LAS CIUDADES DE JORGE MACCHI

Este autor argentino me fascinó ya hace tiempo, cuando lo conocí en una muestra de la Casa Encendida. Desde entonces le sigo la pista y me gustaría mostraros algunas obras de él en relación con la ciudad.

En ellas aplica una visión poética que, sin esquivar los problemas, nos plantea nuevas visiones de ella.

Empecemos con esta pequeña obra maestra (Caja de Música) en la que el tráfico, en vez de ruido, compone música. Fijaros cómo (por un programa de ordenador) el paso de los coches crea una pequeña partitura

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Sin embargo una de las especialidades del artista es el plano, sus sugerentes asociaciones. Como corresponde a la posmodernidad no esperéis en esos planos certezas, sino por el contrario, están llenos de accidentes, de sentimientos, de asociaciones surrealistas.

En realidad hay en él mucho de Linch y su psicología de la ciudad o de los situacionistas parisinos de los años 60 que pretendían llenar la ciudad de elementos personales, de sentimientos, apropiándose así de ella justo en el momento en el que comenzaba a crearse la metrópolis antihumana.

Como ya hacía Benjamín, Maachi pasea la ciudad para hacerla suya y el plano resultante es el de SU ciudad, única y personal. A todo esto le añade un guiño que recuerda a Duchamp y su Gran Vidrio, pues los recorridos planteados fueron los de la rotura de un vidrio sobre el plano de la ciudad.

Azar y sentimientos; en gran parte la ciudad actual se reduce a esto

Tomada de http://www.universes-in-universe.de/car/istanbul/2003/antrepo1/s-tour-14.htm (Aquí se pueden ver más fotos de la instalación)

 Otras veces el plano en sí mismo es el que desarrolla sentimientos, como en esta Ciudad Cansada

Tomado de http://www.grayareasymposium.org/blog/category/francisca-kweitel-nelli-tanner/page/2

 

O el río toma la ciudad, y el Sena (partido entre sus puentes) invade el viario

Tomado de http://www.jorgemacchi.com/cast/obras_1.htm

 

Vicente Camarasa

DE LA MÁQUINA BURGUESA A LA MÁQUINA INÚTIL. DESDE DUCHAMP Y PICABIA A TINGUELY

 

I Guerra Mundial

Tomado de historiacultural.com/2010/11/primera-guerra-mundial.html

 

Duchamp. Ready made. Rueda bicicleta sobre taburete

Tomado de

http://sobrehistoria.com/dada-el-anti-arte-al-extremo

 

EL ARTÍCULO, REVISADO Y AMPLIADO SE ENCUENTRA ALOJADO AQUÍ

 

LA NUEVA VIDA DE LOS OBJETOS. DE DUCHAMP A LA POSMODERNIDAD PASANDO POR LOS NUEVOS REALISMOS DE ARMAN, CÉSAR Y KRAPOW

 Que la posmodernidad se inició en los ochenta es, una vez más, una pura denominación, pues en el fondo, y como cada vez estoy más convencido, la inventó decenas de veces y muchos años antes Marcell Duchamp. De hecho, la imagen que abre este artículo se realizó en 1914. Un simple portabotellas que Duchamp, por el simple hecho de elegirlo entre las miles de posibilidades, lo elevó a la categoría de arte.

Desde entonces dadaístas, surrealistas o Picasso los utilizaron (los objetos), pero ciertamente será desde mediados del siglo XX cuando su posición se volvió dominante. Evidentemente el hecho está conectado con la tercera globalización que entonces empieza y en la que nosotros seguimos viviendo. Un momento de reconstrucción tras la II Guerra Mundial con la instauración definitiva de la sociedad de consumo que ya lo es todo. Vivir para consumir; esta será la regla que nosotros mantenemos pese a todas las crisis que nos intentan enseñar lo falso de este axioma.

En los mismos años 50, Debord nos calificaba como una sociedad del espectáculo, un espectáculo en donde la compra se ha convertido en la forma de ocio predominante. En esta obra el objeto se convierte en el protagonista imprescindible. Mirad si no a vuestro alrededor para ver la multitud de objetos que rodean nuestra vida más cotidiana. Decenas, cientos, millones de objetos nos rodean o, tal vez, nos oprimen con su presencia.

Gracias a su éxito la industria prosperó, prosperaron las sociedades y nos enriquecimos. Nuestra vida se volvió más cómoda pero, ¿a costa de qué? Nos enriquecimos a fuerza de esquilmar los recursos naturales, de incrementar de forma exponencial las basuras, de privar a ¾ partes de la Humanidad de lo más básico. Ésa ha sido nuestra conquista.

 

Arman. Acumulación

 

Esto ya comenzaba a ser evidente en los 50 (en la actualidad es abrumador) y una serie de artistas comenzaron a retomar el objeto ya no de forma estética sino, tal vez, ética. ¿Cómo si no explicar estas acumulaciones de objetos iguales que llevaron a la fama a Arman? Bombillas o chapas, apiladas, repetidas, puestas en una vitrina como la mejor forma de explicar en qué consiste nuestro mundo.

Arman

 Pero aún más, el propio Arman quiso ir más lejos y creó sus famosos Poubelles o Cubos de basura, recipientes en donde acumulaba la basura doméstica de la burguesía. Casi un estudio sociológico de nuestro modo de vida o, tal vez, una denuncia de nuestro consumismo, de nuestra capacidad de generación de residuos.

 

Arman. Poubelle

 

 

En una línea semejante Krapow realizó una serie de trabajos como esta instalación (reconstruida para la exposición actual) en donde es el neumático el símbolo de nuestra civilización, su apilamiento por los pasillos de lo que en un tiempo fue hospital. Una obra sin otro argumento que su dura contundencia, un tanto amenazante: los residuos nos invaden y trepan apilados unos sobre otros.

 

 

 

 

Temáticamente muy cercana se encuentra la obra de César, sus comprimidos de lo que en un momento fueron coches, ahora convertido en basura museable de vivos colores. ¿Qué más se puede decir ante sus obras? Acaso simplemente sea necesario reflexionar un poco y replantearnos nuestra forma de vida

Vicente Camarasa

EL PÚLPITO DE PISA DE NICOLÁ PISANO

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Nicola_Pisano

 

Que Italia inventara el Renacimiento no puede ser una sorpresa, pues el en fondo ya lo estuvo haciendo durante toda la Edad Media (así nos lo enseñó Panofsky en su famoso, y recomendable libro de Renacimiento y Renacimientos en la Edad Media Occidental de 1962).

Sólo hace falta mirar las sombras y los paisajes del Giotto, contemplar la catedral de Pisa como un nuevo acueducto, o echar un vistazo a esta magnífica obra del siglo XIII (1260) de Nicolá Pisano, el patriarca de una famosa familia de escultores y, si fuera poco, el maestro de Arnolfo di Cambio.

 

Si os fijáis en la foto que abre el artículo podéis ver el conjunto y sus numerosas influencias. Por ejemplo, las columnas y sus capiteles son de un claro clasicismo, o esa idea de apoyar alguna de ellas sobre leones son típicas del Románico italiano (acaso inspiradas en el Paleocristiano). Lo único que podría recordarnos al gótico sean las tracerías, aunque curiosamente no se utiliza en ellas el arco apuntado sino el medio punto.

 

Todo esto se ve mucho más claro si vemos los paneles superiores

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Nicola_Pisano

 

Todo parece clásico: el desnudo central (una especie de Buen Pastor que se mezcla con las imágenes de Hércules), la Virgen María que aparece en ambos relieves como una matrona romana, con unos paños plegados como si fueran una toga romana, los animales (especialmente los caballos) y su majestuosidad, o el mismo trabajo de relieve en varios planos que recuerda al Ara Pacis (por entonces perdida).

Y es que Nicolá Pisano se formó bajo el mecenazgo de Federico II, viajando con el por todo el sur de Italia donde podría ver decenas de muestras del arte clásico.

 

Para saber más

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/4135.htm

 

 Vicente Camarasa

 

DOS AÑOS EN CAMPO REAL (Segunda Parte)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Vicente Camarasa

DOS AÑOS EN CAMPO REAL (Primera Parte)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Vicente Camarasa

EL JUICIO FINAL DE RUBENS ANALIZADO POR UNA ALUMNA DE 2º ESO

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/3538.htm

TEMA:El juicio final.En el arte barroco es muy tìpico las pinturas que tratan de comunicar un mensaje polìtico o religioso. En este caso,el tema es religioso.
COMPOSICIÒN: Asimètrica con suaves diagonales a los lados.
LÌNEA: En el barroco se le da màs importancia al color que a la lìnea,es màs gruesa y està realizada con la tècnica de pincelada suelta.
LUZ: Se realiza un fuerte claroscuro para darle màs importancia al ser que la requiere,en el centro,y màs oscuro a los lados.
FIGURAS: Con bastante movimiento ya que en este estilo se busca llamar la atenciòn del espectador,la mayorìa tiene una expresiòn similar,de sufrimiento.
COLORES: Los colores son càlidos,y nuestros ojos se sienten atraìdos hacia el color rojo,es un color muy vivo.
PERSPECTIVA: No se ve un fondo muy definido,ya que en este estilo se busca màs la sensibilidad de los personajes y no su posiciòn en el espacio. De todas formas es aérea
COMENTARIO: Esta pintura es de arte barroco.Debido al uso de las emociones para atraer al espectador,la sensaciòn de movimiento e intentar comunicar un mensaje al espectador.Se pretende realzar el poder de la iglesia.

Arlén Díaz (2º ESO B, Sies la Poveda en Campo Real)

UNA OBRA DEL RENACIMIENTO VENECIANO COMENTADA POR UN ALUMNO. CARLOS V EN LA BATALLA DE MULLBERG. TIZIANO

 

David, en su blog ha colgado este análisis. Para entrar, pinchad aquí

 

Imagen tomada de

http://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_V_a_caballo_en_M%C3%BChlberg