (que parecen tener vida propia). Bajo la influencia posmodernista, a Villalta le gusta mostrar las vidas privadas de sus personajes ante el público, mientras estos permanecen abstraídos de todo lo que está sucediendo alrededor suyo.

OTRAS OBRAS ANALIZADAS EN NUESTROS BLOG

El instante preciso (Granada)

 

Vicente Camarasa

27/07/2009 08:38. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

¿QUÉ ES ESO DE LA POSMODERNIDAD? Segunda parte: recogemos los fragmentos.

 

Decíamos en el artículo anterior que el proyecto moderno cayó por sus propias contradicciones pero también empujado por postestructuralistas y deconstruccionistas. Al someterlo todo al análisis despiadado saltaron las resistencias y todo acabó terminando en un paisaje tras la batalla.

Ahora sólo nos quedan ya más que fragmentos, ideas sueltas que ya no se unen en grandes relatos. Restan los restos de un naufragio sobre la playa que volvemos a recoger y unir, aunque sabiendo que ya no es posible reconstruir el pasado, pues estas serán dos de las grandes marcas que arrastrará la posmodernidad: el fragmento y la falta absoluta de ingenuidad. Nunca podremos volver a la inocencia y nuestra cultura posmoderna será la de un viejo que todo lo supo pero ya ha olvidado los nexos de conexión entre los recuerdos.

Mirad como representa los campos de concentración nazis Kiefer, sólo rastros de lo que fue

 

 

 

U observar en qué se ha convertido la historia de una vida (Pettibon, 2007)

 

 

Son los famosos atlas de Richter (iniciados en los 60) en donde se mezclan fotografías propias, dujos, recortes, memoria propia, social, artística… Una forma acumulativa de aprehender el mundo

 

 

Tomado de http://www.gerhard-richter.com/art/atlas/atlas.php?11591

 

Las esculturas de objetos encontrados de Tony Cragg

 

 

Tomado de tancarloscomoyo.blogia.com/2007/septiembre.php

 

Pues ya somos conscientes que las grandes historias (los metarrelatos, como los denomina Lyotard) son completamente falsos, y solo podemos rescatar pequeños trozos de ellos, como el arqueólogo que nunca encontrará un vasija entera y se tendrá que conformar con pedacitos arrasados por el tiempo. Por eso el cuento breve será una de las grandes géneros de la posmodernidad, como ya no enseñó Borges, Calvino o Monterroso, los famosos microcuentos de este último

 

Cuando despertó, el dinosaurio continuaba allí

 

Una visión fugaz de la realidad que se corresponde a nuestro atención actual, como la que desarrollamos ante el ordenador (según Verdú más emotiva que análítica, sin profundidad, constantemente móvil de una información a otra, dispersa); nuestro famoso corta y pega que no sería otra cosa que esa sociedad líquida de la que habla Bauman, en donde nada es estable, permanente

 

 

Vicente Camarasa

09/07/2009 08:07. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

¿QUÉ ES ESO DE LA POSMODERNIDAD? (Primera parte: de la modernidad a lo posmoderno)

 Buena pregunta. La posmodernidad es esto.

 

 

Tomado de http://clemenciasenil.blogspot.com/search?updated-max=2009-04-20T00%3A47%3A00-07%3A00&max-results=15

 

Es el momento cultural que nos ha tocado vivir. La etiqueta que le han puesto a la cultura desde los años ochenta (aunque sus raíces se encuentran en pensadores de finales de los 60). Intentaré explicarlo un poco.

La modernidad habría comenzado en torno al siglo XVIII con un movimiento llamado ilustración. Sus pensadores (Rousseau, Montesquieu, Voltaire, Newton…) querían llegar a la felicidad por medio de la razón. La razón aplicada a la política (de la que saldría nuestra actual democracia), a la ciencia (con el método científico), al arte (con el neoclasicismo) o a la vida cotidiana (eliminando todo tipo de supersticiones, de tradiciones ilógicas…).

 

 

Goya. Detalle de uno de sus famosos caprichos

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Caprichos

 

Este proyecto generó un enorme avance en todos los campos, y nos aportó el modelo tecnológico actual en donde nuestra vida está cada vez más ayudada por la ciencia, la tecnología, las máquinas…También consiguió enormes avances sociales (desde el voto universal a los derechos humanos) y económicos (la revolución industrial de finales del XVIII que fue haciéndose cada vez más potente hasta llegar a la actual globalización).

Todo esto estuvo muy bien, pero a mediados del siglo XX la modernidad comenzó a presentar cada vez más puntos oscuros. La ciencia que nos había ayudado tanto también sirvió para provocar las matanzas de la I y II Guerra Mundial o consiguió crear la bomba atómica. Las máquinas nos hicieron más poderosos y ricos, pero también comenzaron a destrozar el medio ambiente de nuestro planeta. La economía cada vez se agrandó más pero eso provocó crisis y también una pobreza cada vez mayor en algunos países (los subdesarrollados) y sectores de población.

Pero ahí no acabó todo. La teoría de la relatividad abrió caminos nuevos a la ciencia, que cada vez vio con mayor claridad que todo no era tan lógico como parecía (e incluso comprobó que el propio científico interfiere en los resultados de sus experimentos).

En el terreno del pensamiento las investigaciones de Freud demostraron que, además de la razón, el hombre se encuentra dominado por instintos subconscientes, y Marx y sus seguidores pusieron en evidencia que el capitalismo no era tan armonioso como parecía, y que llevaba dentro suyo el germen de su destrucción. El golpe de gracia lo daría Nietzche cuando, más que la razón, dio más valor a la voluntad, a los sentimientos, al poder. En sus escritos también mató a Dios, que ya era innecesario ante el superhombre.

En el terreno artístico la evolución pasa del culto al sentimiento (Romanticismo), a la denuncia (realismo) o al final de la representación (post-impresionismo). El mundo se romperá en pedazos con las señoritas de Avignon de Picasso.

 

 

Señoritas de Avignon. 1907. Picasso

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/363.htm

 

Como veis todas las grandes verdades (la felicidad que nos daría el capitalismo o la ciencia, la idea de Dios, la razón, la idea de igualdad…) se fueron poco a poco rompiendo, y nos fuimos dando cuenta de que el proyecto ilustrado tenía sus límites. Comenzó entonces una época de sospecha. ¿Qué era verdad, que podía serlo para siempre, qué deberíamos conservar?

La nueva sociedad nacida de todos estos cambios cada vez se fue volviendo más individualista, más consumista, y ni siquiera la idea de la diferencia de sexo se mantuvo. En los años 60 del siglo XX el feminismo explota de forma incontenible y busca para la mujer un nuevo papel distinto al tradicional. En esos momentos también se rompe la idea de sabiduría tradicional. La edad ya no es un mérito, no hay que obedecer a los mayores (a menudo anclado en ideas que muy pronto se quedan antiguas) y ser joven se pone de moda. Se rompe también con el tradicional sistema de poder vertical (de arriba abajo), que se cuestiona desde todos los puntos de vista, se acaba con el tabú del sexo, con el de la propia obra de arte (y del autor, y del mérito, y el de la belleza) por parte de Duchamp que expone un urinario…

 

 

Duchamp. Fuente

Tomado de vagaquimera.blogspot.com/2007/09/marcel-ducha...

 

Una serie de pensadores (Foucault, Lacan, Derrida) comienzan a desmontar hasta los propios mensajes ya sean visuales como lingüísticos, haciéndonos conscientes de todas las trampas que tiene el lenguaje y la imagen. Todo se analiza y se revisa, se deconstruye (una palabra mágica para la época, reconstrucción) y se pone en cuarentena, pues han acabado ya los grandes discursos (Lyotard).

El muro de la modernidad se ha derribado a base de grandes mazazos y ahora sólo nos quedan las ruinas, pedazos de la antigua grandeza del proyecto moderno que pretendió hacernos felices y ahora parece un solar derribado. En este paisaje tras la batalla, surgirá la posmodernidad

 

Vicente Camarasa

 

VISTO EN LA RED. ¿ACASO SOMOS INVISIBLES? Emma Hack y Liu Bolin

Me ha llamado la atención dos obras recogidas en la ventana del zulo que hablan de un tema que cada vez me interesa más: el camuflage o la invisibilidad.

 

 

Resulta curioso que en plena era del individualismo militante nuestra propia personalidad vaya quedando cada vez más camuflada dentro del paisaje global. La moda (tanto en las vestiduras como en los propios pensamientos) nos hace cada vez más iguales al mundo, seres planos perfectamente invisibles (integrados, como diría Umberto Eco).

 

 

 

Es la pérdida del pensamiento crítico del ser diferentes no por pura pose sino por necesidad vital, aunque eso signifique darnos visibilidad y estar expuestos a la crítica o la simple risa.

 

 

¿Sería eso una nueva señal de los tiempos o, por el contrario, uno de los problemas que deberíamos resolver para salir de esta crisis, que más económica es moral y de ideas, en la que estamos sumergidos?

 

Las dos primeras fotos pertenecen a Emma Hack , y además de lo ya dicho, me resultan extremadamente sutiles, una verdadera reconversión del art nouveau  a los tiempos posmodernos en donde toda belleza tiene su lado oscuro

En cuanto a las dos siguientes, el artista es Liu Bolin, un artista plástico chino mucho más contundente, que elimina los rasgos de esteticismo para dar una mayor fuerza a este mensaje de no ser nadie

Todas las imágenes han sido tomadas de

http://laventanadelzulo.blogspot.com/search/label/Arte?max-results=20

 

Vicente Camarasa

24/06/2009 07:02. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

JUAN MUÑOZ, UN BARROCO POSMODERNO QUE HACE DEL ESPECTADOR UNA NUEVA OBRA DE ARTE

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2009/04/21/sentidos-de-juan-munoz

 A Juan Muñoz, como buen barroco, le fascinaban los espejos que multiplican la realidad; le gustaban los suelos de baldosas que crean trampantojos a la mirada, figuras que hablan y se relacionan.

Como artista Barroco amaba el enigma que tienen las Meninas de Velásquez en donde la realidad y la pintura se confunden; amaba que el espectador se integrara en sus obras, se pasera entre ellas Me gustaría que el espectador pudiera entrar en la obra de arte como un actor entra en su propia escena... Me gustaría que quien acude a una exposición, ya sea en un museo o en una galería, se comportara como lo haría un actor, un actor inmóvil

 

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2009/04/21/sentidos-de-juan-munoz

 

Y es que Juan Muñoz vivía para engañarnos con las apariencias, para decirnos que lo más importante es el espacio o el movimiento. Como buen artista barroco disfrutaba tanto haciendo sus figuras como ideando las escenografías que las iban a envolver, y gustaba de los enanos, de la música, del gesto y la luz expresiva y sus grandes sombras provocadas, como un nuevo Caravaggio

Tomado de http://latadezinc.blogspot.com/2008/08/juan-muoz-madrid-1953-ibiza-2001.html

 

Decenas de veces, mientras vemos sus obras, podemos recordar a Velázquez, a Bernini escultor, a Borromini, Rembrandt incluso. Su obra está tan llena de ellos que no le falta ni siquiera la música que debieron acompañarlas en su momento.

Pero Juan Muñoz es algo más que un artista barroco, le sobra cinismo y la faltan certezas para serlo. Es un artista posmoderno que encaja tan fácilmente en nuestro tiempo que es lógico las masas de gente que han invadido el reina Sofía.

Él ya no tiene un rey ni una iglesia que defender (como haría Bernini o Velázquez), ni siquiera una burguesía a la que alabar (como hacía Rembrandt).

Él vive en un tiempo en el que ha dejado de haber tiempo. Un tiempo cíclico y sin grandes discursos, un mundo plural, acaso quisiéramos que multicultural en donde los chinos se mezclan con los enanos y los dibujos animados, las bailarinas sin pies con los desastres ferroviarios.

 

 

Tomado de http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

 Un mundo sin Dios, asesinado por Nietzche y finiquitado por la propia Iglesia. Un mundo en donde todo cambia pues la vida se ha vuelto líquida y se adapta a cada nuevo vaso que pretendemos llenar.

 

Pieza de conversación

Tomado de http://www.elmundo.es/albumes/2009/04/21/exposicion_juan_munoz_reina_sofia/index_1.html

 

Y nada permanece, nada es real del todo, el mundo se ha vuelto un simulacro, como las Vegas y sus hoteles que remedan los canales venecianos.

Por eso todo nos sorprende, porque nos intenta engañar y luego, como un buen y disciplinado agnóstico, nos enseña los trucos del engaño. Las esculturan parecen hombres pero no lo son, para que paseemos entre ellas sabiendo que se parecen a nosotros mismos pero son mentira.

Es tal la brutalidad de sus esculturas que éstas hablan y mueven los labios para luego… no decir nada, o contárselo sólo a una pared. ¿Acaso porque no hay ya nada que decir, sólo murmullos, como una televisión encendida para nadie?

 

 

Tomado de http://latadezinc.blogspot.com/2008/08/juan-muoz-madrid-1953-ibiza-2001.html

 

Y todo parece realista, pero no lo es. Los ojos están pellizcados en su resina para que, cuando nos acerquemos nos encontremos con una realidad muy distinta a la que nos parecía, igual que a menudo realiza Barceló

 Y es que, como ocurría en Dubufet, las obras de Juan Muñoz tienen algo de risa y algo de miedo. Nos sorprende y nos divierte, primero, para provocarnos un escalofrío después. Sus obras se dejan mirar fácilmente, pero se olvidan con mucha dificultad, pues en el fondo todo nos recuerda la triste condición humana, su desvalimiento, lo poco que somos frente a lo mucho que nos creemos

 

 

Tomado de http://www.elpais.com/fotografia/cultura/i/Hanging/figures/i/1999/elpfotcul/20080124elpepicul_3/Ies

 Y si todo lo dicho ya sería bastante, no es suficiente para la obra de Juan Muñoz. Pues falta el público, quizás mucho más importante que su obra. Como ya hiciera Duchamp con su famosa fuente su arte queda incompleto sin un espectador que lo mire y lo sienta.

Tomado de http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

 

Para eso sus figuras no son sólo figuras, sino piezas en un espacio. Las obras no se cierran en sí mismas sino que se abren a las salas y las transforman sólo para que el espectador pueda entrar en el juego y andar entre ellas, pararse, darse la vuelta, sentirse incómodo entre chinos sonrientes ,  un verdadero dios ante otras diminutas o formar parte de ellas convirtiéndose en una sombra junto a la sombra proyectada.

 

Lo vi en Bolonia

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Mu%C3%B1oz_(escultor )

 

Quizás sería muy interesante, acaso más interesante que ver las propias obras, fijarnos en dos cuestiones: cómo modifican el espacio circundante haciéndonos visible nuevas formas de percibirlo y qué curiosas relaciones establece con el espectador al que obliga a convertirse en un verdadero mirón, como hacía el Picasso último, haciéndole entrar en la intimidad de los grupos que hablan entre sí, obligándole a agacharse para contemplar un rostro que luego no podrá ver, reflejándose en los espejos mientras gira en torno a una obra, escuchando la pared por si acaso hay algo que oír tras ella… Un verdadero espectáculo, sobre todo el de los niños que aún no conocen la vergüenza y se dejan arrastrar por las sugestiones de esta obra rica, múltiple, divertida y terrible, de la que hemos intentado destacar algunas clave, aunque es IMPRESCINDIBLE ir a conocerla en persona y sentirla por uno mismo, pues seguro que encontrará nuevas ideas que nos encantaría que compartiérais en este artículo.

Yo, por el momento, pongo un enlace con la más joven colaboradora de nuestro blog, Aurora, que desde su sensibilidad increíble (jamás he visto a un niño ver las obras de arte con esa facilidad, sacar el mensaje oculto en ellas como si estuviera escrito en letras fosforescentes), nos cuenta sus experiencias

 Si queréis ver más, aquí tenéis vídeos interesantes

http://www.youtube.com/watch?v=SOXCBkODfeg&feature=related (Un niño viendo la exposición)

http://www.youtube.com/watch?v=hkUuylN9tF0&feature=related (Las esculturas que respiran)

http://www.youtube.com/watch?v=Qlw-6WuKCUM&eurl=http%3A%2F%2Fblogs%2Elarioja%2Ecom%2Fnoesundiacualquiera%2Fcategory%2Farticulos&feature=player_embedded (general)

 

Para leer más cosas sobre Juan Muñoz

http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Juan/Munoz/2255

 

Vicente Camarasa

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ANISH KAPOOR. EL ARTE CONTEMPORÁNEO INDIO

 

Tomado de http://www.ngv.vic.gov.au/ngvwa

Ahora que vuelve Arco y que el país invitado es la India, quizás fuera el momento de hablar de uno de los artistas más fascinantes del panorama internacional, que une su origen (y filosofía) india, con las formas de expresión occidentales.

 

Las primeras obras que pude ver de él (todavía en fotos) eran pequeñas esculturas geométricas sobre el propio suelo que llamaban la atención por el color intenso, lleno de fuerza y contrastes, como el que se puede ver en un zoco de especias.

 

Tomada de http://mollytate.wordpress.com/geometric

 

Y es que algo de especias, de sensaciones a la que se unía una difusa espiritualidad. Las figuras estaban cubiertas por pigmento en polvo que se derramaba por el suelo, una técnica que recordaba a los templos hinduistas en donde el creyente saca su propio recuerdo del templo en las pisadas que llevan parte del polvo esparcido en su suelo.

 

Luego pasó mucho tiempo hasta que me volví a encontrar con Kapoor. Esta vez gue en directo, en el Reina Sofía. Se trataba de una gran piedra vaciada y pintada de un profundo negro el interior.

Realmente pocas veces he tenido una sensación tan vívida del vacío, de ese vacío oriental del que ya tantas veces hemos hablados en este tema. Un vacío lleno de sentido, un absorvente, hipnotizante vacío que era, en rigor, mucho más importante que la propia piedra que lo cobijaba.

 

 

Tomado de http://www.museoreinasofia.es/museoreinasofia/live/coleccion/autores/kapoor-anish.html

 

Más tarde la obra de Kapoor ha ido evolucionando a grandes instalaciones qque, aunque han dado más intensidad a sus emociones, han perdido un poco de esta suave intimidad de las primeras obras

 

 

Tomado de http://theloveumake.vox.com/library/posts/tags/anish+kapoor

Y es que Kapoor es la perfecta representación de la estética oriental, de su fascinante revelación de lugares más allá de los sentidos, apresados por estos pero en el fondo inconcebibles. En él viven esas sensaciones de vacío y plenitud, de encuentro con lo misterioso, de meditación silenciosa que hemos comentado en Rohtko o en Yves Klein.

 

Tomado de http://i2.photobucket.com/albums/y25/Hhyaena/AK282_m.jpg

 

Hay también un culto al color que es un Matisse evolucionado, una tactilidad (¡qué maravilla sería tocar sus obras, o quizás mejor, vivir en ellas!) que recuerda a Chillida y sus espacios interiores, suavemente apresados.

 

Tomado de http://visualarts.qld.gov.au/designyourowntour/details.php?id=55&pnum=20&project=APT5

 

Pues la escultura de este autor es, en el fondo, una simple excusa para contener el vacío y el color. Un objeto que distorsiona la realidad de la sala, la sacraliza sin necesidad de dioses y , como el proverbio chino, se convierte en un dedo que señala a la luna, un mediador entre nosotros y el resto, una gran maquinaria sensitivo-espiritual que más parece música, como un cuenco tibetano para los ojos (y los dedos).

 

Tomada de http://www.studio-international.co.uk/studio-images/kapoor/21b.asp

 

Ahora en Madrid se pueden ver cosas suyas en Arco y la Fundación el Canal, además de la pieza del Reina Sofía. Realmente merece la pena acercarse a ellas pero con un espíritu abierto: sólo veremos en ellas lo que tengamos dentro, son grandes espejos (Como su último Espejo Islámico de Murcia) de emociones, de suaves pero profundas sensaciones que rompen la dualidad entre sentidos y razón. Lugares sagrados  pero no divinos, sino profundamente humanos.

Quizás quede más claro con alguna de sus declaraciones recientes extraídas de http://www.elpais.com/articulo/arte/color/sustancia/valor/fisico/elpepuculbab/20060128elpbabart_2/Tes

Yo hago un arte abstracto que busca el significado, el contenido. El contenido que he descubierto es el del interior del ser humano

 

No tengo nada que decir como artista, no creo que decir algo sea importante pero pienso que es posible crear lugares cargados de energía. Ámbitos de cierta intensidad

 

La belleza de ser artista es que el significado está siempre en proceso, la obra está sólo señalando hacia una probabilidad. Eso permite que surja la poesía

 

 

 

Para saber más y ver más obra suya

http://www.enriquecastanos.com/kapoor.htm

http://www.ritnit.com/2007/09/13/anish-kapoor-bombay-india-1954

http://theloveumake.vox.com/library/posts/tags/anish+kapoor

 

Vicente Camarasa

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PACO SANCHIDRIÁN

 En 1951, en el número 35 de la calle 8 de Nueva York, tenía lugar una reunión de artistas en la que Hans Hoffmann comparaba la pintura francesa y la americana. "Los franceses", decía, "tienen un pasado cultural. Lo tienen más fácil". Entonces intervino Willem de Kooning y dijo: "Los cuadros de los franceses tienen un 'toque' que les hace parecer como cuadros terminados. Un 'toque' que me complazco en no tener".

Tomado de http://juanat.wordpress.com/2008/04

 

 Paco Sanchidrián, como De Kooning, sabe muy bien que la gran batalla de la pintura moderna consiste en destruir la fortaleza del ilusionismo renacentista, en desenmascarar el artificio de la tercera dimensión y en devolver a la pintura su carácter plano. Consiste en poder volver a ver la pintura.

 Por eso cuando miras sus cuadros podrás imaginar un lugar con objetos amontonados en el suelo y un espacio detrás. Tu cerebro se empeña tercamente en recordar las contingencias del mundo.

 

Tomado de http://juanat.wordpress.com/2008/04

 

Pero tus ojos saben que no hay suelo ni fondo ni objeto alguno. Tu mirada limpia sólo ve el color extendido sobre la superficie plana y una serie de formas más o menos rectangulares que han de entenderse como la proclamación de que el único mundo que hay en las obras de Paco Sanchidrián es el propio cuadro, es la pintura sin 'toque' mágico, como quería De Kooning, la pintura que se complace en sí misma.

 

Jesús Mazariegos

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12/12/2008 19:20. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

DAMIEN HIRTS. ¿EL ARTISTA PROVOCADOR O LOS ESPECTADORES INCOMODADOS?

  

El autor frente a una de sus obras más populares. La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo , un tiburón real suspendido en formol que en la actualidad tiene ya claros signos de descomposición

Tomado de http://www.descubrirelarte.es/?attachment_id=2682

 

Damien Hirst (1965) es quizás uno de los artistas más mediáticos (y por supuesto millonarios) del panorama artístico internacional que no ha dejado nunca indiferente al público desde su presentación mundial dentro del llamado Young British Artists (jóvenes artistas británicos) que fue promocionado por el controvertido coleccionista Charles Saatchi.

Su meteórica carrera artística está escalonada de escandalosas obras frente a las que la crítica se ha dividido, y mientras unos le consideran el sucesor de Warhol, el gran artista del momento, otros simplemente hablan de marketing, provocación gratuita y una nula capacidad artística.

No voy a entrar aquí en esta polémica (entre otras cosas porque su obra me parece muy desigual y tanto podría estar de acuerdo con las críticas como las alabanzas); simplemente me limitaré a señalar algunas de sus rasgos que a mi me parecen más interesantes.

 

 

San Sebastián, exquisita pintura

Tomado de http://www.operamundi-magazine.com/2012/04/primera-retrospectiva-del-polemico-damien-hirst.html

 

 

Por una parte (y aunque eso ya no sea una novedad desde el arte minimal) Hirts es un artista puramente intelectual que deja la realización de sus obras a técnicos especializados. Suya es la idea, simplemente, pero sus manos no se manchan con la materia, lo cual sigue molestando a muchos críticos, aunque esto sea algo tan habitual en la historia del Arte que los especialistas aún dudan entre las partes originales y las realizadas por los miembros del taller de las obras de Rafael o Rubens.

Por otra parte, sus famosas presentaciones en vitrinas de cristal ya las habían realizado Beuys o Koons, o el uso de materiales vivos tampoco ha sido una creación propia y existen numerosos ejemplos contemporáneos de ello (desde el Arte Póvera de los 60). Ni siquiera sus técnicas de conservación en formol son pioneras y ya existían antes de sus obras.

Frente a todo ello alguien se puede preguntar, ¿por qué es entonces tan famoso?

 

Quizás su éxito radique en la fuerza icónica de sus imágenes, como el tiburón con las mandíbulas abiertas que flota silenciosamente en el líquido azulado, dejando al espectador una sensación de inquietud verdaderamente palpable. Ya no es una representación, es una presentación de unas de las imágenes que más miedo nos pueden producir a nosotros, occidentales burgueses que nos bañamos en la playa cada verano y tenemos en nuestro inconsciente colectivo las imágenes de Spilberg.

Esta fuerza radica, además, en algo ya había descubierto los surrealistas. Mirad esta imagen.

 

 

Tomada de http://www.teinteresa.es/ocio/Hirst-pagan-millonada_5_674982503.html?itemId=11

 

No es sólo el animal real, es toda la carga de maldad, de brutalidad que nos descarga como una corriente eléctrica. Es una de las tácticas de Hirts, colocarnos ante nuestra parte más terrible, hacernos conscientes del grado de sadismo, venganza o violencia reprimida que tenemos cada uno de nosotros en nuestro interior. Acaso por eso nos perturban, igual que hicieron los surrealistas al utilizar los tabúes de la sangre, las vísceras, los excrementos o el sexo en los años 20 (como ya mencionamos al hablar de Bataille). Simplemente habría que volver a ver el famoso Perro Andaluz de Buñuel  o estas obra de Óscar Domínguez

 

 

Óscar Domínguez. Máquina de coser electrosexual. (1933)

 

 

Quizás sea este su mérito, contar lo innombrable, lo que la buena educación, la memoria colectiva o lo políticamente correcto nos impiden. Hacerlo, además, de una forma efectista que prescinde de lo estético para brutalizar aún más la sensación

 

 

 Tomado de http://luz-sonriente.tumblr.com/post/34302671294/damien-hirst-verity-ligier-degas-crossover


Pero en Hirts hay otra constante que se utiliza como forma de conmoción. La muerte. Su tratamiento vuelve a recordar al surrealismo. La muerte como una sociedad secreta, como diría Bretón en su Manifiesto Surrealista de 1924. Un lugar previsto, una cita ineludible que pese a adornarse con diamantes (o precisamente por ello, por confrontarse con el brillo y lujo inútil que tienen los diamantes en la muerte) crea una potente imagen que juega entre lo macabro y lo obsceno (aunque no tenemos, curiosamente, esa sensación cuando vemos ejemplos muy semejantes, como la famosa máscara funeraria de Tutankamon; pues acaso el tiempo, su pátina, llena de un cierto sentido estético a ese lujo aterrador y lo hace pasar por arte)

 

 

 

Por el amor de Dios. Calavera real con diamantes engastados

Tomada de

http://blogs.guardian.co.uk/art/2007/05/27-week

  

 

 

 

Máscara de Tutankamon.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Tutankamon

 

Y la comparación no es gratuita. Una de las obras exhibidas en su última muestra que ha batido todos los records de venta es precisamente una vaca casi sagrada, nimbada y con las pezuñas doradas, como si fuera el Buey Apis redivivo.

 

 

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Becerro de oro

Tomadas de http://kinua.blogspot.com.es/2008/11/hirst-horsch-de-arte-contemporneo-y.html


En este sentido, una de las pocas obras que he podido ver directamente del autor, me impresionó, lo reconozco. Se trataba de la llamada Trampa para moscas. Una gran vitrina dividida en dos espacios intercomunicados. En uno de ellos había larvas de moscas que iban naciendo, alimentándose del azúcar de un platillo. Al desarrollar sus alas, algunas de ellas pasaban por azar al otro habitáculo en donde existía una trampa eléctrica en donde las moscas se achicharraban (como las que existen en algunos bares de carretera), dejando el suelo de cristal tapizado con sus cadáveres.

 

 

Trampa de Moscas

Tomado de http://www.dobleclic.com/%C2%BFdamien-hirst-arte-o-especulacion/damien-hirst-thousand/

 

Realmente la metáfora no podía ser más evidente. Somos como moscas que nacemos y morimos ante la mirada impávida del espectador. Un verdaderamente terrible Gran Hermano que se desarrolla ante nuestros ojos que ven pasar el tiempo como si fuéramos dioses menores de las moscas.

 

 

Otro tema sería el de los medicamentos, pero eso lo dejaremos para otro día, pues esta noche es Halloween y creo que con estas imágenes ya es suficiente para las peores pesadillas.

 

Y para que no sea todo tan terrible os presentamos definitivamente a Biombito disfrazado del fantasma. Feliz fin de semana de miedo.

 

 

Vicente Camarasa

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ALGUNAS PREGUNTAS DE LA NOCHE EN BLANCO

 

¿Cuándo empieza esto? Pues vaya… y, ¿sólo es esto? Esta cola, ¿para qué es? Y Aquí ¿qué hay? XD, XD, XD…

 

 

Salí a la calle, la verdad que sin muchas expectativas (el año anterior me volví bastante frustrada). La primera parada fue ante la pantalla ¿gigante? del teatro de la opera para intentar ver “Cavallería rusticana”. Cual fue mi sorpresa que pudimos disfrutar de silla y todo. A los cinco minutos de empezar la representación, comenzó el movimiento y el sonido ambiente: un continuo ir y venir de gente que se sentaba, levantaba… y ¡charlaba! Gente llena de prisa (y bastante maleducada) que no sabían estarse quietas durante la escasa hora que duró la representación. Y yo preguntó: ¿a qué fueron? (esto estaba claro que era una ópera)

 

Después nos acercamos al templo de Debod para ver la instalación del mar: consistía en una iluminación especial del templo acompañado del sonido de las olas del mar. La gente llegaba en riadas y se distribuía alrededor con las expectativas muy altas y dispuestas a esperar: “¿cuándo empieza esto? No. Esto no empieza. Es esto. Pues vaya y… ¿sólo es esto?”

 

Continuamos paseando por la Gran Vía en busca de los famosos patitos de la Cibeles (Los patitos estaban a la altura: francamente me pareció una de las mejores propuestas de la noche). Por el recorrido fuimos encontrando varias instalaciones más y, por supuesto, las mismas frases: ¿Aquí que se ve? ¿Esta cola para qué es? Ah, ni idea, nosotros nos hemos puesto aquí porque había gente.…. Por Dios, por Dios, por Dios

 

De Cibeles al Reina Sofía surge una nueva pregunta: ¿Por qué la gente es capaz de esperar una cola de dos horas para entrar a ver un museo que ignora durante el resto del año? Los cuadros que hay dentro son los mismos y además también hay muchos horarios en los que el museo es gratuito. ¿Merece la pena?

 

Reflexión de vuelta a casa mientras viajabas como sardinas en latas en un metro que tarda diez minutos en llegar a la estación: Realmente ¿merece la pena la cantidad de dinero que nos gastamos entre todos para pagar la noche en blanco o no sería lo mismo si la ciudad fuera simplemente peatonal y la gente pudiera pasear por la Gran Vía, la Calle Alcalá y el paseo del Prado en una noche de luna llena?

Yo creo que igualmente los madrileños estarían en la calle, pues lo que realmente nos ilusiona es hacernos una foto sentados en la mitad de la calzada de la Gran Vía.

 

Cayetana

 

 

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LA NOCHE EN BLANCO. UNA OPINIÓN PERSONAL

Este año realmente me gustó. Tal vez tuve la suerte de encontrar las cosas o quizás me planifiqué mejor. Evidentemente es una opinión personal, pero algunas de las instalaciones me parecieron más adecuadas, aunque hubo también mucho de relleno, como siempre.

 

Si tuviera que destacar algunas cosas, la instalación del templo de Debod, iluminado en azul y con el sonido de las olas del mar me pareció muy sugerente.

 

 

 

La fotografía de Chema Madoz es realmente espectacular, mitad luna, mitad cacerola, como un gong. Este fotógrafo siempre sorprende.

 

Hubo una instalación en la plaza de Vázquez de Mella que a mí me pareció fantástica. El enorme panel de bombillas recreaba la cantidad de luz (y de calor) que hacía en ese mismo momento en nuestras antípodas.

 

También me fascinaron los graffitis proyectados por la Caixa-Fórum sobre su fachada, que se iban haciendo al ritmo de una persona voluntaria que se movía entre unos detectores de movimiento.

 

Pero si tengo que ser sincero, reconozco que me encantaron sobre todos los patitos amarillos flotando en la Cibeles y Neptuno. Tal vez estén cerca (o lo sean) horrores floridos, pero había en ellos un punto de juego, de inocencia frente a las grandes fuentes y su solemnidad.

 

Luego, evidentemente, otras cosas me dejaron bastante frío, como el montaje de la Puerta de Alcalá o los besos del Palacio de Telecomunicaciones, aunque las verdaderas performances de la noche fueron una espléndida luna llena que te ibas encontrando tras cada edificio y las calles llenas de gente. Era impresionante andar por medio de la Gran Vía y Alcalá, como si de pronto pudieras apropiarte de tu propia ciudad y pasearla como si fuera un pueblo.

 

Ésta es mi opinión, aunque muy probablemente cada uno tendrá su propia noche en blanco y me encantaría que me mandarais fotos y comentarios sobre la vuestra para ir haciendo así un puzzle de todo lo que sucedió el sábado por la noche.

 

Vicente Camarasa

 

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15/09/2008 14:59. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

REGRESA LA NOCHE EN BLANCO. 2008

El próximo sábado 13 de septiembre se celebrará en Madrid (junto a otras ciudades europeas) la tercera edición de la Noche en Blanco. Coincidiendo con la luna llena, y ya en su tercera edición, la ciudad se convertirá durante una noche en un lugar distinto, lleno de eventos culturales que pasan de la música, el teatro, la literatura, el arte…

Así es como se anuncia esta nueva edición de una idea comenzada en París a la que se han ido uniendo varias capitales europeas. Pero, ¿qué es la Noche en Blanco?

Realmente no sabría definirlo, pues he asistido a las dos anteriores y en cada ocasión me ha parecido una cosa totalmente diferente.

En la primera de ellas, con bastantes problemas de organización, la sensación fue, sin embargo, magnífica. A eso de la 11 se llegó a cortar el tráfico se llegó a cortar el tráfico en Cibeles y por fin (y sin necesidad de ser jugador del Real Madrid) todos los que estábamos por allí nos pudimos acercar a una Cibeles iluminada en distintos colores.

 

Se pudo también visitar lugares hasta entonces desconocidos (como el jardín de la Capitanía del Ejército, junto a Cibeles, o la primera planta de la Casa de la Panadería de la Plaza Mayor).

 

Instalación en Jardines ejército (Segunda edición, 2007)

 

Pero lo más especial de aquella noche fue una extraña borrachera urbana. La gente iba y venía por las calles cerradas al tráfico haciendo suya la ciudad, con una alegría extraña que a mi me recordó ese sentimiento de libertad que se tiene en la madrugá sevillana. Una noche distinta, un paréntesis en donde Madrid se mostraba distinto, accesible, lleno de sugerencias artística por cada lugar que pasaras.

 

La segunda edición fue, al menos en mi caso, muy distinta. Acaso fue por unas expectativas muy altas, pero lo cierto es que la organización de las actividades y una desagradable lluvia al principio de la noche, hizo de ésta algo muy diferente.

Las colas en los grandes museos abiertos por la noche se repetía, y también la cantidad de gente, pero apenas si se podía ver nada, y lo que se lograba ver era de una calidad bastante mediocre. La borrachera de ciudad no apareció y muy pronto se encontró a la gente deambulando sin destino, quejándose de la dificultad para ver algo interesante.

 

Pese a todo, yo volveré a ir en este tercera edición, y os invito a que lo hagais, pues vete a saber qué ocurrirá esta vez. Este tipo de experiencias es necesario vivirlas, aunque sea para defraudarse, pues las distintas obras, el ambiente y el puro azar de encontrarse algo distinto, no es habitual en una gran ciudad como Madrid.

Pero si os animáis, tened en cuenta algunos consejos.

Por supuesto el coche está prohibido y sólo será un problema. Mejor el metro para acercarse (han ampliado su horario hasta las tres).

También está prohibida la visita a Museos abiertos normalmente. Las colas son inmensas y, por regla general, suelen mostrar sólo una pequeña parte de sus colecciones.

La noche se puede hacer de dos maneras distintas. Se puede organizar la visita  por adelantado. Para ello lo mejor es consultar la página de Comunidad de Madrid (pinchar aquí)  ir eligiendo lo que más interesa sobre un plano, tener en cuenta los horarios, (pues las actividades se solapan) y, sobre todo, las distancias.

Otra fórmula es la de dejarse llevar por el azar. Si optáis por ésta, el grueso de las actividades se encuentran entre Colón y el Reina Sofía, por el Prado-Recoletos y también la Puerta de Alcalá). Te puedes perder cosas interesantes, pero queda el juego de encontrarse con las cosas sin darse cuenta, dejarse sorprender por ellas.

 

Sea como fuera, si os animáis, llevaros la cámara, pues seguro que os encontraréis algo interesante. Luego, si os animáis, podéis mandar vuestras fotos y comentarios (más de sensaciones que técnicos) a mi correo para hacer así una especie de puzzle subjetivo de esta noche que puede ser mágica o penosa, quien sabe, aunque merece la pena atreverse.

 

Vicente Camarasa

(Aviso, gran parte de las cosas son de arte ultracontemporáneo, aunque también se puede ver iluminaciones interesante de edificios y, sobre todo, visitar algunos lugares muy difíciles de ver en condiciones normales)

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12/09/2008 07:37. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

UNA INSTALACIÓN TERRIBLE SOBRE LAS VÍCTIMAS DE LA VIOLENCIA. BERLÍN

Quizás hubiera sido mejor haber redactado estas líneas en el artículo en. CUATRO INTERVENCIONES URBANAS EN BERLIN , pues también habla de la memoria de una manera magistral. Sin embargo me causó tal impresión que he querido ponerlo a él sólo.

También lo hice para poder explicar qué es eso de una instalación, práctica sumamente habitual en nuestro arte actual.

En el fondo se trata de salirse de los límites marcados tradicionalmente entre pintura, escultura y arquitectura. Pues una instalación es una mezcla de las tres: un lugar que es ocupado por pinturas, esculturas u objetos en donde lo que más importa no es cada cosa en particular, sino la creación de todo un ambiente, normalmente paseable, que hace poner en funcionamiento varios sentidos más allá de la pura mirada.

 

 

El espacio se encuentra dentro del Museo judío de Berlín y se trata de una sala alargada de paredes de hormigón lisas, techos muy altos y  suelo cubierto por caras hechas en hierro que se apilan sin orden por todo el suelo.

 

 

Pero lo importante no es esto, sino lo que ocurre cuando entras en la obra y comienzas a andar sin rumbo por ella. Por mucho cuidado que tengas, los pasos crear unos desagradables ruidos metálicos sobre el montón de caras. Ruidos que el recinto amplifica.

Tu caminata crea, por tanto, una música macabra que recuerda a una maquinaria inmensa, al ruido de la guerra, de caballos trotando sobre ruinas. Algo verdaderamente no humano sobre aquellas caritas que son pisadas una y otra vez, como si fueras realmente tú quien produjeras su tragedia.

 

 

La sensación no se puede recrear en palabras, sólo decir que la luz, en unos lugares clara, en otros muy tenue; los ruidos, las paredes lisas como las de una cárcel o un cementerio, las caras hechas de gestos simples, tus pies que las pisan, el ambiente lleno de ecos… pone verdaderamente los pelos de punta en esta obra dedicada a todas las víctimas de la violencia.

 

Si vais a Berlin no os lo perdáis; merece la pena

 

Vicente Camarasa

 

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ARTE PARA CONSERVAR LA MEMORIA. CUATRO INTERVENCIONES URBANAS EN BERLIN

Para quitarme el mal sabor de boca del post anterior  y, también, para hacer justicia al pueblo alemán, me gustaría comentaros brevemente cuatro intervenciones urbanas que me pusieron la piel de gallina en mi reciente viaje a Berlín. Las cuatro tienen en común un tratamiento de la memoria histórica de forma totalmente ética, a veces incluso algo desagradable, pero al menos verdadera.

El primero se llama Monumento al Holocausto, sobre los terrenos que pertenecieron a instituciones nazis. En él se recuerda a los millares de judios asesinados por los nazis en sus famosos campos de concentración de una forma poética, moderna pero verdaderamente emotiva.

 

Como podéis ver en la foto se trata de un gran cuadrado lleno de estelas de hormigón que, ordenadas en retícula, simbolizan un gran cementerio.

Al principio la imagen puede parecer algo fría, demasiado geométrica. Pero, como ocurre cada vez más en el arte contemporáneo, es que necesitan de la participación activa del espectador para funcionar correctamente.

Por tanto, no hay que observar tan solo e introducirse entre ellas en lo que al principio parece un simple juego de laberintos que, poco a poco, se convierte en otra cosa. Según nos adentramos en el recinto las estelas de hormigón van creciendo, restringiendo nuestra mirada a estrechos callejones que terminan en un fondo de árboles y edificios.

 

El silencio del recinto, la falta de detalles que contemplar, la sinuosidad del suelo van haciendo mella en uno hasta sentirse verdaderamente agobiado por un difuso (pero totalmente real) sentimiento de opresión.

 

Parecería que miles de voces gritaran; se siente el peso inmenso de una tragedia en aquel cementerio falso que. Sin embargo, oprime el corazón y hace recordar imágenes vistas sobre el holocausto. Pues en él no hay nada; sólo la memoria propia que se va disparando ante el espacio claustrofóbico, repetitivo como un tambor tocándote dentro del pecho.

 

 

 

La segunda de las intervenciones es muy simple, pero de una intensidad muy fuerte. En medio de la enorme plaza de Bebeplatz, frente a la antigua universidad, hay un pequeño lugar en el que se ha realizado una habitación subterránea que se puede observar pues se encuentra cubierta por un cristal. En ella sólo vemos el reflejo de las nubes y, bajo él, una habitación cuadrada llena de estanterías totalmente vacías.

 

Todo esto cobra sentido cuando se lee una placa cercana. Aquel fue el lugar en donde los nazis hicieron su primera quema de libros prohibidos (desde los escritos por judíos a las obras de Marx), dejando bien a las claras que opinión tenían sobre la cultura y la libertad pese a haber sido elegidos democráticamente.

 

La Universidad Humbolt al fondo

El tercero de ellos se encuentra en el antiguo gueto judío. Se le suele llamar la casa perdida, un solar entre dos bloques de casas en donde, en tiempos de los nazis, hubo un caserón habitados por judíos de los que ahora sólo queda su memoria en forma de carteles clavados en las paredes vecinas en donde aparece su nombre y el nombre siniestro del campo de concentración en el que murieron.

 

 

Me pareció verdaderamente impactante recordar a través de lo que no hay, de estas placas que también se continúan por el resto de la acera que vas caminando

 

 

Un verdadero homenaje a las personas que murieron por una de las tantas atrocidades de la historia.

 

La última de las intervenciones se encuentra junto a la puerta de Brandenmburgo, el lugar histórico que vio los desfiles triunfales de Hitler y luego la erección del Muro de Berlín.

 

 

 En este lugar cargado de historia y temores pero también esperanzas (la reciente unificación alemana tras el fin de la Guerra Fría) existe una pequeña puerta que pone sobre su dintel: Espacio de Silencio.

 

 

Si atraviesas este umbral pasas de repente a un ámbito pequeño que parece contradecir toda la megalomanía del exterior. En él hay un pequeño pasillo en codo que llega a una habitación pequeña, suavemente iluminada, con unas sillas, una gran piedra en uno de sus rincones y un tapiz de formas geométricas iluminado como si fuera un altar. Pues todo te habla de un espacio religioso pero sin religión. Un lugar de recogimiento, vacío de experiencias para que uno pueda volverse hacia su interior y asumir toda la historia que ha estado viendo en monumentos y carteles.

 

Algo verdaderamente oriental. Un oasis de recogimiento y silencio en donde es el hombre y no los grandes escenarios urbanos el que puede encontrar a si mismo y poder repensar sin el bombardeo visual que es la ciudad.

Si estáis el suficiente tiempo en esta habitación, saldréis como si hubiérais dormido mucho, con los sentimientos más calmados, quizás habiendo aprendiendo algo verdaderamente importante.

 

Ante todo esto y como reflexión final: ¿para cuándo obras que vengan a hablar de nuestra guerra civil, sin partidos, sin ideología, sólo desde el punto de vista de las víctimas?. Hace años que oí que el famoso monumento de los Caídos (en donde ahora está enterrado Franco y José Antonio) iba a ser convertido en Museo de la Guerra Civil. No nos vendría nada mal, pues dejaríamos de arrojarnos la guerra como forma de hacer política y empezaríamos a entenderla como una verdadera tragedia que nunca habría que repetir

 

Vicente Camarasa

 

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JAVIER PÉREZ, siempre tan inquietante.

Desde las danzas de la muerte que se pintaban en la Baja Edad Media bajo el horror de las epidemias de peste a las vanitas barrocas que nos hablaban de la fugacidad de la vida y lo efímero de los placeres, como las famosas del Hospital de la Caridad de Valdés Leal, la muerte ha sido un tema recurrente en la Historia del Arte.

A finales del siglo XX, en la llamada posmodernidad, se ha desarrollado todo un tipo de arte llamado abyecto, que habla del dolor, la enfermedad y la muerte. Su aparición generó una gran polémica (Serrano y sus fotos de la Morgue, los hermanos Chapmman y sus esculturas hiperrrealistas de los desastres de la guerra de Goya…). Se decía de ellos que buscaban la morbosidad de la muerte como una forma de autopropaganda. Aunque esto no es del todo incierto, también es verdad es que la muerte, el dolor o la enfermedad son los nuevos tabúes de nuestra sociedad de consumo que vive el minuto y evita pensar en este lado terrible de la vida. En este sentido el arte abyecto tendría el sentido de recordarnos nuestros olvidos, eliminar el mundo dorado del consumo para decirnos que sólo somos mortales; ésa es la única certeza.

Dentro de esta corriente (que algunos quieren ver iniciada por Dalí y su gusto por la putrefacción), un artista vasco desarrolla gran parte de su arte. Su obra habla de lo oculto, pero con tal sensibilidad que más que morboso es, ante todo, inquietante. Desde una pareja de esqueletos bailando una suite de Bach (en lo terrible y lo cómico), hay también pianos con sus teclas llenas de cuchillas de afeitar que nos cortarían los dedos mientras nos dejáramos llevar por el placer de la música. También una misteriosa instalación de campanas amarradas a un tronco muerto, con badajos que son manos, sonando fúnebremente en el espacio del fondo, o la seriación de cabezas en las que se dibuja un rostro para luego borrarse, como la vida misma.

Sin embargo yo me quedo con sus fotos terribles en la que una sola gota de sangre nos recuerda lo inquietantemente frágiles que somos. Su belleza suave y rotunda nos deja sin poder retirarnos de su mensaje.

 

En fin, toda la exposición da la sensación de haber entrado en un lugar sagrado, de sonidos profundos y sensaciones lentas que, sin hablar de Dios, nos hablan del hombre, de sus miedos más antiguos que a la vez que nos repugnan, nos atraen sin poder remediarlo.

 

Está en la galería Salvador Díaz, en la plaza del Reina Sofía (donde los ascensores de cristal). Si queréis algo menos profundo, en el patio trasero del Reina (en la Ampliación pero sin necesidad de pagar entrada) están las “bestias de la playa” de Cansen, unos  gigantescos móviles que habréis visto en algún anuncio de coches

 

 

 

Vicente Camarasa

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29/06/2008 20:08. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.


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