GÓTICO

EL GÓTICO FLAMÍGERO EN PORTUGAL. EL MANUELINO.

Monasterio de Batalha

 

El gótico, al igual que le ocurre a otros estilos, tiene una evolución interna que en sus fases finales tiende a una gran barroquización (su nombre proviene de flama, llama). En España cristiana se denomina hispano-flamenco (paralelo al arte nazarí granadino), en Portugal este estilo del siglo XV, Manuelino, pues fue Manuel I su gran impulsor.

 

Iglesia matriz de Tomar

 

Alguna de sus características son comunes a todo lo que está sucediendo en Europa. Existe una sobreabundancia decorativa que a menudo ha sido explicada como una falta de nuevas ideas que se encubre con la decoración, pero también podía corresponder a una forma de expresión de optimismo tras el terrible siglo XIV.

 

 Claustro de Santa Cruz. Coimbra

 

Sus motivos lo llenan todo en un constante horror vacuii, muy semejante al mundo nazarí), normalmente por medio de carnosa decoración vegetal.

Veremos también una multiplicación de los baquetones, con algunos ya aristados (en arista y no redondo) en pilares fasciculados.

 

Monasterio de Batalha

 

Estos baquetones se corresponden con otra de las características típicas del estilo: las bóvedas estrelladas llenas de nervios tan sólo decorativos como los combados (curvos) y los terceletes (aquellos que conducen a claves secundarias). Además, las claves se adornan con plafones y/o elementos pinjantes (verticales).

 

Monasterio de Batalha

 

En cuanto a los arcos hay una preferencia por modelos complejos como los carpaneles, conopiales y mixtilíneos que se pierden en constantes volutas y movimientos.

 

Monasterio de Batalha

 

De la misma forma, las tracerías que los adornan en su interior, suelen también complicarse.

 

Monasterio de Batalha

 

Junto estos rasgos comunes a todo el flamígero europeo existen otros que lo caracterizan. Se trata esencialmente en motivos decorativos: aquellos que recordaban la gesta ultramarina que el propio Manuel I y su hermano, Enrique el Navegante, estaban realizando, circunnavegando África para buscar una ruta hacia la Tierra de las Especies.

Veremos así el astrolabio, la esfera armiliar, las lagas marinas, las redes, los cabos o las propias carabelas.

 

 La famosa ventana de Tomar, del  monasterio de la Orden de Cristo en Tomar

 

Junto a ellos tienen una importancia capital los símbolos cabalísticos ( Ouroboros , - la serpiente que muerde su propia cola como símbolo del Universo sin principio ni fin -, la cruz patada, las granadas) heredados del mundo templario por la Orden de Cristo y que tanta importancia tuvo en estas navegaciones y en su famosa escuela de navegantes que Don Enrique creó cerca del cabo de San Vicente

 

 

 

Capilla Universidad Coimbra

 

Además de las obras que hemos ido viendo en las distintas fotos, habría que señalarse el Monasterio de los Jerónimos, la Torre de Belén (DE LA QUE YA HABLAMOS AQUÍ)

Torre de Belem

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Para saber más

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuelino

Analisis de la Janela de Tomar

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Imágenes y texto: 

Vicente Camarasa

GIL DE SILOÉ EN LA CARTUJA DE MIRAFLORES . El alabastro se vuelve cera. GIL DE SILÓE

 

Probablemente de origen extranjero (como era tan habitual en los finales del gótico castellano como Juan de Colonia, arquitecto con el que colaborará, al igual que su hijo, tanto en la catedral como en esta Cartuja de Miraflores).

 

 

Este origen del norte puede acaso explicar ciertas influencias flamencas (en el hiperrrealismo de sus detalles) como de Claus Sluter en la Borgoña en sus famosos encapuchados.

 

 

Realmente su obra fue tan inmensa como irregular, debido en gran parte al numeroso taller que supo crear en torno a suyo.

Sin embargo, en estas obras que comentamos, la mayor parte son de su mano, como rápidamente iremos descubriendo en sus detalles.

 

Una de las obras fue el sepulcro de Alfonso (hermano de Isabel I, la Católica). Para ello recurre a una iconografía bastante novedosa, la de donante. Frente a la típica composición recostada, en el sepulcro (como siempre ocurre en Gil de Siloé) vemos aparecer ideas ya renacentistas, como la lectura o la importancia del individuo.

 

 

Si nos acercamos más encontraremos cómo la filigrana gótica, típicamente flamígera, se une a una corona de laurel que cuelga de su espalda, ya tan renacentista

Pero lo que más nos llama la atención es la capacidad para el detalle y la textura en un material tan complejo como el alabastro. Sólo hace falta ver algunos detalles para darnos cuenta de ello (y del significado profundo que tiene: el de la riqueza como un signo de distinción, algo sumamente cercano al mundo del Gótico Internacional)

 

 

De ese mismo gótico nos llega una de sus figuras emblemáticas: San Jorge (San Miguel) y el Dragón, ya para entonces un puro topos literario de una caballería en pleno trance de extinción

 

La segunda obra es el sepulcro exento de Juan II y su esposa Isabel de Portugal, padres de la reina Católica. Aquí se recurre a un tipo aún más novedoso: el túmulo exento frente al altar (como luego serán los de los reyes católicos en Granada)

 

 

En él volvemos a encontrar este mundo en tránsito entre el último gótico y el primer renacimiento.

Elementos del primero serán la colección de virtudes o ese gusto por lo anecdótico, así como la proliferación de escudos

 

 

 

 

Novedades renacentistas las podremos encontrar en los putti numerosos, incluso aquel que retoma el tema de Hércules luchando con el león.

 

 

Para que nos demos cuenta del eclecticismo de la época fijémoslo en este caballero medieval (y su canon goticista), acompañado por putti.

 

 

 

 

 

 

Y para terminar, una pequeña curiosidad que ya muchos autores han notado. El gusto por el horror vacui, la decoración excesiva, a menudo calada que es típica del mundo del gótico flamígero coincide en fechas con el mundo nazarí. ¿Coincidencia o un arte de postrimerías?

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL ESCULTOR

 

 Vicente Camarasa

EL PÚLPITO DE PISA DE NICOLÁ PISANO

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Nicola_Pisano

 

Que Italia inventara el Renacimiento no puede ser una sorpresa, pues el en fondo ya lo estuvo haciendo durante toda la Edad Media (así nos lo enseñó Panofsky en su famoso, y recomendable libro de Renacimiento y Renacimientos en la Edad Media Occidental de 1962).

Sólo hace falta mirar las sombras y los paisajes del Giotto, contemplar la catedral de Pisa como un nuevo acueducto, o echar un vistazo a esta magnífica obra del siglo XIII (1260) de Nicolá Pisano, el patriarca de una famosa familia de escultores y, si fuera poco, el maestro de Arnolfo di Cambio.

 

Si os fijáis en la foto que abre el artículo podéis ver el conjunto y sus numerosas influencias. Por ejemplo, las columnas y sus capiteles son de un claro clasicismo, o esa idea de apoyar alguna de ellas sobre leones son típicas del Románico italiano (acaso inspiradas en el Paleocristiano). Lo único que podría recordarnos al gótico sean las tracerías, aunque curiosamente no se utiliza en ellas el arco apuntado sino el medio punto.

 

Todo esto se ve mucho más claro si vemos los paneles superiores

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Nicola_Pisano

 

Todo parece clásico: el desnudo central (una especie de Buen Pastor que se mezcla con las imágenes de Hércules), la Virgen María que aparece en ambos relieves como una matrona romana, con unos paños plegados como si fueran una toga romana, los animales (especialmente los caballos) y su majestuosidad, o el mismo trabajo de relieve en varios planos que recuerda al Ara Pacis (por entonces perdida).

Y es que Nicolá Pisano se formó bajo el mecenazgo de Federico II, viajando con el por todo el sur de Italia donde podría ver decenas de muestras del arte clásico.

 

Para saber más

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/4135.htm

 

 Vicente Camarasa

 

FOUQUET Y EL ASOMBROSO DÍPTICO DE MELUN

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

 

Siempre e llamó la atención este cuadro en el libro de COU. Después del gran renacimiento italiano, entre éste y el Bosco, aparecía en un rincón, fuera de temario oficial de selectividad.

Su autor Fouquet fue un extraño pintor en una extraña corte (la francesa de Carlos VIII) en la que se instituyó el título oficial de maitresse en titre (querida oficial) que ocupó la mujer del cuadro, Agnès Sorel.

El pintor la representó con una iconografía conocida, la Virgen de la leche o Galactotrofusa, muy habitual del gótico en el que la Virgen se convertía en madre de la Humanidad.

Sin embargo, más que madre la pintó como amante y ese pecho era más para el rey que para el Niño Jesús.

 

Tomado de http://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/02/jean-fouquet-virgen-rodeada-de-angeles.html

 

No terminó ahí la cosa, y junto a esa virgen pintó un racimo de ángeles bicolores azules y rojos que se salía de las maneras habituales y generaba un ambiente onírico.

Y es que Bouquet fue un pintor poco convencional que unos caracterizan como autor del gótico internacional (el talle tan fino, la idea del amor cortés, las maneras curvilíneas…) mientras otros lo emparentan con el arte de un contemporáneo suyo, Van Eyck (el uso del óleo, las texturas, el trabajo en claroscuro…).

 

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

 

Aún más, si vemos la otra tabla (mucho menos representada) del díptico, en ella encontraremos desde maneras de los primitivos flamencos como recuerdos del Quattrocento italiano (en su perspectiva, nitidez de contornos que recuerda a Castagno, los candelieri, las maneras sintéticas en los vestidos…).

Un verdadero puzzle de influencias e interpretaciones que tuvo su eco en el siglo siguiente, en la llamada segunda Escuela de Fontainebleau que pronto analizaremos

 

Para saber más

http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet

http://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/02/jean-fouquet-virgen-rodeada-de-angeles.html

 

Vicente Camarasa

TRES FOTOGRAFÍAS DEL TOLEDO GÓTICO

Puerta del reloj.

San Juan de Reyes

Refectorio de San Juan de Reyes

Imágenes tomadas y realizadas por:

 Marta Ibáñez (2º ESO B), Miguel Morales (2º ESO B), Nerea Paredes (2º ESO D) y Rocío Robles (2º ESO D). SIES LA POVEDA EN CAMPO REAL

 

 

 

CAMBIOS ICONOGRÁFICOS DEL GÓTICO (2). LA IMPORTANCIA DEL INDIVIDUO

Gil de Siloé. Sepulcro infante Alfonso. Cartuja de Miraflores

 

El mundo gótico (gracias a San Francisco, a Santo Tomás, a Ockham…) presencia un ascenso del individuo que se opone a esa isocefalia típica del románico en donde las caras casi eran intercambiables y sólo se distinguían por un rótulo o por un símbolos (como San Pedro y sus eternas llaves).

Especialmente a partir del siglo XIV (cuando la cultura se va secularizando), el individuo (y su estirpe) comienza a ganar importancia.

De ello se derivarán nuevas formas iconográficas que se mantendrán (y aumentarán) durante el renacimiento y el barroco.

Por una parte aparecerá el retrato, al principio poco caracterizado.

El primer modelo será el del donante, arrodillado y aún en perspectiva jerárquica frente a la divinidad

 

 Descendimiento. Van der Weyden.

Pasando el tiempo llegará su explosión con los primitivos flamencos que ya no sólo copiarán el aspecto exterior sino que irán internándose en la psicología del personaje, como ya analizó Mar en su artículo del Matrimonio Arnolfini

 

  

Campin

 

Junto a él resurgió el sepulcro en donde la figura pasará del modelo tumbado a incorporarse sobre su codo a finales del periodo

  

Sepulcro en el Monasterio de Batalha. Portugal

 

Villarcázar de Sirga. Palencia

  

Covarrubias

Plorones o plañideras

Y qué decir de la multiplicación de escudos del gótico a partir del XIV (también en relación con el renacimiento de la monarquía)

  

San Juan de Reyes. Toledo

 

  

Lonja de Valencia

 

Incluso los propios artistas irán saliendo poco a poco del anonimato y a partir del siglo XIV conocemos una gran cantidad de ellos (Giotto, Simone Martini, Claus Slauter, Gil de Siloé…)

 

Imágenes y texto: Vicente Camarasa

CAMBIOS ICONOGRÁFICOS DEL GÓTICO (1). La imagen de Cristo y la Virgen

Gil de Siloé. Capilla de Santa Ana. Burgos

Como ya defendíamos en un artículo anterior el gótico nace de una necesidad interior, de una nueva forma de ver el mundo.

  Los cambios más rápidos los encontraremos en la religión, que pasará de un estilo basado en el miedo y la amenaza a otro muy distinto que podemos estudiar en alguna de sus principales iconografías.

 Así, desde el famoso Pantocrátor románico que juzgará en el día Final, el gótico hace aparecer nuevas formas de Cristo basadas en el sacrificio o el dolor.

El Cristo como Varón de Dolores es una muestra perfecta. En él no se nos presenta al juez, sino al que ha hecho posible la salvación de la Humanidad a través de su sacrificio. Por ello le veremos introduciendo el dedo en sus llagas o enseñando la señal de los clavos de su pasión en manos y pies.

   

Burgo de Osma

 

En el mismo sentido hemos de entender el Ecce Homo, que nos intenta conmover con todos los estigmas de su pasión, pues a los nuevos burgueses se les intenta convencer a través de los sentimientos no del castigo (una humanización progresiva del hecho religioso de la que tanta culpa tiene San Francisco).

Ecce Homo. San felipe. Zaragoza

Un Ecce Homo en la famosa iconografía del paño de la Verónica.

 

Por ello las crucifixiones se irán haciendo cada vez más trágica, pasando de los cuatro a los tres clavos y retorciendo el cuerpo en un afán de impactar.

   

 

San Juan. Alba de Tormes

O la insistencia en el descendimiento, en donde la muerte se pone en relación con los sentimientos de la Madre (de esta escena, en el ámbito alemán, se aislarán las figuras de Cristo y la Virgen para formar la imagen de la Piedad)

Descendimiento. Van der Weyden

Si nos pasamos a la imagen de la Virgen, de la kiriotissa (trono de Dios) románica, nos aparece la madre que juega con el niño, las famosas Vírgenes Blancas o Glycofilusa.

   

Pisano

 

O las vírgenes de la leche (Galactotrofusas), que siguen muchos modelos Bizantinos que se comenzarían a recobrar tras el contacto directo con esta civilización a través de las Cruzadas y el activo comercio mediterráneo.

   

Bermejo

 

Santa María de los Ángeles. San Vicente de la Barquera

Virgen como madre o como protectora, como intercesora entre los hombres y la divinidad  como vemos en las vírgenes de la misericordia o en su coronación.

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La Virgen con su madre (Santa Ana) y el Niño, todo un símbolo de la familia que se pretende apuntalar.

  

 

Para saber más de la iconografía mariana

http://sdelbiombo.blogia.com/2009/121001-la-iconografia-mariana.php

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 AQUÍ TENÉIS VARIOS POST PARA COMPARAR ROMÁNICO Y GÓTICO

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Imágenes no citadas y texto:

Vicente Camarasa

LO NARRATIVO EN EL ARTE GÓTICO

Fijaros en estas dos imágenes. La primera románica (Sepúlveda), la segunda gótica (Catedral de Toledo)

 

 

 

 

 

Como veis hemos pasado de una imagen hierática, simbólica a otra que se basa especialmente en la narración de episodios, como si fuera un cómic en donde las figuras se relacionan entre ellas.

¿Por qué ha sucedido este cambio?

Evidentemente, no fue repentino. Lo podéis ver en esta portada de la Catedral de León (siglo XIII), ya gótica en el naturalismo (e idealismo) de las figuras pero románica aún tanto en la iconografía del pantocrátor y el tetramorfos o en su carácter simbólico.

 

 

 

Sin embargo a partir del siglo XIV todo comenzará a cambiar.

 

 

 

Las causas son múltiples. Ha cambiado, por ejemplo, el público. Ya es una burguesía (y no un campesinado totalmente analfabeto) que conoce más mundo (gracias al comercio) y le interesa más la narración que el símbolo. Necesita ya no sólo ideas sino historias que se puedan comprobar con los sentidos (una influencia del pensamiento franciscano pero también de Ockham)

Las órdenes mendicantes que se dedican a la predicación saben esto perfectamente y por ello comenzarán a acompañar sus sermones con imágenes (como hacían los juglares medievales), casi en forma de cómic.

También empezaron a desarrollar pequeños teatros sacros que explicaban las historias del evangelio (en ellos se encuentra el origen de los nacimientos de San Francisco, o las escenas de pasión viviente, como las que se celebran en Valdilecha u Orusco)

 

Muy probablemente serán éstas las fuentes de muchas imágenes que contemplamos en la actualidad. Imágenes que intentan enganchar al espectador por medio de la sucesión de los acontecimientos, como ocurre en las grandes máquinas de los retablos que coronaban los altares

 

 

 

Buscarán también la atención por medio de la anécdota (que nunca aparecía en el mundo románico) y sobre todo por las imágenes poderosas, morbosas, como las que llenan las vidas de los santos

 

 

 

Incluso, para dar mayor sentido de narración, se intentará crear un marco más realista (no el espacio plano del románico), los personajes romperán su frontalidad para relacionarse, hablando incluso entre ellos por medio de las filactelias

 

 

 

 

Tomado de pintura-gotica-aragon.blogspot.com/2009/02/6-..

 

AQUÍ TENÉIS VARIOS POST PARA COMPARAR ROMÁNICO Y GÓTICO

Imágenes no detalladas y texto: Vicente Camarasa