¿Kitsch o provocativo? Yo aún no lo tengo claro.
Y es que la obra de Miralda siempre se ha movido entre ambos concepto: cultura popular (populachera)-crítica, sin que jamás haya conseguido saber qué es lo cierto.
Por eso me voy a limitar a presentaros algunas obras (algunas verdaderamente inquietantes, otras… puff, no lo sé) compuestas por miles de soldaditos de saldo aplicados a los más curiosos formatos
Ya hemos hablado de Beuys en este blog (acerca de una liebre y unos cuadros). Y es que se trata de uno de los artistas claves para comprender la segunda mitad del siglo XX. Una pieza fundamental en la cadena que se inicia con Duchamp (y en general Dada) para llegar al arte más comprometido actual.
Su obra, valga decirlo, es en realidad una colección de residuos. O dicho de forma más elegante (aunque no creo que le gustaría al autor): de recuerdos.
Pues Beuys no trabajó a la manera tradicional de cuadro y pincel, siendo la mayoría de sus obras instalaciones y performances, una especie de obra teatral ante el público que se puso de moda a partir de los años 60.
Tomado de http://philosophyfaculty.blogspot.com/2008_06_01_archive.html
Una de sus performances más conocidas es la que en 1972 abrió en la Documenta V de Kassel la ’Oficina Política Permanente de la Organización para la Democracia Directa a través del Plebiscito’’
Tomado de http://ineselo69.blogspot.com/2008/05/joseph-beuys.html
Estas eran las palabras que explican su idea
Si uno está dispuesto a ampliar el concepto de arte de modo que incluya también el concepto de ciencia, es decir, toda la creatividad humana, entonces se llega a la conclusión de que las cosas sólo pueden cambiarse a través de la voluntad humana. Si las personas llegan a conocer su capacidad de autodeterminación, algún día se establecerá la democracia a partir de esta voluntad. Practicando la autodeterminación se desmantelarán todas las instituciones antidemocráticas que tengan un efecto dictatorial. ¡Soberanía popular!
Y es que lo más peligroso para el sistema es justamente la toma de conciencia. Lo único que supone un peligro para él es la transformación de la conciencia, y esta transformación sólo se produce en una escuela libremente autogestionada, no en una escuela determinada en sus programas de enseñanza por los mecanismos de control del estado
(Una reflexión que, precisamente ahora, en los tiempos confusos que vivimos y con una política llena de fraude, corrupción, manipulación y obediencia ciega a los mercados, es sumamente oportuna)
A través de discursos, de pizarras llenas de esquemas, conversaciones y coloquios, Beuys trabajó en una forma nueva de arte impuro (Aurora Fernández de Polanco) que uniera arte y vida. Una verdadera experiencia colectiva en donde el espectador tiene tanta importancia como el artista (de ahí su frase famosa ”todo hombre es artista”) siendo la verdadera obra de arte la comunicación entre ambos, las ideas generadas.
Tomado de http://revista.escaner.cl/node/473
Y es que Beuys creía en lo que el llamaba un arte expandido. Un arte que no se limite a lo estético y se mezcle con la política, con la ecología, con nuestra forma de mirar el mundo… No creía en el arte neutral, sino que lo entendía como una forma de lucha contra las desigualdades.
No deberíamos olvidar este legado.
(Si queréis seguir viendo este tipo de arte comprometido podéis encontrarlo en Kruger, Sierra, Jaar, Mona Hautom, Muntadas)
Para saber más
http://arbor.revistas.csic.es/index.php/arbor/article/view/29/29
http://www.margencero.com/articulos/new/joseph_beuys.html
En el mismo centro de Madrid lo podéis encontrar. Un verdadero remanso de paz sin turistas justo al lado de uno de los lugares más visitados de la capital, el CaixaFórum
Una plaza dura (La Plaza de las Letras) con una pantalla interactiva.
En su interior, unos pequeños sótanos, un lugar mitad garaje, mitad almacén en donde se realizan (y se exponen, aunque no de la manera tradicional) proyectos colectivos que unen tecnología aplicada, redes sociales e internet y pensamiento social. (Una continuación de los antiguos encuentros medialab de arte expandido que se realizaban en el Conde Duque)
Más que un museo es una laboratorio de ideas y proyectos que, en un futuro, ampliará sus instalaciones con una antigua serrería aledaña.
Yo la he visitado esta mañana y algunos proyectos (Interactivos) me han gustado. Os citaré algunos
Bird utiliza un programa informático y una artesanal antena para convertir el paso de los satélites sobre nuestras cabezas en sonidos, una original forma de hacernos visibles (audibles) toda la ingente chatarra espacial que nos circunda.
Ice Cap plantea el prototipo de una escultura móvil. Un mapa del Polo Norte crece y mengua según el sol que le de; bonita manera (didáctica) de concierciar sobre el cambio Climético, utilizando lo sencillo para contar cosas importantes.
Sin embargo, el tema que más me ha fascinado ha sido SUM, un proyecto de cartografiar las zonas verdes de la capital pero mucho más que eso. Entre sus propuesta se encuentra un simple juego (con objetos encontrados en el entorno) que sirve para que las personas conversen y expliquen su visión subjetiva de la ciudad, esa visión psicológica de la que tanto hemos hablado ya en este blog.
Una manera de relacionar y explicar conceptos y emociones a través de materiales sencillos que habrá que repensar, pues es tan didáctica que da lástima desaprovecharla
Todas las imágenes tomadas de la wiki de medialab que os invito a visitar
http://wiki.medialab-prado.es/index.php/Main_Page
Tomado de http://www.e-flux.com/shows/view/1874
Mujer y palestina (aunque nacida en el Líbano y muy pronto en el exilio). Bajo estas ideas se puede ya entender que su arte no será excesivamente complaciente.
Una parte importante de sus obras parte de su doble condición de mujer y de musulmana (de cultura musulmana más que propiamente religión). En ese sentido su actitud es la investigar las relaciones de poder (el hombre sobre la mujer, el occidental sobre otras culturas, el soldado sobre el civil…).
Sus medios son muy variados, desde simples objetos cotidianos (a menudos relacionados con la cocina) que se agrandan mostruosamente para evocar ideas de cárceles y torturas
Tomado de http://www.eladerezo.com/ultimas-tendencias/rallador-de-mona-hatoum.html
Granadas de mano reconvertida en una especie de dulces frascos de perfume de cristal coloreado, con un fuerte choque entre significado y significante
Tomado de http://www.openmagazine.co.uk/blog/tag/mona-hatoum
También llaman la atención sus cárceles. Instalaciones casi minimalistas que crean fuertes efectos...
… pero sólo cuando nos acercamos
Ambas tomadas de
http://contessanally.blogspot.com/2009/07/palazzo-querini-stampalia-mona-hatoum.html
Tomado de
http://twokitties.typepad.com/my_weblog/2009/08/index.html
O a través de la luz, que nos crea una cárcel de sombras
Incluso en una cárcel se convierte este jaula llamada mejicana
http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2009/08/mona-hatoum-beirut-libano-1952.html
De todas formas una de mis obras favoritas es esta instalación. Enetrad en el video y ya me diréis
http://www.youtube.com/watch?v=-4-hS38s45I&feature=related
Para saber más
http://www.ritnit.com/2007/09/16/mona-hatoum-beirut-libano-1952
http://www.artecreha.com/La_mujer_en_el_Arte/mona-hatoum.html
Os invito a un pequeño viaje por las entrañas más violentas de nuestras ciudades. Un viaje que ya se hizo casi hace cien años pero en el que aún nos podemos reconocer
Es la visión de la nueva metrópolis que surgió con el siglo XX. Un lugar de dinero pero también de violencia, de incomunicación, de fuerzas desatadas e incontenibles.
Sus autores son los llamados expresionistas alemanes, una de las formas más radicales de la modernidad que tomaron las rupturas formales de fauvistas o cubistas para expresar sus sentimientos ante un mundo nuevo, lleno de amenazas pese a su brillo.
Quizás uno de los más conocidos sea Ludwig Kirchner, del grupo El Puente. A él pertenecen las dos obras anteriores y la posterior. En ellas podéis ver (sentir, pues esa es la palabra clave de los expresionistas) una ciudad astillada. Sus escenarios se nos muestran amenazantes gracias a dos técnicas. Fijaros en la perspectiva, alzada y angular que rompe con la estabilidad de los edificios. Estos (retomando la idea del cubismo), se vuelven hirientes. Parecen esquirlas de cristal roto, que cortan más que protegen.
A todo ello Kirchner usa el color (fauvista), irreal y de nuevo antiestético, que provoca los sentimientos.
Tomadas de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Ernst_Ludwig_Kirchner
Muy relacionadas con sus cuadros se encuentra un arquitecto de la llamada arquitectura expresionista. Algunos edificios, como esta Chilehaus se nos vuelven a mostrar hirientes, penetran con sus ángulos agudos en el espacio público de la ciudad.
Otros autores, como Grosz, se olvidan de los edificios para centrarse en la multitud. Esa masa vociferante que tantos recuerdos nos puede traer del fascismo. Una marea humana conducida por los sentimientos más que por las razones que tan manipulable se mostrará ante los mensajes totalitarios (os recomiendo que os paséis por este artículo de JV sobre el ascenso del nazismo que os puede ayudar a comprender mejor)
Tomado de taruskinchallenge.wordpress.
Y es que la sociedad urbana que retrata Grosz con sus magníficas caricaturas llenas de altos burgueses, soldados y violencia, recordando la frase de Junguer (Acantilados de acero) sobre la Gran Guerra, que nos había destrozado las convicciones morales más profundas, dejando a la violencia campar a su antojo por ese escenario que es la Metrópolis.
Tomado de http://robertoecheto.blogspot.com/2008_04_01_archive.html
Y para terminar este brevísimo paseo fijaros como la Metrópolis también llegó al cine en la película homónima de Lang.
De nuevo el escenario de opresión, de fuerzas gigantescas que oprimen a los hombres, incapaces de luchar contra ellos (¿no os suena a nada?)
Tomado de http://heckeranddecker.wordpress.com/2008/08/04/some-aims-for-shaping-a-useable-future
Metrópolis
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Y para terminar os aconsejo que os paséis por Biombo Histórico para ver El Gabinete del Doctor Caligari
Tomado de Esculpiendo el tiempo
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La venus de los trapos. Pistoletto
Tomado de http://www.lasescapadas.com/2009/04/15/arte-povera-en-la-tate-modern-londinense
La basura nos invade; eso es incuestionable. Por lo general solemos esconderla en vertederos y puntos limpios, cuando no la quemamos; en el mejor de los casos reciclamos una pequeña parte de ella.
Sin embargo, ¿por qué no utilizarla como arte? Arte que reutilice (la famosa regla de las tres R: reducir, reutilizar y reciclar) y, a la vez, sirva como pequeño lugar de reflexión que nos empiece a concienciar sobre los residuos de nuestra sociedad hiperconsumista.
Algunos miembros de Dadá, como Schwitter, la utilizaron para sus merz, más como una forma de crítica a la sociedad burguesa y sus valores que con un verdadero interés medio ambiental.
Deberemos esperar a la década de los 60 (tan prodigiosa en el arte moderno) para que comience a entrar de forma definitiva en el arte.
Especialmente será el Arte Póvera italiano el que cada vez se interese más por objetos tradicionalmente no artísticos. Sus cuadros se llenarán de lechugas, de caballos o loros vivos, de residuos industriales, de trapos…
Anselmo
Tomado de http://obelogue.blogspot.com/2008/10/o-carteiro-que-fazer-com-esta-obra-no.html
Kounelius
El Tápies más povera
En el arte actual podemos encontrar numerosas reutilizaciones de los residuos con ese doble aspecto formal y didáctico. Os enseño algunos ejemplos
Cristina Garzón Martínez, Ana Delgado Lara y Leonardo Tapiz Bizarra utilizaron cajas para crear casi un efecto zoco. Granada, 2006
Millegomme, es un colectivo que trabaja en exclusiva reciclando neumáticos viejos, para convertirlos en piezas para jugar y permanecer en el espacio público.
Incluso los libros pueden hacer germinar (además de ideas) también planteas, como en estas obras de Koshi Kawachi el que
Imágenes tomadas de http://floresenelatico.es
Y para terminar una obra de Perianes, maravillosa.
Tomado de mariainescarod.blogspot.com.es
Pocos artistas han llegado a mostrar el aspecto inquietante de las ciudades como Giorgio de Chirico, el artista metafísico de los años 10 que tanto influyó en el Surrealismo de Dalí, Erns, Magritte o Tanguy.
Las musas inquietantes
Un artista siempre a contracorriente, que regresó al orden 10 años antes que lo hicieran los demás, poniéndose una clausura de silencio cuando el futurismo, su velocidad, sus ametralladoras y su ruidismo, llenaban Italia entera.
Luego, cuando su fama de pintor inquietante fue reivindicada por los surrealistas, De Chirico se olvidó del misterio y se volcó en una pintura insípida que llevó hasta el final de sus días.
Tomado de surrealismosa.wordpress.com
Cuando contemplamos su obra, una extraña sensación de desasosiego nos invade, más extraña cuando no somos capaces (al menos en una primera mirada) de encontrar aspectos realmente amenazantes; de hecho, pensaríamos en un fuerte poso clásico, el de sus arcadas, sus limpios exteriores, sus esculturas clásicas…
Pero fijaros un poco más y comenzaréis a entender el motivo de la extrañeza.
Mirad para daros cuenta de que apenas si encontramos personas vivas en sus plazas (y cuando están, sus diminutas proporciones están hechas más para reafirmar el monumentalismo de las construcciones, como bien aprenderá Dalí, como podéis ver en muchos de sus cuadros).
Y es que en sus plazas habita el silencio. Un silencio helado pese al sol que las ilumina. Silencio y otros extraños habitantes también mudos, como las estatuas en sus pedestales o los extraños maniquíes.
Tomado de http://www.artslant.com/par/articles/show/5276
Ciudades fantasmas sin ruido ni tiempo. Las construcciones parecen eternas, sin que nada las pueda erosionar. Más eternas aún por la hora elegida, la del atardecer, ese momento de extrañeza en donde las cosas siempre parecen en trance de desaparecer.
Tomado de misiglo.wordpress.com
La luz cae sobre ellas de una forma diagonal, alargando sin misericordia las sombras en las que, sin que sepamos por qué, siempre existe una amenaza.
De hecho, las sombras crean unas retículas diagonales que contradicen el ritmo de horizontales y diagonales de sus edificios, creando una tensión interna que, de nuevo Dalí (el genial y original Dalí) retomará constantemente. Fijaros en este cuadro y lo veréis.
El Ángelus de Millet fosilizado. Dalí
Pero De Chirico aún nos ofrece más sorpresas. Al vacío y la luz une la perspectiva, más manierista que clásica, muy acelerada, levemente alzada, que nos transporta rápidamente por los grandes vacíos de sus ciudades para llevarnos hacia un punto de fuga en donde… no encontraremos realmente nada. De esta manera, el ojo del espectador no puede fijarse en un punto y debe moverse sin rumbo, acentuando el silencio y el vacío.
Tomado de cordovero.blogspot.com.
Pero, si seguimos investigando, aún encontraremos más sutilezas en sus pinturas. Encontraremos, sobre todo, pequeñas pero significativas incongruencias que están en la base de nuestra reacción ante sus imágenes.
Por ejemplo, las horas. No sé si os habréis fijado que en muchos de sus cuadros aparecen relojes. ¿Habéis visto las horas que marcan? ¿Realmente coinciden con esas sombras tan alargadas del atardecer?
El Enigma de la hora
Tomado de http://www.cord.edu/faculty/andersod/chirico.html
O el viento. En esas arquitecturas eternas, en donde nada se nueve, el viento es recurrente, aunque acaso no lo veamos. Pero fijaros en la cantidad de pequeñas banderolas que ondean en sus cuadros
Tomado de http://www.cord.edu/faculty/andersod/chirico.html
Pero seguid mirando y encontraréis más. Casi escondidos veréis los trenes y fábricas que se cuelan en los escenarios clásicos
Tomado de http://urbanrichardlong.wordpress.com
Unos repetitivos racimos de plátanos (tan exóticos entre tanto clasicismo) y todo tipo de verduras (alcachofas), únicos seres vivos entre tanta piedra
Tomado de surrealismosa.wordpress.com
Y aún quedan muchas más cosas en sus obras. Para no romper sus misterios os invito a descubrirla. En esta página tenéis muchas de sus obras metafísicas
Para saber más
http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc113c.html
http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/dechirico/dechirico.html
Entendemos que la identidad de cada territorio es única y que su patrimonio natural y cultural debería susurrar mensajes de inclusión y respeto. Entendemos que el medio ha de ser vivido para poder ser comprendido. Entendemos que el juego es una buena manera de aprehender el entorno.
Tomado de http://www.inclusivestudio.com (web del proyecto de la que también se han tomado las imágenes. Muy interesante su visita)
Unas gigantescas orejas artificiales…
… para poder escuchar los susurros del paisaje (Garraf)
Una lanzadera de madera de pino para que nos atrevamos a meter las manos en el arbusto y lo podamos sentir, oler.
Un aro que nos obligue a tocar la roca caliza, su granulado
Raúl Goñi realiza un trabajo muy especial a mitad de camino entre el arte, la ecología y el diseño. Lo suyo, más que hacer, es mostrar, permitir a través de mecanismos tan básicos como originales, que el hombre recobre su capacidad de sentir el paisaje.
Para ello nos guía sin tensión, ofreciéndonos pequeñas actividades que estimulen todos nuestros sentidos, intensificando la experiencia de la Naturaleza de la que cada vez nos encontramos más lejos.
Sus proyectos incluyen paseos guiados, como los de Garraf (fotos superiores) o los del bosque de Bertiz
Fijaros en esa simple cuerda que nos permite reseguir el tronco muerto del árbol, su textura.
Este estanque sonoro
Este abraza árboles, una actividad que tan poco practicamos y tan fascinante es, os lo aseguro
En toda su obra hay una intención didáctica (y esto no sólo quiere decir niños, por supuesto) que nos puede ayudar a descubrirnos mejor.
Una verdadera gozada.
