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sdelbiombo. Una mirada artística al mundo

ROMÁNICO EN EL VALLE DE ISÁBENA (HUESCA): LA CATEDRAL DE RODA Y EL MONASTERIO DE SANTA MARÍA DE OBARRA

En el alto Aragón, en el valle de Isábena, se encuentran dos monumentos románicos verdaderamente excepcionales que en su momento estaban vinculados a los primeros condados catalanes

El primero es una verdadera catedral, en Roda, es todo un muestrario que se inicia en el primer románico y el pleno, con adiciones barrocas.

Su mecenas será  el conde Ramón II, eligió a Roda de Isábena como sede episcopal, siendo su hijo Odisendo el primer titular de la misma

En ella habría que destacar su portada (románica, pero más tardía) con temas animalísticos y narrativos.

Lucha del caballero y el león. ¿Trasunto de un Hércules cristianizado?

Sus ábsides, lombardos

Su espléndida cripta bajo un presbiterio sumamente elevado (reelaborada en el siglo XII ya con bóvedas de crucería)

O pinturas románicas ya cercanas al siglo XIII (ligados al círculo del maestro de Navasa, según Gudiol)

En su claustro (principios siglo XII) nos encontramos curiosas inscripciones funerarias.

Cerca de allí se encuentra el monasterio de Obarra (ya citado en los documentos del siglo VIII) y arrasado por las razzias de abd-el Malik, el hijo de Almanzor

De modos lombardos, su emplazamiento, entre el río que salva un puente medieval  y la hoz, es de una gran belleza, como podéis ver en estas imágenes.


La iglesia tiene su propio "milagro de luz", relacionado con cultos astronómicos paganos, como ya explicamos en San Juan de Ortega


 

UNA FOTOGALERÍA DE ROMÁNICO LOMBARDO.

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UN RECORRIDO TURÍSTICO DESDE AQUÍ


 

Para saber más

http://www.jdiezarnal.com/catedralrodadeisabena.html

http://www.romanicoaragones.com/2-Ribagorza/990360-ObarraSMaria.htm

 

Vicente Camarasa

MANOLO MILLARES. LA ESENCIA DEL PASO

Tomado de http://espadasylabios.blogspot.com/2010/03/virutas-de-modernidad-iiimanolo.html

 Nada de explicaciones o entendimientos; el arte no puede ser el cómodo asiento de lo inteligible sino el camastro pavoroso de los pinchos donde nos acostamos todos para echarle un saludo temporal a la aguardadora muerte

(Millares, 1959, en Papeles de Son Armadans)

 

Junto a Tápies, Manolo Millares tiene un puesto de primer orden en el arte de mediados del siglo XX en España, acaso algo menguado debido a su temprana muerte, pero decisivo, siendo uno de los creadores de El Paso junto a Saura

 Oriundo de Canarias sus primeras influencias le vinculan decisivamente con el mundo del surrealismo (Óscar Domínguez) y de la cultura aborigen (pictografías del Barranco de Lobos). De ellas nacerán sus primeros cuadros cercanos a formas prehistóricas sobre un fondo activo que recuerda a las obras, también primerizas, de Tàpies (en ambas planean las sombras alargadas de Klee y Miró)

 

 Sin embargo, la historia del arte recordará a Millares por sus fantásticas arpilleras, material innoble (muy típico del expresionismo y el arte póvera que lo busca precisamente tanto por sus valores expresivos como éticos, al ser un residuo, cercano al mundo del trabajo manual y en las antípodas de las bellas artes) que ya había comenzado a utilizar el italiano Burri.

 En sus manos, estas arpilleras (acaso referencia también a las momias guanches) se desgarran y se recosen, dejando ver el bastidor y la pared, pues el cuadro ha dejado de ser ventana para ser objeto o, aún más, puro rastro físico de la violencia ejercida. En esto se ha convertido el acto pictórico tras la lección transcendental de Pollock. Muy cercano a las performances, nos encontramos con huellas, con el paisaje tras la batalla, en estas arpilleras desgarradas, embadurnadas de rojos y betunes.

 

Pero su abstracción no nos debería despistar, pues en el fondo son grandes gritos contra el mundo. Franco está reformando su régimen dictatorial para darle una cara amable pero la España de los 60 sigue siendo negra y dura, una sociedad desgarrada como las arpilleras, pobre como ellas, violentada por la censura de sus grandes zonas negras… (Para que no lo olvidemos el propio Millares realizará numerosos dibujos y grabados mucho más realistas que nos dejan claro sus intenciones éticas, como la serie “los Curas”)

 El arte cumple una función social porque sabe señalar las pústulas (…) Sigue muy de cerca de la desesperación de nuestro tiempo, lo vigila y le cose sus heridas; lo registra en el grito del más profundo agujero y le asesina su lepra” (Millares, 1959, en Papeles de Son Armadans)

 

Esta idea seguirá vigente en toda su obra, aunque el autor evolucionará en lo plástico, pasando de los puros formatos bidimensionales a otros que están a mitad de camino de la escultura gracias a las arpilleras recosidas en forma de bolsas, la aparición de objetos de desechos … (sus Homúnculos o sus  Humbolt en la Amazonia) o las puras esculturas de material de desecho (Esculturas por la paz, sarcófagos…)

 Y aún todavía tuvo tiempo (ya en los 70) de dar un giro de tuerca a su estilo y crear un mundo mucho más feliz y añorante de sus Canarias natal en sus antropofaunas o en sus neardentalienses en donde reaparece el texto (ilegible) y el blanco se purifica hasta estallar en las arpilleras junto a los rojos y los anaranjados

 

Para saber más

http://www.artelandia.com/es/artista/manolo-millares

 

Dedicado a otro Manolo, que me enseñó a mirar el arte contemporáneo y a apasionarme por él

In memoriam

Vicente Camarasa

SANTA MARÍA DEL NARANCO. OBRA ANALIZADA

 Iglesia de Santa María del Naranco al exterior y el interior. Edificio del estilo asturiano en su época ramirense (primera mitad del siglo IX). Cercanías de Oviedo.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Santa_Mar%C3%ADa_del_Naranco

 

Nos encontramos con un edificio de planta rectangular sin divisiones internas (nave única), con dos estancias simétricas en los lados cortos. En el centro de los lados largos existen escaleras que ascienden al segundo nivel.

 

 

En su alzado se observa el uso de sillarejo con una talla más cuidada en arcos, pilastras y esquinas. Los arcos utilizados son los de medio punto peraltados, apeados sobre columnas. El vano tiene un predominio sobre el muro.

 

 

En altura se observan tres pisos. En el alto se abre una puerta que conduce a las dependencias interiores, con un mirador en el central de triple arco, motivo que se repite, en tamaño reducido, en la zona superior entre dos pilastras estriadas.

 

 

Esta última estancia se encuentra cegada al interior, siendo una de la características cámaras del tesoro de origen visigodo e incierta función (¿cámara para esconder objetos litúrgicos ante las incursiones piratas? ¿celdas de monjes?).

 

 

Al interior se repite la forma de arco triple que luego se continúa en los lados mayores, funcionando como arco de refuerzo de la cubierta. Ésta es una bóveda de cañón con arcos fajones que apean sobre las columnas adosadas entre arcos. Como refuerzo visual de este sistema de apoyos, desde el fajón y hasta el capitel, se dibuja la estructura de una pilastra estriada como las que vimos en el exterior.

 

 

 

La decoración es plana y condicionada a la arquitectura, apareciendo en las ya citadas pilastras de sabor clasicista, el sogueado de las columnas de origen germánico

 

Los capiteles (corintios en el exterior, cúbicos en el interior)

 

 

 

Los clípeos que aparecen en las enjutas. En ellos, tallados a bisel, aparecen motivos animalísticos enfrentados de cierto recuerdo oriental (probablemente recogidos de textiles).

 

 

Su relieve es muy plano, tal y como era en lo visigodo, casi más dibujístico que escultóricos.

 


Clípeo en la parte inferior con motivo zoomorfo y relieve ¿órdenes ecuestre u eclesiástico? En el superior

 

COMENTARIO.

 El edificio que analizamos puede ser considerado como uno de los grandes hitos de la arquitectura medieval española. Esta afirmación se sustenta en dos grandes ideas.

La primera de ella es técnica. El arquitecto de Santa María del Naranco utiliza, de una forma asombrosa, una precisa utilización de los pesos y sus contrarrestos. De la misma forma que ocurre en Santa Cristina de Lena, emplea el sistema de bóveda de cañón con valentía, pues no existían (al menos, no se han conservado) ejemplos de un espacio tan amplio cubierto de esta manera. En la época anterior, la visigoda, las bóvedas se reservaban para ciertos lugares (ábsides) o, de ser utilizadas en todo el conjunto, se parcelaban por zonas, como ocurría en la tardía de San Pedro de la Nave. De la misma manera se había actuado en la tapa prerramirense (San Julián de Prados), pudiéndose encontrar un antecedente, aunque de dimensiones más reducidas, en la cripta de Santa Leocadia.

Este reto técnico que comentamos, la amplitud del espacio a cubrir, obliga al arquitecto a diseñar una forma de sujeción más elaborada que lo empleado anteriormente. Para ello utiliza, adelantándose a las soluciones del románico, el refuerzo de arcos fajones a tramos regulares. Estos, a su vez, apean sobre una estructura de arcos ciegos sobre columnas adosadas al muro que, al exterior, se convierten en contrafuertes. De esta manera, tan sobria pero eficaz, logra articular el espacio de una forma rítmica a la vez que confiere la seguridad suficiente al edificio como para darle su singular sensación de verticalidad que llega a la proporción de tres de altura por uno de base. De la misma forma, el citado reparto de pesos le permite la apertura de numerosos vanos, tan infrecuente en la época.

 

 

 

Además de estos aspectos técnicos, el edificio posee otro tipo de singularidades tanto formales como ideológicas. Aunque ahora la conocemos bajo su advocación de iglesia, en origen, fue Aula Regia destinada a la ceremonia de la entrega de enseñas al ejército asturiano antes de la batalla. Según algunos autores, y sin desmentir por completo lo anterior, opinan que la arquitectura fue utilizada como palacio privado (con funciones de retiro) de Ramiro I en las cercanías de su capital, Oviedo. Esta hipótesis se apoyaría, entre otras cosas, por la presencia inmediata de una iglesia palatina, San Miguel de Lillo, así como por la aparición del tema de los miradores, muy poco frecuente en la arquitectura medieval y unido a su carácter civil y placentero. Con ellos se produce la novedad de integrar el edificio en el paisaje, comunicándose con él.

 

 

Además de lo dicho, en el piso inferior, comunicado por dos puertas (una de en lado menor y dos en los mayores), se encuentran dos dependencias. La mayor de ellas, cubierta por una bóveda de cañón que sigue los modelos de la cripta de Santa Leocadia, se ha interpretado como cuerpo de guardia para la protección del rey. Anejo a él se encuentra otra estancia de menores dimensiones y planta cuadrada. Su utilización ha sido muy discutida.


 Las últimas excavaciones realizadas han descubierto canalizaciones de agua que podrían indicar su función de baño privado que completaría (junto a los miradores) la imagen de una vida lúdica y refinada de la corte asturiana que tan lejos se encuentra de la idea tradicional que tenemos de la Edad Media.

 

 

Todo lo comentado nos pone en la pista de un periodo de esplendor entroncado directamente con el mecenazgo regio de Ramiro I, monarca de escaso relieve histórico pero fundamental en nuestro arte, pues de su iniciativa, y quizás de mano del mismo artista, parten, además de esta obra, las contemporáneas San Miguel de Lillo (capilla regia) y Santa Cristina de Lena (¿Pabellón de caza reconvertido?) que muestran similares soluciones técnicas y decorativas de un arquitecto (y equipo), acaso no hispano y de seguro en contacto con las soluciones y motivos bizantinos (copia, en las jambas de San Miguel de Lillo, del díptico consular de Aerobindus) que sabiamente une con la tradición visigoda (cámara del tesoro, distribución de volúmenes, sogueados, separación litúrgica, con iconostasio, en Santa Cristina) y las referencias carolingias (tribunas regias sobreelevadas en la zona de los pies, como en San Miguel). Con todas estas influencias, y adelantándose a ciertos modos que serán típicos del románico, logrará crear un edificio singular y emblemático del arte europeo.

 FOTOGALERÍA ENLAZADA DE ARTE ASTURIANO

Para saber más

http://www.mirabiliaovetensia.com/Santa_Maria_de_Naranco.html

 

Vicente Camarasa

HOY DÍA DE DIFUNTOS. LAS CATACUMBAS DE SAN GAUDIOSO EN NÁPOLES

 

En las entrañas de Santa María della Sanitá existe un cementerio un tanto peculiar.

Se trata de unas catacumbas de origen romano y paleocristiano que los lodos del Vesubio se encargo de cubrir. (Lodos a los que se atribuían efectos sanadores, por eso el nombre de la iglesia y del barrio)

En el siglo XVI-XVII la nueva congregación dominica volvió a reutilizarlas y puso en ellas toda esa estética morbosa que va unida al barroco (también aquí)

Su entrada se realiza por la amplia cripta.

Una vez dentro nos encontramos con el sepulcro de San Gaudioso, uno de los patrones de la ciudad

Sin embargo, el morbo aún nos espera unas salas más allá, en una sala descaradero en donde se secaban los cadáveres de monjes y nobles en unos pequeños nichos. (Cuentan que existían unos operarios –bufadores- que se dedicaban a empujar los cuerpos sin vida sobre sus nichos, al hincharse estos, fruto de la putrefacción)

Una vez reducidos los cadáveres, sus restos tenían dos aposentos.

Para los monjes se habilitó una antigua cisterna romana excavada en el tufo

 

 

Sin embargo, los nobles se colocaban de otra manera. En las galerías cercanas a la tumba de San Gaudioso, se insertaban sus calaveras en la misma pared, dibujando el esqueleto bajo ellas, quizás el aspecto más macabro y conocido del lugar.

 

 

 

 

 

PARA CONOCER MÁS COSAS DE NÁPOLES

Vicente Camarasa

DELACROIX. EL PINTOR ROMÁNTICO (Segunda parte). Sobre el color

Ya hace tiempo que comenzábamos la exploración de Delacroix y el momento es propicio para seguir, ahora que la Caixafórum expone una muestra verdaderamente excepcional de su obra

En la primera, y a modo de introducción, hablábamos de algunas de sus características generales y sus principales influencias. Nos ocuparemos ahora del color, uno de sus enormes logros.

Educado en el gusto posrrenacentista (Tiziano pero también Veronés del que recoje sus atrevidos naranjas y azules) y barroco (desde Caravaggio a Rubens para llegar hasta Goya), para él el color serán una de las bases fundamentales de su obra.

Un color explosivo que llena los ojos del espectador como una verdadera bomba

Tomado de wikipedia

Pero evidentemente este efecto tan plenamente romántico (el privilegio de las sensaciones sobre las razones) es una técnica perfectamente racionalizada en el pintor, y me gustaría mostraros algunas técnicas que utiliza para crearla, aunque todo lo que diré apenas si es perceptible en fotos y hay que acercarse a sus cuadros verdaderos para verlo de veras.

Una de sus técnicas favoritas (y que recorrerá un largo camino a los postimpresionistas para llegar a Matisse y Picasso), será su oposión entre colores complementarios.

Comenzados a ser descubiertos en el XVIII (Newton) estos colores son los opuestos en la rueda cromática (definitivamente codificada por Chevreuil en vida del propio pintor). Rojo-verde; violeta-amarillo... son oposiciones que provocan en nuestra retina una sobre-excitación, potenciándose ambos tonos (el rojo lo es más junto a un verde, como bien aprendió Van Gogh de su maestro en la distancia)

Fijaros en este cuadro y lo veréis

Tomado de wikipedia

El fondo verde de las olas (relativamente novedoso para la época) crea un telón activo para que rojos y amarillentos exploten literalmente en el cuadro.

Pero Delacroix va más lejos y trabaja constantemente en efectos apenas visibles pero definitivos en la percepción. Investigaciones prácticas que serán casi la Biblia de los impresionistas y posimpresionistas, como el tono verdoso de adquieren las sombras, los violetas que se producen en su última degradación...


Tomado de wikipedia

Muchos de ellos, ya intuidos, explotarán bajo la luz cruda de Marruecos en su casi único viaje.

Por ejemplo, ¿véis esa blanca pared de la boda de judíos?

Tomado de wikipedia

El blanco lo es más (os lo juro, lo he visto en directo) por medio de pequeñísimos toques azules en ellas (Realmente no había descubierto la pólvora, pues en el Sur de España o el Norte de África, la cal se mezcla con azulete para encalar las paredes y dar un blanco más brillante a las mismas).

Pero la obra de Delacroix va más lejos y anuncia la famosa sinestesia que desde el posimpresionismo a Matisse o Kandinsky, será una técnica clave en el primer arte contemporáneo.

Cezanne fue su discípulo (también en la distancia) y supo que cada color influye en todos los demás. Es la teoría del tono local llevada a su límite en donde el cuadro es un tapiz de miles de hilos (pinceladas) que interactuan entre ellos, creando una armonía musical total (algo por otra parte tan típico del románticismo, uno de los primeros estilos modernos que imaginó un arte total en donde literatura, música o pintura interactuaran para la creación de un hombre nuevo.

Ese contraste entre complementarios se hace una constante en pequeñas pinceladas o porciones de pintura y llega a extremos increibles en diminutos detalles como un trazo de cierre negro que potencie la piel negra de una mujer, el azul casi negro en una visión cercana que se aclara milagrosamente gracias a una gran banda roja, el juego cromático que dejan los ropajes... Efectos todos que se pueden contemplar en una de las grandes obras que han llevado a Caixafórum, las Mujeres de Argel, un verdadero fetiche para pintores, como demostró Picasso (y a la que las fotografías no le hacen ninguna justicia)

Tomado de Unpaseoporelarte

 

 Vicente Camarasa

LAS BUHAIRAS. ENTRE LA AGRICULTURA Y EL JARDÍN

Alberca del Partal. La Alhambra

 

Dentro de la jardinería almohade se desarrolla un nuevo concepto que, arrancando de los estanques ante palacios (como ya ocurría en la califal Medina Zahara), llega a su culminación en ciudades como Sevilla, Marraquech, Kairauam o, como punto final, la Alhambra.

Menara. Marraquech

Menara. Marrakesch

Fuente

En realidad se trata de darle una nueva función a las grandes albercas a cielo abierto, convirtiéndolas en gigantescos espejos de agua quieta ante los que se sitúa un pabellón de reposo (suelen encontrarse en lugares excéntricos a la ciudad, pues no son las residencias oficiales, sino almunias de reposo y contemplación en donde se puede mirar, nadar o pescar)

 

Menara. Marraquech

Se recogen así gran parte de las ideas del jardín como metáfora del paraíso (jardines por los que corre el agua por lo bajo, según el Corán), reflexión filosófica sobre la unidad y la multiplicidad o imagen del poder del soberano que ya analizamos en otro artículo

 

Menara. Marraquech

 

Junto a estas cuestiones la buhaira no deja de mantener su función primigenia de aljibe que alimenta las acequias que crean en torno suyo grandes explotaciones agrícolas y sirven de jardines botánicos de experimentación y zonas de aprovisionamiento de la corte.

Menara. Marraquech

 

Jardín y explotación agrícola. Placer espiritual y economía unidos en un solo elemento.

 

 

Otros ejemplos de buhairas

Cisternas aglabíes en Kairouam. Túnez

Tomado de http://tectonicablog.com/?p=33106 (con una buena explicación de ellos)

La Buhaira. Sevilla

Tomado de http://www.skyscrapercity.com/showthread.php?t=442118&page=14

 

El alcázar Genil de Granada

Tomado de http://granadacapital.galeon.com/alcazar.htm

 

AQUÍ TIENES TODAS LAS ENTRADAS DEL ISLAM, LA CIVILIZACIÓN DEL AGUA

AQUÍ MUCHOS RECORRIDOS MÁS POR MARRAKESCH

 

Vicente Camarasa

UN ÁLBUM DE FOTOS DE LA HISPANIA PRERROMÁNICA

Invitado por un conocido de la red he comenzado a participar en un nuevo proyecto que nos permitirá conocer mejor la Hispania Prerrománica (especialmente visigoda).

Se trata de un grupo (ya con 17 miembros) que colgamos, geolocalizamos y comentamos imágenes de este periodo.

Gracias a la colaboración de muchos podremos ir así completando un mapa del prerrománico hispano que puede ser de utilidad a todos

AQUÍ TENÉIS EL MURAL DEL GRUPO

 

 Vicente Camarasa

LA ICONOGRAFÍA PALEOCRISTINA (1) los símbolos

Tras un primer periodo iconoclasta derivado, en parte, de la actitud anti-imagen de la religión judía, el primer cristianismo va a empezar a utilizarla como medio pedagógico y propagandístico. Los primeros recelos serán superados (primero) por la utilización de símbolos y (más tarde) dando paso formas narrativas bíblicas o neotestamentarias con un claro cambio de estética.

Pues la imagen valdrá siempre y cuando no genere idolatría, es decir, cuando no se adore por ella misma. Para ello, lo necesario es cambiar la actitud del espectador que ya no vea el arte como una fuente de deleite, sino como algo puramente educativo (según Argullol se trata de una de las consecuencias del neoplatonismo imperante en la Alta Edad Media y que tendrá su cénit en San Agustín)

De esta manera la imagen se convierte en puro soporte de un concepto, perdiendo en esta transformación sus cualidades visuales naturalistas (perspectiva, armonía, volumetría, realismo...) que ya no son necesarias. Sólo quedará aquello que transmite información (jerarquía, simbología...) o sentimientos religiosos (hieratismo como forma de lejanía de la divinidad).

Por otra parte, y dada la ausencia de tradición, el primer cristianismo recurrirá a los préstamos de otras culturas. De Grecia y Roma recogerá imágenes cambiándolas el sentido, y de Egipto recuperará ciertas características estéticas típicas del teocentrismo.

El Crismón. Realizado con la unión de las dos primeras letras de Cristo en griego rodeadas por un clípeo (círculo)

Gala Placidia

Yo menos que Nadie  

 

El alfa y el omega. Desde un pasaje del Apocalipsis: “Yo soy el principio y el fin de todas las cosas”, representa la divinidad como forma infinita.


Un Crismón con Alfa y Omega. San Juan en Fuente. Nápoles

 

El pez. Identificado con Cristo, pues en griego son las mismas letras. (Acaso un símbolo perfecto para marcar lo cristiano en su época de persecuciones)


La paloma. Identificada con el alma que a menudo bebe de una crátera (eucaristía).


Mausoleo de Santa Constanza. Roma

La crátera como Cristo (crismón)

 

El pavo real. Dado que se creía que su carne era (se creía) incorruptible, se asocia con la resurrección. (Se trata de un préstamo del Egipto tardío, como una reconversión de la leyenda del Ave Fénix)

Catacumbas de San Genaro. Nápoles


Roma

 

El ciervo Asociado a la imagen del creyente que bebe agua (la salvación que ofrece la Iglesia)

Mausoleo de Gala Placidia

 Yo menos que Nadie

 

Los strigiles. En numerosos sarcófagos encontramos estas formas en ese. Originalmente derivan del strigiles griego (pieza de madera con ranuras en esa forma que utilizaban los atletas griegos para limpiarse el barro tras las competiciones). Podría significar por ello pureza, limpieza, aunque otros autores los relacionan con la idea de infinito. (Se recoge de los sarcófagos paganos)


El cordero. Imagen de Cristo como ser sacrificado. Se relaciona con la eucaristía pero también con los creyentes que forman un rebaño en torno al pastor (Cristo)


En la imagen los dos significados. El Cordero Central como cristo del que parten los cuatro ríos del paraíso. A ambos lados corderos como iglesia

 

El orante. No demasiado clara. Tal vez imagen del creyente que ya se encuentra en el Cielo, pues aparece en contextos funerarios, o la del creyente que asiente ante la voluntad divina. Se trata de un préstamo, la pietas, oración romana.


Roma


Catacumbas de San Genaro. Nápoles

 

SEGUNDA PARTE. LOS TEMAS FIGURADOS

 

 Vicente Camarasa