Millones de turistas la visitan día y noche para fascinarse ante ella y echar las preceptivas monedas para regresar a la ciudad eterna. Y es que, precisamente en Roma, la ciudad de los teatros barrocos por excelencia, esta fuente constituye realmente su síntesis final, el más maravilloso telón de piedra y agua del que ha sido capaz el arte.
EN ESTE ARTÍCULO SE ANALIZAN SUS CARACTERÍSTICAS
Vicente Camarasa
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
. . . 
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
. . .
.
.
.
.
.
.
.
Fotografías: Vicente Camarasa
(Las imágenes son libres pero, por favor, citad el origen y el autor)
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
(Las fotografías son libres, pero, por favor, citad su origen y autor si las utilizáis)
Vicente Camarasa
Las salesas reales, Fernando VI, Bárbara de Braganza
http://sdelbiombo.blogia.com/2009/071401-ele-gantes.-la-musica-a-finales-del-xviii.php
Una constante en numerosas religiones es la huida del mundo, la búsqueda del desierto y la soledad como una forma de autoconocimiento personal a través de la penitencia del cuerpo y la soledad. Son los llamados eremitas, anacoretas o ermitaños.
Las tentaciones de San Antonio (siglo III-IV) por el Bosco
Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Abad
Probablemente su origen habría que buscarlo en Oriente, entre las religiones hindúes y taoístas en donde la naturaleza y la relación con ella son piezas fundamentales de su pensamiento.
En Occidente, aparecerán fundamentalmente con el judaísmo (Elías, San Juan Bautista) y el cristianismo, pero será especialmente a partir del siglo IV d C. cuando estas costumbres sean cada vez se extiendan más. Según algunos especialistas las razones serían varias pero podemos destacar dos especialmente: el desprestigio de la ciudad y de la religión que se va popularizando y masificando.
Según Le Goff desde el siglo VI, el papa Gregorio I, Gregorio Magno, hace hincapié en la figura de Job (…) Job es un justo que, de repente, se ve sumergido en una serie inexplicable de calamidades, hasta conocerla indigencia extrema y ser objeto de desprecio. Representa la humillación completa del hombre ante Dios, pero gracias a esta humillación, devuelta en forma de humildad, se eleva a la reconciliación
A semejanza de Job, el cristianismo de la Primera Edad Media se salva humillándose ante Dios
Le Goff, (J En Busca de la Edad Media. Paidós 2003)
En el 313, con el famoso edicto de Milán, la religión católica es aceptada en el Imperio Romano y muy pronto (edicto de ) se convertirá en la religión del Imperio. Las grandes ciudades se convierten en las primeras sedes episcopales y se comprueba una rápida adhesión de las capas populares a la nueva religión que pasa de ser una secta (en el buen sentido de la palabra) elitista y con miembros muy comprometidos a una religión oficial, íntimamente relacionada con el poder y cada vez más reglada.
Frente a ellos el anacoreta o ermitaño buscará vías más personales de unión con Dios, sin necesidad de Iglesia. Es lo que se denomina vía ascética, que será seguida, entre otras tantas opciones, por los sufíes islámicos o la mística cristiana. Se basará en el retiro del mundo para la lectura y la meditación a las que se unirá las privaciones de todo tipo, las penitencias en formas de azotes, golpeo con piedras… Se trataría de considerar al cuerpo y sus vicios (lujuria, gula, orgullo…) como una cárcel para el alma. Por eso se castigará a la carne para dejar que el alma pueda elevarse y conocer a Dios. (Como el famoso San Simeón el Estilita, 20 años subido a una columna)
San Jerónimo del Greco
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Saint_Jerome
Muchos de estos ermitaños comenzaron a tener fama de santones y sanadores por lo que muy pronto comenzaron a recibir visitas de personas interesadas por seguir su modelo de vida. Se crearán las primeras comunidades o cenobios, al principio sumamente libres, y poco a poco organizados a través de Reglas, siendo el origen del monacato.
En España este movimiento eremita llegó con el cristianismo, y alcanzó un primer momento de éxito a mediados del siglo VII, cuando Recaredo abjura del arrianismo y se convierte al cristianismo. Uno de los cenobios de esta época es esta Cueva de los Siete Altares, en el cañón del Duratón (Segovia).
Aprovechando una cueva natural, la comunidad debió agrandarla y crear en la propia roca una serie de arcos de herradura que servirían de altares (y quizás sobre ellos, pequeños relicarios)
Como es habitual en estas primeras comunidades, cada anacoreta viviría en plena soledad lugares como éste serían los únicos lugares de reunión semanal en donde la comunidad realizaría algún tipo de rito conjunto.
Estas costumbres anacoretas seguirán vivas durante siglos en la zona, siendo San Frutos (siglo VIII) el ermitaño más conocido
FOTOGALERÍA ENLAZADA DE ARTE VISIGODO
Ahora que estamos hablando tanto de posmodernidad, mi primer contacto con ella lo tuve gracias a Pérez Villalta, este pintor andaluz de la perspectiva y los mundos míticos-modernos.
Su obra madura se inicia a finales de los 60, cuando se traslada a Madrid y conoce a una serie de autores con los que conformará una nueva tendencia realista que terminará desembocando en la movida madrileña de los 80 (Alcolea, Franco, Gordillo…).
Es, por tanto, hijo de toda la gran revolución en torno al 68 (mayo del 68, manifestaciones contra la Guerra de Vietnam, movimiento hipie, revueltas estudiantiles contra Franco…) que marcarán el inicio de la posmodernidad. Será un lector de Guy Debord, de Foucault, de Perec; un amante de la pintura Pop (especialmente británica)… que están comenzando a reconstruir el mundo del capitalismo para ir abriendo las grietas en las que vivimos en la actualidad.
Sin embargo, toda esta agitación quedará encubierta en su obra, sólo se conocerá en una lectura más profunda, pues en un típico guiño posmoderno Pérez Villalta, abandona la realidad histórica para centrarse en los mundos manieristas y mitológicos.
Manierista en la concepción del espacio pictórico por medio de la perspectiva. Sus cuadros se organizan a través de suelos, pasadizos y arquitecturas que son manipuladas por efectos de perspectiva sumamente potentes. Perspectivas falsas, por supuesto, que demuestran su propia fragilidad sólo con que el espectador se fije un poco en ellas y vea como se deforman según se recorre el cuadro, normalmente armado en torno a varios puntos de vista, como haría un Broncino o un Pontorno. (¿No es esto la estética del fragmento de la que hablábamos el otro día?)
Tomado de paradoxportal.blogspot.com/2007/12/paradoja-d...
Otro de sus rasgos son los personajes que habitan estos espacios ficticios. Aunque existen personajes actuales (pintores de su generación, personajes de esta famosa movida tras un concierto), es habitual en su obra la aparición de seres mitológicos, de seres deformes que a duras penas actúan en estos espacios que les vienen grandes, que les son extraños, como un nuevo Giorgio de Chirico o Juan Muñoz.
Sus acciones se muestran cercanas a la magia o, por el contrario, a los actos más cotidianos (esos hombres que duermen, como en la novela homónima de Perec); una nueva unión de fragmentos sin hilo conductor que terminan generan lugares fascinantes en donde el tiempo se encuentra detenido, invadido por un espacio amenazante. Somos nosotros en este nuevo mundo sin certezas (ya no existe la del espacio) realizando ritos monótonos o sutiles (acaso es lo mismo)
En su obra existen otras influencias, como podéis ver en este texto extraído de LUX ATENEA (un blog cultural sumamente sugerente)
Utiliza la estética minimalista para aumentar la intensidad emocional del espectador, usando tonos cromáticos no muy frecuentes que se mueven entre los tonos pastel (de aparente tacto algodonoso) y los tonos crudos (que parecen tener vida propia). Bajo la influencia posmodernista, a Villalta le gusta mostrar las vidas privadas de sus personajes ante el público, mientras estos permanecen abstraídos de todo lo que está sucediendo alrededor suyo.
OTRAS OBRAS ANALIZADAS EN NUESTROS BLOG
Vicente Camarasa
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fran%C3%A7ois_Boucher
Porque la sencillez no está reñida con la belleza. Y si no que se lo digan al autor de este cuadro, el pintor y decorador François Boucher, a quien muchas de sus obras de temática religiosa, mitológica, paisajes y desnudos sitúan como uno de los mejores representantes del arte que se desarrolla en Francia en torno a los siglos XVII y XVIII: el Rococó.
EL COLUMPIO/ Fragonard
Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Fragonard,_The_Swing.jpg
La muerte en 1715 del rey francés Luis XIV, el famoso Roi Soleil, marca un antes y un después en la forma de concebir la pintura, pues a partir de ese momento se encargan pinturas que se correspondan con la intimidad de los palacios, desarrollándose el gusto por lo privado y lo sentimental como ya ocurre en Holanda desde el XVII donde los retratos, bien individuales o en grupo (doelen), ganan terreno a los hasta entonces frecuentes temas mitológicos.
Así, autores como Watteau, Fragonard o Murillo (en España) contribuyen a dar una visión del mundo muy idealizada, exquisita y delicada donde no hay lugar para la tensión, la cual se transforma en armonía, amabilidad y sensualidad en las tan habituales escenas de fiestas palaciegas, campestres y aventuras amorosas que muestran la vida de la corte.
Diana después del baño. Boucher
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fran%C3%A7ois_Boucher
Con luz y colores muy suaves que generan un ambiente vaporoso (colores pastel), gestos artificiales que resultan excesivamente afectados y, especialmente en arquitectura, una tendencia al horror vacui (exceso de decoración) en un intento por plasmar todos los objetos de manera refinada y elegante (que en ocasiones roza el límite con lo kistch).
A primera vista este cuadro de Boucher, donde se aprecia la importancia de lo ornamental, el lujo y el cual muestra a una familia rica burguesa tomando el desayuno, parece ser una réplica de la suya propia (pues este pintor estaba casado y tenía dos hijos que contaban por entonces aproximadamente la misma edad que los niños del cuadro). Sin embargo, tras esa escena tan cotidiana y de apariencia simple se esconden algunas “anécdotas” pues, aunque no en muchas ocasiones nos hallamos detenido a pensar en ello, lo cierto es que el desayuno tal y como lo conocemos hoy en día, procede de la Francia del siglo XVIII con el rey Luis XV que, según cuentan, comenzó a tomar un panecillo acompañado de una bebida caliente, adelantando así el comienzo del día que otros monarcas tenían fijado a eso de las 10, haciéndose además popular gracias a las bebidas calientes como el café, el té y, sobre todo el chocolate que, desde que Ana de Austria (madre de Luis XIV) lo introdujese en la corte, rápidamente se convirtió en una bebida muy apreciada por la aristocracia quedando reservado el café para los trabajadores que lo tomaban antes de comenzar su jornada de trabajo, hábito que, por otra parte, parece haberse mantenido a pesar de los años.
En la escena, los personajes de esta familia adinerada aparecen disfrutando de la deliciosa bebida del momento, servida por el criado (conocido en la Francia del XVIII como un garçon limonadier, en honor a las bebidas que éstos vendían por las calles de París en el momento en que se pusieron de moda las ya mencionadas bebidas calientes) en una jarra que destaca por su forma abombada, que no tenía otra finalidad que la de ayudar a servir y repartir el chocolate sin derramarlo.
Los niños no están ahí por casualidad y, en mi opinión, se podría decir que indirectamente desempeñan un papel de denuncia contra un aspecto muy concreto de la sociedad de entonces. Y es que este cuadro supone “una revolución” en lo que respecta al cuidado de los hijos.
En él, las mujeres aparecen con una actitud maternal y muy pendientes de los más pequeños de la casa, algo nada habitual en aquella época en la cual había cierta tendencia a la falta de atención hacia los niños, que no eran considerados como personas sino más bien como animales y por ello la educación que tenían que recibir.
En las mejores familias, los padres se separaban de sus hijos apenas recién nacidos a quienes se enviaba con la nodriza al campo donde ella misma los amamantaba, perdiéndose así los lazos de afecto que algunos historiadores intentan justificar como un mecanismo de defensa de los padres, debido a la alta mortalidad infantil de la época.
Esto no pasó desapercibido a los ojos del filósofo Rousseau quien, en su obra Emilio, trata el tema de la educación de los niños y defiende que las madres amamanten a sus hijos para desarrollar de esa manera los vínculos y la protección que hoy conocemos.
“Los hijos permanecen vinculados a sus padres, el tiempo necesario para su preservación, para ser protegidos, cuando desaparece esa necesidad, ese lazo natural también desaparece.”
Mar San Segundo
Dorotea Lange
Tomado de imagespublicdomain.wordpress.com/.../
Leibovitz
Tomado de asthetimegoesintheactualart.blogspot.com/2009...
Hoy he estado de exposiciones por Madrid y me he encontrado con dos fotógrafas fantásticas que me han hecho pensar precisamente en el libro que había llevado para leer en el metro, Los bárbaros de Baricco
El libro, que es un extraño (pero fantástico) ensayo, habla de la posmodernidad como una forma nueva de relacionarse con el mundo (vs la modernidad basada en el fondo en el pensamiento romántico). Algo basado en la ligereza (vs la profundidad), la espectacularidad (vs la inmediatez), el movimiento perpetuo (vs el andar pausado), el pensamiento oblicuo (vs al vertical que profundiza en las cosas), la conectividad (vs la concentración)…
Por esos extraños azares (¿?) que tiene la vida, las dos exposiciones unidas eran la perfecta demostración del texto.
La exposición de Lange presenta sus trabajos americanos durante la Gran Depresión. Pero no el de las grandes estructuras, sino de las personas. Mujeres como Florence Owens (que encabeza el artículo) que aquel mismo día había vendido las ruedas de su coche para variar su comida: los pájaros que cazaban los niños.
Por el contrario Leibonitz es la fotógrafa del glamour, el ojo privilegiado que es capaz de plasmar eso tan difícil como es la sofisticación, la vida sutil de la fama, el erotismo… Toda la serie de virtudes que adornan al individuo satisfecho de la actualidad, construido (tanto en lo físico como en el carácter) más que vivido, visto más que sentido
Lange
Tomado de blogdofavre.ig.com.br/tag/dorothea-lange/
Leibonitz
Tomado de antoncastro.blogia.com/2008/062901-ricardo-fe...
Los retratos de Lange lo son de personas; los de Leibonitz de cosas que parecen personas; probablemente ahí radique la diferencia. Lange fotografía la cara amarga (pero cierta) de la realidad, Leibonitz crea una realidad en donde el color, las referencias al pasado, la perfecta escenografía … crean un nuevo personaje.
Tomado de lembranzas-ines.blogspot.com/2009/03/fotos-pa...
Tomado de www.nytimes.com/.../books/review/Mallon-t.html
Incluso a la hora de expresar la tragedia su forma de trabajar es distinta. Lange nos muestra algo a nuestros sentimientos, imágenes directas que nos permiten un acercamiento puramente empático. Liobonitz construye un relato para espectadores que ya han visto demasiado, que nos muestra el horror a través de la elipsis (como si fuera una película) a través de símbolos, de rastros…
Tomado de www.historylink.org/index.cfm?DisplayPage=out...
Tomado de eldiapason.wordpress.com/.../
Son el mirar y el posmirar, el retratar y el construir, el dar fe y el recrear, la realidad frente a la fantasía, dar un paso adelante o andar en oblicuo… Como decía Baricco la profundidad de Lange frente a la superficialidad de Liebonitz, la inmediatez frente a la compleja espectacularización…
Dos formas de mirar que se adaptan al mundo al que corresponde. Las dos geniales. Fijaros en estas fotografías. La del gabinete Bush que quiso dominar el mundo de Leibonitz; (de la que tenéis un maravilloso análisis en el blog de Ana) la de los efectos de la crisis. No se puede hacer mejor
<!-- /* Style Definitions */ p.MsoNormal, li.MsoNormal, div.MsoNormal {mso-style-parent:""; margin:0cm; margin-bottom:.0001pt; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Times New Roman"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";} a:link, span.MsoHyperlink {color:blue; text-decoration:underline; text-underline:single;} a:visited, span.MsoHyperlinkFollowed {color:purple; text-decoration:underline; text-underline:single;} @page Section1 {size:612.0pt 792.0pt; margin:70.85pt 3.0cm 70.85pt 3.0cm; mso-header-margin:36.0pt; mso-footer-margin:36.0pt; mso-paper-source:0;} div.Section1 {page:Section1;} -->
Tomado de geometriacanibal.blogspot.com/2008_11_01_arch...
Tomado de lacomunidad.elpais.com/.../2009/2/3/el-equipo-o-
Vicente Camarasa
