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Se muestran los artículos pertenecientes al tema FOTOGRAFÍA, Video y net art.

ANDREAS GURSKY. EL FOTÓGRAFO DE LA SOLEDAD HIPERMODERNA

 

Sanghai.

Tomado de http://en.wikipedia.org/wiki/Andreas_Gursky

 

Es uno de los fotógrafos más cotizados del momento, y realmente no es para menos. La calidad técnica de sus obras es excepcional. Tanta que la primera mirada es de asombro ante lo fotografiado, de una cierta incredulidad ante lo que se ve, a menudo difícil de entender hasta que conseguimos comprender las dimensiones.

Mientras lo vamos haciendo la fotografía es perfecta, como un cuadro abstracto de un Mondrian del siglo XXI

 

 

Tomado de : www.travelpod.com/.../img_4035.jpg/tpod.htm

 

 

Sin embargo, no es esta primera sensación lo que me fascina del fotógrafo. Yo prefiero su segunda mirada, la que sucede cuando comprendemos lo fotografiado y nos damos cuenta que, pese a su fascinación, los objetos se encuentran inmersos en un aire pesado de soledad.

Aparece entonces esa contradicción entre una hipercivilización y la ausencia de los individuos (que o no aparecen o lo hacen como verdaderos robots)

Una sociedad hipermoderna pero sin alma, este parece ser el lema de sus fotografías. Una especie de amenaza de lo que nos espera. Sólo frío, superficies coloridas pero inertes. Mucha carrocería que, en el fondo, se encuentra vacía.

 

 

Tomado de http://www.artecreha.com/Fotografia/andreas-gursky.html

 

Por eso resultan tan impactantes sus fotos, pues le dan la vuelta a la supuesta falta de emoción y perfección de sus imágenes para (si las dejamos) dejarnos un poso de políticamente correcto y pero falsamente humano.

 

Tomado de www.math.uconn.edu/.../Math1071/math1071f08

 

Quizás sus fotos sean la perfecta ilustración de la globalización en sus aspectos más terriblemente atrayentes: la terrible constatación de lo innecesario que es el individuo. De los gigantescos poderes que se ciernen sobre nosotros mientras creemos vivir en la mayor libertad de la historia.

 

Tomado de asuartmuseum.asu.edu/2001/gursky

Acaso del hiperconsumismo.

 

Tomado de gtwalford.wordpress.com/...

De las obras humanas que sobreviven a los propios que las hicieron y ya tienen una vida autónoma

 

Tomado de lifeinlomo.blogspot.com/.../andreas-gursky.html

 

De los No Lugares que nos invaden cada vez más.

 

Tomado de www.c4gallery.com/.../andreas-gursky.html

De las tentaciones fascistas que genera todo tipo de organización masiva

 

Tomado de art-documents.tumblr.com/post/298260520/andre..

De nuestra ambición por controlar la naturaleza que luego un simple volcán nos hace caer en la realidad

 

 

Para ver mucha obra puedes entrar en esta página

http://www.broadartfoundation.org/artist_30.html

 

 

Vicente Camarasa

 

 

 

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CRISTINA GARCÍA RODERO

 

Tomado de http://leonoracaso.wordpress.com/2009/06/28/cristina-garcia-rodero-en-la-agencia-magnum

 

A menudo el realismo de Cristina García Rodero es engañoso. Tan cierta es su imagen que se vuelve fantástica, y el espectador regresa a los mundos de Macondo o de Comala, imaginariamente ciertos. Ésa es su gran genialidad

 

 

Tomado de http://leonoracaso.wordpress.com/2009/06/28/cristina-garcia-rodero-en-la-agencia-magnum

 

Su cámara va más allá de la apariencia para hacernos ingresar en nuestro propio mundo irracional. Algo íntimo, extraño, pero profundamente verdadero

 

 

Tomado de http://librodenotas.com/almacen/Archivos/003804.html

 

Lugares en donde el tiempo se ha parado para toda la eternidad, formando círculos cerrados en donde se quedaron encerrados los personajes, sus miedos, sus ilusiones frustradas; instantes de prodigio cotidiano en donde lo sagrado se humaniza.

 

 

Tomado de http://librodenotas.com/almacen/Archivos/003804.html

 

O lo humano se envuelve de un halo sagrado, poderoso.

 

 

Tomado de http://librodenotas.com/almacen/Archivos/003804.html

 

Muchos de sus trabajos responden a largas series (tradiciones españolas, Haití…), estando siempre presente la tradición, normalmente a través del fenómeno religioso que prescinde de rituales para convertirse en un acto vivo. Pues esta relación lo sobrenatural es, a mi juicio, una excusa, la arquitectura que permite sacar a las personas lo más íntimo y sagrado que tienen en su interior, aquello ajeno a las modas

 

 

Tomado de dejamequetecuente68.blogspot.com/2008_04_01_a...

 

Para saber más y ver más obra suya

http://librodenotas.com/almacen/Archivos/003804.html

http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=Mod_ViewBoxInsertion.ViewBoxInsertion_VPage&R=2K7O3R1V2L9H&RP=Mod_ViewBox.ViewBoxThumb_VPage&CT=Album&SP=Album

 

Vicente Camarasa

DOROTEA LANGE VS ANNE LEIBOVITZ. De la mirada a la posmirada

 

 

Dorotea Lange

Tomado de imagespublicdomain.wordpress.com/.../

 

Leibovitz

Tomado de asthetimegoesintheactualart.blogspot.com/2009...

 

Hoy he estado de exposiciones por Madrid y me he encontrado con dos fotógrafas fantásticas que me han hecho pensar precisamente en el libro que había llevado para leer en el metro, Los bárbaros de Baricco

El libro, que es un extraño (pero fantástico) ensayo, habla de la posmodernidad como una forma nueva de relacionarse con el mundo (vs la modernidad basada en el fondo en el pensamiento romántico). Algo basado en la ligereza (vs la profundidad), la espectacularidad (vs la inmediatez), el movimiento perpetuo (vs el andar pausado), el pensamiento oblicuo (vs al vertical que profundiza en las cosas), la conectividad (vs la concentración)…

Por esos extraños azares (¿?) que tiene la vida, las dos exposiciones unidas eran la perfecta demostración del texto.

La exposición de Lange presenta sus trabajos americanos durante la Gran Depresión. Pero no el de las grandes estructuras, sino de las personas. Mujeres como Florence Owens (que encabeza el artículo) que aquel mismo día había vendido las ruedas de su coche para variar su comida: los pájaros que cazaban los niños.

Por el contrario Leibonitz es la fotógrafa del glamour, el ojo privilegiado que es capaz de plasmar eso tan difícil como es la sofisticación, la vida sutil de la fama, el erotismo… Toda la serie de virtudes que adornan al individuo satisfecho de la actualidad, construido (tanto en lo físico como en el carácter) más que vivido, visto más que sentido

 

 

Lange

Tomado de blogdofavre.ig.com.br/tag/dorothea-lange/

 

 

 

Leibonitz

Tomado de antoncastro.blogia.com/2008/062901-ricardo-fe...

 

Los retratos de Lange lo son de personas; los de Leibonitz de cosas que parecen personas; probablemente ahí radique la diferencia. Lange fotografía la cara amarga (pero cierta) de la realidad, Leibonitz crea una realidad en donde el color, las referencias al pasado, la perfecta escenografía … crean un nuevo personaje.

 

 

Tomado de lembranzas-ines.blogspot.com/2009/03/fotos-pa...

 

Tomado de www.nytimes.com/.../books/review/Mallon-t.html

 

Incluso a la hora de expresar la tragedia su forma de trabajar es distinta. Lange nos muestra algo a nuestros sentimientos, imágenes directas que nos permiten un acercamiento puramente empático. Liobonitz construye un relato para espectadores que ya han visto demasiado, que nos muestra el horror a través de la elipsis (como si fuera una película) a través de símbolos, de rastros…

 

Tomado de www.historylink.org/index.cfm?DisplayPage=out...

 

Tomado de eldiapason.wordpress.com/.../

 

Son el mirar y el posmirar, el retratar y el construir, el dar fe y el recrear, la realidad frente a la fantasía, dar un paso adelante o andar en oblicuo… Como decía Baricco la profundidad de Lange frente a la superficialidad de Liebonitz, la inmediatez frente a la compleja espectacularización…

Dos formas de mirar que se adaptan al mundo al que corresponde. Las dos geniales. Fijaros en estas fotografías. La del gabinete Bush que quiso dominar el mundo de Leibonitz; (de la que tenéis un maravilloso análisis en el blog de Ana) la de los efectos de la crisis. No se puede hacer mejor

 

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Tomado de geometriacanibal.blogspot.com/2008_11_01_arch...

 

Tomado de lacomunidad.elpais.com/.../2009/2/3/el-equipo-o-

 

Vicente Camarasa

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22/07/2009 09:01 sdelbiombo #. FOTOGRAFÍA, Video y net art No hay comentarios. Comentar.

Ä. Un fotógrafo y diseñador muy prometedor

Valla xenofobia

 Gracias a Ana (a la que tantos nuevos horizontes le debo este año), he conocido un blog sumamente interesante. Se llama simplemente Ä.

Detrás suyo se encuentra Ángel Constantino, un interesante fotógrafo y diseñador (no sé si este orden es el correcto), que ha comenzado a realizar un blog con su propia obra.

  

Ser humano.

 De su obra me gustan especialmente dos características. La primera de ellas es su fina ironía, tanto en sus puros juegos visuales como en otras piezas más elaboradas

 

 Bon Profit.

  

Don not disturb.

 

Me gusta también su rigor conceptual que elimina la paja superflua para centrarse en el mensaje.

 Siglo XXI

 

Pues son obras de una estudiada y calculada sencillez bajo la cual siempre hay una lectura más profunda. Fotos que ganan con el tiempo, cuando se las frecuenta y se va descubriendo en ellas que nada falta pero tampoco sobra.

Algunas verdaderamente inquietantes en cuanto logran resumir en una imagen, ideas profundas, rotundamente actuales.

En ese sentido una de mis favoritas es ésta. Me gusta por su sensación de que somos personas reconstruidas, hechas por decenas de vendas que van apilándose sobre lo que fuimos, que serán cubiertas por lo que seremos.

 

 

De la serie Máscaras.

 Si queréis entrar en el blog ésta es su dirección

http://a-dieresis.blogspot.com

 

Vicente Camarasa

29/06/2009 07:18 sdelbiombo #. FOTOGRAFÍA, Video y net art No hay comentarios. Comentar.

CASEBERE. LA MAGIA DE LA MENTIRA

Tomado de

 http://muertoderisa.typepad.com/photos/uncategorized/2007/03/22/artwork_images_40_156643_jamescaseb.jpg

 

Recuerdo aún perfectamente cómo lo descubrí. Hará dos años, una tarde cualquiera, navegando por Google, buscando imágenes sobre los hamman o baños árabes. Aparecieron entonces sus fotografías sobre espacios inundados, y desde entonces no he podido sacármelas de la cabeza.

 

 

Tomado de http://www.galerietanit.com/bios/casebere/casebere.htm

 

 

Su trabajo se encuentra dentro de lo que algunos críticos (Bravo) ha llamado fotografía construida. Al igual que Chema Madoz, Stroare, Levinthal, Crewdson, Casabere realiza una serie de maquetas que, tras fotografiarlas, son destruidas, quedando sólo una imagen sin realidad sobre la que apoyarse, algo tan típico de la posmodernidad en donde la imagen ya ha sustituido a la realidad (pensad en todas las imágenes trucadas que nosotros pasamos por verdaderas, tanto en tv como en internet, o cómo supimos de 11-S).

 

 

Estudio de Casebere

Tomado de http://www.bombsite.com/issues/77/articles/2422

 

Pero además de este juego entre lo verdadero y lo falso que nos obliga a replantearnos si lo que vemos existe o no, lo que verdaderamente me atrae de Casabere son sus ambientes arquitectónicos. Si observáis las fotos de este artículo veréis que en ella aparecen habitaciones vacías, túneles, galerías subterráneas cada vez más limpias de detalles, espacios vacíos que, paradójicamente, están llenos.

Quizás esto os recuerde al zen

 y su importancia del vacío, así como otras tradiciones místicas como los sufíes o el monacato románico y cisterciense. En sus fotografías hay, más que arquitectura, aire y luz, unas luces misteriosas que crean espacios fascinantes, un tanto terribles, pero quizás por eso más atrayentes.

 

 

Tomado de http://www.frieze.com/issue/review/james_casebere

 

 

A todo esto el autor ha unido en sus últimas obras la presencia del agua y sus reflejos (por cierto, es resina, no agua, luego pasada por el photoshop) que le dan aún una mayor sensación de calma (calma dentro de lo terrible) y un juego de luminosidad difusa como la que tendrían los interiores musulmanes de la Alhambra en su momento de mayor esplendor, arrullados por el goteo incesante de las fuentes entre el aire tibio de las noches de verano.

 

 

Tomado de http://www.bombsite.com/issues/77/articles/2422

 

 

 

Tomada de http://mocoloco.com/art/archives/002089.php

 

Vicente Camarasa

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JOSE MANUEL BALLESTER. ESPACIOS OCULTOS. EL APROPIACIONISMO LÍRICO

 

El Jardín desabitado

Tomado de http://www.distrito4.com/Exposicion.asp?Id=68# 

¿Os resulta extrañamente familiar, verdad?

Extrañamente… Es el jardín de las delicias del Bosco del Museo del Prado ¡en el que han desaparecido todas las figuras! (Si queréis ver el original lo podéis encontrar aquí

En realidad se trata de una fotografía de tamaño idéntico al natural en la que se han ido borrando las figuras y recomponiendo el espacio que habría detrás suyo. Toda una paciente obra delante de un sofisticado programa de ordenador.

 

Esta es la última aventura de uno de los fotógrafos españoles más reconocidos, José Manuel Ballester. Una excursión por la pintura en la que, gracias a la eliminación de las figuras que la habitaron, nos deja el paisaje limpio, casi como recién inventado, para que podamos deambular por él como seres primerizos.

Gracias a este pequeño (pero costoso en el tiempo) artificio, la Naturaleza recobra el protagonismo que debió tener a ojos de los contemporáneos, y como ocurre en la rectificación del cuadro de Botticelli, los árboles se convierten en verdaderos personajes que habitan el silencio.

 

Bosque italiano.

Tomado de

http://www.distrito4.com/obras/José%20Manuel_Ballester/03_jbr13186_web.jpg

(El original lo puedes encontrar aquí)

 

En realidad su actividad está muy cerca de una tendencia posmoderna llamada apropiacionismo. Este estilo, nacido en EE UU en los 80 y 90 es una vuelta al arte y cultura de siglos anteriores para volver a mirarla, aunque normalmente desde una óptica irónica, histórica, llena de guiños y de segundas intenciones. Uno de los fotógrafos más conocidos de la misma es Morimura, que recrea cuadros históricos poniendo su rostro (o cuerpo entero) al personaje principal. La imagen resultante, pese a ser fácilmente reconocible, resulta chocante y critica tanto el eurocentrismo típico de la cultura hasta el siglo XX como nuestra propia forma de percibir la obra de arte

 

Morimura como la nueva infanta Margarita de Velázquez

Tomado dehttp://www.assemblylanguage.com/artpiecepictures/Morimura.JPG

 

Esta técnica ha sido utilizada- acaso excesivamente- en la publicidad actual, aunque sus antecedentes ya los podríamos encontrar en Picasso y su recreación de las Meninas o las obras finales de Andy Warhol, como la Última Cena de Leonardo que tantas variantes ha tenido en la posmodernidad 

Sin embargo, el verdadero iniciador de esta manera irónica de reflexionar sobre el arte clásico y la forma que tenemos de verlos fue Duchamp

Con su famosa Gioconda L.H.O.O.Q. . Una reproducción del Museo del Louvre al que el artista pintó bigotes y perilla y puso unas extrañas siglas que, leídas en francés, parecen decir algo parecido a ella está caliente.

 

Duchamp L.H.O.O.Q

 Tomado de http://performactiva.blogspot.com/2008/08/discusin-en-torno-las-clases.html

En http://adolfopayes.blogspot.com/2008/03/marcel-duchamp-parte-2.html   se puede encontrar un buen artículo sobre ella)

 

Lo que diferencia a Ballester de las obras anteriores es su terrible respeto a la obra de arte, en la que interviene para (tal vez) darle aún más pureza y poder ver en toda su potencia las distintas formas de perspectiva utilizadas o el maravilloso control de la luz en sus más sutiles matices de Vermeer  

 

 

 

Tomado de http://www.josemanuelballester.com/fotografias-para-web/expoEspaciosOcultos/verticalMed/1402_med.jpg

 

Aunque (y esto es una opinión sumamente personal), también producen una tristeza tremenda, una soledad sin límites, algo opresiva, como en esta obra de Fra Angelico, también en el Prado (La original)

 

Tomado de http://www.distrito4.com/Exposicion.asp?Id=68# 

 

Algo parecido a los escenarios terriblemente vacíos de un pintor que fue uno de los favoritos de los surrealistas. Giorgio de Chirico. Ya hablaremos otro día de él.

 

Tomado de http://passages.blog.com/2008/3 

 

Por cierto, por si alguno se anima (merece realmente la pena) la exposición está abierta hasta el 23 de noviembre en la Galería Cuatro, en la calle Bárbara de Braganza (entre el Metro de Colón y el De Alonso Martínez)

 

Si queréis saber más de la exposición podéis ver la página de Distrito Cuatro http://www.distrito4.com/Exposicion.asp?Id=68#

 

También es muy interesante pasearse por la página del propio artista http://www.josemanuelballester.com/espanol/exposicionEspaciosOcultos/textoEspaciosOcultos.htm

 

Vicente Camarasa

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CHAPLIN. LA POTENCIA DE LA IMAGEN A FAVOR DE UNOS IDEALES

 

 

En una sola imagen todo el ridículo de la Guerra (El Gran dictador)

Tomada de http://www.migatocalcetines.es/2006/05/04/el-chico  

 

 

Ahora que el Caixa Fórum de Madrid le está dedicando una exposición (del 02/07/2008 al 19/10/2008) no sería mal momento para recordar la capacidad que tuvo su cine para crear imágenes de gran potencia visual puesta a favor de una ética que defendía la libertad y la dignidad del hombre.

He elegido para ello dos de sus grandes películas. Tiempos Modernos y el Gran Dictador

 

En la primera de ella (rodada durante la Gran Depresión) existe una imagen a la que sobran comentarios

 

Tiempos modernos

Tomado de http://pablocine.blogia.com/2007/mayo.php

 

Después de ver este fotograma poco más hay que decir sobre las relaciones entre hombres y máquinas que se crearon durante la revolución industrial, el poder de la fábrica sobre el obrero minúsculo, la famosa alienación marxista.

 

 

El Gran Dictador tiene dos escenas que reflejan la cara y la cruz de estos personajes singulares, ansiosos de poder.

 

La primera de ella refleja el carácter miserable de estos seres, su necesidad de adquirir el poder para protegerse, pues en el fondo son tan ridículos… que chillarían por no llorar. Seguro que conoceréis a alguno semejante.

 

El Gran dictador

Tomado de

http://www.biografiasyvidas.com/monografia/chaplin/fotos/chaplin_8.jpg

 

La segunda habla de su lado más negativo con una metáfora verdaderamente insuperable. Intentad cambiar la cara de Chaplin por el poderoso que queráis y el globo terráqueo por el objeto de sus ambiciones y la imagen será tan fresca y nueva que parecerá recién inventada, con toda su carga de denuncia ante quienes desean controlar el mundo ya que su interior, por completo vacío, no es capaz de darles las satisfacciones necesarias para vivir plenamente

 

El Gran dictador

http://blog.pucp.edu.pe/category/1728/blogid/637?page=3

 

Y es que Chaplin fue un artista comprometido que tuvo que soportar la famosa caza de brujas dirigida por senador Joseph McCarthy tras la Segunda Guerra Mundial. Acusado de comunista por sus ideas progresistas, tuvo que exiliarse en los años 50, aunque su prohibición a entrar en EE UU fue revocada en 1971 al concedérsele el Óscar Honorífico.

 

Si queréis ver su discurso contra los totalitarismo (terriblemente vigente después de medio siglo) lo podéis encontrar en

 

http://madhatter.blogcindario.com/2007/12/00079-yo-no-quiero-ser-emperador.html (Video del Gran Dictador)

 

Vicente Camarasa

 

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30/09/2008 20:08 sdelbiombo #. FOTOGRAFÍA, Video y net art No hay comentarios. Comentar.

ALEX HÜTTE (Segunda parte). DEL PAISAJISMO FRANCÉS A LA ABSTRACCIÓN Y LA POSMODERNIDAD. FOTOGRAFÍAS COMO PINTURAS QUE AL FINAL SON MENTIRA

 

Tomada de http://www.literaturmueller.de/frame_aLes2008.html

 

Como ya se vio en la primera parte dedicada a este fotógrafo , Hütte retoma el modo sublime de la paisaje romántico.

Sin embargo, en sus últimas obras (Selvas sudamericanas, jardines de Aranjuez) su fotografía da una nueva vuelta de tuerca y cambia de modelos.

 

Hacia la mitad del siglo XIX, el paisaje (especialmente en Francia) comienza a desprenderse de sus ideas románticas (la de expresar sentimientos) para concentrarse en la representación de la luz. La pintura se relaciona así con la ciencia y los nuevos descubrimientos físicos sobre la luz y el color.

Autores como Courbet, Corot (ambos realistas) o Rousseau (escuela de Barbizón) insisten una y otra vez  en el juego sutil de luces y sombras, con una pincelada cada vez más suelta

 

 

Corot. 1860

Tomado de

 http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Jean-Baptiste-Camille_Corot_026.jpg/800px-Jean-Baptiste-Camille_Corot_026.jpg

 

Sobre estos precedentes serán Manet y los impresionistas los que olviden por completo lo narrativo (el cuadro ya no cuenta nada) para centrarse exclusivamente en la luz. Para ello trabajarán al aire libre, eliminarán progresivamente el negro y, sobre todo, utilizarán una pincelada cada vez más suelta (herencia de Velázquez y Goya transmitida por Manet).

 

Esta última característica será especialmente importante, pues la pintura aparecerá abocetada (sin terminar) si nos aproximamos demasiado. Para ver un cuadro impresionista necesitamos una cierta distancia para que los colores se fundan en nuestra retina, si no sólo veremos manchas

 

 

Monet. Amanecer. Sol naciente. 1872

 

Esta técnica será llevada a sus mismos límites por Monet. Ya en los inicios del siglo XX, y encerrado en su jardín de Giberny, Monet pintará una y otra vez nenúfares sobre las aguas quietas de su pequeño lago. En ellos, la unión de la pincelada suelta, con los nenúfares y sus reflejos, termina por crear casi cuadros abstractos ante los que el espectador tiene que hacer un verdadero esfuerzo de reconstrucción para ver la imagen real.

 

 

Monet. Ninfeas

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Claude_Monet,_Water-Lily_Pond_and_Weeping_Willow.JPG

 

Algo de todo esto aparecerá en los nuevos paisajes de Hütte. Su insistencia por fotografiar reflejos en inmensas proporciones hacen que el espectador, cuando se acerque a la fotografía, sólo vea cuadros abstractos llenos de manchas de colores.

 

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_16/XLCO/Ies/20080911elpepucul_16.jpg

 

El juego óptico es típicamente posmoderno, pues en el se mezclan la reinterpretación de la pintura histórica (Monet en este caso) con una reflexión sobre lo que es cierto y lo que es una reflejo. Esa terrible distinción entre la realidad y lo copiado (el simulacro) que es uno de nuestros grandes conflictos actuales (¿qué es la realidad, la que sale por la televisión, la que veo en Internet…? Las fotografías se trucan con photo shop, los edificios modernos a veces imitan los estilos antiguos, todo es un remaque, una secuela, la copia de una copia, como tantas películas americanas, novelas que se refieren a otras novelas…)

 

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_22/XLCO/Ies/Amazonia_venezolana.jpg

 

Esta actitud de especular sobre la realidad, sobre la fiabilidad de nuestras percepciones ópticas, es un rasgo común de nuestra pintura actual. Uno de sus principales representantes será Richter que pinta cuadros que parecen fotografías desenfocadas o cuadros abstractos que parecen imágenes microscópicas, extrañas formas geológicas, que en realidad son fotografias.

 

Tomado de http://www.notinat.com.es/images/noticies/Image/2007-11/UlrikeRichter.jpg

 

Tomado de

http://www.masdearte.com/imagenes/fotos/Fashton_richter6.jpg

Realidad y ficción, fotografía o pintura, paisaje real o construido... En Hütte se unen todas estas contradicciones que se pueden ver en la Sede de Telefónica. Una verdadera revisión de la prehistoria del arte moderno y un avance, una propuesta hacia el futuro: ¿Hasta cuando estos paisajes fotografiados seguirán existiendo o pasarán a ser simples pruebas de una cosa que, antes, llamaban Naturaleza?

Vicente Camarasa

 

 

 

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AXEL HÜTTE (PRIMERA PARTE). EL RETORNO DEL PAISAJE ROMÁNTICO… DE VERDAD

Tomada de http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_18/XLCO/Ies/Gomera.jpg

 

La Gomera.

 

 

Vetlebreen (Norway) (2000),

Tomada de http://www.jano.es/jano/ctl_servlet?_f=303&iditem=2321&idtabla=4

 

 

En la actualidad y hasta noviembre se puede ver en la Sede de Telefónica (Metro Gran Vía), una exposición del fotógrafo alemán Axel Hütte.

Su obra (fotografías de un tamaño gigantesco y una perfección formal y detallismo extraordinarios) recoge la idea del paisaje romántico que, en la propia Alemania, se inició durante el principio del siglo XIX.

Pero, ¡cuidado!, la palabra romántico ha ido variando poco a poco de significación y no estaría de más explicar lo que significaba entonces, que no tiene nada que ver con la actualidad.

En nuestros días, y acaso por la influencia del cine americano y cierto tipo de novela, ¿qué entendemos por romanticismo?: ¿el amor?, ¿una música suave que pone banda sonora a un atardecer lleno de tonos rosas en donde una pareja se mira lánguidamente a los ojos y se toma de las manos mientras destila miel y dulces olores florales?

Byron, Delacroix o Friedrich habrían casi vomitado ante esta escena; les habría parecido cursi, un verdadero horror florido. Pues ellos entendían el romanticismo como el culto a las pasiones, las emociones fuertes, la tragedia. Nada más romántico que una matanza de mujeres (La Muerte de Sardanápalo, Delacroix), la sexualidad de las bañistas de Ingres, el combate de tigres, la tragedia de unos Naúfragos de Gericault, la terrible belleza de un cementerio en la tormenta… y mil cosas más que, a nosotros, no nos parecen nada románticas.

 

Lo mismo ocurre con el paisaje. Lo que nosotros entendemos como romántico se llamaba entonces pintoresco, un término que se había generado en la Inglaterra del XVIII y retomado en el rococó francés o los cartones para tapices de Goya. Una Naturaleza amable, variada y llena de encantadores detalles de tonos pastel, luces melancólicas, brumosos fondos y tiernos caminillos que nos apetecería recorrer para internarnos en el bosque en medio del cual habría una praderita cruzada por suaves riachuelos y alfombrada de diminutas flores. Algo parecido a esto

 

Gainsborough

Tomada de http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/GAINSBOROUGH_River_Landscape.jpg/800px-GAINSBOROUGH_River_Landscape.jpg

 

 Como se ve esta Naturaleza pintoresca es, en el fondo, aristocrática y conservadora y está al servicio de las clases altas. En ella no se sufren los fuertes cambios meteorológicos o las numerosas incomodidades de la vida campestre. Es una naturaleza para gozar plácidamente, como es evidente en los cartones para tapices de Goya es donde sería imposible que existieran mosquitos, cardos emboscados ni, mucho menos, lobos hambrientos.

 

Tomada de http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/El_baile_a_orillas_del_Manzanares.jpg/650px-El_baile_a_orillas_del_Manzanares.jpg

 

Frente a ella, el movimiento romántico propone una nueva forma de mirar las cosas a través de lo emocional. La Naturaleza debe ser algo poderoso, capaz de transmitir fuertes pasiones. Un lugar para la tragedia o los héroes.

Quizás el pintor que mejor reflejaría esta nueva forma de entender el mundo será Friedrich, un pintor alemán que conseguirá plasmar todas las fuerzas telúricas, y el viento, el frío, la soledad o el propio miedo en sus paisajes, Pues estos son excusas para volcar sus sentimientos

 

 

Friedrich (AlteMuseum, Berlin)

 

Este será llamado el paisaje sublime, el verdaderamente romántico. Basándose en las ideas de Kart, Burke desarrollará toda una nueva teoría en donde el concepto clave será, aquello que nos atrae a la vez que nos rechaza, nos place pero nos da terror. Una belleza horrible, como dirá el propio autor, algo que supera nuestra capacidad mental y física (Burke), que por grande, masivo o misterioso, no podemos pensar o reducir a conceptos, sino simplemente sentirlo. lo sublime; esto es, produce la emoción más fuerte que la mente es capaz de sentir.

 

Friedrich

Tomada de

 http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Caspar_David_Friedrich_042.jpg

 

Y esta es la tradición que retoma Axel Hütte en sus fotografías de un tamaño gigantesco, que casi nos envuelven. La elección de los lugares será muy significativa, y no buscará la belleza tradicional sino aquellas geografías que nos acercan al misterio (mares, montañas semiveladas por la niebla)

 

Tomada de http://www.comunicacion-cultural.com/archivos/2006/04/axel_huette.html

 

 

http://www.elpais.com/articulo/arte/sensibilidad/paisaje/elpbabart/20040131elpbabart_1/Tes

 

Otras veces nos sitúan en el centro mismo de lo estéril y antihumano (desiertos, volcanes)

 

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_20/XLCO/Ies/Nuevo_Mexico_EE_UU.jpg

 

O, por el contrario, nos rodea de selvas tropicales impenetrables y pantanos llenos de ocultos peligros

 

 

Tomado de http://w3art.es/weblog_archivos/000666.php

 

Tomado de

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_21/XLCO/Ies/20080911elpepucul_21.jpg

 

Junto al tema (en donde el hombre ha desaparecido y solo queda la naturaleza en bruto, con toda su belleza pero también su terrorífica presencia), el autor refuerza la potencia de sus imágenes con el punto de vista elegido (picados, contrapicados) y la composición (que a veces se vuelve claustrofóbica, otras veces excesivamente abierta, con un cielo que ocupa la mitad de la foto), que suele reforzar el carácter masivo, antihumano, de las imágenes, que nos devuelven a un estadio anterior, aquel que debía tener el hombre antes que la burbuja protectora de la naturaleza se hubiera inventado para nuestra tranquilidad.

¿De verdad que se podría encontrar la felicidad en un paisaje como éste?

 

http://www.fcmanrique.org/expoDetalle.php?idExposicion=21&fl=1

 

Como dice Cristóbal Álvarez Teruel para Axel Hütte, lo sublime no sólo se relaciona con la presencia de lo grandioso y extrahumano, sino también con un cierto sentimiento de dolor, espectáculo y peligro: Lo sublime, por consiguiente, comporta una complacencia ambigua y extraña: se trata de un cierto "horror delicioso". La obra del alemán no produce un horror, pero sí que está cerca de ese sentimiento de pequeñez humana y de expectación ante los paisajes que presenta. No hay diálogo entre el espectador y las fotografías, hay contemplación y descubrimiento..

Tomado de http://ochopuntouno.blogspot.com/2008/02/axel-hte.html

 

Si quieres saber más puedes encontrar una entrevista con en el autor en:

http://salonkritik.net/08-09/2008/09/axel_huette_la_naturaleza_irre.php (Entrevista)

 

Vicente Camarasa

 

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UN PERRO ANDALUZ. Las imágenes más perturbadoras del cine

Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz .(Buñuel)

 

 

Extraído de http://www.bbc.co.uk/spanish/specials/images/202_dali/020729_01dali600x400.jpg

 

Como dice el propio Buñuel: “esta película nació de la confluencia de dos sueños. Dalí me invitó a pasar unos días en su casa y, al llegar a Figueras, yo le conté un sueño que había tenido en el que una nube desflecada por la luna y una cuchilla de afeitar hendía un ojo. Él, a su vez, me dijo que la noche anterior había visto en sueños una mano llena de hormigas... Escribimos el guión en menos de una semana siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir las puertas a lo irracional”. Dalí comenta de ella : “son hechos reales o parecidos a los reales y por tanto enigmáticos, incoherentes, irracionales, absurdos, desligados y sin explicación”.

 

La película responde perfectamente al espíritu surrealista pues, como ya se ha visto, parte del inconsciente, los sueños, negando cualquier tipo de lógica Por otra parte, y como también es típico del estilo, se intenta romper con los tabues e ideas preconcebidas. (El surrealismo tienen un fuerte carácter revolucionario, tanto en lo general, siguiendo ideas marxistas, como dentro de la propia persona y su forma de ver el mundo)

 

Pero, ¿qué ocurre en esta famosa historia? En sus escasa media hora no aparece ni un solo perro ni, tampoco, un andaluz (aunque algunos, como Gibson hablan de una broma privada entre Buñuel y Dalí con la que insultaban a Lorca, desde hacía unos meses bastante alejado de ambos). Hay sin embargo, una sucesión de historias sin conexión lógica, con numerosos saltos de tema, escenario o tiempo, que impiden cualquier explicación lógica. No hay hilo narrativo e, igual que en los sueños, los temas se mezclan, aparecen y desaparecen, se entrecruzan, sin producirse ningún final cerrado. Es el esbozo de lo que Dalí llamará el método paranoico-crítico, que pretende pintar los sueños y los estados alucinatorios.

 

Extraído de http://www.eoran.com/unchienandalou/espanol  

 

Una de sus escenas más memorables es la que da comienzo a la película, cuando el propio Buñuel secciona el ojo de una modelo impasible (fue un ojo de cordero) uniendo el movimiento del filo de su navaja con el leve movimiento de una fina nube sobre la luna. La escena es de un realismo tremebundo, aún mayor al producirse sin ninguna explicación. Su falta de moral para causar un daño que duele al propio espectador, provocó unas críticas extraordinarias durante su extremo. Era su sadismo, la gratuidad de la acción, que hablaba del hombre como ser animal dominado por impulsos de destrucción que muy pocos años después el régimen nazi se encargaría de corroborar.

Ese animal oculto que llevamos dentro era el objetivo final del surrealismo. Quitarle todas sus cadenas para enfrentarlo contra el bus gusto o, simplemente, la educación o la ética; todo un conjunto de enseñanzas heredadas que simplemente nos cubren con un ligero barniz nuestros impulsos más destructivos. En el fondo de esta actitud latía un romanticismo radical y, si nos fuéramos más lejos, la concepción negativa del hombre (un lobo para el hombre) que ya había propuesto Hobbes en el XVIII.

¡Basta ya de hipocresía; en realidad somos así, por mucho que nos intenten cambiarnos!; parecía decir toda la escena ¡Daros cuenta, nuestra civilización es sólo un sistema de convicciones! ¿o es que no recordáis la matanza de la Primera Guerra Mundial que dejó que murieran millones de hombres por unas aspiraciones tradicionales? El mal existe, por mucho que queráis cerrar los ojos y no verlo

 

Junto a ella aparecen numerosas escenas sexuales (muy explícitas para la mentalidad de la época) y, por supuesto, el mundo de los insectos.

 

Extraído de http://yorecomiendo.files.wordpress.com/2007/01/chien2.jpg

 

Al parecer el origen de la imágenes, como se decía unas líneas más arriba, provenía de Dalí, que sentía una fobia terrible ante los insectos (langostas, mariposas, hormigas…)

Su aparición en multitud de sus obras (y la de algunos de sus amigos, como Lorca) la debemos entender como una forma de enfrentarse con sus propias pulsiones y hacerlas presentes en una actitud ambigua de rechazo-fascinación. Aquello que nos aterroriza pero a la vez nos atrae sin remedio, como ya había señalado Freud relacionando el eros (sexo, vida) y el thanatos (muerte).

Cirlot (un especialista en el surrealismo y sus símbolos) relaciona la hormiga con lo negativo, los mundos subterráneos, y por tanto la muerte (de esta manera utilizará el símbolo Lorca en sus Casidas)

 

Extraído de http://apo.cmaisonneuve.qc.ca/villanova/miel/images/ane.jpg

 

Por último os propongo esta imagen, también típica de la iconografía de Dalí: un asno podrido. Desde sus primeras obras esta idea de la putrefacción es constante, e incluso el pintor la dio nombre en sus numerosos escritos: el estilo Camembert. Son los objetos fluidos por el efecto de su descomposición, imágenes que exploran el asco, lo innombrable, lo escatológico. Dalí se inspiró en Bataille (otros de los grandes teóricos surrealistas) y su libro, la Estética del escupitajo, para volver a referirse a temas prohibidos por ser de mala educación

En la mesa no se habla de esas cosas, os habrán dicho más de una vez, pues nuestra cultura suele renegar de todo tipo de temas escatológicos, aunque sean tan naturales como otros. Pero nos escondemos ante nuestras buenas maneras y los cambiamos por eufemismos, los convertimos en chistes… (todas ellas acciones de desviación que nos permiten hablar de ellas sin afrontarlas verdaderamente, según Freud).

Sin embargo, y de nuevo en esta actitud provocativa y transgresora que siempre tuvo el surrealismo, Dalí se complace en escribir y pintar sobre la mierda, lo podrido, lo asqueroso que nos obligue a enfrentarnos con el tema tabú sin pantallas protectoras. En realidad, un claro precedente del mundo gore.

 

Y es que el surrealismo tuvo (entre otras tantas influencias posteriores) la ampliación de los temas, la agresión al espectador, dándole un mazazo en su buena conciencia, convirtiendo el arte no en un refugio de belleza, sino en un cuchillo, un arma de descuartizar nuestras certezas, haciéndolas tambalearse.

En el arte último esta actitud ha llegado a crear una verdadera corriente llamada arte abyecto con artistas como Serrano, los hermanos Chapman o Hirst

 

Serrano. La Morgue. 1992

Extraído de http://www.elangelcaido.org/libros/032libro.html

 

 

Pero además de estas tres imágenes elegidas la película está llena de escenas llenas de una poética extraña y fascinante en donde el sexo, la muerte, el arte, la violencia, las metamorfosis se suceden sin orden. Si queréis verla entera (apenas 15 minutos) podéis encontrarla en:

 

http://video.google.es/videoplay?docid=-6212251291122767572&q=Un+perro+andaluz&total=124&start=0&num=10&so=0&type=search&plindex=0

 

Recordad cuando la veáis que no os podéis enfrentar a ella de la forma habitual sino que debéis entrar en el juego ilógico y dejaros llevar por él, sin intentar comprender sino sentir, abandonaros a la imágenes y sentir (casi con las vísceras) lo que provocan en vuestro interior. La experiencia es fuerte, pero merece la pena, encontraréis imágenes de una potencia visual increíble ¡que se rodaron con los medios de los años 20!

Si quieres saber más de la película puedes consultar

http://www.eoran.com/unchienandalou/espanol

Os resultará también interesante volver el artículo de Mar: "Tres cuadros de Salvador Dalí"

Vicente Camarasa

 

 

 

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SANNDY SKOGLUND. LA MAGIA PREFABRICADA

 

 

¿Qué se debe sentir ante una imagen como ésta? ¿Fascinación, miedo? ¿Qué deberíamos pensar, es acaso el sueño del que aún está dormido y que se pasea por la habitación llenándola de peces de colores?

 

¿Y ante esta casa invadida por gatos verdes, radioactivos, que conviven con los dos ancianos, acechantes?

 

 

 

Parecen realmente trucos fotográficos que le deben mucho al surrealismo, pues son imágenes de la realidad cotidiana invadidas de repente por animales, hojas, árboles humanoides de unos colores irresistibles que nos dejan sumidos en la perplejidad y nos dicen (una vez más en el arte contemporáneo), que el mundo, acaso, no es como creíamos y queda una realidad detrás de cada puerta siempre que sepamos (y queramos) verla y abrirla. 

Su autora es Sandy Skoglund (1946) y comenzó a trabajar en el arte conceptual para luego llegar a la fotografía. Sin embargo, su posición ante esta técnica es bastante ambigua, pues lo que podríamos creer que se tratan de trucos fotográficos por ordenador son objetos reales. Esos gatos o los peces están hechos de forma verdadera, así como todo el decorado, mientras que las figuras son de carne y hueso. Es por tanto una verdadera instalación que, sin embargo, desaparece una vez hecha la fotografía.

Si queréis ver cómo se hace el proceso entrar en

 http://www.sandyskoglund.com 

Allí podéis consultar sus principales obras (pinchando en ARCHIVES) y ver también el proceso de montaje de alguna de ellas (WORKSHOPS).

 

Como curiosidad deberíais entrar en

http://www.gizmodo.es/2007/10/05/nuevo_anuncio_del_sony_bravia_es_flipante_es_la_leche_es_una_copia.html

Se trata de un anuncio famoso de no hace mucho tiempo. Según asegura la autora, aunque le pidieron algunos bocetos para él, luego no volvieron a contactar con ella para nada más. Si os fijáis un poco veréis que el plagio es total

 

Vicente Camarasa

 

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SHIRIN NESHAT. LA RESISTENCIA FEMENINA.

Iraní exiliada de su país (que sin embargo, visita con regularidad) esta artista utiliza tanto el vídeo como la fotografía retocada digitalmente para hablar de religión, mujer y violencia en el Islam contemporáneo. Formada en las tradiciones occidentales que dominaron en Irán antes de la revolución de Jomeini: sus fotografías son toda una denuncia de la involución que ha ido provocándose en el país, uno de los más rigurosos en la actualidad.

 

 

Sus imágenes, casi siempre en blanco y negro, retratan de una forma intimista la posición de la mujer en el contexto de la religión pero también de la violencia (Serie Mujeres sin Hombres. Mujeres de Allah). Para ello no recurre al dramatismo, sino por el contrario, se tratan de imágenes bellamente construidas en donde el desvelamiento de todos sus significados va apareciendo poco a poco.

En esta fotografía la imagen se construye por medio de tres motivos. Por una parte el propio retrato, sus ojos tristes que nos interrogan de forma muda. El espectador, ante el primer plano, no puede evitar esa mirada, en gran parte acusatoria. Si quiere apartarse de ella descubrirá algo mucho más terrible: lo que en una visión rápida podía parecer un pendientes de aros que, fijándose un poco, terminará por reconocer que es la doble boca de una pistola, entre la mujer y su velo.

La imagen se carga así con una nueva potencia a la que se añade la exquisita caligrafía árabe que ocupa en su letra apretada todo el rostro. Se trata  poemas sobre el amor y el deseo escritos por escritoras iraníes y citas religiosas que tratan sobre la posición de las mujeres en la fe islámica.

Se unen así las tres partes: fenimidad, religión y violencia para conseguir una imagen inolvidable, que grita silenciosamente ante la posición de la mujer en la cultura islámica actual. Todo un con una belleza serena que resulta paradójica ante lo que retrata, como si algo dentro suyo se negara a eliminarla como la última dignidad que le resta a la mujer.

 

Puedes encontrar más trabajos suyos en

http://lartpassion.blogspot.com/2008/03/shirin-neshat-lenguaje-extremo.html (Con una presentación tomada de You Tube sobre sus principales fotografías). Ya sabéis que si no se ve la foto la podéis encontrar en el flick  http://www.flickr.com/photos/27852509@N05/sets

Vicente Camarasa

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CHEMA MADOZ. LA MAGIA DE LO COTIDIANO

La fotografía nació en el siglo XIX con un marcado uso representativo, que entre otras cuestiones, hizo que la pintura esta función y se dedicara a plasmar ya fuera la luz (el impresionismo), ya la realidad de una forma subjetiva (los postimpresionistas como Cezanne o Van Gogh). Sin embargo poco a poco una parte de ella ha huido de este simple registro de la realidad para plantearse nuevos caminos, y en la actualidad se utiliza como una técnica más dentro del amplio abanico de la postmodernidad.

En otros artículos iremos viendo algunos usos que se realizan sobre ella. Hoy, para introducirnos por la puerta grande, se ha elegido uno de los mejores fotógrafos vivos españoles: Chema Madoz.

Su fotografía, casi siempre en blanco y negro, suele ocuparse de los objetos más cotidianos y necesita a menudo del espectador una segunda mirada que le haga partícipe del juego. Pues esa es su gran técnica. En una actitud típicamente posmoderna en donde las cosas ya no son lo que parecen, Chema Madoz introduce una segunda mirada a lo cotidiano, haciéndonos sonreír o cuestionarnos el mundo de los sentidos.

Y es que resulta sumamente importante saber cómo prepara sus fotografías el artista. Como un buen manitas, Chema Madoz construye él mismo los objetos, manipulándolos, para cambiarles de sentido. Luego, esta construcción, que ya podría ser una obra de arte, es fotografíada con una técnica muy depurada, que juega con las luces y los enfoques. Tras ello, la pieza real es destruida y sólo quedan estas imágenes sugerentes.

 

En ellas hay un aliento poético que a menudo recuerda a los objetos surrealistas, las dobles imágenes de Dalí o los juegos de Dadá. La imagen se constituye como algo muy complejo pero, por lo general, de fácil comprensión. Sin embargo, si reflexionamos un poco veremos cómo lo que hay detrás de toda su obra es una negación de la verdad que nos transmiten los sentidos. Y esta tensión entre la mirada y lo posible (la razón) hace de sus imágenes algo sumamente atrayente que reconvierte la realidad en un juego de metamorfosis, de cambios imprevisibles, en donde los objetos cambian de función, no sirvan para nada o, acaso, sirven para darnos alas a la imaginación y enseñarnos a mirar el mundo de una forma nueva, casi microscópica

 

 

 

Como se puede ver en sus imágenes la fotografía ya no es un simple espejo frente al mundo, sino toda una forma de opinar sobre él y abrir puertas nuevas a nuestra mirada que, en el fondo, es la gran misión del arte: enseñarnos cuanto no somos capaces de ver ya sea por monotonía, por distracción, por simple comodidad o por la saturación de imágenes en la que vivimos sumidos

 

 

 

En vez de todo ello Chema Madoz practica la poética de lo imposible, al menos en nuestro mundo real. Una forma de trabajar como la de la ciencia ficción o las grandes ideas utopías, que pueden carecer de sentido práctico, pero ahí radica gran parte de su grandeza: que la funcionalidad no nos esconda las cosas, su esencia muda, a menudo fascinante.

Vicente Camarasa

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