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PINCELADAS SOBRE CONSTABLE

Parece mentira que una obra como la de Constable, tan fiel siempre a sí misma, sea tan compleja de analizar.

Por ello, más que un estudio, vamos a intentar dar unas pinceladas (las que caracterizaron su estilo) sobre su obra.

El carro de heno

En la formación de su pintura (eminentemente paisajística) confluyen dos grandes herencias.

Por una parte nos encontramos la herencia pictórica. En su obra hay constantes sugestiones de Gainsborough en sus escenarios vaporosos, de la pintura holandesa (especialmente los Ruysdael) a la hora de encuadrar las escenas o utilizar los reflejos, o de la italiana de Lorrena en alguna de sus obras, en donde la paleta vira, de los tradicionales grises y verdes a colores más dorados.

Catedral de Salisbury

Junto a toda esta cultura visual existe otra herencia puramente emocional. Constable trabajará una y otra vez sobre los mismos paisajes, aquellos con los que sentía vinculado emocionalmente: Suffolk y Essex, donde creció; Middlesex, donde vivió la segunda mitad de su vida; o Wiltshire.


Eran paisajes sentidos profundamente, casi una biografía, en donde la Naturaleza (al contrario de lo que veíamos en Friedrich) es una naturaleza profundamente humanizada, en donde en muchas ocasiones hay un canto a la vida sencilla y dura de los campesinos (una carreta que vadea un río, un operario  moviendo la esclusa...)

La esclusa

Técnicamente es la percepción de la luz en sus múltiples matices su principal interés, con una importancia enorme tanto del cielo como de los reflejos (una herencia holandesa).

Para ello utiliza una pincelada sumamente dividida que se va agolpando sobre el lienzo en pequeños toques hasta llegar a la vibración lumínica (que Corot imitará)

Realmente su amor más que al paisaje fue a la luz y a los cambios atmosféricos que llegó a registrar con sus pinturas de nubes


En su última etapa su estilo  evolucionó a unas formas mucho más libres en donde la pincelada llega a tener una presencia tan brutal que casi pueden verse como cuadros pre-abstractos

Río Stour

Detalle de la pincelada

Su estilo no siguió las modas continentales y tanto lo podemos encuadrar en el romanticismo (con su gusto por lo pintoresco) como con el realismo.

Lo cierto es que influyó decisivamente en múltiples autores como Turner, Delacroix, Courbet, Corot, Escuela de Barbizon.

 

Imágenes tomadas de wikipedia

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28/07/2016 19:05. sdelbiombo #. Romanticismo No hay comentarios. Comentar.

ANÁLISIS Y COMENTARIO DEL Kouros de Anavysos

Tomado de wikipedia

Tema. Escultura funeraria de un joven guerrero llamado Creso («Detente y llora ante la tumba del fallecido Creso, a quien el furioso Ares destruyó un día luchando en las filas más avanzadas», dice su base

Tipología. Escultura individual de bulto redondo que coronaría una tumba

Material. Piedra tallada y posiblemente en su origen policromada. No se aprecian postizos.

Composición. La figura se organiza de forma simétrica en torno al eje vertical, siendo de bloque cerrado (miembros pegados al cuerpo) y fuerte frontalidad (realizada para ser vista desde el frente)

Modelado. Nos encontramos con una escultura que, pese a ciertos convencionalismos geométricos (véase cómo se realiza el pelo, rodilla o las orejas), poco a poco está consiguiendo un mayor realismo, suavizando las formas geométricas rotundas por medio de un trabajo más suave en la talla que difumina las sombras

Figura. Se nos muestra hierática (sin expresión ni movimiento), con típicos rasgos de arcaísmo como la sonrisa arcaica o los ojos almendrados.

Tomado de fonamentsclot.blogspot.com.es

Su anatomía resulta bastante correcta en cuanto a proporciones y relaciones entre las partes, con un canon un tanto musculoso

 

COMENTARIO

Caracterización de la obra. Estilo al que pertenece

Cleobis y Biton. Periodo arcaico

Auriga de Delfos. Periodo severo

Contexto histórico

Influencias anteriores y posteriores. De dónde procede y cómo cambiará en el futuro

El Doríforo de Policleto


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04/07/2016 12:08. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

La vendimia VS el Aquelarre. GOYA

-Tema y personajes:  En La Vendimia el tema es profano, en principio trata un tema cotidiano, como es la recogida de uvas, que da nombre al cuadro, y en El Aquelarre el tema también es profano, puesto que trata de un tema satánico o demoníaco como es una reunión de brujas en la que aparece el demonio en forma de cabra, al contrario que en La Vendimia, que los personajes son un señor y las criadas. En La Vendimia se quiere transmitir un mensaje de costumbrismo (bastante idealizado, ya que las criadas no aparecen como tal), mostrando a los personajes y a la naturaleza de una forma amable, mientras que en El Aquelarre intenta mostrar todo lo contrario.
-Soporte: En La Vendimia el soporte es el lienzo, y en El Aquelarre es la pared de su propia casa. La técnica en ambos es el óleo, y el acabado en La Vendimia es una pincelada suelta y en El Aquelarre, aunque también es suelta, es bastante pastosa.

-Composición: En ambas la composición es bastante simétrica, aunque El Aquelarre es algo mas dinámica que La Vendimia, puesto que es una composición en óvalo, mientras que en La Vendimia la composición es en pirámide. En ambas predominan las líneas rectas.
-Línea y color: En La Vendimia, Goya emplea la pincelada suelta creando un ambiente un poco vaporoso y con colores suaves en tono pastel, mientras que en El Aquelarre emplea una paleta sucia con fuertes empastes creando claroscuros y la pincelada es bastante suelta.
-Luz: En La Vendimia la luz es natural y representativa, mientras que en El Aquelarre se va volviendo más expresiva y antinaturalista debido a los claroscuros y el fondo activo, dando más fuerza e importancia a algunas figuras.
-Espacio: En La Vendimia la perspectiva es aérea, con un paisaje pintoresco, mientras que en El Aquelarre es mucho más abocetado y fondo activo.
-Figuras: En La Vendimia, las figuras están bastante idealizadas, con gestos aristocráticos, canon estilizado, con una composición algo dinámica y las figuras todavía bastante hieráticas, mientras que en El Aquelarre, las figuras son bastante antinaturalistas, apareciendo las figuras deformadas, y creando por primera vez una masa o multitud de personas, con gestos más expresivos debido a la escena demoníaca que están contemplando, poniendo atención a ella, y en especial a la figura del demonio. En ambas existe relación entre los personajes.
  • COMENTARIO

La Vendimia pertenece a las pinturas de Cartones para tapices, puesto que emplea una estética rococó, con tonos pastel, posturas aristocráticas, una composición bastante equilibrada (en pirámide), una luz suave y representativa, las figuras y el paisaje se muestran representados de forma amable e idealizada y el empleo de la perspectiva aérea y composiciones cuyo ambiente es ligeramente vaporoso, mientras que en El Aquelarre, usa una composición ovalada, el tema ya no es agradable sino satánico, las figuras y el paisaje ya no están idealizados sino que están deformados, los colores son sucios y la luz es más expresiva, y todas estas características nos hablan de que se trata de una de las Pinturas Negras.
La Vendimia, que era una de los Cartones para tapices es en la época en la que Goya era joven, fue introducido en la Real Fábrica de Tapices por Bayeu, sentimentalmente se encontraba bien... y todo esto lo plasmará en sus obras, por eso emplea paisajes y personajes idealizados, esos tonos suaves (pastel), esa delicadeza y esas posturas galantes y aristocráticas (incluso las propias criadas), para expresar el positivismo, el bienestar, la ilusión, la alegría, y el entusiamo que Goya sentía en esa época, pero todos esos sentimientos cambian de forma radical en las Pinturas Negras, a las que pertenece El Aquelarre, puesto que Goya era mayor, estaba sólo, viejo y enfermo, se queda sordo a causa de una enfermedad, vive la Guerra de la Independencia y llega Fernando VII al poder, provocando una fuerte represión contra los afrancesados, por lo que Goya cae en una fuerte depresión y crisis personal y se encierra en su casa a orillas del Manzanares, donde pintará en la pared de su casa temas que reflejan sus sentimientos pesimistas, de tristeza y soledad, como la vejez, la muerte, la violencia, lo siniestro, la soledad... y en el cuadro de El Aquelarre emplea un tema demoníaco o satánico, transmitiendo así su astío vital y la visión que tiene del mundo (totalmente contraria a la de sus primeros años), y por ello emplea técnicas como la paleta sucia, el acabado pastoso creando claroscuros, el poco espacio y el fondo activo, la deformación de las figuras y el ambiente macabro y satánico de la escena, lo que nos quiere decir que para él el mundo ya no es tan ideal ni goza de tanta felicidad como al principio, sino todo lo contrario, debido a las condiciones en las que se encuentra en la última época de su vida.

Algunos grabados de Los Caprichos y Los Disparates ya se iban acercando a la estética de este cuadro, aunque en lo que influirá realmente será en el Romanticismo, por los temas dramáticos y trágicos, los ambientes terroríficos y el miedo, y también influirá posteriormente en el expresionismo (El Grito de Munch).
Influencias anteriores: En La Vendimia, podría ser Van Dyck con esos ambientes vaporosos, las posturas aristocráticas y refinadas, y de Rafael la composición en pirámide y la estética de las figuras, mientras que en El Aquelarre, la influencia anterior podría ser Miguel Ángel, con esas deformaciones en las figuras, y Rembrandt.

Silvia López. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo
10/05/2016 19:06. sdelbiombo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

GOYA: LA GALLINA CIEGA Y DOS VIEJOS COMIENDO SOPA.

Tema y personajes: ambos cuadros tienen un tema profano; en uno se representa a un grupo de burgueses jugando a un juego popular; y en el otro se representa a dos ancianos.

El mensaje de la gallinita ciega es la propaganda de la clase social acomodada. En dos viejos comiendo sopa el mensaje es el pesimismo y la tristeza. 
Soporte: es lienzo con la técnica del óleo y una pincelada suelta en ambos, aunque en dos viejos comiendo sopa es más visible y más pastosa, siendo un cartón para tapices el primero.
Composición: el primer cuadro es simétrico, dinámico, colocando a los personajes en líneas verticales y es tectónica. Mientras que el segundo es asimétrico, estático, con líneas verticales y atectónica.
Línea y color: en ambos cuadros predomina el color sobre la línea, pero se nota muchísimo más en dos viejos comiendo sopa donde hay una pincelada muy suelta y colores sucios. En la primera destacan los tonos pastel. 
Luz: en el primero es una luz representativa; mientras que en el segundo es expresiva de fuerte claroscuros.
Espacio: en la gallina ciega hay perspectiva aérea y en el segundo la crea mediante claroscuros y anteposición de elementos del cuadro.
Figuras: en el primer cuadro están idealizadas, de canon perfecto, posición dinámica y estable, las figuras tienen cierto hieratismo y están individualizadas; son un grupo de la misma clase social, la aristocracia e interesan poco las texturas. En el segundo son figuras realistas e incluso deformadas, de canon ensanchado, posición estática, estables, hieráticas e individualizadas; su relación será familiar y las texturas si que interesan.
Comentario.
Goya es un pintor del siglo XVIII Y XIX. En él podemos observar una diferente evolución debido a sus situaciones vitales, como hemos visto en el análisis de la gallina ciega y de dos viejos comiendo sopa, dos cuadros totalmente contrarios pero del mismo pintor.
El cuadro de la gallina ciega pertenece a su etapa más rococó, cuando hacía cartones para tapices en la Real Fábrica de Tapices; el tema elegido lo designaban los reyes y solía ser el constumbrismo idealizado, con composiciones equilibradas, tonos pastel, figuras aristocráticas, gestos galantes, uso de sfumato y la luz suave; por lo general corresponde a una estética rococó.
Más tarde Goya fue pintor del rey y pintó cuadros como la Familia de Carlos IV o Fernando VII.
Y después su pintura se vió marcada por la Guerra de Independencia contra los franceses pintando los Fusilamientos.
El cuadro de dos viejos comiendo sopa pertenece a su etapa de las pinturas negras. Con el regreso al trono de Fernando VII y las secuelas de la guerra y un Goya viejo y enfermo, Goya se dedicó a no salir de su casa. Tuvo una crisis personal y pintará las propias paredes de su casa con pinturas siniestras como la analizada o Saturno devorando a sus hijos, simbolizaba en sus pinturas la vejez, la muerte, la soledad o lo siniestro. Su pintura estaba mezclada con negro y usaba empastes fuertes, no había casi perspectiva y había una deformación de la realidad. 
Goya influyó en el romanticismo del  siglo XIX (en Fuseli) y en el expresionismo del siglo XX (como en Munch y su pintura El Grito). En la etapa de las pinturas negras también hizo los grabados. 
Tras esta etapa de desesperación se exilió a Burdeos y allí volvió al optimismo con una pintura colorista y temas con óptica amable y una pincelada muy suelta. Destaca la lechera de Burdeos.


Eva Fernández. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejrada del Campo

 

09/05/2016 20:44. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

Comentario cartones de tapices (El quitasol) y pinturas negras (Dos viejos comiendo sopa) de Goya.

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Tema y Personajes: El tema de ambas es de tipo profano. En la primera pintura aparecen una jovencita vestida a la moda francesa con un perro tumbado en sus piernas y su criado y en la segunda aparecen dos personajes ancianos, sin estar claro si son hombres o mujeres. El de la izquierda, con pañuelo blanco, dibuja una mueca con su boca, posiblemente por la falta de dientes. El otro personaje contrasta vivamente con él: de rostro de cadáver, sus ojos son dos oquedades negras y su cabeza tiene en general el aspecto de una calavera.

Soporte, técnica y pincelada: En el quitasol se utiliza el lienzo como soporte y el óleo como técnica. La pincelada es de factura lisa apenas se nota. En dos viejos comiendo sopa se utiliza el muro (después trasladado a lienzo) como soporte y el óleo como técnica. A diferencia del cuadro anterior, la pincelada será pastosa.

Composición: En el quitasol se da una composición estática. Las figuras geométricas que se han utilizado para colocar los personajes y las líneas fundamentales que se utilizan son el triángulo y las diagonales que convergen en el rostro de la joven y caracterizan la composición de esta obra. Por otro lado, en dos viejos comiendo sopa, se utiliza una composición asimétrica pero esta vez dinámica. Las formas geométricas que se utilizan para los personajes son nuevamente el triángulo, en concreto para el personaje de la izquierda.

Línea y color: En el quitasol, predomina la línea fina con la utilización de colores de ambas gamas, ya que se combinan los colores fríos con los cálidos y color pastel. En dos viejos hay un predominio de la línea gruesa y los colores que se utilizan son colores ocres, tierras, grises y negros.

Luz: En el primero se da una luz naturalista con fines expresivos y al contrario, en el segundo se da una luz antinaturalista con fines representativos.

Espacio: En el quitasol, hay una gran importancia del espacio ya que Goya dota a la obra de un fondo con árboles y nubes, que dan una mayor perspectiva a las figuras. Además es de gran importancia la sombrilla, que es la excusa que tiene Goya para realizar el claroscuro y así poder dar sombra a los personajes y por tanto, un mayor volumen. Al contario en dos viejos comiendo sopa, la figura carece de fondo y las figura son bastante simples. Sin embargo, Goya dota a las figuras de volumen solo con la combinación de pinceladas entre colores más claros y más oscuros.

Figuras: En el quitasol, las figuras están idealizadas, pretenden embellecer la realidad, tienen un canon estilizado además de una posición estática y estable. Tienen una expresión algo hierática ya que no parecen expresar nada con sus rasgos faciales y cada figura está individualizada. Hay relación entre ellas ya que una no expresaría lo mismo sin la otra y las texturas pueden interesar. En dos viejos comiendo huevos, ambas figuras son antinaturalistas ya que deforman la realidad, tienen un canon bastante deforme y una posición dinámica e inestable. Son expresivas e individualizadas y en este caso las texturas no tienen gran importancia.

Comentario:

Mientras que “el quitasol” pertenece a la época de entre 1775 y 1792 en la que Goya realizó una serie de obras para la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara. Estos tapices se caracterizan por tener temas bucólicos y cinegéticos. A diferencia de la corte de los Austrias, los Borbones no querían escenas del pasado sino populares, campechanas, que pudieran representar cómo se vivía en la España de la época, aunque no se mostraba una visión realista, siempre estaba idealizada. Además, el estilo de los cartones de Goya refleja muchas veces sus aspiraciones y pretensiones de obtener una categoría social más alta.

Por otro lado, “Dos viejos comiendo sopa” pertenece a la época de entre 1819 y 1823 en la que Goya vivió en la denominada “Quinta del sordo”. Estas pinturas se caracterizan por su estilo. La composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas, también están desplazadas las masas de figuras. Muchas de las escenas de las Pinturas negras son nocturnas, muestran la ausencia de la luz, el día que muere o las facciones de los personajes que presentan actitudes reflexivas. El cambio a hacer este tipo de pintura se produjo porque en la última etapa de su vida, Goya se quedó sin amigos, su sordera fue en aumento, tuvo problemas con la inquisición y se volvió solitario, y como si todo eso fuera poco, cargaba ya con 74 años.

 

En cuanto a sus influencias, el arte italiano, que Goya había podido estudiar durante su viaje en 1771, dejó su impronta en algunos de los tapices. También el barroco italiano ejerce influjo sobre Goya. El rococó es el estilo de todos los cartones de Goya a excepción de La nevadaEl albañil heridoLos pobres en la fuente y sus respectivos bocetos. El quitasol es la obra que más relación guarda con la pintura francesa.

Por otro lado, las pinturas negras no parecen tener influencias anteriores pero sí tendrán influencias posteriores ya que influirá notablemente en la pintura moderna (romanticismo, expresionismo). Puede decirse que en esta serie Goya llegó más lejos que nunca en su concepción revolucionaria y novedosa del arte pictórico.

 

JUAN FRANCISCO NAVARRO 2ºBACH. Ies los Olivos en Mejorada del Campo

 

08/05/2016 19:34. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.


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