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Se muestran los artículos pertenecientes a Febrero de 2016.

COMENTARIO DEL MATRIMONIO ARNOLFINI. VAN EYCK

Tema y personajes: Este cuadro (de pequeñas dimensiones) es un retrato, donde se representa en un primer plano un matrimonio de adinerados italianos que vivían en Brujas. En un segundo plano aparecen un perro que les acompaña, una ventana abierta y un espejo de fondo donde se refleja la pareja ( cosa que tuvo gran impacto e importancia ), una lujosa lámpara en el centro y una refinada cama debajo de ella.Sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en  con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434). El autor trata con esta representación de los objetos enseñar el alto status social de los retratados, ya que en esta época solían ser muy usuales las representaciones de los burgueses.  

Soporte: La técnica utilizada es la del óleo sobre un panel de roble, y un acabado con pincelada corta y precisa. Gracias a él se puede pintar más despacio (pues seca lentamente), corregir, y realizar todo tipo de detalles

Composición: Simétrica, estática, para colocar los objetos utiliza más líneas verticales que horizontales y podemos notar un poco de geometría en las formas de la ventana, y los paños acartonados que caen del vestido de la señora.


Línea y color:  La línea es muy fina , pero delimita los contornos y es muy detallista. Los colores de la parte derecha del cuadro son muy vivos , cálidos y reales, por el contrario en la parte izquierda predominan los colores fríos.

Luz: La luz del cuadro, es un factor importante ya que entra por la ventana que está situada al lado del hombre, y parece una luz natural, que busca dar un mayor realismo al cuadro. 

Espacio: Utiliza la perspectiva levemente alzada

Figuras: Es un retrato realista, con una posición estable de los personajes y una expresión hierática.  Hay relación entre los personajes ya que son un matrimonio y lo podemos ver en puntos destacados como la cogida de mano, o como el simbolismo cuando la mujer agarra los pliegues de su falda , ( hecho que hace que parezca embarazada) .


Las texturas interesan, sobre todo las telas de la ropa de los personajes, ya que parecen de gran calidad y de gran coste, también podemos apreciar la textura de la lámpara, que parece ser de metal y el suelo de madera.


Comentario:

El uso del óleo en la fabricación de este cuadro, el detallismo de los objetos y el interés por las texturas, la importancia de la luz y el claroscuro y los paños acartonados... nos llevan a identificar este cuadro con el período de los primitivos flamencos, donde se creó una importante burguesía debido a la gran expansión comercial y artesanal que sucede en Flandes durante el siglo XV.


A partir del siglo XV, Flandes se convierte en uno de los principales centros pictóricos europeos, que ejerce una importante influencia en el resto de Europa. Los clientes de los artistas flamencos van a ser los duques, sus cortesanos, la Iglesia y la burguesía que aprovecha la situación de auge económico que viven estos territorios. Así los pintores flamencos reciben encargos destinados a los oratorios y casas particulares de los burgueses y en los que éstos figuran como donantes.


La burguesía, antes nombrada, se convierte en la principal mecenas de los artistas flamencos. Los burgueses, aunque enriquecidos por el comercio y la artesanía, no abandonan su sensibilidad religiosa, y siguen siendo cristiana y teocentrista, por lo que en la pintura que estamos observando nos recuerdan que la pareja está participando en un acto religioso, y hay varios elementos relacionado con ello, como por ejemplo el rosario colgado en la pared, el perro que es símbolo de fidelidad, la cual es imprescindible para el matrimonio, las escenas bíblicas que rodean el espejo, y los zapatos sueltos en una esquina que hacen referencia a un pasaje del libro del Éxodo, que decía que ese quitaran los zapatos ya que pisaban un suelo sagrado.

Pretende mostrar las riquezas de los personajes y por lo tanto su poder con elementos de lujo que nos hacen suponer que son costosos, como por ejemplo la ropa misma de la pareja , que por su textura deber ser de gran calidad y costar un alto precio, o el detallismo de los objetos que decoran la escena, como muebles opulentos, la alfombra con la que esta cubierto o una caja de naranjas detrás del hombre.

La pintura también hace referencia a lo comercial, ya que ambos provenían de prósperas familias.

La principal hazaña artística de esta pintura es la representación del espejo convexo, un recurso que el autor utiliza para demostrar su maestría al representar tan pequeños detalles, y aparte de esto es muy importante la aparición de la ventana ya que es un factor importante para introducir la luz.

Sobre el encargo de la pintura hay numerosas teorías, como por ejemplo la de inmortalizar su promesa de matrimonio, o dedicado a su esposa que murió y pretendía celebrar su unión.


Este autor influyó en otros autores como Vermeer, en aspectos como la iluminación utilizando las ventanas laterales, o Velázquez que también se inspiró en él, al utilizar el espejo como recurso, como en sus obras de Las Meninas y La Venus del espejo.    

Imágenes tomadas de wikipedia

Para saber más de su compleja simbología

 

Franchi.

2º Bachillerato. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

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09/02/2016 19:44. sdelbiombo #. Primitivos flamencos No hay comentarios. Comentar.

CARRACCI EN EL PALACIO FARNESE

La pintura clasicista boloñesa que analizábamos aquí, tendrá su punto de inflexión en esta obra, tanto por su ambición, colaboradores (los Carracci acompañados de numerosos discípulos como Domenichino o Lanfranco) como ubicación, en pleno centro de Roma, en la vivienda de una de las familias romanas más poderosas.


Se convertirá así en un imán que expandirá el estilo a la vez que Caravaggio pintaba su capilla dedicada a Santo Tomás en San Luis de los Franceses.


La estética ya se encontraba suficientemente afinada en la Academia de los Incaminati boloñesa (aquí la explicamos) y simplemente tuvo que adaptarse a la nueva modalidad del fresco.


Para cubrir un tamaño tan excepcional los Carracci tomaron como modelo el sistema de cuadri riportati que había utilizado Miguel Ángel en la Capilla Sixtina (y había sido una constante del manierismo) que estableciera una ordenación falsamente arquitectónica para las distintas escenas 

Entre estos cuadros, y como los ignudi de Miguel Ángel, se pintan esculturas clásicas y putti sin otra función que dar una imagen de antigüedad y sin ningún sentido iconográfico

En todo el conjunto existe una voluntad de recrear el mundo del Cinquecento (de Rafael y Miguel Ángel) pasado por el nuevo color veneciano.

Quizás la escena más famosa el triunfo de Adriana y Baco, acaso una celebración del amor por encima de todas las dificultades, aunque el sentido último de las pinturas aún está debatido

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14/02/2016 19:53. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.


SANTA LEOCADIA. YAÑEZ

Tomado de facebook.com/museonacionaldelprado/photos

Una de las obras mayores de Yáñez de la Almedina que visitó Italia con Fernando Yáñez (y trabajaron junto a Leonardo en Florencia).

Muchos de sus rasgos son perceptibles, con el trabajo en volúmenes, el contraposto de la anatomía, el juego de claroscuros, el gusto por una perpectiva correcta o la propia expresión facial (incluso algunos detalles, como los rectángulos del fondo nos recuerdan a la Última Cena)

A ello le añade el detalle tan hispano por el detallismo en donde aún queda un rasgo por el gusto del dorado

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20/02/2016 09:42. sdelbiombo #. Renac. España No hay comentarios. Comentar.

TIZIANO. CARLOS V EN LA BATALLA DE MÜLBERG. Análisis y comentario

       

    Tema. Nos encontramos, en principio, con un retrato, género que había comenzado a desarrollarse en el Renacimiento italiano en relación con la importancia del individuo que trajo consigo el humanismo.

            Sin embargo, el retrato no se concibe como una pura celebración individual, sino que su objetivo es otro, la propaganda. No interesa, tan sólo, la imagen del personaje, sino su importancia política (En este sentido lo podríamos denominar como retrato de aparato).

            Para conseguir este efecto, Tiziano recurre a una fórmula que viene desde la Antigüedad: el retrato ecuestre como símbolo del poder (estatua ecuestre de Marco Aurelio, Roma). Este tema ya se había utilizado, también, en el Renacimiento por escultores (Condotiero Gatamelata, Donatello; Condotiero Colleoini, Verrocchio) y pintores (Andrea del Castagno o Ucello).

Ucello

            Carlos V aparece en su caballo a punto de entrar en combate, y vestido, por tanto, con indumentaria militar. La batalla, de Muhlberg, tenía una especial significación política, por ser la clave de todo el problema religioso que enfrentaba la Europa del XVI entre católicos y reformistas.

            De esta manera, lo que pinta Tiziano es una idea política, la defensa del Catolicismo, encarnado en la figura del emperador, que se convierte en una especie de nuevo héroe clásico a los ojos de sus súbditos.

            Realiza esto sin renunciar a la idea de la fidelidad física ni, tampoco, al retrato psicológico, dejándonos ver a un hombre ya cansado al que sólo su voluntad le hace seguir adelante.

            Esta doble condición (como personaje histórico y persona real) es una de los grandes logros del lienzo que abrirá una profunda corriente de influencias, Velázquez entre ellos, en sus retratos regios.

            Técnica. Tiziano utiliza el óleo, técnica que se había introducido desde Flandes hacia el norte de Italia a finales del siglo XV y que será uno de los rasgos distintivos de la escuela veneciana a la que pertenece. Gracias a ella, y como se irá viendo, consigue una definición del paisaje y del tratamiento del color totalmente renovador.

            Composición. Las figuras del emperador y su cabalgadura se inscriben en un triángulo, forma muy normal en el Renacimiento. Sin embargo, no ocupan el espacio central del cuadro, sino que se encuentran ligeramente desplazados hacia la izquierda, cerrados por el fondo oscuro de los árboles.

            Esta ligera descompensación la realiza el pintor para equilibrar el movimiento de las figuras hacia la izquierda, marcada por el paso del caballo y la lanza que apuntan hacia un fondo mucho más iluminado por el crepúsculo.

            Tiziano consigue de esta manera, un equilibrio sin renunciar al movimiento que debería tener el tema. (En el barroco esto se romperá hacia un mayor sensación de movimiento: Rubens y, en menor grado, Velázquez).

El dibujo, que era la base de las obras anteriores y contemporáneas del centro de Italia (todo el Quattrocento, Miguel Ángel, Rafael), pierde su papel fundamental a la hora de componer el cuadro. Tiziano, continuando la línea marcada por su maestro, Giorgione, realiza las figuras sin un dibujo previo sobre el lienzo. En vez de esto utiliza el color aplicado en cortas pinceladas para definir los volúmenes, con lo que pierde algo de detalle a favor de una mejor representación del ambiente (que se convierte en mucho más vaporoso) y de la relación del paisaje y los personajes.

            Color es utilizado con gran maestría. En general se puede observar la importancia de los cálidos, sobre todo en los rojos de la figura del emperador que nos llaman la atención sobre él y su montura (Esta técnica influirá en gran manera en pintores posteriores como Rubens o Velázquez).

            El fondo se compone gracias a la contraposición de zonas oscuras sobre las que sobresale el crepúsculo dorado que forma una especie de halo en torno a la figura. Estos dorados, tan típicos del autor (aperturas de gloria, tono utilizado también en muchos de sus desnudos mitológicos), serán luego muy utilizados por Rembrandt entre otros.

            La luz proviene desde la izquierda. El momento elegido, el crepúsculo, hace que se opongan las zonas más iluminadas con las oscuras, creando un fuerte contraste que redunda en una mayor resalte de la figura del emperador. (Esta técnica de fuertes claroscuros será cada vez más evidente según envejezca, llegando a unos límites al final de su obra que ya nos están anunciando a Caravaggio, con un empleo contrastado y emotivo de la luz en sus últimos cuadros religiosos).

            Cabe destacar la maestría en el uso de la luz y sus reflejos presente en la armadura que luego podemos encontrarnos, entre otros, en el Entierro del Conde Orgaz del Greco.


            Las distintas calidades de los objetos se consiguen a través de la luz y la pincelada, consiguiendo bruñidos en la armadura que contrastan con el carácter vaporoso de las plumas del yelmo o la fragilidad de las hojas de los árboles.

            Perspectiva. Se realiza utilizando la técnica de esfumato ya realizada por Leonardo que pasó a Venecia a través de Giorgione. Gracias a ella, las cosas se alejan por medio del tamaño y la progresiva disolución de los contornos, aquí aún más acusada al colocar un foco de luz en el fondo, como luego más tarde realizaría Velázquez en sus Meninas.

            En ella, la naturaleza cobra una especial importancia, como es típico en lo veneciano, lo cual será seguido por otros autores como Rubens o Van Dyck.

 

COMENTARIO.

 

            Como hemos ido viendo a lo largo del análisis, Tiziano, en esta obra, está abriendo una serie de caminos que tendrán amplia repercusión en el futuro arte barroco.

            Aunque casi nunca saldrá de Venecia, sus cuadros viajarán por varias de las cortes más importantes de Europa, entre ella la española. Gracias al interés de mecenas como Carlos V o Felipe II, las colecciones reales estarán llenas de sus cuadros en sus varios registros (retrato de aparato, temas religiosos, escenas de mitología reservadas a los gabinetes secretos...), constituyendo un ejemplo para los pintores posteriores como sería el propio Velázquez o Rubens que encontrarán en el veneciano muchos de los registros técnicos que necesitaban para la creación de la imagen del poder político y religioso fuertemente emocional.

Velázquez Felipe IV

            De él aprenderán el uso libre del color, la pincelada suelta, el esfumato o la importancia del cromatismo como conductor de emociones y sentimientos, convirtiéndose en un autor de referencia del mundo barroco, mucho más que el mundo florentino o romano.

Fotografías tomadas de wikipedia

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26/02/2016 19:34. sdelbiombo #. RENACIMIENTO en ITALIA No hay comentarios. Comentar.


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