MÁS PAISAJES EN GEOBIOMBO
Al igual que el tema de la ciudad, existen muchos más artículos sobre paisajes naturales, paisajes geológicos o climas en Geobiombo
MARIA ANTONIETA. DESDE EL ROCOCÓ A LA GUILLOTINA DE LA REVOLUCIÓN
Tomada de
He encontrado una serie de pequeños vídeos en You Tube de la película Maria Antonieta de Sofía Coppola. Son verdaderamente magníficos para entender el espíritu rococó francés y su brusco final derivado de la revolución francesa (el Terror).
La película, vista globalmente, es bastante mala, pero la ambientación de la época y la fotografía son fantásticas. Quizás lo único que os puede chirriar un poco es la banda sonora, pues la directora apostó por eliminar la típica
La escena de la compra de vestuario es verdaderamente alucinante. Maria Antonieta y sus cortesanas eligen entre un amplísimo catálogo de ropas y complementos, a cual más rococó (zapatos, abanicos…) La riqueza desborda todo, la riqueza y una gran frivolidad típica del final del Antiguo Régimen. Por favor no os perdáis al perrito. Seguro que muchas cosas os recordarán al Goya de los cartones para tapices
http://www.youtube.com/watch?v=cLJ1vuUWprA&feature=related
Aquí tenéis la fiesta de coronación de Luis XVI y Maria Antonieta. Todo es frívolo, artificial, exquisitamente elegante. Hay unos exóticos chinos decorando, juegos, comida por doquier, pelucas blancas, plumas, pasteles de un estética…,galanteos. El rococó en movimiento
http://www.youtube.com/watch?v=aKlIHvOFTOk&feature=related
En éste nos enseña una faceta que también llegará a España, cómo esta aristocracia redescubre la Naturaleza (todavía pintoresca, no sublime como será la romántica) y charlan y ríen en ella, como su fueran campesinos, aunque no lo sean. Por favor, no perderos la ovejita, es el espíritu rococó condensado.
http://www.youtube.com/watch?v=Mn3tu3ZxCjw&feature=related
La película termina con la decapitación en la guillotina de Maria Antonieta. El final del un Antiguo Régimen y el principio (brutal) de la modernidad. Es una gran metáfora del final del mundo rococó, de su exquisitez que los sans culottes destrozarán y darán paso al famoso Terror (en Historia) y al neoclasicismo (en Arte)
http://www.youtube.com/watch?v=uHRAdMLDwjA&feature=related
Si queréis ver más sans culottes gritando y el juicio hecho por los jacobinos en su famoso Comité de Salud Pública, existe otra versión más antigua
http://www.youtube.com/watch?v=JFkcflVjAAY&feature=related
Vicente Camarasa
ESCENAS MARROQUÍES II
Tras la lluvia
Arabescos
Tras la ventana se encuentra el camino
Y detrás, el desierto. Atlas
De cuando aún existían ángeles
Hoy tampoco hay colegio. Las zapatillas
El escritor de dunas
El tiempo sin tregua
La promesa del paraíso. Marrakech
Los palacios encantados
El grito.
Personaje. La mirada devuelta.
El sol atrapado del zoco. Vendiendo sombras
Los dos Marruecos
NAVEGAD POR INTERNET, PERO CON SEGURIDAD
JV lleva unos días de frenética actividad y parece estar en todos los sitios. Ayer, en su blog publicó un interesante artículo sobre Internet y jóvenes
Se trata de una reflexión sobre los peligros de Internet y los menores, con estupendo enlace a un artículo de Cristóbal Suarez, de la Universidad de Salamanca, del que extrae el DECÁLOGO que todos, no solamente ellos, deberíamos cumplir a rajatabla a la hora de navegar por internet. Merece la pena no sólo leérselo, sino copiárselo para tenerlo siempre a mano
Vicente Camarasa
LOS TEMPLARIOS, UN POCO DE HISTORIA SOBRE TANTA ESPECULACIÓN
Castillo templario de Ponferrada
En numerosas ocasiones la historia de los Templarios se ha escrito a partir de una supuesta mística que les vincula con el Grial y su defensa a lo largo de la historia pasando por rosacruces, masones y toda una suerte de cabalistas y cantamañanas que han generado mucha pseudo literatura y también un gran número de películas auténticamente surrealistas sobre el particular. Todas estas teorías a históricas fueron puestas en solfa por una gran escrito Umberto Eco, quien en el Péndulo de Foucault, Ed. Lumen, 1989, criticó a esta literatura “fantástica” que ha intentado ver intriga en lo que fue una realidad histórica perfectamente verificable.
Me parece especialmente sugerente el párrafo de Eco, en el Péndulo, pág. 260, con curiosas especulaciones en torno a un kiosco: “No. Pero un tal Jean-Pierre Adam lo hizo con otro kiosco” Supongo que estos kioscos tienen más o menos las mismas dimensiones. Con los números se puede hacer cualquier cosa. Si tengo el número sagrado 9 y quiero obtener 1314, fecha en que quemaron a Jacques de Molay, una fecha señalada para quien como yo se considera devoto de la tradición caballeresca templaría, ¿Qué hago? Multiplico por 146, fecha fatídica de la destrucción de Cartago. ¿Cómo he llegado a ese resultado? He dividido 1214 por dos por tres, etcétera, hasta encontrar una fecha satisfactoria. También hubiera podido dividir 1314 por 6,28, el doble de 3,14 y habría obtenido 209. Que es el año en que ascendió al trono Átalo I, rey de Pérgamo. ¿Están satisfechos?
Muchos autores de los que no citaré nombres se han hecho millonarios haciendo supuestas investigaciones que no eran sino fabulas numéricas sobre símbolos de cantería que se atribuían a templarios, como los supuestos de la iglesia de la Veracruz de Segovia, que nunca perteneció a los templarios y que ya hace varias años documentamos claramente vinculada a la Orden del Santo Sepulcro de Jerusalén (Vid. VV.AA, Actas del Primer Simposio Histórico de la Orden de San Juan en España, Toledo 2003)
Parece que todo empezó, allá por 1118, en tiempos de la primera Cruzada, bajo el reinado de Balduino II, en un lugar de por sí vinculado a la leyenda donde llegaron nueve personajes, guiados por un tal Hugo de Payns, que constituyeron el primer núcleo de una Orden de los Pobres Caballeros de Cristo, una orden monástica, pero de espada y armadura. Ellos cumplirían los tres votos de casi todos los cistercienses: pobreza, castidad y obediencia al que unirían el de defensa de los peregrinos. Se les instaló en le viejo claustro del Templo de Salomón, de ahí su nombre la Orden del Temple.
Su presencia peninsular se inicia de forma espectacular formando parte de los herederos de Alfonso el Batallador y esto les permite extenderse por la Península, en diferentes lugares Calatrava, se les atribuye la fundación de Coimbra y un largo etcétera. Bien es cierto que esta Orden junto con otras internacionales como los Hospitalarios, tuvieron poco peso en la Península Ibérica, inicialmente recibieron muchos territorios, pero sus intereses estaban fuera de la Península, por lo que fueron rápidamente sustituidos por Ordenes hispánicas, baste recordar que la huida de Calatrava ante el empuje de los almorávides, provocó que naciera en torno a este lugar una de las Ordenes más importantes en Castilla y León, la Orden de Calatrava.
Canecillos de San Bartolomé en el río Lobos. Soria
La Orden del Temple como el resto de órdenes militares peninsulares, fueron la base de la implantación del feudalismo en la Península. La ocupación, organización y puesta en explotación de la Submeseta Sur se les debe atribuir a estas organizaciones cuyo peso socioeconómico es bastante más importante que su función militar, lo siento por los exotéricos pero estas “multinacionales” medievales tuvieron sobre todo un gran peso en el desarrollo de la economía feudal, siendo las escaramuzas militares, tras las Navas, más que una justificación de su labor de organización de un espacio de frontera.
Castillo templario en Tomar. Portugal.
Esta será también la explicación de su declive, ellas contribuyeron a la consolidación monárquica que una vez establecida vio en ellas un peligro para su poder y en unos casos las controló copando todos los puestos de poder (maestrazgos y prioratos) y en otros como el Temple se decidió acabar con ellas con acusaciones muy del estilo de la Inquisición pero buscando controlar lo realmente importante: su patrimonio económico.
No es menos cierto que en la Península Ibérica, la persecución a los templarios fue mucho menos contundente que en Francia y su continuidad quedo asegurada en otras órdenes como Montesa en Aragón, Avis en Portugal y Alcántara y Santiago en las zonas leonesas, siendo a nivel internacional la Orden de San Juan (los hospitalarios), los continuadores de estos caballeros que lejos de ser unos místicos fueron muy pragmáticos poniendo en práctica ya desde antiguo esas teorías de la asunción de la multiculturalidad que tanto gusta a los políticos actuales. Podemos decir que las OOMM en general y los Templarios en particular fueron los primeros agentes de la globalización económica, eso si, no de la capitalista sino de la feudal y esto les costó caro en un contexto de consolidación de las monarquías nacionales.
JV
ANISH KAPOOR. EL ARTE CONTEMPORÁNEO INDIO
Tomado de http://www.ngv.vic.gov.au/ngvwa
Ahora que vuelve Arco y que el país invitado es la India, quizás fuera el momento de hablar de uno de los artistas más fascinantes del panorama internacional, que une su origen (y filosofía) india, con las formas de expresión occidentales.
Las primeras obras que pude ver de él (todavía en fotos) eran pequeñas esculturas geométricas sobre el propio suelo que llamaban la atención por el color intenso, lleno de fuerza y contrastes, como el que se puede ver en un zoco de especias.
Tomada de http://mollytate.wordpress.com/geometric
Y es que algo de especias, de sensaciones a la que se unía una difusa espiritualidad. Las figuras estaban cubiertas por pigmento en polvo que se derramaba por el suelo, una técnica que recordaba a los templos hinduistas en donde el creyente saca su propio recuerdo del templo en las pisadas que llevan parte del polvo esparcido en su suelo.
Luego pasó mucho tiempo hasta que me volví a encontrar con Kapoor. Esta vez gue en directo, en el Reina Sofía. Se trataba de una gran piedra vaciada y pintada de un profundo negro el interior.
Realmente pocas veces he tenido una sensación tan vívida del vacío, de ese vacío oriental del que ya tantas veces hemos hablados en este tema. Un vacío lleno de sentido, un absorvente, hipnotizante vacío que era, en rigor, mucho más importante que la propia piedra que lo cobijaba.
Tomado de http://www.museoreinasofia.es/museoreinasofia/live/coleccion/autores/kapoor-anish.html
Más tarde la obra de Kapoor ha ido evolucionando a grandes instalaciones qque, aunque han dado más intensidad a sus emociones, han perdido un poco de esta suave intimidad de las primeras obras
Tomado de http://theloveumake.vox.com/library/posts/tags/anish+kapoor
Y es que Kapoor es la perfecta representación de la estética oriental, de su fascinante revelación de lugares más allá de los sentidos, apresados por estos pero en el fondo inconcebibles. En él viven esas sensaciones de vacío y plenitud, de encuentro con lo misterioso, de meditación silenciosa que hemos comentado en Rohtko o en Yves Klein.
Tomado de http://i2.photobucket.com/albums/y25/Hhyaena/AK282_m.jpg
Hay también un culto al color que es un Matisse evolucionado, una tactilidad (¡qué maravilla sería tocar sus obras, o quizás mejor, vivir en ellas!) que recuerda a Chillida y sus espacios interiores, suavemente apresados.
Tomado de http://visualarts.qld.gov.au/designyourowntour/details.php?id=55&pnum=20&project=APT5
Pues la escultura de este autor es, en el fondo, una simple excusa para contener el vacío y el color. Un objeto que distorsiona la realidad de la sala, la sacraliza sin necesidad de dioses y , como el proverbio chino, se convierte en un dedo que señala a la luna, un mediador entre nosotros y el resto, una gran maquinaria sensitivo-espiritual que más parece música, como un cuenco tibetano para los ojos (y los dedos).
Tomada de http://www.studio-international.co.uk/studio-images/kapoor/21b.asp
Ahora en Madrid se pueden ver cosas suyas en Arco y la Fundación el Canal, además de la pieza del Reina Sofía. Realmente merece la pena acercarse a ellas pero con un espíritu abierto: sólo veremos en ellas lo que tengamos dentro, son grandes espejos (Como su último Espejo Islámico de Murcia) de emociones, de suaves pero profundas sensaciones que rompen la dualidad entre sentidos y razón. Lugares sagrados pero no divinos, sino profundamente humanos.
Quizás quede más claro con alguna de sus declaraciones recientes extraídas de http://www.elpais.com/articulo/arte/color/sustancia/valor/fisico/elpepuculbab/20060128elpbabart_2/Tes
Yo hago un arte abstracto que busca el significado, el contenido. El contenido que he descubierto es el del interior del ser humano
No tengo nada que decir como artista, no creo que decir algo sea importante pero pienso que es posible crear lugares cargados de energía. Ámbitos de cierta intensidad
La belleza de ser artista es que el significado está siempre en proceso, la obra está sólo señalando hacia una probabilidad. Eso permite que surja la poesía
Para saber más y ver más obra suya
http://www.enriquecastanos.com/kapoor.htm
http://www.ritnit.com/2007/09/13/anish-kapoor-bombay-india-1954
http://theloveumake.vox.com/library/posts/tags/anish+kapoor
Vicente Camarasa
LA BALSA DE LA MEDUSA. GERICAULT. EL PRIMER CUADRO ROMÁNTICO
Tomada de wikipedia.org
Aprovechando el magnífico artículo de Alejandra, vamos a saber más sobre uno de los primeros cuadros del romanticismo que nos puede ayudar a entender el estilo
Tema. Gericault elige para este cuadro un tema contemporáneo y polémico (por lo que tenía de crítica antigubernamental), el naufragio del buque de la Medusa frente a las costas africanas. Los náufragos de esta nave harán, con sus restos, una balsa en la cual tres personas conseguirán llegar a tierra. Sus testimonios, publicados por los periódicos, le servirán al pintor para recrear la escena, buscando el momento de mayor dramatismo, cuando, a la vista de un barco lejano, los náufragos se esfuerzan en llamar su atención haciendo ondear sus camisas sobre la plataforma desvencijada y llena de muertos.
Esta elección del momento nos acerca hacia una de las claves del pensamiento romántico, la tragedia. Entendida ésta como una confrontación entre el hombre y su destino, representado en el cuadro por las poderosas y ciegas fuerzas de la naturaleza (mar embravecido, tormenta) que hacen inútil toda lucha, conduciéndole al fracaso. El marco natural (el paisaje) utiliza un concepto típicamente romántico: lo sublime. Esta categoría estética se refiere a todo aquello que supera la razón a través de lo abrumador o irracional, enfrentando al hombre con aquello que le es superior y le conmociona.,
Soporte y técnica. Óleo sobre lienzo de grandes dimensiones.
Composición. La escena se construye sobre el eje de una gran diagonal que nos llevaría desde el cuerpo muerto y extendido de la izquierda hasta el momento culminante del hombre que, alzado por sus compañeros, ondea la camisa. Frente a ella, y en sentido contrario, se cruza una segunda diagonal desde el cuerpo de la esquina derecha que culmina en la improvisada vela hinchada. (Composición en aspa).
Tomado de beatrizcollado.wordpress.
Gracias al enlace de las posturas de los personajes, el cuadro se nos presenta como una masa humana en pleno dinamismo que, preservando los caracteres y gestos individuales, busca la expresión de un movimiento unitario y dramático. (Tal composición nos recuerda a las barrocas de Rubens o Caravaggio).
Caravaggio. Crucifixión de San Pedro
El dibujo es preciso, predominando en la zona ocupada por las figuras humanas en donde podríamos hablar de un cierto detallismo. Por el contrario, para el cielo y el mar utiliza una pincelada mucho más suelta que consigue una mayor verosimilitud e integra perfectamente la escena.
El color. Al igual que Caravaggio, el tono general del cuadro lo determinan los tonos cálidos de los marrones sobre los que se destacan los puntos rojizos del hombre de la camisa o la vela. Su elección responde a la idea ya comentada. Buscan acercar al espectador la tragedia a través de la emoción.
La luz es fuerte, dirigida y con claros valores expresivos. Con indudables recuerdos del tenebrismo de Caravaggio, Gericault busca con ella la creación de un ambiente dramático, acentuando los gestos de los personajes. La luz, sus fogonazos, nos arrancan los distintos ademanes para dirigirnos la atención hacia ellos (muertos del primer plano, personajes que se abalanzan hacia delante en busca de su última oportunidad, hombre que ondea la camisa...). En el fondo, el fuerte resplandor del atardecer sobre el cielo nuboso, sirve como cierre luminoso y dramático de la escena.
Tomado de estudiandoloartistico.wordpress.com
El espacio. Su tratamiento busca, ante todo, dar una mayor importancia a la escena que ocurre en la balsa. Para ello, el pintor elige un punto de vista elevado que nos permite apreciar todos los distintos sentimientos de los náufragos, cerrando el espacio por una línea de horizonte muy alta que reserva el tercio superior del lienzo a la representación de un cielo tormentoso que acentúe la tragedia.
En el tratamiento del paisaje pueden observarse ciertos recuerdos de Tintoretto y sus cielos cargados que utilizaba, también, para dotar de un escenario dramático y heroico a sus escenas. (Al igual los barrocos utiliza la técnica de la perspectiva aérea).
Tintoretto. El traslado del cuerpo de San Marcos.
Tomado de wikimedia.
Tomado wikipedia
_-_WGA08631.jpg){kind=link}
Figuras. Existe una fuerte tendencia hacia el realismo. Busca gestos expresivos y fuertes escorzos que le permiten intensificar el clima emocional a la vez que demuestran su exquisito dominio de la anatomía humana aprendido tanto del natural (utilizó numerosos estudios anatómicos realizados sobre miembros y cabezas de criminales ejecutados) como de los grandes maestros, como Caravaggio, Tintoretto o Miguel Ángel. (cánones hercúleos, posturas inestables o la forma serpentinata).
Miguel Ángel. Detalle del Juicio. Capilla Sixtina
Tomado de wikimedia.org
Tomado de estudiandoloartistico.wordpress.com
COMENTARIO
Esta obra puede considerarse perfectamente como un verdadero manifiesto de lo que será la escuela romántica, tanto en lo temático (visión trágica y pesimista de la realidad con un hombre enfrentado a fuerzas poderosas ante las que termina sucumbiendo, naturaleza sublime, sentimientos...), como en lo técnico (uso del repertorio manierista y barroco de diagonales, tenebrismo, colores cálidos, escorzos en busca de una imagen dramática y perturbadora que convenza al espectador a través de los sentimientos). Con todo se alejan por completo de la didáctica y la concepción ética del estilo anterior del Neoclasicismo.(Comparar con el juramento de los Horacios de David)
Tomado de estudiandoloartistico.wordpress.com
El propio Delacroix la tomará como base de una de sus primeras obras maestras (Virgilio y Dante o la propia Libertad guiando al pueblo), añadiendo a su estilo barroco las sugestiones del color y la pincelada suelta heredadas de Velázquez, Rubens y Veronés. Se conformará así la plena visión romántica, fruto, entre otras cosas, de la circunstancia histórica, inmersa en el carácter revolucionario del siglo XIX en donde las verdades tradicionales ya no se aceptan, se critican y se terminan derrocando a favor de los ideales, tan modernos, de individualidad, libertad y culto a las emociones.
Para saber más
No dejéis de leer el artículo de Alejandra que cuenta toda la historia del cuadro (y seguidlo hasta el final, pues merece la pena y hay un vídeo que os puede ayudar a entenderlo mejor)
El cuadro está comentado en
http://arte.observatorio.info/2008/06/la-balsa-de-la-medusa-gericault-1819
Esta página es muy interesante para los que comienzan a estudiar arte, pues las explicaciones son sencillas y muy visuales
Vicente Camarasa
IGLESIA DE SANTA MARÍA EN EL CAPITOLIO. COLONIA
Ahora presentamos la Iglesia románica más grande de Colonia, con tamaño casi catedralicio, midiendo unos 70 metros de largo y 45 de anchura en el coro. Se trata de Santa María en el Capitolio. Como su nombre venerable indica, en esa colina céntrica, cerca de las orillas del Rin, se había encontrado ya un templo romano, remplazado hacia el año 50 d.C. por una primera capilla cristiana. Hacia el año 700, esa pequeña iglesia fue remplazada por una mucho más grande, consagrada a Santa María. Durante el Siglo XI, derribaron ese edificio para construir el templo majestuoso, cuyas características han llegado a nuestros tiempos por la reconstrucción después de la Segunda Guerra Mundial.
Es que una abadesa benedictina la que perteneció a la casa imperial de los Otones (fue nieta del Emperador Otto II.) mandó esa construcción ambiciosa. La galería interior en el remate occidental donde se encuentra la entrada principal recuerda por su estructura a la famosa Capilla Palatina de Carlomagno en Aquisgrán, lo que subraya el rango imperial de Santa María en el Capitolio. El grandioso coro en forma de una hoja de trébol, tan singular y única en el Románico de esa región, reproduce sorprendentemente la planta de la Iglesia de la Natividad de Belén. Como la abadesa poderosa Ida pertenecía a la familia del Emperador Otto, no había duda de que la casa imperial del Sacro Imperio otorgaba generosos privilegios a ese convento benedictino y a su soberbio templo, consagrado en 1065. Debajo de Santa María en el Capitolio se puede descubrir una de las criptas más grandes de toda Alemania, una auténtica iglesia subterránea, austera y espaciosa - (y el escenario ideal para rodar una película de vampiros).
Mirando atrás al entrar, lo primero que sorprende es la galería encima de la puerta principal que recuerda los arcos de la Capilla de Carlomagno en Aquisgrán - otra referencia imperial. En su interior, el templo románico más grande de Colonia guarda ricos tesoros que pertenecen a la decoración original. A la derecha de la entrada, se encuentra un interesante relieve que muestra el Santo Entierro, de estilo gótico del Siglo XIV.
El detalle más famoso y quizás también el más precioso de Santa María en el Capitolio es la puerta románica original de 1065, considerada la más antigua de su estilo en toda Alemania y una de las más antiguas del Arte Románico, perfectamente conservada. Es un milagro que haya sobrevivido la Segunda Guerra Mundial. Esa puerta tan singular muestra escenas de la vida de Jesús, algunas con detalles muy originales y graciosos. Hay que fijarse en la Virgen sentada en el burro durante la huida a Egipto y en el parasol etíope (un parasol como los que los sacerdotes en Etiopia suelen utilizar durante misas al aire libre, por ejemplo en la fiesta de Epifanía).
Otras joyas de esa iglesia son las losas del sepulcro de la fundadora del convento, Plektrudis, una románica que data de 1160 (en el suelo cerca de la pared de la nave lateral norte) y otra gótica del año 1280 (en la pared de la nave lateral sur). Ésa última destaca por un soberbio relieve que muestra una Virgen majestuosa llevando un modelo de la iglesia Santa María en el Capitolio en sus manos.
Pero lo más espectacular es el famoso atril renacentista que data de 1523, una de las pocas obras de arte del Renacimiento en la ciudad de Colonia, tan marcada por el Románico y el Gótico. Se trata de una obra excepcional, labrada en piedra blanca y mármol negro y contiene una galería de estatuas de santos y de relieves originales presentando escudos y caballitos, de una estructura tan filigrana que recuerdan el estilo plateresco de España. Delante del atril se encuentra la "Virgen de Limburgo" con el Niño Jesús, una estatua gótica del Siglo XIII ricamente policromada. El atril separa las tres naves de la iglesia del espacio del famoso coro trebolado.
En el recinto del coro se concentra la mayoría de las obras de arte que pertenecen a la decoración original del templo. Enmarcando el coro románico, hay dos capillas góticas, añadidas a la iglesia en los siglos XIV y XV. La capilla a la izquierda, bien austera, está dominada por una Cruz de la Peste del temprano Siglo XIV que muestra un sencillo Crucificado gótico lleno de heridas de la peste.
A la derecha del coro está la Capilla de la familia Hardenrath, algo posterior. En esa capilla suntuosa destacan una vidriera gótica con una escena del Calvario en el centro, la bella estatua de una Virgen gótica y un retablo bien tallado del Siglo XV.
Enfrente de la capilla de Hardenrath, en una columna del coro se puede contemplar la llamada "Virgen de la Pera" que data de 1180. Hay una bonita leyenda acerca de esa virgen. A finales del XVIII o principios del XIX, durante años, un niño le puso cada semana una pera fresca a los pies de la estatua, ofreciéndola a la Virgen, así que aparte de la pera de piedra en sus manos, la Virgencita siempre tuvo otra fresca a sus pies. Y desde entonces, casi siempre hasta el día de hoy se encuentra al menos una pera fresca al lado de la estatua.
Quizás la escultura más sobrecogedora que podemos encontrar en la Iglesia de Santa María en el Capitolio es una magnífica Piedad gótica que se encuentra en el coro, a la izquierda de la Capilla de Hardenrath y delante de una vidriera antigua de vivos colores.
Aparte de vidrieras modernas, el templo conserva pocos pero preciosos ejemplos de las vidrieras góticas originales. Una de esas vidrieras muestra un Calvario y otra presenta una Magdalena melancólica y llorando (esa última vidriera debe de ser ya del XVI y renacentista)
Lo más impresionante de la Iglesia románica más grande de Colonia no se concentra en una obra de arte singular, sino en la atmósfera mística del coro trebolado, el que no sólo es excepcional por su planta, sino por la luz difusa que entra por las vidrieras pequeñas y por una magnífica galería gótica, obra filigrana dentro del coro románico que parece como si fuera un claustro dentro del templo. Con motivo de festivos religiosos como la pascua o la Navidad se encienden cientos de cirios encima de esa galería y entonces, inundada por una luz mágica, esa bella iglesia se convierte en un milagro
Texto: Berthold Volberg. Fotografías Thomas Jaeckel y Vicente Camarasa