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LOS ICONOS LAICOS DE GUSTAV KLIMT

- modernismo

 

Klimt. El beso

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

 

Cada vez más famoso por su uso en publicidad (o en colecciones por fascículos de abanicos), Gustav Klimt representa una de las pinturas más personales e inquietantes de finales del siglo XIX y principios del XX

Aunque se trata de una visión muy particular, podemos entenderla como una sutil unión de las tendencias post-impresionistas con las simbolistas, estando cercano tanto a la pintura de Gauguin como de Munch.

 

Una de sus constantes temáticas es el mundo femenino, aunque visto de una forma radicalmente nueva. Frente a la belleza tradicional, pasiva y exquisita, Klimt plantea una nueva forma de entender el universo de lo femenino. Sus mujeres son carnales y eróticas, llenas de una extraña fascinación en la que se une sexualidad y misterio, atracción y amenaza.

Si recordáis la Danae de Tiziano  y la comparáis con la recreada por Klimt, las diferencias son evidentes, con todo lo que ello significa (el siglo XX significó la emancipación de la mujer y lenta ruptura del modelo patriarcal, pasando de un ser dominado por el hombre a otra entidad distinta, mucho más cercana a las fuerzas de la naturaleza, a lo intuitivo y misterioso que crea esta ambivalencia de fascinación y miedo).

 

Danae. Klimt

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

 

Como ya lo hiciera Manet o Rodin es habitual que, bajo ropajes clásicos (los mitos de Danae, las iconografías de Judit y Holofornes…), Klimt realiza una fuerte modernización que consistirá en pasar el mito a lo puramente humano (como el famoso y polémico desayuno en la hierba de Manet). Lo individual, lo cotidiano se convierten así en el objetivo último, como la idea del propio beso, recreación puramente humana de Amor y Psique clásico 

 

En lo que se refiere al aspecto técnico, Klimt juega un papel de bisagra entre el siglo XIX y el XX (como lo haría en escultura Rodín).

Por una parte nos encontramos con un dibujo detallista, unas anatomías estilizadas, sumamente lineales que pueden recordar al movimiento Prerrafaelista y simbolista. También el color de las carnaciones (de la piel desnuda) tiene un claro precedente clásico, consiguiendo unas texturas que demuestran su dominio de la técnica. Sin embargo sus fondos y vestiduras son de gran atrevimiento cromático, cercano a Gauguin o el primer Kandinsky

 

Por otra parte existe en Klimt una anticipación de la pintura moderna. Esto es especialmente visible en sus fondos y vestiduras que se encuentran entre las sugerencias de la pintura japonesa (tan del gusto decimonónico) y un mundo geométrico que casi parece anticipar los famosos cuadros del Mondrian final - , un puro arte abstracto.

 

Decoración del Palacio Stoclet de Bruselas

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

 

A todo ello se une la presencia del pan de oro (al parecer conocido en un viaje a Rávena en donde le fascinó el arte bizantino). Su utilización en fondos y vestiduras crea un efecto sumamente extraño. Por una parte anula la perspectiva (acercándose así a lo que será el arte del XX), por otra le concede a los cuadros una especie de aura religiosa. Iconos laicos, como ya los definió Bozal, en donde se unían pasado y futuro y daban la imagen de la compleja sociedad de fines del XIX y principios del XX. Un mundo ambiguo, amante de lo bello y rico pero (a la vez) obsesionado por lo morboso, extraño y misterioso.

Todo ello con un fascinante despliegue visual de color y línea que, quizás, sea lo que ahora valoramos más.

 

Klimt. Judit y Holofernes

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

En el propio blog tenéis unas fascinantes interpretaciones de estos cuadros

 

 

Para saber más, existe un buen comentario del Beso en

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/12246.htm

 

y otro, muy personal e interesante en

http://www.pinturayartistas.com/la-creatividad-erotica-de-gustav-klimt

 

Vicente Camarasa

 

7 comentarios

froilande -

soy un pintor aficionado ahora que estoy
jubilado lo puedo hacer.he pintado el beso
de Gustav Klimt y es algo increible,gracias

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El reloj de arena recuerda el momento en que perdió!

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Sur la voie de la réussite, il y a un moment pour tout qu’il n’y a pas, de rechercher les louanges dépositaires.

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Hola Vicente! Gracias por nombrar mi blog!
Añadí el tuyo en un listado nuevo que tengo de blogs de pintura y arte: http://blogpintura.wordpress.com
A seguir blogueando! saludos!

Vicente -

Estoy bastante de acuerdo contigo sobre este enlace, pero lo puse porque quiero que se puedan tener varios puntos de vista sobre las cosas.
A mi, en particular, me parece que es más un juego de contraposición entre los roles y valores que tienen cada uno de los sexos, de lo masculino, agresivo, protector a lo femenino pasivo, delicado, que era típico en la época

finger -

Si me hablaran de cualquier otro cuadro cogido al azar no tendría ni idea de lo que me están diciendo. Sin embargo este lo conozco bien porque es el favorito de una buena amiga mía. Lo tenía en su habitación y siempre decía que lo que más le gustaba era la imagen, ya que le transmitía muchísimo romanticismo. Pero en realidad no sabía nada sobre él. Cuando algún tiempo después descubrió lo que podían significar esos rectángulos y círculos se sintió decepcionada, pues aquello rompía de algún modo la idea que el cuadro le transmitía simplemente mirándolo.

Quizá en parte influida por lo que ella me decía, no veo claro lo que he leído en uno de los enlaces. Que el gesto de la mujer ha sido interpretado como de rechazo ante la opresión y dominio del hombre, sin resultado positivo. A mi me da la sensación de que ella recibe bastante bien el abrazo del hombre, especialmente por la mano derecha que rodea el cuello de él. Quizá es que ya ha intentado rechazarle y al ver que no ha tenido éxito ha preferido dejarse llevar.

Es eso entonces lo que el autor pretende transmitir, el fracaso en la emancipación de la mujer? De ahí la diferencia entre este cuadro y los que le siguen y el de “El Amor” de 1985?

Gracias