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Se muestran los artículos pertenecientes al tema Barroco Holanda y Flandes.

Análisis y comentario. RONDA NOCTURNA. REMBRANDT.

Tema. El cuadro se inserta dentro del género del retrato corporativo, tan característico de la escuela holandesa del XVII, que responde así a una peculiar situación social y política en donde la burguesía tiene un fuerte poder (frente a la nobleza e iglesia en los países católicos), convirtiéndose en comitente.

Concretamente, representa a la compañía de milicianos comandada por el capitán Franz Banning Cocq, celebrando la visita de María de Médicis, viuda de Enrique IV de Francia, a la ciudad de Amsterdam.

 Composición. La obra está tratada de una forma particularmente dinámica, representando un gran número de personajes (en los que se evita las poses demasiadas estudiadas) saliendo de una callejuela en el momento de iniciar la marcha. El grupo aparece así, en medio de la noche, como sorprendido bruscamente por la cámara fotográfica.

La composición resulta extremadamente viva gracias al movimiento y actitudes diversas de las figuras (una toca el tambor, otra sujeta la bandera, dos limpian sus arcabuces, una niña corre entre el grupo...) y la yuxtaposición de planos y personajes que, eliminando toda jerarquía, busca expresar el movimiento del instante y la sensación de grupo

Réplica en relieve de bronce en donde se puede comprender mejor la composición y la construcción del espacio


Esta confusión y dinamismo, sin embargo, tan sólo es aparente. Si se mira con atención se puede observar una cuidada distribución de las masas en torno a las dos figuras principales que, fuertemente iluminadas, forman el centro del cuadro. En torno a ellas, ocupando un plano más lejano y oscuro, se abren dos grupos compuestos en forma semicircular que abren espacios vacíos a sus lados, subrayando su importancia.


Por lo demás, la obra se estructura en torno a dos ejes. El horizontal está determinado por un telón de figuras que cierran el espacio inferior, mientras que el vertical determina la posición del capitán. A ellos se unen, animando la escena, las diagonales marcadas por la larga lanza de la derecha y el asta de la bandera que tiene continuación en el bastón del capitán. Ambas líneas se cruzan en la niña, fuerte y extrañamente iluminada que, según algunos autores, podría ser la aparición casi fantasmal de Saskia, esposa del pintor fallecida ese mismo año, que porta un gallo, emblema de la compañía.


Pincelada. Como es habitual de la época y el autor la pincelada, heredada desde la escuela veneciana, es suelta, con gran riqueza de empastes (distintos según las zonas) y gusto por el tratamiento de las texturas. Aplicada a base de manchas la técnica define las formas sin recurrir al dibujo, buscando una unificación entre las cosas y los personajes con su entorno, difuminando los contornos.

El color. Toda la obra se desarrolla en tonos cálidos a base de ocres y tierras animados por los tonos rojos del echarpe que fijan la visión del espectador en la persona del capitán, destacando sobre su ropa negra, y los blancos dorados (tan típicos del autor) haciendo ecos a sus lados. En torno a esta zona de mayor cromatismo, surgiendo de la penumbra, aparecen pequeños puntos cálidos en las distintas caras y manos de la muchedumbre, como una especie de constelación que girara, tumultuosa, a su alrededor.


La luz. Básicamente proviene de la parte izquierda y resulta fundamental como modeladora de las figuras y sus colores, dando una sensación de cierta teatralidad, tan típica de la época. Gracias a ella se nos destacan personajes y gestos que surgen de la penumbra, tal y como ya hacía Caravaggio, que tanto influyó en el autor. Sin embargo, en Rembrandt, esta luz resulta menos tajante que en el italiano, añadiéndole unos valores atmosféricos que unifican la escena y la humanizan, creando un verdadero espacio misterioso desde el que emergen los personajes de una manera efímera, como imágenes fugaces que forman parte propia del ambiente.


Por otra parte, como ya se dijo, la luz es la verdadera constructora en su estilo, potenciando las sensaciones de movimiento y dinamismo del grupo al mostrarnos sus múltiples gestos y ademanes que la propia penumbra subraya. Genera, además, el espacio, guiándonos por él gracias a estallidos luminosos que nos introducen en el lienzo (como la figura de la niña, en segundo plano y fuertemente iluminada) o nos lo comunican hacia el exterior (brazo del capitán extendido hacia nosotros y a la vez incluido en el cuadro gracias a su nítida sombra sobre el traje de su acompañante). Por último, el tratamiento lumínico de la obra consigue crear una sensación de conjunto que, sin omitir la individualización de los personajes, unifica todo el ambiente consiguiendo un efecto total a la vez que cotidiano.

 

El espacio. La sensación producida por el cuadro, desarrollado en la calle, se pone en relación con el espectador, haciendo penetrar su espacio gracias a la acentuación del movimiento dentro-fuera que arranca desde las tinieblas del fondo y culmina en la mano extendida del capitán que invade nuestro espacio uniéndolo al del lienzo por la sombra proyectada sobre la ropa de su lugarteniente.

Esta preocupación por lo espacial y su relación con el espectador es típica del Barroco y, con distintos medios, podría observarse también en un cuadro contemporáneo de la Ronda, como sería las Meninas.

Personajes

Ya analizados anteriormente, destacan por su realismo, naturalidad, dinamismo y trabajo de las texturas.

 

COMENTARIO.

 Esta obra es el perfecto ejemplo de lo que significó el estilo del Rembrandt maduro, pleno de facultades, que utiliza todos sus medios técnicos para conseguir una imagen potente y perturbadora que va más allá del puro encargo recibido.

Entre sus mayores logros destaca la luz, bajo cuya dirección se organiza composición y cromatismo. Las sucesivas capas de barniz que se aplicaron con posterioridad para proteger la obra han formado una pátina, oscurecida por el paso del tiempo, sobre la superficie de la obra que debió ser más clara o, al menos, más visible, haciendo apreciable la arquitectura del fondo, lo cual redundaría en favor de una estructura más estable y un espacio más concreto, cerrado por este telón de piedra, en donde la multitud y sus movimientos sería aún más intensos, potenciando la sensación de escenografía tumultuosa generada a través de los múltiples recorridos que el espectador puede realizar por el laberinto de personajes que ocupan el espacio y lo animan con sus gestos y direcciones contrarias.

Esta última característica redunda en su ya citada sensación de cotidianeidad, de escena sorprendida en pleno desarrollo que se expone como un instante atrapado y separado del tiempo, tal y como era habitual en el barroco, al igual que el tratamiento de la luz, del espacio continuo y degradado en profundidad o el ansia de realismo y las composiciones movidas por diagonales y ademanes de los personajes.

Todas estas características, tras un periodo de oscuridad y silencio que sucedería a la obra de Rembrandt desde la mitad de siglo, cautivarán a pintores posteriores como Goya (sobre todo a través de su grabados), románticos como Delacroix o, ya en el siglo XX, al propio Picasso, que siempre asimilará la figura de Rembrandt con la del pintor por antonomasia, dedicándole numerosas obras en los años últimos de su vida, cuando su labor se volvió sobre la propia pintura y reinterpretó (enfrentándose a ellos) a autores consagrados, como Rembrandt o Velázquez.

 

 

04/02/2017 12:07. sdelbiombo #. Barroco Holanda y Flandes No hay comentarios. Comentar.

IMÁGENES PARA REPASAR A RUBENS

Ya estudiamos las características de la pintura de Rubens en este artículo. Vamos ahora a ver alguna de sus obras más importantes

MITOLÓGICAS

El Rapto de las hijas de Leucipo

Las tres gracias

Venus y Cupido

Saturno devorando a su hijo

 

RETRATO DE APARATO

Retrato ecuestre del Duque de Lerma

Retrato alegórico de Felipe II

Autorretrato con su primera mujer

 

PINTURA DE HISTORIA

Desembarco de María de Medicis en Marsella

Nacimiento de Luis XIII


RELIGIOSAS

La Adoración de los magos

Descendimiento

Juicio Final

La victoria de la Eucaristía

Paisaje inundado

Todas las imágenes tomadas de wikipedia

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20/02/2015 19:37. sdelbiombo #. Barroco Holanda y Flandes No hay comentarios. Comentar.


EL JUICIO FINAL DE RUBENS ANALIZADO POR UNA ALUMNA DE 2º ESO

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/3538.htm

TEMA:El juicio final.En el arte barroco es muy tìpico las pinturas que tratan de comunicar un mensaje polìtico o religioso. En este caso,el tema es religioso.
COMPOSICIÒN: Asimètrica con suaves diagonales a los lados.
LÌNEA: En el barroco se le da màs importancia al color que a la lìnea,es màs gruesa y està realizada con la tècnica de pincelada suelta.
LUZ: Se realiza un fuerte claroscuro para darle màs importancia al ser que la requiere,en el centro,y màs oscuro a los lados.
FIGURAS: Con bastante movimiento ya que en este estilo se busca llamar la atenciòn del espectador,la mayorìa tiene una expresiòn similar,de sufrimiento.
COLORES: Los colores son càlidos,y nuestros ojos se sienten atraìdos hacia el color rojo,es un color muy vivo.
PERSPECTIVA: No se ve un fondo muy definido,ya que en este estilo se busca màs la sensibilidad de los personajes y no su posiciòn en el espacio. De todas formas es aérea
COMENTARIO: Esta pintura es de arte barroco.Debido al uso de las emociones para atraer al espectador,la sensaciòn de movimiento e intentar comunicar un mensaje al espectador.Se pretende realzar el poder de la iglesia.

Arlén Díaz (2º ESO B, Sies la Poveda en Campo Real)

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15/06/2010 22:16. sdelbiombo #. Barroco Holanda y Flandes No hay comentarios. Comentar.

AMARILLO VERMEER.

  

Vermeer. La joven de la perla.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla

 

Un acercamiento interesante y bastante fiel a cómo era el mundo de los pintores en la Holanda del siglo XVII , se nos muestra en la Película “La joven de la perla”, que retrata la gestación de este famoso cuadro de Johannes Vermeer.

Vermeer es, probablemente, uno de los pintores más fascinantes que se pueden contemplar en nuestra vieja Europa. Vivió como un oscuro pintor provinciano, sin apenas salir de su ciudad natal, Delft, sobreviviendo gracias a la fortuna familiar de su esposa y al trabajo que, lentamente, hacía salir de su taller. El artista era muy meticuloso, trabajaba con gran minuciosidad, en cada uno de sus cuadros, que no solían ser muy grandes.

Vermeer fijaba un motivo frente a su caballete, estaba especialmente atento a las variaciones de la luz, por lo que en sus obras suelen aparecer cerca de la ventana, e intentaba captarlo a través de las lentes de la cámara oscura. No obstante, este post no trata sobre su forma de trabajar, lo que indudablemente es importante, sino de cómo influyeron las circunstancias históricas y comerciales del momento en el resultado de su pintura.

 

 

Vermeer. La lechera

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Vermeer_-_The_Milkmaid.jpg

 

En 1660 , cuando empieza a desarrollarse su producción más importante, Holanda ha conseguido, tras varios años de luchas, su independencia de España. La República de los Países Bajos, las Provincias Unidas, son un estado aristocrático con importantes intereses comerciales, ya que su única riqueza viene de su posición estratégica , entre Inglaterra, Francia Alemania y los Países Nórdicos, su marina y la importancia de su mercado , especialmente textil y productos de lujo.

Pero además de independizarse de España, Holanda ha conseguido expansionarse en el Indico y en el Atlántico. Se ha fundado la Compañía holandesa de las Indias Orientales en 1602 y  Holanda consigue importantes enclaves portugueses , como las Molucas , Indonesia , o establecer compañías que comercien con los nativos. Las principales importaciones son las especias alimentarias: canela, clavo, pimienta, azafrán. Pero hay otras.

En los cuadros de Vermeer es frecuente un elemento que también se ve en otros pintores de la época: los mapas. Las casas de alcurnia ostentaban con orgullo este elemento decorativo, no sólo símbolo de estatus, sino también toda una declaración de principios. Los mapas suelen mostrar el territorio holandés, ganado después de tantos esfuerzos, pero también aparecen mapamundis, que muestran la vastedad de enclaves en los que se asienta el imperio holandés : América del Norte, Brasil, Indonesia, India...  y en uno de los barcos que hace el trayecto de vuelta a Amsterdam, entre otras mercancías, viaja una carga preciosa.

 

 

Vermeer. Alegoría de la pintura.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_arte_de_la_pintura

 

Si observamos las siguientes obras : “La lechera”, “ Mujer con collar de Perlas” , o la” Alegoría de la pintura”, notaremos la presencia de un color cálido, brillante, envolvente: es el amarillo índigo.

Inútilmente lo buscaremos en Velázquez o en Murillo. Este color está en los cuadros de Vermeer porque era Holanda quien controlaba el comercio con sus productores. Resultaba un color caro por cómo se obtiene: a partir de la orina de la vaca que se haya alimentado de hojas de mango. El sistema, además de costoso, era cruel, ya que el estómago de la vaca no tolera bien este alimento, por lo que a la larga se acabó desechando. El brillo es intenso, casi aúreo, y no es extraño que el pintor lo empleara muy a menudo. El hecho de que aparezca en los vestidos de las mujeres da cuenta de la importancia que tenía como tinte. Las ropas teñidas con él parecen ser de seda, tejida del tipo raso o satén, que también era un objeto de importación, y por tanto de prestigio. Por tanto, mapas y sedas situaban inmediatamente al modelo en una categoría, la de los favorecidos por la fortuna del próspero comercio holandés.

No olvidemos por último la protagonista de su cuadro más famoso, la perla. El tamaño de la misma es considerable, sin duda es un objeto exquisito.  Su llegada a Amsterdam pudo provenir de la isla de Ceilán , donde pescarlas era una tradición nativa. 

 

Ana Molinero

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