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Se muestran los artículos pertenecientes al tema Arte griego.

HERMES Y DIONISIOS NIÑO. PRAXÍTELES

Análisis:

Tema: Es una representación del dios Hermes sosteniendo entre sus brazos a su medio hermano Dionisos, al que ofrece un racimo de uvas, que el niño trata de agarrar con sus pequeñas manos.

 Se trata por tanto de un tema mitológico, recogiendo el momento en que Hermes lleva al niño junto a las ninfas de Nisa por orden de Zeus, para protegerlo de la ira de su esposa Hera. A pesar de ser una representación de dioses han perdido ese sentido debido a que se muestran humanizados, como un hermano que entretiene a un hermano pequeño. Como la gran mayoría de las obras griegas tiene una función religiosa.

Tipología: Escultura de dos personas de bulto redondo.

Material: La obra está trabajada en mármol, mostrando una gran calidad técnica.

Composición: esta se concibe mediante una serie de líneas ascendentes, con el fin de que la atención se concentre en el rostro del joven, que aparece metido en sus pensamientos.

La figura principal presenta un contraposto o esquema en S. El brazo derecho está en tensión con el hombro algo desplazado mientras que el izquierdo se apoya en un soporte, la pierna izquierda libre de peso, toca el suelo con la punta del pie, la derecha sujeta el cuerpo, resaltando así la línea de la cadera, la llamada "curva praxiteliana". La ligera inclinación de la cabeza viene a completar el esquema.

Modelado: En esta escultura la luz es un elemento importante, ya que resbala con suavidad sobre las superficies y crea modulaciones y matices sutiles, también se aprecia el claroscuro sobre el cabello y el manto. La policromía es en la actualidad inexistente, pero si existiría originalmente, con los cabellos dorados.

Figura: La forma de expresión es  naturalista, hay un gran interés por la belleza formal, especialmente en la figura principal, su anatomía es proporcionada, armónica, perfecta y sensual. Hermes tiene un cierto espíritu femenino (andrógino) además de una musculatura menos marcada.

La expresión de su rostro es distanciada e inaccesible. No hay ninguna relación afectiva entre Hermes y el niño, tan sólo una lejana melancolía

Imágenes tomadas de wikipedia

COMENTARIO

Esta obra pertenece a la época manierista más concretamente al año 343 a. C.

En plena época manierista o postclásica de la antigua Grecia se sitúan unas series de guerras como las médicas o las guerras civiles del Peloponeso que influirán en la forma de ver el arte, querrán romper con todo lo establecido e imponer un nuevo estilo mucho menos clásico.

Podemos averiguar que pertenece a esta época por elementos que la representan como desarrollar una expresividad en la cara con sentimiento de melancolía, muy diferente que el que aparece después de muchos años utilizando el hieratismo (comparado con el Doríforo). También gana en movimiento, ya que Praxíteles consigue mover la cadera con la curva praxiteliana y hacer que la figura tenga más soltura. El pelo, por el contrario a la fase clásica, tiene  mayor volumen y una forma menos  geometrizada. También se pueden distinguir las ropas dónde se aprecian los pliegues hechos con perfección para dar una sensación de realidad. El tema es anecdótico muy típico de la época, se valora lo individual y subjetivo ya que estamos comenzando una nueva etapa. El canon será más estilizado lo que dará lugar a unas figuras andróginas que después podremos ver en épocas como el Renacimiento.

Doríforo

Se cree que esta escultura fue realizada para proclamar la paz entre dos pueblos, Elis y Arcadia cuyos patrones eran estos dioses.

Sus comitentes serían las polis, ya que en ese momento eran las que ponían el dinero para realizar esculturas y otros tipos de arte. La obra se encargaría con la misma finalidad que la mayoría de su época, para demostrar el poder de la polis y en esta época más, ya que los temas eran anecdóticos y se buscaba hacer esculturas por cualquier motivo. El artista se guía por las tendencias de su época y se fija en anteriores obras e intenta innovar y romper con lo establecido (clasicismo).

El autor, en este caso Praxíteles, querrá huir de la realidad propia de la época y de los conflictos que se presentaban a un lugar dónde pueda expresarse con toda libertad, utiliza elementos para romper con el clasicismo , como la curva praxiteliana que dará movimiento a la figura y un mayor contraste de claroscuros que resbalaran a lo largo de la figura; se puede comparar con el Doríforo y ver cómo ha ido adquiriendo estas características. Transmitirá una sensación de movimientos fluidos y un acabado pulido.

Apolo sauróctono. Praxíteles

Las influencias que toma Praxiteles serán las obras clásicas y en especial del escultor Fidias y Polícleto a los  que debe parte de su obra. A su vez se inspirarán en él los autores del Renacimiento como Donatello o Botticelli que aprovecharan la curva praxiteliana y las formas andróginas

David de Donatello

 

 

Análisis: Remus Munteanu

Comentario. Nerea Viejo

2º Bachillerato. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

 

TODAS LAS OBRA DE PRAXÍTELES EN NUESTROS BLOGS

04/07/2016 13:06. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

ANÁLISIS Y COMENTARIO DEL Kouros de Anavysos

Tomado de wikipedia

Tema. Escultura funeraria de un joven guerrero llamado Creso («Detente y llora ante la tumba del fallecido Creso, a quien el furioso Ares destruyó un día luchando en las filas más avanzadas», dice su base

Tipología. Escultura individual de bulto redondo que coronaría una tumba

Material. Piedra tallada y posiblemente en su origen policromada. No se aprecian postizos.

Composición. La figura se organiza de forma simétrica en torno al eje vertical, siendo de bloque cerrado (miembros pegados al cuerpo) y fuerte frontalidad (realizada para ser vista desde el frente)

Modelado. Nos encontramos con una escultura que, pese a ciertos convencionalismos geométricos (véase cómo se realiza el pelo, rodilla o las orejas), poco a poco está consiguiendo un mayor realismo, suavizando las formas geométricas rotundas por medio de un trabajo más suave en la talla que difumina las sombras

Figura. Se nos muestra hierática (sin expresión ni movimiento), con típicos rasgos de arcaísmo como la sonrisa arcaica o los ojos almendrados.

Tomado de fonamentsclot.blogspot.com.es

Su anatomía resulta bastante correcta en cuanto a proporciones y relaciones entre las partes, con un canon un tanto musculoso

 

COMENTARIO

Esta obra, pertenece a la época arcaica del arte griego. Las obras de este periodo son muy parecidas a las que hacían los egipcios tiempo atrás. Podemos ver que la escultura es un bulto redondo, pero está hecho para verse de frente, no para darle la vuelta, por lo que la frontalidad es una característica clave que encontramos en esta escultura. Una de las particularidades que podemos ver perfectamente en la cara, es la sonrisa arcaica, una sonrisa forzada que comenzaron haciendo los egipcios en sus obras. Otra característica muy importante es el desnudo, ya plenamente griego.

Esta obra se realizó con un fin funerario. Esta estatua representa un joven guerrero el cual se llamaba Creso. Este muchacho fue matado por Ares y su escultura coronaría su tumba. Como ya he mencionado anteriormente, el hombre pasa a ser el centro del mundo (antropocentrismo), por lo que, todo lo que se construya o se fabrique, estará pensado para el mismo. Los comitentes son la polis.

Con el paso del tiempo el arte va a ir evolucionando en todos los aspectos. En escultura, los artistas buscarán la perfección y la armonía. Querrán que sus obras, aunque estén realizando algún movimiento, no transmitan fuerza o esfuerzo, si no suavidad, para que el espectador lo vea como algo armónico y no como algo violento. Mejoran los detalles del rostro, y el cabello, y el canon también cambia.

 

Cleobis y Biton. Periodo arcaico

En esta época, se busca la belleza y la armonía, por lo que, no se recarga la escultura con muchos postizos, y la postura de la escultura será siempre tranquila, principalmente de bloque cerrado y sin movimiento, aunque también hay varias excepciones en las que el bloque es abierto, y representa movimiento. Ese movimiento será tranquilo y sin tensión para no perder la armonía de la figura.

Podemos comparar este tipo de arte con el egipcio. Los egipcios hacían unas esculturas muy geométricas. Los brazos, las piernas, las manos, los pies… todo estaba hecho (mayormente) con líneas rectas. Los egipcios siempre hacían sus esculturas para homenajear a algún dios o faraón, y se solían poner esas esculturas en las tumbas. La sonrisa arcaica era muy exagerada, y siempre hacían sus obras de bloque cerrado. Apenas encontrábamos movimiento, y la frontalidad era siempre habitual.

Auriga de Delfos. Periodo severo

Como he explicado antes, los griegos eran más cuidadosos y comenzaron a perfeccionar poco a poco la forma de hacer el arte. Gracias al antropocentrismo, se comienzan a hacer esculturas de humanos, y cada vez se hacen menos geométricas y con más detalles.

El Doríforo de Policleto

 

Larisa Faraon IES LOS OLIVOS EN MEJORADA DEL CAMPO 2º Bachillerato



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04/07/2016 12:08. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

FOTOS PARA REPASAR LA ARQUITECTURA GRIEGA ARCAICA

Hera de Olimpia

Tomado de europaenfotos.com

Templo de Afaia en Egina

Tomado de wikipedia

Tomado de pt.slideshare.net/agomezfpio

 

Tesoro de los atenienses

Tomado de wikipedia

Segesta (analizado aquí)

.

Selinunte (analizado aquí)

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27/09/2015 17:52. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

EL MAUSOLEO DE HALICARNASO

Reconstrucción del Mausoleo

Mausolo fue un sátrapa persa profundamente helenizado que goberno más de 20 años este pequeño estado de Asia Menor.

Tras su muerte hizo construirse una gran tumba que fue considerada como una de las 7 maravillas del mundo antiguo.

Fue tal su importancia que la palabra mausoleo ha terminado por convertirse en tumba monumental

La estructura, ya helenística tiene un alto podium, una columnata superior y un tejado piramidal que culminaba (como luego harán los romanos en sus arcos del triunfo) una cuadriga con su retrato

Estatua de Mausolo

Caballo de Mausolo

Toda la base del monumento tenía un friso corrido que cantaba las luchas entre griegos y amazonas (Amazonomaquia).

En la elaboración de sus relieves participaron los escultores más famosos de su tiempo: Leocares, Bryaxis, Timoteo y Escopas.

Muy probablemente, la obra fue dirigida por Scopas que introdujo las principales características del estilo: dinamismo con diagonales contrarias, fuerte sentdo dramático de la narración a través de la captura del momento más intenso de la acción, posturas forzadas y paños flotantes... (Sólo hace falta comparar estos relieves con los del Partenon)

Amazonomaquia

 

Todas las imágees tomadas de wikipedia

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05/07/2015 20:53. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

IMÁGENES (Y ENLACES) PARA REPASAR A POLICLETO

Doríforo (AQUÍ LO TIENES ANALIZADO)

Canon del Doríforo

Tomada de valero7.webnode.es

Diadúmeno

Diadúmeno del Prado (con el brazo extendido por un error de respauración, creyéndole arquero)

Tomado de http://marcelodelcampo.blogspot.com.es

Discóforo

Amazona herida

Ídolo de Pesaro

Tomado de wikipedia

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14/06/2015 09:19. sdelbiombo #. Arte griego Hay 1 comentario.

ATENEA NIKÉ. ANÁLISIS Y COMENTARIO

Función: Es un edificio de carácter religioso, concretamente un templo griego.

Tomado de wikipedia

Planta. 

 Nos encontramos ante una planta tradicional en arquitectura griega, la rectangular. Carece de opistodomos debido a sus pequeñas dimensiones, algo más de 8 metros, lo que también obliga a fundir la naos y el pronaos creando así una solo estancia para adaptarse a la estrechez del lugar pero conservando toda la armonía y belleza que caracteriza a los templos. En el interior de la naos se albergaba una imagen de Atenea, la divinidad del templo, representada sin alas para que nunca pudiese abandonar la ciudad.

Es un templo de orden jónico, anfripóstilo (con columnas de fuste monolítico en dos de sus lados) y tetrástilo (4 columnas en su frente)

Tomado de wikipedia

 Alzado. 

 El material empleado en todo el edificio es el mármol; es una estructura con un sistema constructivo adintelado. El muro, de aparejo regular isódomo, se realiza con sillares ajustándolos sin argamasa y sujetos por medio de grapas denominadas colas de milano, consiguiendo así un perfecto acabado. El templo no posee ninguna ventana, pues su interior apenas importaba.

Este templo posee las características del orden jónico:  el crepidoma  de tres escalones (dos estereóbatos y un estilóbato). A diferencia del dorico posee una basa en la que aparecen toros y escocias; el fuste presenta estrías muertas (acanaladuras) y carece de éntasis; en lo referente a la parte más alta de la columna, el capitel, su collarino presenta astrágalos,  el equino está decorado con óvalos y dos volutas y el ábaco es rectangular. El entablamento se divide entre un arquitrabe con platabandas y un friso con decoración en relieve; la cornisa está en saledizo y, por último, en la parte alta del templo se encuentra un frontón triangular como remate en los lados cortos del tejado a dos aguas

 Cubierta.

Como es habitual del arte griego, se caracteriza por ser arquitrabada (sin arcos), sustentando el peso de techo a través del cruce de vigas, resolviéndolo en el exterior con un tejado a dos aguas.

Decoración. 

El entablamiento está compuesto de un arquitrabe, un friso que representa a Atenea, Zeus y Poseidón ayudando a los atenienses en las Guerras Médicas y una cornisa en saledizo. Sobre la cornisa, se eleva el frontón, siendo su interior decorado con acróteras y el tímpano.

Predomina lo estructural sobre lo decorativo

 

Comentario. 

 El templo expresa a la perfección las características propias de todos los edificios del estilo clásico griego: elegancia, proporción, belleza, armonía... Una perfección técnica que se muestra, también, en su perfecto acabado.

Tomado de wikipedia

Es un templo dedicado a los dioses, pero no por ello deja de exponer la concepción antropocéntrica que caracteriza a los griegos, diferenciándose totalmente del arte egipcio que construía esos templos colosales que reflejaban la importancia e influencia de los dioses en la vida de quien los veneraba.

Por otra parte, destaca su sentido de belleza y proporción (el intercolumnio funciona como módulo, creando toda una serie de relaciones matemáticas entre las distintas partes del templo).

 Su construcción tiene lugar dentro de la época donde Pericles era el máximo dirigente de la ciudad de Atenas. Pertenecía al enorme programa arquitectónico planificado por Pericles tras la victoria en las Guerras Médicas frente a los persasAtenas, por aquel entonces, había llegado a su esplendor político, económico y cultural. Por ello, su gobernante Pericles decide reorganizar totalmente la AcrópolisEn ella se construyeron numerosas edificaciones, entre las que se encontraban una entrada enorme a la parte alta de la ciudad (Propileos), una biblioteca y varios templos entre los que se encuentra el Atenea Niké, aunque el más famoso, más importante y de un tamaño mayor fue el Partenón.


A su alrededor eran realizadas las ceremonias religiosas que honraban a la divinidad. Por lo tanto, es mucho más importante la apariencia exterior del templo que la interna del mismo, al que se accedía de manera individual. (Importancia de los valores escultóricos)


El antropocentrismo y racionalismo volverán a ser tendencias dominantes en el Renacimiento, pero no será hasta el Neoclasicismo cuando se tome por completo las características principales del clasicismo griego.


Ismael García (2º de Bach.). IES Los Olivos en Mejorada del Campo

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27/10/2014 19:15. sdelbiombo #. Arte griego Hay 3 comentarios.

Análisis y comentario del Partenon

Tomado de wikipedia

PLANTA. Sobre la tradicional planta rectangular nos encontramos con un templo dórico períptero (con columnas en sus cuatro lados) y octástilo (8 columnas en su frente).


Tomado de arquitecturaadmasuno.blogspot.com.

El interior consta de un pronaos que antecede a la naos o estancia principal en donde se encontraba la famosa Atenea Parthenos de Fidias. Su espacio se encontraba divido en tres naves separadas por columnas jónicas con la central de doble anchura y cerrada por una nueva columnata que cerraría visualmente la estatua.

Tomado de lamontalbana.blogspot.com.es

Independientes a las estancias anteriores se realizaron el opistodomos o Sala de Vírgenes en donde se guardaba el tesoro, siendo utilizado también por las jóvenes atenienses que permanecían un tiempo al servicio de la diosa. Para su sustentación poseía cuatro columnas exentas jónicas.

Como entrada a esta sala, haciendo pareja con la existente en el lado contrario, se encontraba otra pronaos abierta al exterior.

Toda la planta se encuentra regida por la línea recta, siendo patente una simetría axial que responde al gusto griego por lo armónico y regular.

ALZADO. Como es común a todo el arte griego, se trata de una arquitectura arquitrabada, con la columna y el muro de sillares como bases de sustentación. El material utilizado es el mármol rosado del Pentélico que, en sus tiempos originales, estaría policromado con colores vivos y contrastados.

Tomado de iessonferrerdghaboix.blogspot.com.es

En el exterior, el orden utilizado es el dórico en su concepción griega (sin basa) y con un cierto interés por resultar (lo era ya en la época) antiquizante.


Para conseguir su perfecta armonía a ojos del espectador se realizaron sobre él una serie de correcciones ópticas que eliminaran los defectos que se producen el la retina del espectador. Entre ellos se podrían citar:

Tomado de www.fuenterrebollo.com

Realización convexa de los elementos horizontales (estilóbato, entablamento) que el ojo, de ser por completo rectos, vería ligeramente hundidos.

Engrosamiento de las columnas de esquina que el ojo percibe como más delgadas al estar en los extremos.

Ligera inclinación hacia el interior de las fachadas y laterales para que el espectador no tuviera la sensación de desplome.

En las columnas interiores (naos, opistodomos), el orden elegido fue el jónico (relacionado con deidades femeninas), siendo una excepción en el arte griego que sólo se puede explicar por la concepción del monumento más que como un templo tradicional como un verdadero estuche arquitectónico para la escultura de Fidias.

Como es típico del arte griego, hay poco interés por los espacios interiores (escasos y muy compartimentados), entendiéndose los edificios como grandes esculturas cuya observación fundamental es la exterior, puesta en perspectiva desde la entrada de la Acrópolis.

CUBIERTA. Como es habitual en el arte griego, nos encontramos con una cubierta arquitrabada (sin arcos), con un techo realizado a través del cruce de vigas que, al exterior, se resuelve en un tejado a dos aguas.

DECORACIÓN.Fue especialmente cuidada. Dirigida por Fidias, el propio escultor realizó una parte importante de la misma. Los distintos expolios realizados en el monumento han producido que dicha decoración se encuentre desperdigada por varios museos del mundo, cambiando de esta manera su visión original que debía ser muy distinta a la actual (Recuérdese, por otra parte, que los templos griegos se encontraban policromados con colores fuertes: azules, rojos, amarillos...)

Las metopas fueron decoradas con luchas mitológicas (de las que destacan las de lapitas contra centauros, con un fuerte movimiento y relación entre las figuras).


Los frontones estaban dedicados a la diosa Atenea. El de la fachada oeste se representó la lucha entre Atenea y Poseidón para saber quién sería el protector de la ciudad. En la fachada este aparecía el nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus..

En el muro exterior, Fidias colocó un friso continuo al modo jónico, decorándolo con el desfile de las Panateneas que llevaban el manto o peplos a la imagen de la diosa, siendo observada por los dioses.


En el interior se encontraba la imagen de la diosa Atenea Parthenos, obra de Fidias no conservada y que sólo conocemos por descripciones. Era una escultura crisoelefantina (realizada en oro y marfil) sobre un enorme armazón de madera. Representaba a la diosa en pie, con casco, escudo, lanza y una Victoria alada en su mano extendida. Se la consideró como la obra maestra del escultor.

COMENTARIO.

Pese a su estado casi ruinoso tras varios expolios, terremotos y explosiones, el Parthenon representa uno de los momentos culminantes del arte griego.

Su construcción se enmarca dentro de un gigantesco programa arquitectónico que planificó Pericles, con la supervisión artística de Fidias, tras la victoria griega sobre los persas en la segunda Guerra Médica.

En este momento, Atenas ha llegado a su esplendor político, económico y cultural. Su gobernante, Pericles, aprovechando en parte el tesoro de Delos, decide una total reorganización de la parte alta de la ciudad, la Acrópolis En ella se levantarán unos nuevos propileos (entrada monumental), una biblioteca y varios templos (Atenea Niké, Erecteion, ...), siendo el más famoso de ellos el Parthenon que analizamos. Su posición dentro de la Acrópolis, más elevada, marca el punto fundamental del conjunto, siendo el centro de atención del mismo desde la entrada por los propileos.

Tomado de artetorreherberos.blogspot.com.es

Más que un verdadero templo, el edificio se concibe como una gigantesca envoltura a la imagen de Atenea realizada por Fidias, lo cual explicaría algunas irregularidades de la arquitectura, como su mezcla de órdenes o su triple nave interior.

En torno suyo se realizaban las grandes ceremonias religiosas con las que se honraba a la diosa protectora de la ciudad, siendo, por tanto, mucho más importante la visión exterior del templo que su propio espacio interior al que sólo se accedía para orar de forma individual ante la diosa.

Este aspecto es básico en casi toda la arquitectura griega, poco preocupada por los espacios internos que suelen ser sombríos (para crear un ambiente misterioso) y de reducidas dimensiones (en parte debidos a la forma arquitrabada de su construcción que no permitía espacio demasiado diáfanos) que sólo cambiará con el uso del arco y los nuevos materiales que emplearán los arquitectos romanos (Panteón de Agripa).

Por otra parte, se debe recalcar la dimensión humana y racionalista que rige esta arquitectura. Este componente antropocéntrico hace que el edificio se realice en función del hombre (sin el monumentalismo egipcio) y usando reglas racionales (medidas matemáticas y órdenes) que propicien una idea de orden y claridad que el hombre puede entender a través de su razón. Incluso, y teniendo en cuenta las limitaciones ópticas del ser humano, se realizan correcciones ópticas para que la arquitectura se vea perfecta.

Toda esta tendencia de crear un arte humano y racional volverá aparecer en el siglo XV en torno al Renacimiento, aunque con una preferencia (por su mayor conocimiento) de los modelos romanos. Tendremos que esperar a mediados del siglo XVIII cuando un nuevo estilo, llamado Neoclasicismo, redescubra la pureza y sobriedad griega y la tome como modelo para sus edificios (Museo del Prado, Villanueva).

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06/10/2014 18:35. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

LA REVOLUCIÓN PRAXITELIANA

Venus de Gnido

Cuatro años después de terminar las Guerras del Peloponeso (400 a C) que arrasaron la Grecia continental nacía, en una familia de escultores, el artista que renovaría el clasicismo griego y daría toda una nueva dirección a la escultura y el desnudo.

Hijo de Cefisodoto, Praxíteles pronto se destacó como el escultor más importante del siglo IV.

Sátiro escanciador

Suya fue la invención de la famosa curva praxiteliana, un contraposto muy marcado que lanzaba la cadera hacia un lado, creando un largo arco con las piernas y torso, que se dirigían en sentidos contrario (forzar de esta manera la posición habitual de las figuras le obligó en numerosas ocasiones a tenerlas que apoyar en un elemento exterior, como un árbol, columna, paños...)

Hermes y Dionisio niño

Tomado de wikipedia

Por otra parte, reelaboró el tradicional canon de Policleto (7 cabezas) por otro mucho más alargado (de 8 y, en ocasiones, 9 cabezas), creando figuras estilizadas que reforzaba aún más su curva.

Canon del Doríforo de Policleto

Canon de Praxíteles

Tomadas de valero7.webnode.es

Las innovaciones no quedaron ahí, y fue el primer escultor que realizó en tamaño natural el desnudo femenino (como ya vimos en su famosa Venus de Gnido) e introdujo numerosos nuevos temas en donde aparecían sátiros,eros y niños.

Eros tipo Centonelle

Una nueva temática alejada del clasicismo del siglo V a C en donde hay toda una estética (tan postclásica) de lo anecdótico que desvía su mirada de los grandes héroes, de las batallas o los atletas para buscar situaciones más cotidianas, sin halo alguno de grandeza, sino de una humanidad más cercana y delicada de aquel que persigue un lagarto, el que porta un niño en los brazos, del Eros que tensa un arco, de la Venus que sale de la bañera y es sorprendida en su desnudez, (...) que tendrá un largo recorrido en Lisipo (Ares Ludovisi) y toda la escultura helenística (Espinario, Niño de la oca, Hermafrodita dormido, tanagras)

Eros tensando un arco

Y mientras desmoronaba la temática anterior, a la vez rompía con la escasa expresión clásica (su contención expresiva) para introducir en sus escultura un aliento melancólico, como de perfección perdida.


Una nostalgia que los occidentales tomaremos como la verdadera esencia del arte griego (mucho más influyente que la impasibilidad de Fidias) como podéis ver perfectamente en esta famosa obra del Quattrocento (El Nacimiento de Venus de Botticelli)

Tomado de wikipedia


Y es que ya no solo era el rostro sino la propia actitud corporal la que transmitía la melancolía. Frente a los modelos compactos de Policleto, los músculos de Praxíteles se relajan, se vuelven blandos, apenas ya si se remarcan.

Apolo sauróctono

Tomado de wikipedia

Esto es fruto del característico acabado del autor, que aún se reforzaría más por la pintura que lo recubriría (normalmente realizada por Nicias).

Todo ello (postura, canon, acabado) le conducirá a modelos andróginos que fueron la fuente de inspiración del Quattrocento temprano, como podemos ver en el famoso David de Donatello que analizamos aquí.


Y es que, como vemos, Praxíteles creó un nuevo clasicismo que poco tenía que ver con el propio clasicismo del siglo anterior, rompiendo con muchas de sus características para establecer nuevas formas que, durante mucho tiempo, fueron consideradas las canónicas del periodo griego (en realidad, las grandes figuras como Mirón, Policleto o Fidias se redescubrieron verdaderamente en el Neoclasicismo del siglo XVIII).

Sátiro en reposo

Hasta entonces la figura mítica fue Praxíteles que influyó en todo el siglo III (las famosas tanagras, el Hermafrodita dormido), en gran parte del neoaticismo (como vimos en la Venus de Milo) y en el mundo romano, que tantísimas copias realizó de sus obras.

Tanagra del siglo III a C

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04/10/2014 21:35. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

LA ESCULTURA DEL PERIODO SEVERO

Entre el periodo arcaico y el clasicismo, existe una época, vinculada con la crisis de la polis arcaica, (primera mitad del siglo V a. C.) que se denomina Periodo Severo.

 Supone una evolución hacia formas más naturalistas y armónicas, eliminando la geometría, rompiendo la frontalidad con pequeños contrapostos, abriendo el bloque e intentando profundizar en la psicología del personaje

Auriga de Delfos que ya tienes explicado aquí (wikipedia)

 

Poseidón (Wikipedia)

El bloque ya se abre por completo, se pierde la frontalidad y la cabeza ya gira libremente

Los Tiranicidas que tienes explicados aquí

El trono Ludovisi que está explicado aquí

Templo de Afaya en Egina (Wikipedia)

Las posturas ya se adaptan bien al marco y se llenan de movimiento y tensión

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25/09/2014 19:45. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

UN PASEO VISUAL POR LA ESCULTURA DEL PARTENON

Friso de las Panateneas

Fidias y un amplio equipo de escultores realizó la obra cumbre del clasicismo griego del siglo V a C.

Es una obra grandiosa y delicada en donde conviven los relieves con las esculturas de bulto redondo.

Tomado de iessonferrerdghaboix.blogspot.com.es

En los dos frontones (realizados ya por sus discípulos bajo esquemas del maestro, que tuvo que exiliarse) se representaban el Nacimiento de Atenea y la disputa  entre Poseidón y Zeus.

Tomadas de wikipedia

Se trata de esculturas exentas posteriormente fijadas con barras de metal que han roto con la ley del marco arcaica (aquí podéis ver ejemplos de la misma) y se arrodillan o se sientan para adaptarse al frontón sin crear saltos de tamano.

Tomado de wikipedia

Son especialmente celebradas las Parcas con sus paños mojados

Tomado de piazzarotonda.blogspot.com.

El friso recorre toda la parte exterior del muro de la cella y el opistodomos. Representa la procesión de las Panateneas en donde podemos ver las jóvenes vestidas con el característico peplo, cabalgatas de jinetes (representando a lo más granado de la ciudad) o los propio dioses del Olimpo.

Tomado de iessonferrerdghaboix.blogspot.com.es

Se trata de un relieve muy poco profundo (5 cm), con las placas ligeramente inclinadas hacia abajo para permitir su iluminación y visión.

Tomado de wikipedia

Entrega del peplo

Tomado de wikipedia

En ellas se consigue un movimiento mesurado típico del clasicismo, con grandes paños, ruptura de la isocefalia a través de ligeros cambios de posición y excelentes trabajos anatómicos en figuras humanas y animales.

Tomado de wikipedia

Reconstrucción sobre la policromía (como ya vimos aquí)

Tomado de iessonferrerdghaboix.blogspot.com.es

Las metopas que cubren los huecos de las vigas sirvieron también para crear nuevos temas escultóricos. Representan distintas luchas: contra los gigantes (Gigantomaquia), contra las amazonas (Amazonomaquia), de la guerra de Troya y entre los centauros y los lapitas (Centaromaquia), la más conocida.

Tomado de iessonferrerdghaboix.blogspot.com.es

Posiblemente fueron las primeras esculturas del conjunto y, como todas ellas, creadas en el taller de Fidias (que dejaba bastante margen de libertad a los diversos creadores).

Tomado de piazzarotonda.blogspot.com.

En ellas podemos ver hasta qué punto llegaba el clasicismo en las escenas violentas, creando movimiento pero siempre equilibrado (por esquemas triangulares, simetrías...), sin que el esfuerzo se refleje en los rostros (Puedes compararlo con la Gigantomaquia del altar de Pérgamo y verás las diferencias).

Tomado de arteinternacional.blogspot.com.es


arteinternacional.blogspot.com.es

En el interior del templo se encontraba la escultura crisoelefantina (marfil y oro) de grandes dimensiones de Atenea Partenos que sólo conocemos por pequeñas copias

Tomado de arteinternacional.blogspot.com.es

 

UN MAGNÍFICO POST SOBRE TODA LA OBRA DE FIDIAS

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23/09/2014 09:25. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

Análisis y Comentario del LAOCOONTE

Obra original griega del periodo helenístico realizada hacia el año 50 d. C. Sus autores (posibles) serán Agesandros, Polydoros y Athenodoros. Museos Vaticanos. Roma.


EL COMENTARIO, REVISADO Y AMPLIADO, SE ENCUENTRA EN SEÑOR DEL BIOMBO

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11/01/2013 20:39. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

UN TEMPLO CAMINO HACIA EL HELENISMO. EL TEMPLO DE ZEUS EN AGRIGENTO. SICILIA

 Ésta es la visión actual de uno de los más grandes templos de la Antigüedad. Con la horrible Agrigento al fondo.

Ésta la imagen que ¿debió tener?, pues no extá claro aún que fuera terminado, y no por problemas externos, sino por la propia imposibilidad del edificio.

Y es que la edificación fue concebida de forma tan grandiosa que muy probablemente superara las técnicas utilizadas en la época (recordad que el arquitrabado, típico de lo griego, resulta problemático a la hora de ser sustentado, dado su peso y su imposibilidad de dirigir los pesos hacia lugares concretos, como sí harían los romanos y el Panteón es el perfecto ejemplo).

 

 

Por ello, quizás, el templo no tuviera techo (pues resultaba imposible sustentarlo) e inventa unas curiosas figuras (especie de atlantes) para dar más sujeción. Su sola visión os puede dar una idea de las magnitudes que se manejaron

Su colocación se realizaría entre los intercolumnios, como pilastras adosadas al muro (como lo eran también las columnas)

 

 

 

 

Con todo ello se rompían las ideas de orden, armonía y proporción típicas del clasicismo (y que analizamos en un artículo anterior, sobre otros templos en la misma Agrigento). Ni las columnas son exentas, se utilizan falsos intercolumnios, se agigantan las proporciones hasta perder su visión antropocéntrica… Son todos estos rasgos típicos del fin del clasicismo (del quer este templo es un tempranísimo ejemplo, aún de finales del V a.C.) y que nos llevará al mundo helenístico.

Escalinata de entrada frontal

Se trata (siguiendo las teorías iniciadas por Wölfflin) de un síntoma de los cambios de paradigmas ideológicos de una sociedad que ha sobrepasado su Edad Clásica para llegar a una cierta senectud, cambiando lo estructural por lo decorativo, las esencias por los efectos, lo sustancial por la apariencia, tal y como sucedería en el tránsito del Renacimiento al barroco o de la primera modernidad (1º mitad del siglo XX) a la posmodernidad actual

Todo este terreno sería el templo

.

UN RECORRIDO TURÍSTICO DESDE AQUÍ

 

Vicente Camarasa

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09/09/2011 16:44. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

LA "IDEA" DE LOS JARDINES GRIEGOS

Templo de Hefaistos que recrea la vegetación de pequeños arbustos en su entorno

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-0a5477b5cef94057822d05adef727d23.jpg

 

Como dice Pierre Grimal, Grecia concibió en sueños los jardines a los que los romanos dieron forma,  al igual que ocurrió con el urbanismo

Las realizaciones griegas fueron tardías (helenismo) y escasas, siendo Roma quien desarrollaría totalmente la idea

 En realidad, sus jardines se redujeron durante mucho tiempo a los santuarios, a pequeños patios con tiestos (no con árboles), los templos (con una decoración recortada que enfatizara su carácter geométrico y antropocéntrico) y sobre todo el paisaje que (según Benevolo) se tuvo muy en cuenta a la hora de planificar grandes conjuntos urbanísticos, entendiéndola como un gran telón de fondo de los mismos, como la Acrópolis de Atenas que en la actualidad hemos perdido

 

Vista general de la Acrópolis de Atenas

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-77b566422ff1fe441412dcea46bbf818.jpg

 

Para saber más

http://alenar.wordpress.com/2007/08/25/jardines-de-la-antiguedad-grecia-por-virginia-segui-collar

 

 Vicente Camarasa

 

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13/07/2011 08:27. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

PEQUEÑAS LECCIONES PARA ENTENDER A LISIPO

 Lisipo pasa por ser el último gran escultor clásico y el primero helenista, un verdadero gozne en el arte clásico griego que retoma a Policleto a vez que lo niega.

Nacido en Sidón (Peloponeso) hacia el año 390 a C., su larguísma vida (90 años?) y obra será fundamental para la escultura posterior. Y lo será en varios aspectos

Por una parte copiará a Doríforo en su canon pero lo negará al cambiarlo, y de las siete cabezas pasará a las 8.

Esto podría tener un claro efecto, el alargamiento de las figuras al modo de Praxíteles, pero la situación será la contraria, pues sus esculturas sufrirán un engrosamiento generalizado de los músculos (o un empequeñecimiento de su cabeza) que tanto fascinará a Miguel Ángel.

Aparecerán así cuerpos que están adelantando algunos de los rasgos del helenismo (como el Laocoonte o los relieves de la Gigantomaquia), como podéis ver en esta copia romana (Glykio) de su famoso Hércules Farnese en Nápoles en el que la pesantez de los músculos se acentúa por la posición inestable en diagonal

Algo menos evidente (pero también comprobable) es la desproporción entre cabeza y cuerpo del Ares Ludovisi de Roma

Un segundo rasgos que caracterizará a Lisipo será su búsqueda de la expresión. De nuevo enfrentado a su maestro en la distancia (Policleto), sus esculturas estarán en este punto más cercanas a Praxíteles (por esa melancolía y cansancio tan típicos) a las que dota de rasgos de cotidianeidad y naturalismo (el pelo revuelto, el gusto por los pequeños detalles en manos y pies…)

 

 

y otros de un realismo nunca visto en el mundo griego

No es extraño que, con estas condiciones, Lisipo fuera uno de los artistas preferidos por Alejandro Magno, como ya analizamos hace un tiempo.

 Esta capacidad de humanización de las figuras se potencia enormemente por el lenguaje corporal. Normalmente Lisipo elegirá el momento menos heroico de las historia de sus figuras, el momento del cansancio, del reposo.

De esta manera el cansancio, un cierto hastía que vemos en los rostros, se acentúa enormemente por las posturas de figuras que más que posar, son sorprendidas en el desánimo, una vez sucedido todo.


Rompe así el mundo ideal praxiteliano o el phatos de Skopas para ingresarnos en un mundo radicalmente distinto donde la idealización y la belleza ceden ante el día a día. Héroes cansados, perdidos, como los mismos griegos que ya conocen lo que es la derrota de toda una cultura (Toda una lección de estoicismo que tanto fascinaba a los romanos)

 

 Pero si algo fue revolucionario Lisipo fue en su ruptura del plano frontal del clasicismo (respetado incluso por Praxíteles o Scopas) para ingresar las esculturas en un espacio propio, generado por ellas mismas.

De esta manera, la visión frontal de toda la escultura es interrumpida por ella misma, hurtándonos partes de ellas (al esconderlas tras la espalda, como el Hércules) o proyectándolas hacia el espectador en fuertes escorzos


Esto obligará al movimiento del espectador ante la figura, acción cenestésica típica de lo barroco que genera el propio espacio de la escultura

 

Todas estas pequeñas lecciones sobre Lisipo se pueden resumir en lo que muchos consideran su obra cumbre, el Apoxiomeno, atleta que se limpia con su strigilis el polvo tras la competición

 

 

 Vicente Camarasa

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29/04/2011 17:37. sdelbiombo #. Arte griego Hay 2 comentarios.

ALEJANDRO MAGNO Y EL NUEVO ARTE GRIEGO

 Alejandro en la batalla de Issos

 

La aparición de Alejandro Magno será tanto en lo histórico como en lo artístico, un verdadero punto y aparte en la Antigüedad, pudiendo poner en ella la fecha de una Segundad Edad Antigua, la que irá desde el Helenismo y se desarrollará posteriormente en Roma.

Para entender realmente su figura habría que remontarse a la de su padre, Filipo I, rey de una excéntrica región, Macedonia, poco helenizada y siempre minusvalorada por los griegos del momento. Y sin embargo, será desde ella de la que parta el empuje para rejuvenecer toda la cultura griega.

Pues ocurría en el siglo IV que la Grecia más tradicional (la constituida por las polis con Esparta, Atenas o Corinto como ejemplos máximos) se encontraba en una profunda crisis económica y moral, fruto de la larga guerra civil conocida como las Guerra del Peloponeso.

Con numerosos enfrentamientos y treguas había ido minando lentamente el esplendor griego del siglo V, creando unas tensiones sin solución que Filipo cortó de un solo golpe, invadiendo la Grecia de las polis y poniéndola bajo su mando directo.

 

 

Filipo II. Rey de Macedonia y padre de Alejandro.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Philip_II_of_Macedon

 

Sobre esta situación, el joven príncipe (educado por el propio Aristóteles y rey a la temprana edad de 16 años) no se limitó a mantener el control sobre lo griego, sino que pronto concibió una empresa imposible: dominar el mundo. Sus expediciones le llevaron a conquistar Siria, Egipto y, tras el enfrentamiento con los Aqueménidas de Dario III en Gránico e Issos, dominar toda Asia, llegando hasta la misma India.

Muerto en plena expansión de su poder (planeaba ya la conquista de Arabia y tal vez de Cartago), sin sucesores directos, su imperio pronto se desmembró entre sus generales, quedando dividido entre la Grecia continental, la asiática y el Egipto Ptolemaico. En lo que se refiere a la economía o la sociedad y cultura, este momento (denominado helenismo) será un periodo de verdadera globalización del mundo antiguo (Elvira Barba) en donde se desarrollará la ciencia aplicada a la ingeniería, se extenderá el griego como lengua universal o se producirá un nuevo individualismo y cosmopolistismo que romperá la tradicional cultura griega.

 

En este nuevo mundo basado en el comercio, el conocimiento y el poder militar y político de los grandes imperios, el arte cambiará por completo de signo, y se volverá cada vez más propagandístico, retórico, dramático y realista (en el fondo, y como dice Jesús citando a Focillon, se producirá una barroquización; o como plantea Olaguer, una asimilación del arte oriental y su idea de la fastuosidad)

 

Pero además de todos estos cambios derivados de las hazañas de Alejandro, el propio macedonio influirá personalmente en el arte, tal y como analiza en un magnífico libro Olaguer-Feliu (Alejandro y el arte), Encuentro, 2000. Veamos alguna de sus más relevantes aportaciones.

 

Alejandro, amante del arte, ya no lo será como un Pericles (el arte por el arte), sino que lo utilizará como elemento propagandístico, siendo el origen de arte romano en este sentido, como ya se analizó en Roma y el poder  o en la serie de artículos dedicada a Augusto

Se cuenta, por ejemplo, que Alejandro llevada dos registros de sus batallas, uno dirigido a los propios griegos a los que se enviaba, como si de reportajes de actualidad se tratara (los llamados Diarios de Campaña de Eumenes de Cardias y Diódoto de Eritras), y otro, más sosegado, que buscaba crear una imagen conjunta de todas ellas y su plan político (Historia de la conquista de Calístenes de Olinto).

En el terreno de las artes plásticas esta propaganda tuvo importantes consecuencias. La primera de ellas será el realismo de sus retratos, pues en ellos había de reconocerse inmediatamente al héroe concreto, no a la idealización del mismo. No hace falta más que comparar dos retratos, el de Pericles y alguno de Alejandro, para ver cómo se ha pasado de la idealización al realismo, del hombre ideal a la persona concreta.

 

 

Busto (idealizado) de Pericles por Kresilas

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/7954.htm

 

 

Busto de Alejandro (Finales del siglo IV)

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/jpg/GRA13868.jpg

 

Esta moda, según Olaguer, se extenderá por todo el helenismo hasta conectar con la roma republicana, que la unirá a sus raíces etruscas  , también realistas

 

Junto a este realismo, el arte patrocinado por Alejandro será, lógicamente, retórico. En su idea de propaganda se eliminará la armonía para dar un contenido emocional a las figuras que buscarán reafirmarse ante el espectador por medio de sentimientos cada vez más tensos y unas composiciones dinámicas y asimétricas. Se romperá así el equilibrio entre obra y espectador de la época clásica para tender a los factores comunicativos y sentimentales, interesándoles cada vez más el retrato psicológico del personaje frente a la falta de expresión clásica.

 

 

La mirada puesta más allá del infinito, con un carácter sobrehumano, el pelo lleno de claroscuro gracias al trepanado y la ligera torsión del cuello son habituales en sus retratos.

Tomada de

 http://news.bbc.co.uk/hi/spanish/science/newsid_4707000/4707350.stm

 

Por otra parte, la historia y hazañas de Alejandro se convertirán en motivo de su publicidad e igual que luego harán los romanos con sus triunfos y columnas conmemorativas o, mucho después, el mundo renacentista y especialmente barroco. En este sentido la famosa pintura de la batalla de Issos contra Dario III (conocida a través de un mosaico de época romana) es la obra más significativa, tanto por el tema como por su composición, moviendo y tensión de los personajes

  Batalla de Issos

Apareciendo en ella una de las constantes iconográficas de la representación del poder, el retrato ecuestre.

 

 

Alejandro magno. Ecuestre. I a C

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/8499.htm

 

También la mitología será tomada como forma de prestigio, uniendo al personaje real con los dioses (tal y como viera Alejandro en Egipto). Se crea así nuevas iconografías como la de Alejandro como Zeus que influirá directamente en los retratos apoteósicos de los emperadores romanos.

 

 

Alejandro como Zeus. Copia de Apeles

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/13868.htm

 

 

El emperador romano Claudio, divinizado (estatua apoteósuca)

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/civilizaciones/obras/8226.htm

 

Aparece, por fin, el artista de cámara, dedicado casi en exclusiva al registro del poder, como Lisipo en escultura o Apeles en pintura, uniéndose así arte y poder de una forma definitiva, actitud que durará hasta el siglo XIX.

 

 

Alejandro por Lisipo en una copia romana.

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-7d0136d3a35a5a560592f0c2eb64c3eb.jpg

 

Para saber más de Alejandro

http://bloggesa.blogspot.com/2008/04/inquieto-como-forma-de-vida-y-de-muerte.html

 

 Vicente Camarasa

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20/05/2010 19:54. sdelbiombo #. Arte griego Hay 5 comentarios.

TRES AUTORES PARA ENTENDER EL CLASICISMO GRIEGO

En otros artículos nos hemos ocupado tanto de la escultura arcaica como La escultura helenística; ya va siendo hora que veamos uno de los momentos más espectaculares que tuvo el arte de la Antigüedad: el llamado siglo de Pericles, la segunda mitad del siglo V aC.

Lo veremos a través de tres AUTORES sumamente famosos que nos darán su evolución interna.

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Disc%C3%B3bolo

 ¿Quién no conoce esta obra, el famoso Discóbolo de Mirón? Su obra es tan famosa que, a menudo ya ni siquiera la vemos.

Su autor es el primer clásico, aún con elementos arcaicos, como su cabello, aún demasiado pegado al cráneo, sin apenas volumen, o su falta de verdadero volumen (casi parece un relieve).

Sin embargo sus genialidades son de tal calibre que son difíciles de olvidar  Es la imagen del antropocentrismo jamás vista en tal grado. De los dioses y reyes egipcios y mesopotámicos tenemos al hombre, su concentración física y espiritual sin otras connotaciones.

Lo es también su composición, sencillamente perfecta, de diagonales contrapesadas que crean movimiento sin tensión (el ideal del clasicismo)

TENÉIS EL COMENTARIO COMPLETO DEL DISCÓBOLO AQUÍ

 

La siguiente obra es el Kanon (la perfección) como la llamó su propio autor, que la utilizó como forma de poner en práctica todas sus ideas teóricas sobre la armonía.


  Este Doríforo de Policleto, tal vez Aquiles, se crea a través de la medida de la última falange del dedo meñique. Pocas veces se ha llegado a tal grado de búsqueda absoluta de la armonía por medio de un módulo que perdurará hasta Praxíteles

Tomadas de valero7.webnode.es

Es también increíble su juego de direcciones y movimiento. Para evitar la frontalidad de la época arcaica, Policleto mueve suavemente la cabeza hacia un lado mientras desplaza el tronco para otro, creando así un movimiento equilibrado denominado contraposto.

El juego de las piernas y brazos incide en esta idea (kiasmo) con una adelantadas que se equilibran con otras retrasadas; unas dobladas contra otras extendidas, unas con peso y otras sin fuerza… Todo un juego de contrarios para llegar al equilibrio.

 Su otra gran obra será el Diadúmeno


El tercer ejemplo es, por supuesto, Fidias, que aún fue un punto más allá al concederles a sus esculturas una verdadera vida interior de la que aún carecían las anteriores. (Aquí tenéis un amplio artículo que hicimos sobre sus obras en el Partenón)

 

Atenea Lemnia. La belleza

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Fidias

 Cualquiera de sus obras es perfecta, pero tomemos este fragmento del friso del Partenón para fijarnos cómo se puede crear movimiento en los caballos sin por ello perder tranquilidad (en realidad es como si el movimiento siempre hubiera estado allí, esperándonos)


Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Fidias

 O esta en la que vemos a qué nivel se puede llegar con el modelado (el juego y luces y sombras en una escultura) con sus magníficos paños mojados que nos presentan la tela y a la vez el desnudo, creando una exquisita gama de posibilidades a la mirada

 

 Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Fidias

 O el control absoluto de la anatomía que le permitía jugar con ella como jamás se había realizado hasta entonces

 Este estilo (el llamado estilo bello) será continuado por sus discípulos, como podéis ver en este artículo.

 

 

Vicente Camarasa

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17/05/2010 20:57. sdelbiombo #. Arte griego Hay 1 comentario.

ALEJANDRÍA Y SU BIBLIOTECA

 

Reproducción de la Alejandría de la Antigüedad.

Tomada de de:.egiptoaldescubierto.com

 

Ideada por Alejandro, Alejandría pronto será una de las principales capitales del helenismo, ciudad  famosa por la esplendorosa cultura que arropará en su Biblioteca y su Museiom, centro de rutas comerciales y cuna de una importante escuela filosófica que tendrá gran influencia en la Edad Media.

Durante el reinado de Ptolomeo I, Alejandría comenzaba a estar conformada como ciudad, tal y como Dinócrates la había diseñado. Una de las primeras medidas tomadas por Alejandro, y que se finalizará con Ptolomeo, había sido  mandar construir un malecón (llamado Hepstastaion) que uniera la ciudad con la isla de Faros, para así hacerla contar con un puerto estratégico que dominaría sobre el Mediterráneo.  La ciudad había sido trazada siguiendo un plano hipodámico, organizado a partir de dos grandes avenidas perpendiculares entre sí: la Vía Canopea y el Argeos, en torno a las que se distribuían las demás calles. En el mismo cruce entre las calles principales se edificó un santuario dedicado a Alejandro, que albergaría su sepulcro. Se levantó también un gran palacio en el monte Loquias, además de otras edificaciones imprescindibles para la población griega, como teatros, palestras, hipódromo, baños…así como edificios administrativos.


  

Tomado de culturaclasica.com

 

Alejandría se hallaba dividida en diferentes barrios, según sus habitantes: griegos, macedonios, judíos y egipcios. Tanto griegos como macedonios tenían derecho a habitar donde quisieran, pero no así los egipcios ni los judíos, que debían permanecer en los barrios establecidos para ellos. Esta convivencia entre diversas culturas llevará en ocasiones a conflictos internos. Los egipcios vivían en el Serapeum, el barrio egipcio, y conservaban sus tradiciones y costumbres, aunque hubo quienes se helenizaron y fueron adoptando parte de la cultura griega, así como su lengua.

A pesar de que los egipcios superaran con creces en número al resto, serán los greco-macedónicos los que tendrán el control de la ciudad, por lo que no resulta extraño que en siglo y medio el griego se hubiera instaurado como idioma oficial, del que se hablaba un dialecto de reciente formación, conocido como alejandrino. De hecho, hacia mediados del siglo II las diferencias entre distintos grupos habían dejado de ser tan evidentes, por lo que, según El-Abbadi, cuando Polibio visitó la ciudad en el 145 a. C. dividió la ciudad en tres grupos: egipcios, mercenarios y alejandrinos. (El Abbadi, 54, 1994).

 

La Biblioteca  

Construida entre los reinados de Ptolomeo I y Ptolomeo II, será el principal centro cultural de Alejandría y de todo el mundo helenístico. Formaba un conjunto que acogía varios jardines, un zoológico, un museo, laboratorios y salas de reuniones.


 

Hipótesis sobre la biblioteca

Tomado de http://www.culturaclasica.com

 

 La Biblioteca, en un principio un anexo del museo, fue  la más grande de su época, llegando a reunir unos 700.000 volúmenes.. Al estar dedicada a la investigación y el aprendizaje, contaba con diez salas de investigación, divididas según las distintas materias. Predominaban las obras griegas, siendo de especial importancia las redacciones que se hicieron de los textos homéricos, aunque también las había provenientes de  zonas como Persia, India o Palestina, entre otras.

Ptolomeo II encargó su clasificación y organización a Zenódoto de Éfeso, que será su primer bibliotecario, ayudado por el poeta Calímaco. El resultado de esta clasificación fue el Pinakes, primer catálogo temático de la Historia.

En ella  se inició  la erudición, consistente en el estudio de estos textos, de los que se realizarán comentarios, críticas y correcciones, con lo que destacarán dos grupos de sabios: los filósofos y los filólogos. La filología comprendía también la historiografía y la mitología, y la filosofía, además de al pensamiento, comprendía varias ciencias, como la física, las matemáticas, la química, la astronomía, la geografía o la ingeniería. Entre estos eruditos destacarán personajes como Arquímedes, Galeno, Apolonio de Rodas, Erastótenes o Hipatia de Alejandría.


 

Fragmento de la Biblia de los Setenta, traducida del hebreo en Alejandría

Tomado de wikipedia.org

 

La antigua biblioteca fue destruida por un gran incendio  durante el reinado de Cleopatra VII. Se atribuyó a Julio César haber incendiado al defenderse de la flota egipcia, que pudo haberse extendido por la ciudad y arrasar los almacenes de la Biblioteca. A pesar de esta hipotética destrucción, se tiene constancia de que siguió funcionando más adelante.

A finales del siglo XX una nueva biblioteca ha vuelto a nacer


 


 

Vistas de la nueva Biblioteca de Alejandría.

Tomadas de wikimedia.org

 

Para saber más:

http://www.luventicus.org/articulos/02Tr001/index.html (Sobre la biblioteca de Alejandría)

 

Nuria Zapardiel

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04/06/2009 07:07. sdelbiombo #. Arte griego Hay 3 comentarios.

EL TEMPLO GRIEGO

 

 

 El famoso Partenón de Atenas, dedicado a la diosa Atenea.

Tomado de http://centros.edu.xunta.es/iesastelleiras/depart/grego/grego.html

 

Las polis griegas tenían en el templo   (y el teatro)  el lugar cívico de la ciudad (un lugar público en donde celebrar las principales fiestas de la ciudad). Por ello, lo religioso pasaba a un segundo plano, pues no existían reuniones en su interior (muy reducido) a la manera de la misa católica. El que quería, de forma individual, entraba a orar en el templo y dejaba una ofrenda que se guardaba en el opistódomos o tesoro.

 

Por todo ello, importaba más el exterior que el interior del templo. Tenía una fuerte esencia escultórica (más que una arquitectura, era una escultura gigantesca, además muy policromada).

 

 

Aunque existían varios modelos que luego veremos, lo normal es que se dividiese en tres partes: una entrada (pronaos), una habitación en donde se encontraba la escultura del dios y, según los griegos, habitaba la propia divinidad (naos) y una zona destinada a guardar las ofrendas llamada tesoro u opistódomos.

 

 

Tomado de http://www.guiadegrecia.com/general/templo.html

 

Sobre esta base, existían varias formas de templo, según se colocaran sus columnas exteriores. Estos son los principales modelos.


 

Tomado de wikipedia

 

 

Como toda la arquitectura griega el templo era adintelado o arquitrabado (no utiliza ni arcos ni bóvedas), siendo sus techos planos al interior y a dos aguas al exterior.

 

 

Para conseguir la armonía que siempre pretendían los griegos se utilizaban los distintos órdenes clásicos que podéis consultar aquí

 

Aquí ya tenéis dos templos arcaicos en la Magna Grecia (Sicilia)


 Y aquí Dos templos clásicos en la Magna Grecia (Hera y Concordia en Agrigento)

.

 

 

Reconstrucción digital del Partenón

Tomado de http://lamontalbana.blogspot.com/2007_06_01_archive.html

 

Para saber más


Una buena presentación para entender el templo griego y los órdenes

 

Vicente Camarasa

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26/05/2009 13:56. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

LA ESCULTURA ARCAICA GRIEGA

 La escultura arcaica griega nace en madera (policromada). Se trata de esculturas femeninas llamadas xoanas que podríamos relacionar con las imágenes de Venus que desde el paleolítico y luego en el neolítico, llenan las culturas de la protohistoria. Apenas si conservamos restos de ellas debido al material aunque los testimonios escritos nos hablan de pequeñas figurillas a las que se rendía culto en los templos, vistiéndolas y dándoles de comer como si se tratara de un ser humano (en realidad la costumbre es egipcia, como también lo es su desproporción o sus soluciones geométricas). Mucho más tardía pero cercana a esta estética se enconbtraría la Dama de Auxerre

 

Dama de Auxerre

Tomado de http://arteolmos.blogspot.com/2006/10/escultura-arcaica-griega-korai.html

 

Posteriormente, a partir del siglo VII se comienza a hablar de la época arcaica que, con un periodo de transición en la primera mitad del V, nos llevará en un proceso ininterrumpido, hasta el momento del clasicismo (la época de Pericles y los grandes esculturas: Mirón, Policleto y Fidias

 

Normalmente podemos distinguir dos grandes conjuntos: las esculturas de bulto redondo y los relieves.

Los relieves se encuentran íntimamente relacionados con la arquitectura de los templos, siendo placas para cubrir las metopas o relieves para los frontones.

Metopa Selinunte (Magna Grecia)

Metopa Selinunte (Magna Grecia)

Será precisamente en ellos (los frontones) donde mejor se puede seguir la evolución de la escultura de este periodo, especialmente a la hora de poder llenar todo un complejo espacio, un triángulo. En los ejemplos más tempranos nos encontramos figuras de tamaños decrecientes que se amoldan a la llamada ley del marco (y que se repetirá en el románico).

 

Templo de Corfú. Medusa central

Tomado de http://en.wikipedia.org/wiki/Image:Gorgon_at_the_Corfu_Archaelogical_Museum.jpg

 

Frente a esto será en el templo de Afaya en Olimpia en donde se encontrará la solución con personajes tumbados o caídos que (curiosamente) se proponen como una de las sugerencias que tomaría Picasso para su Guernica

 

 

Tomado de http://www.urbipedia.org/index.php/Templo_de_Afaia

 

En el terreno del bulto redondo nos encontramos con dos modelos característicos. Los hombres  (kuros en singular, kuroi en plural), desnudos, podrían ser atletas laureados en los juegos o la represención de Aquiles. Su serie casi ininterrumpida llegará al ya clásico Doríforo de Policleto.

Estas figuras son típicas de la escuela Ática, más preocupada por las formas volumétricas y la relación entre las distintas zonas anatómicas

 

 .

 

 .

En cuanto las mujeres, siempre vestidas, o kores, se interpretan como exvotos o portadoras ellas mismas de exvotos. Los modelos más característicos serán los procedentes de jonia, Asia Menor, que muestran una menor importancia por la volumetría pero un mayor interés por la representación del rostro, de rasgos delicados, cada vez más realistas (Siempre se ha hablado de Jonia como un lugar muchísimo más refinado que la propia Grecia Continental, Lane Fox)

 

 

Koré de la Perdiz

 Ambos modelos, como ya hemos comentado, van evolucionando hacia un mayor realismo y, por tanto, los rasgos que las caracterizan son más o menos pronunciados dependiendo de su época.

En general podríamos hablar, como dice Argullol, de una estética sagrada derivada de lo egipcio. De esta civilización encontraremos algunos convencionalismos (como el pie izquierdo adelantado) y técnicas de trabajo (bloque cerrado en donde brazos y piernas no se independizan, hieratismo o falta de expresión, soluciones geométricas para el pelo o anatomía, frontalidad que prevee su visión exclusivamente frontal, rigidez de los músculos, la famosa sonrisa arcaica…) Os pongo algunos ejemplos (de más antiguo a moderno para que podáis ir viendo estas características en evolución

 

 Cleobis y Biton

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Kleobis_and_Biton_statue

 

Kuros de la Gliptoteca de Munich

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Kouroi

 

 

Kore Museo de Berlin

Tomado de http://www.abhus.com/item.php?keyword=kore

 

 

Típica sonrisa arcaica que se produce al no saber tratar el volumen exterior de los labios

 

 

 

Aunque nos resulte extraño (o kistch, como han dicho algunos comentarios) recordad lo que dijimos, la escultura griega se encontraba policromada, también en este periodo

 

Reconstrucción policromada de una koré

Tomada de http://en.wikipedia.org/wiki/Image:Istanbul_-_Museo_archeologico_-_Mostra_sul_colore_nell%27antichit%C3%A0_02_-_Foto_G._Dall%27Orto_28-5-2006.jpg

 

 

Para saber más

http://www.arteespana.com/esculturaarcaica.htm

http://arteolmos.blogspot.com/2006/10/escultura-arcaica-griega-kuros.html (fotos)

Sobre la Koré del peplo http://www.historiadelarte.us/grecia/kore-de-peplo.html

http://artevcano.blogspot.com/2008/10/trminos-arte-griego.html (Interesantes definiciones de arte griego)

 

Vicente Camarasa

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23/05/2009 19:20. sdelbiombo #. Arte griego Hay 3 comentarios.

LOS ÓRDENES CLÁSICOS GRIEGOS

 

Aunque ya lo habían utilizado los egipcios, serán los griegos los que le darán toda la importancia a la columna y su parte superior (el orden), creando con ellos el módulo o medida matemática que sirva para crear el resto de las proporciones del edificio, consiguiendo así su armonía o belleza característica.

 

El orden dórico, el primero en aparecer, es el más robusto y menos decorado.


 

 

 

 

En Asia Menor aparecería el orden jónico, más esbelto y con dos volutas características.

 

 

 

El último de los órdenes griegos (ya en etapa helenística) será el orden corintio, que sólo se diferencia del jónico en el capitel, que tendrá hojas de acanto y tallos enrollados (caulículos)

 

Todas las imágenes tomadas de

http://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Arquitectura_de_la_Antigua_Grecia

 

 

El arte romano heredará los órdenes clásicos griegos aunque con algunas modificaciones, como puedes ver aquí

 

Para ver más imágenes existe una magnífica presentación en

http://artesauces.blogspot.com/2008/10/repasar-el-arte-griego.html


 

Vicente Camarasa

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17/04/2009 15:06. sdelbiombo #. Arte griego Hay 2 comentarios.

DOS MÉNADES EN EL PRADO. DE KALIMACOS A SCOPAS O LA FRONTERA DEL CLASICISMO

 

Ménade de Scopas.

Tomado de historiadelartecad.blogspot.com.

En la exposición Entre Dioses y hombres que ofrece al Museo del Prado hasta abril de 2009 nos podemos encontrar un buen puñado de obras maestras que iremos comentando.

Abrimos el comentario con dos esculturas paradigmáticas que nos pueden explicar el paso del clasicismo al postclasicismo (o segundo clasicismo, o época manierista) que se produce en el paso del siglo V al IV.

 

Se trata de dos Ménades

En la mitología griega, las Ménades son seres femeninos divinos relacionados con el dios Dionisios. Las primeras ménades fueron las ninfas que se encargaron de su crianza, y que posteriormente fueron poseídas por él, quien les inspiró una locura divina Literalmente Ménades puede traducirse por "las que desvarían". Se las conocía como mujeres en estado salvaje con las que era imposible razonar. En los misterios de Dionisios, el dios del vino, la intoxicación les llevaban a un frenesí extático en donde danzaban violentamente y realizaban actos de derramamiento de sangre, sexo y mutilación.

Sobre este tema la exposición muestra varios relieves atribuidos a Kalímacos, propiedad del propio museo. Este escultor, acaso uno de los inventores del capitel corintio junto a Calícrates, se caracterizó por ser el canto de cisne del periodo clásico. Heredero directo de la estética de Fidias utilizó una expresión elegante y refinada, tanto en las posiciones de sus figuras como en el juego de los paños que caen en elegantes y curvilíneas pliegues creando un ritmo ondulante que nos puede recordar al renacentista Botticelli.

 

 

Ménade. Atribuida a Kalímacos

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:M%C3%A9nade_relieve_romano_(Museo_del_Prado)_04.jpg

 

La anatomía guarda un canon esbelto y una expresión corporal que intenta unir la exquisitez con un movimiento continuo pero suave, con una leve melancolía en el rostro que luego tomará Praxíteles y el uso de la técnica de los paños mojados (inventada por Fidias) que permitía un doble juego visual, el ritmo curvilíneo de los paños que, tan pegados al cuerpo, permiten también el descubrimiento del desnudo también ondulante, con una sensualidad que, no se desborda, gracias a la contención del gesto de la cara.

 

 

 

Ménade. Atribuida a Kalimacos

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:M%C3%A9nade_relieve_romano_(Museo_del_Prado)_02.jpg

 

Nos encontramos, por tanto, en el ideal clásico de armonía total, de movimiento suave y controlado, tanto como la propia expresión, que siempre guardará una calma imperturbable. El control de la razón sobre los sentidos y las pasiones, un equilibrio delicadísimo que muy pronto empezará a tener grietas, estallando en el siglo siguiente.

 

Frente a esta suavidad la Ménade de Scopas nos muestra un completo giro de la escultura griega al que se llamará post-clasicismo. El patetismo, así llamado por el predominio del pathos (el sentimiento) elimina la armonía.

 

 Ménade. Scopas

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Scopas

 

Las diferencias externas son bien evidentes. Frente al movimiento sinuoso pero controlado de Kalímaco, pasamos a otro de gran brusquedad y tensión. Además, el movimiento clásico era una cuestión cerrada, es decir nacía y moría en la propia escultura, sin relacionarla con el exterior. Se trataba de una obra autónoma que se movía dentro de un marco ya fijado de antemano (como es evidente en los relieves de Kalímacos), dejando al espectador al margen del mismo, y permitiéndole así poder ver y deleitarse sin ninguna angustia propia en los juegos de curvas y movimientos.

Por el contrario, Scopas hace de pronto entrar al espectador en escena. Le obliga a implicarse en la obra de varias formas. Por una parte le incita a moverse en torno suyo (cosa impensable en el clasicismo que daba una primacía absoluta a la visión frontal). De esta manera, el espacio aparece, pues ha de pasearse, y la percepción se multiplica, pues ya no hay una vista preferente sino una suma de vistas parciales, de momentos frente al todo clásico, el absoluto.

Si eso fuera poco, Scopas no finaliza el movimiento en la propia escultura, sino que deja que el espectador pueda seguir ese movimiento en hélice hacia el infinito. Sus ojos, por mucho que quieran fijarse en un solo punto, son obligados casi sin quererlo a ascender por la escultura, moverse de nuevo hasta salirse de ella.

La escultura sale así de sí misma y nos lleva a un espacio exterior por medio de una línea helicoidal que volveremos a encontrar en el Laoconte y más tarde Miguel Ángel utilizará con fines muy parecidos y conocemos en arte, línea serpentinata.

 

 Esclavo. Miguel Ángel (Manierismo)

 

 

Por otra parte, del rostro y el cuerpo ya no se limitan a una expresión de un sentimiento suave. Por el contrario, Scopas busca entrar en la psicología de la Ménade, robar los sentimientos para incluirnos en ellos. Con ello la escultura pierde su autonomía clásica y necesita un espectador que la contemple y la sienta. Hay un constante interés por eliminar cualquier estado de calma para provocarnos unas emociones angustiosas, tensas generadas por el movimiento, el claroscuro o el escaso pulimento de la figura que ya ha roto la belleza y se inclina claramente a la expresión, como volveremos a ver en otra de sus obras cumbres, MELEAGRO

 

 

Meleagro, Scopas.

Fíjate en la expresión, especialmente potente en los ojos, que se han rehundido para crear sombras (claroscuros) en ellos

Tomado de wikipedia

 

Como puede verse en la comparación de estas dos esculturas hemos pasado de la armonía a la tensión, del movimiento controlado al tenso, inacabado; de la estatua autónoma en su propia belleza a la que necesita al espectador que la gire y la sienta; de la belleza a la expresión; de la razón a los sentimientos. Todo un cambio profundo que, según las teorías de Wölfflin o Focillon es una constante en la historia del arte.

Si queréis verlo, esto se volverá a producir en el paso del Renacimiento al Barroco. Si tomáis la típica historia de David (joven que derrotará al gigante Goliat) podréis ver todas estas características en la comparación entre la que hace Donatello en el siglo XV (Renacimiento. Quattrocento) y la de Bernini en el XVII (Barroco)

 

 

David de Donatello (Quattrocento. Renacimiento)

 

David de Bernini (Barroco)

Tomada de enclasedearte.wikispaces.com

 

Vicente Camarasa

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19/11/2008 19:23. sdelbiombo #. Arte griego No hay comentarios. Comentar.

LOS ORÍGENES DE LA ESCULTURA GRIEGA. EL ARTE GEOMÉTRICO QUE PICASSO NOS ENSEÑÓ A MIRAR DE NUEVO

 

 

 

 

 

Caballo-trompeta de la época geométrica griega.

 

Podríamos establecer la invasión de los pueblos del Mar (acaso los dorios, en torno al 1200) como el final de la etapa prehelénica (cicliadas, minoico y micénico) y el comienzo verdadero del mundo griego.

A partir de entonces el arte ha distinguido varias etapas. Nosotros nos ocuparemos de las dos primeras, la Edad Oscura (cuyo final será el arte del periodo geométrico) y la polis arcaica (el arte arcaico)

Durante el Periodo Oscuro se advierte un descenso brusco de todas las formas artísticas (y en general culturales) del que no se recuperará el mundo griego hasta el siglo  VIII

Comenzará entonces el llamado arte geométrico, especialmente importante en lo que se refiere a la cerámica y los pequeños bronces que se caracterizan por su esquematismo. Frente a lo armónico que caracterizará el clasicismo del V a C., estas figuraciones tienen más de arte prehistórico o arcaico.

Si os fijáis en estas fotografías (Museo Nefertiti de Berlin) representan especialmente animales por medio de la técnica de cera perdida (se hace la figura en cera, se recubre de barro y, al calentarla, la cera sale por unos agujeros dejados para este fin, quedando un molde hueco que se llena de bronce. Sólo es viable para pequeñas figuras)

 

  

Como se pueden ver los rasgos son básicos, reduciendo la realidad a puras formas lineales, al igual que ocurre en la pintura de la cerámica del mismo momento, con sus famosos desfiles mortuorios (prótesis) en donde aparecían carros tirados por caballos y mujeres llorando (plañideras) que apenas si eran unos cuantos triángulos unidos

 

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Esta forma de reducción de la realidad se encuentra muy extendida por todo el mediterráneo en el primer milenio antes de Cristo, e igualmente la podemos encontrar en el mundo etrusco como en el íbero

 

 

Exvoto íbero. Museo Arqueológico de Madrid.

 

En realidad casi todas estas figuras son exvotos. Pequeñas ofrendas que se realizarán en los santuarios (como el de Olimpia), pidiendo algún tipo de intervención divina. Por ello será habitual la presencia de animales (el caballo como signo de prestigio de la incipiente aristocracia), guerreros (que buscan así la protección divina)…

Según vaya pasando el tiempo su esquematismo se irá reduciendo, encaminándose cada vez más hacia un cierto realismo que luego pasará a las esculturas en piedra. (Si os fijáis en la figura central de la foto seguro que a muchos les recordará las figuras de los kuroi de los que pronto hablaremos)

 

  

Lo que resulta verdaderamente curioso que casi veinticinco siglos después estas fórmulas de representación tan alejadas del realismo vuelvan a resurgir. Serán las Vanguardias históricas de principio del siglo XX las que redescubrirán este y otros artes considerados primitivos (máscaras africanas, arte egipcio, arte íbero, arte infantil en el surrealismo…) buscando una nueva forma de expresión más auténtica y verdadera que la de la pintura y escultura tradicional.

Nos encontraremos esta actitud en Brancusi, Matisse, los expresionistas alemanes del Puente o en Picasso.

Será el regreso a lo sencillo, a lo esencial; un proceso de lenta y paciente eliminación de los detalles hasta quedarse con el esqueleto de la realidad, tan simple como emocionante.

 

Para comprenderlo mejor, mirad este toro de Picasso


 

 

Tomado de unacatedravideo.wordpress.com

 

 

 

Seguro que algunos dirán: qué fácil, qué tontería… Eso también lo podría hacer yo…Pues a menudo se confunde lo sencillo con lo fácil, y se le da poco valor. Muchos creen que, por tener pocos trazos visibles, este tipo de dibujos carecen de mérito cuando es todo lo contrario. Lo más fácil es poner muchos detalles, esconder el motivo en miles de trazos o pinceladas, mientras que lo complicado es despojarse de todo y tener el valor de presentar la figura desnuda de cualquier tipo de decoración.

Tomado de lexchristianorum.blogspot.com.es

 

Quizás ahora sea el momento de volver al principio del artículo y remirar con ojos nuevos las figuras y dibujos sobre cerámicas de los primeros griegos. Tal vez no se vean ya de la misma manera y se pueda apreciar toda su fuerza expresiva.

Si lo conseguís le deberéis a Picasso que os haya limpiado la mirada de tanta historia del arte y os haya devuelto la capacidad de ver lo extraordinariamente hermoso que es la sencillez.

 

Vicente Camarasa

 

 

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14/10/2008 15:16. sdelbiombo #. Arte griego Hay 3 comentarios.

¡CUIDADO, ARTE GRIEGO! EL VERDADERO ROSTRO DE LO CLÁSICO

A menudo nos ocurre que, cuando estudiamos arte clásico, y en especial, arte griego, solemos cometer graves problemas de apreciación pues, como decía Benevolo, miramos el arte clásico con ojos y pensamiento moderno. Pongamos algunos ejemplos.

 

Discóbolo. Mirón

 

El espíritu clásico de la belleza suele ser un tópico en el estudio del arte griego, cuando realmente sólo podríamos hablar de él en la época severa (en su búsqueda de eliminar los rasgos arcaicos) y en el periodo clásico, el famoso de Pericles.

A partir del IV, sin embargo, este modelo de belleza basado en cálculos geométricos y aritméticos cede a favor de una mayor expresión, ya sea de fuerza y tensión (Scopas) como de una belleza amanerada, tan exquisitamente idealizada que rompe el canon, busca posturas elegantes pero inestables, de Praxíteles.

Luego, a partir del llamado helenismo de III, la tensión, el desgarro emocional, la fealdad incluso es la característica fundamental, y sólo el arte más clasicista (neoaticismo de Venus de Milo o el hermafrodita) intenta una cierta tranquilidad aunque llena de trampas en proporción, motivos…

Mirad estas fotos y podréis comprobar que todo el arte griego ni fue bello ni tendió a la idealización.

Metopa arcaica


 

 

Lisipo. Hércules Farnesio (Periodo postclásico, siglo IV a C)

 

 

Si esto pasa en la belleza de la escultura, aún resulta más problemático entender verdaderamente lo que pudo significar la arquitectura para los griegos. En primer lugar, y tal vez cegados por los tópicos de la Acrópolis, pensamos en una arquitectura monumental y extremadamente calculada. Pero ésta sólo fue la pública, mientras las casas privadas eran pequeñas y poco acogedoras. Incluso la idea del urbanismo griego que luego retomarían los romanos, es en realidad un invento de Hipódamos de Mileto en el siglo III, mientras la famosa Atenas de Pericles del V tenía, fuera de la Acrópolis y el foro, unas calles estrechas, sombrías, mal planificadas, con casas de materiales pobres y sin ningún tipo de ambición estética.

 

También en la arquitectura deberíamos tener en cuenta dos características propias. Por una parte ahora encontramos ruinas o, en el mejor de los casos, restauraciones más o menos afortunadas. Así, ver un templo sin techo o las columnas a la altura del pecho, difícilmente nos podemos hacer una idea del espacio arquitectónico griego, muy poco interesado en los interiores, por lo demás bastante oscuros y con escasa diafanidad.

 

 

Posible reconstrucción interior del Partenon con la estatua de Fidias de Atenea Partenos

Tomado de http://lamontalbana.blogspot.com/2007_06_01_archive.html

 

 

Por otra parte, y muy importante, sería el color. Nuestra memoria colectiva identifica el arte clásico con el mármol blanco, sin añadidos, tanto en arquitectura como en escultura. Sin embargo, esto es una invención del Renacimiento, pues de sobra conocemos que los templos y esculturas griegas estaban policromados, habitualmente en fuertes tonos…

Tomado de desvan-cultura.blogspot.com.es


Con solo pensarlo nos rompe por completo la idea de belleza clásica, ¿no es cierto? Pero es que esta belleza nunca existió realmente hasta el siglo XV y XVI en donde se decidió que la escultura clásica era monócroma (Donatello, Miguel Ángel…).

Fijaros en los originales (su propuestas de restauración) y lo que ahora conservamos y vosotros mismos os daréis cuenta de todo lo que puede cambiar el llamado arte clásico

 

 

Tomado de http://terraeantiqvae.blogia.com/2007/013101-el-museo-nacional-de-arqueologia-de-atenas-presenta-a-partir-de-hoy-una-exposici.php

 

 

Reconstrucción de Atenea Lennia de Fidias

Tomado de http://terraeantiqvae.blogia.

 

 

Como puede verse en estos pequeños ejemplos (habría muchos más y los podéis encontrar aquí ), lo que nosotros entendemos en la actualidad por arte clásico y lo que fue verdaderamente, dista bastante, pues en el fondo el arte clásico constituye para occidente más un mito que una realidad, algo conocido más por descripciones y copias (pensad que casi el 80% de la escultura griega es en el fondo una copia romana, a menudo de una calidad muy inferior a la que debió tener en su origen). Esto llega a crear múltiples variantes de las mismas obras griegas, según la copia romana elegida. En ese sentido es especialmente conocido el Diadúmeno que conserva el Prado que, por un error de restauración tiene la mano mal colocada

 

 

Diadúmeno como atleta que levanta los brazos para ajustarse la cinta del pelo (probablemente el más parecido al original)

 Tomado de

http://upload.wikimedia.org

 

 

Diadúmeno del Prado. Mira qué ocurre con su brazo izquierdo

Tomado de yoandynombrar.blogspot.com.

 

 

Nos movemos, por tanto, en un terreno resbaladizo, con el que tenemos que tener cuidado y, si podemos, distinguir el arte clásico real al que imaginaron (e incluso en numerosas ocasiones reinventaron) los renacentistas y neoclasicistas, que es el fondo la idea que tenemos nosotros en la actualidad.

La pregunta que se extrae de todo esto es clara. ¿Cómo es el arte griego, como nos han contado siempre y hemos visto en los museos o como era en el tiempo de los propios griegos?

 

Vicente Camarasa.

 

 

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07/10/2008 17:51. sdelbiombo #. Arte griego Hay 7 comentarios.

EL CONCEPTO DE BELLEZA EN EL HELENISMO. La Victoria de Samotracia

 

 

El concepto de BELLEZA es universal e innato al ser humano, sin embargo, éste ha ido cambiando con el paso del tiempo. Basta con recordar algunas obras del Barroco, por ejemplo Las Tres Gracias, donde Rubens pretende, a través de tres mujeres de canon opulento y piel muy blanca, mostrar un ideal de belleza que, posiblemente se encuentra muy alejado de nuestra sociedad actual y, desde luego de la que tenían los GRIEGOS

 

¿Recordáis lo que para ellos era lo bello?

Teniendo en cuenta que para ellos el hombre era el centro de la cultura y su RAZÓN la medida, lo bello era LO PROPORCIONADO, EQUILIBRADO Y ARMÓNICO (y de ahí la importancia que cobran LAS MATEMÁTICAS Y LA GEOMETRÍA, que garantizan la relación de las partes con el todo, CONSEGUIDO a través del módulo y el canon)

Aunque parece que todo lo anterior será una constante durante el arte griego, lo cierto es que seremos testigos de una evolución que abarca desde la fase arcaica, la fase clásica (con maestros como Mirón, Polícleto y Fidias, los cuales conseguirán la máxima armonía) hasta llegar a la etapa helenística donde primarán aspectos como la EXPRESIÓN y el DINAMISMO.

Esto se puede ver perfectamente a través de una OBRA ESPECTACULAR (ya no hecha a medida del hombre y su razón sino para crear sensaciones) que, aún con el tiempo transcurrido, sigue provocando la admiración de todos cuantos la contemplan (el propio Marinetti la definió como" la belleza de la velocidad"), LA VICTORIA DE SAMOTRACIA

 

 

La Victoria de Samotracia. Louvre

 

Elevada sobre la proa de un barco de piedra (y en un origen con una fuente a sus pies en la que se reflejaba), esta escultura de bulto redondo con una función puramente estética, parece estar dedicada a conmemorar una batalla naval en la cual se proclamaron vencedores los habitantes de Rodas quienes derrotaron a Antíoco III (de Siria). Con ello se simboliza EL TRIUNFO o LA VICTORIA


Una talla de grandes dimensiones para la que se ha empleado un material típico del arte clásico como es el mármol (en este caso de Paros) y cuya superficie no está del todo pulida gracias al excelente tratamiento que el autor hace de este material.

La composición es claramente abierta, a base de diagonales y curvas que no hacen sino generar un INTENCIONADO DESEQUILIBRIO, con un modelado que denota gran expresividad, donde juega un papel muy importante la luz para generar ese característico claroscuro (visible a través de los entrantes y salientes que genera el plegado de los paños)

 

 

La figura representa a una mujer alada que, con las ropas agitadas por el viento e impregnadas por la humedad, batiendo las alas se posa sobre la proa de un barco y se lanza a la conquista de los mares

 

Comentario

De esta obra tan sólo se conoce su lugar de procedencia (Santuario de Cabiros. Samotracia) pues existen diversas hipótesis acerca de su verdadero autor que hacen dudar entre un griego llamado Pithókritos o un habitante rodense. Sea como fuere, sus grandes dimensiones, la gran diagonal que genera su cuerpo (con la sensación de inestabilidad y consiguiente dinamismo) y el exquisito tratamiento de las telas que absolutamente nada tiene que envidiar a los "paños mojados" de Fidias nos hace encuadrarla en el ARTE GRIEGO y más concretamente en su última etapa o PERÍODO HELENÍSTICO (aproximadamente s. IV a.C), época caracterizada por el final de las guerras del Peloponeso y la posterior conquista de Roma.


Aunque ya desde la fase post.clásica o manierista se viniese anunciando una considerable pérdida de belleza y equilibrio a favor de lo anecdótico, con autores y obras como Hércules Farnesio (Lisipo) o Ménade ebria (Scopas), lo cierto es que será durante esta última etapa cuando se tienda a la barroquización , a un mayor dinamismo (tanto físico como espiritual) y a la visible ruptura de las proporciones (que anteriormente tanto habían preocupado y muy presente en la arquitectura a través de obras colosales como el Mausoleo de Halicarnaso o el altar de Zeus en Pérgamo que se alejan del clasicismo de la Acrópolis)

 

 

La gigantomaquia. Altar de Zeus en Pérgamo

 

También debemos destacar durante este momento la aparición de numerosas escuelas donde conviven el idealismo y el realismo, la belleza y la deformidad, temas dramáticos (como en la escuela de Pérgamo y sus famosos galos que representan el momento de mayor intensidad) y cotidianos (con magníficos ejemplos en las tanagras o esculturas de barro cocido que representan a mujeres ancianas en situaciones domésticas) hasta llegar a la Escuela de Rodas a la cual pertenece la obra que comentamos y algunas otras de suma importancia y que influirán en épocas posteriores como el Laocoonte (que representa claramente un tema trágico) o el Toro Farnesio. Junto a estas escuelas coexiste una tendencia algo más clasicista tal y como se observa en la Venus de Milo (con expresión melancólica) o el hermafrodita acostado donde no se observa esa barroquización y dinamismo propio de esta época.

 

En cuanto a sus influencias posteriores (además del ya citado futurismo), hay un cuadro capital del romanticismo que retoma la victoria para su personaje central, La Libertad guiando al pueblo, de Delacroix

 

 

La libertad guiando al pueblo

Extraído de wikipedia.

 

Actualmente la Niké de Samotracia se encuentra en el MUSEO DEL LOUVRE, pero si no queréis desplazaros hasta allí, existe una buena REPRODUCCIÓN realizada en RESINA DE POLIÉSTER y que se encuentra en la PLAZA DEL LABERINTO en Leganés (norte)

 

Mar San Segundo

 

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07/08/2008 19:38. sdelbiombo #. Arte griego Hay 2 comentarios.


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