AMISTAD Y HORRORES FLORIDOS

 

Los amigos no deben sentirse ofendidos porque consideremos sus regalos como Horrores Floridos  porque a lo mejor ellos son Camp y nosotros no hemos alcanzado ese nivel. Pero no hay problema siempre haremos un viaje donde podamos encontrar algo mucho más terrible y decirles muy cariñosamente que nos hemos acordado de ellos y de su estética camp delante de la tienda de souvenirs del coliseum de Roma.(o del acueducto de Segovia)

 

 

 

Aviso: esta costumbre de traer recuerdos a los amigos se vuelve peligrosa para la salud. Practicarla con moderación.

 

Cayetana

NUEVAS APORTACIONES TEÓRICAS A LOS HORRORES FLORIDOS

Tomado de http://www.anniesattic.com/crochet/detail.html?prod_id=22832

Claro, pero a lo mejor es un problema de desconocimiento de otras "culturas", juro que estas fotos son de productos de tiendas yankis que están a la venta hoy en día, y podría poner cientos.

Pero nunca os habéis preguntado si esas cosas que los chinos ponen en los escaparates, de verdad, ¿se venden?, porque a lo mejor es al revés, si tienes el valor de parar aunque solo sea a mirar  uno en público, te pagan una recompensa o algo así. Pero me temo que esto es como la tan discutida TV, en el arte puede que no, pero en el mercado si lo hay, es porque se vende.

!Ah! y otro capitulo, sobre esas cositas que tenemos por casa, si las hemos comprado nosotros vale, pero y si son un regalo, una muestra de aprecio, ¿si podemos ofender al personal?, si en la próxima visita notan la ausencia de sus presentes.
Y ya como remate y si es el Florido es fruto del trabajo de tus nanos; pues yo te lo digo, al salón y en preferente, y al final, convencida de la belleza del "susodicho" vas y no queda bicho viviente que pise tu casa que no pase por el mal trago de tener que alabar las cualidades artisticas de tu criatura. !Palabrita de Mari!
Susana

LOS HORRORES FLORIDOS. Koons y yo mismo

Por favor, mira estas dos fotos

 

Extraída de http://realestalker.blogspot.com/2008/03/update-michael-jackson_28.html

 

 

Son obra de un autor norteamericano llamado Jett Koons, un artista sumamente polémico desde hace años tanto por sus obras como por su vida privada (casado con una famosa actriz porno italiana que le sirve en muchas ocasiones como modelos). Una de sus grandes líneas de trabajo son las esculturas de objetos cotidianos hiperestetizados, es decir, de objetos en los que el tema no se corresponde con la ejecución, tan detallista, tan pretendidamente bella que llega a los límites del ridículo.

En estética calificaríamos a estos objetos como Kitsch. La palabra deriva del alemán y significaría de prisa, lo que decían los turistas ante la necesidad imperiosa de comprar algo referente a la obra de arte. Algo parecido, al menos semejante, pero que no es obra de arte por su serialización (las obras se producen en serie sin ningún interés artístico sino simplemente para calmar este impulso consumista de poseer la obra de arte) y también por su falta de gusto.

Más apariencia que esencia. Una pura y burda copia de aquello que nos produjo una emoción y que en la actualidad se ha popularizado hasta el extremo en el mercado del souvenir.

Porque, ¿Quién que no haya estado en París se ha podido resistir a comprar una torre Eiffel de plástico plateado que termina encima de la televisión? ¿Quién no tiene una caja de conchas comprada en un veraneo, una giralda de plástico? ¿No habéis visto comprar compulsivamente a los turistas extranjeros toros, bailadoras o carteles de toros con su nombre puesto?

Y lo peor, cuando se vuelve a casa y se mira el objeto adquirido, ¿quién no ha pensado pero esto qué hace aquí, como pude comprar una cosa tan hortera?.

 

¿Por qué nos pasa esto? ¿Qué extraña enfermedad nos aqueja durante nuestros viajes?

Benjamín decía por los años 20 del siglo XX que la reproductivilidad mecánica había acabado con la obra de arte, le había quitado ese aura indefinible que tenía al objeto único, toda su carga de historia, su poder magnético… Sin conocerlos todavía estaba definiendo por completo este mundo del souvenir, del recuerdo falso, carente de belleza.

 

Esto es lo que llamamos kitsch, aquello que se parece al arte pero es claramente falso. Kitsch sería el Chikilicuatre, las flores de plástico o ciertas figuritas de las tiendas a tofo un euro… Una horterada, como diríamos en lenguaje vulgar. Una horterada que los demás detectan (y acaso nosotros mismos también) como una corrupción del gusto estético, un querer pero no poder, la belleza que nunca pudo ser pero ante la cual nos sentimos, en el fondo, fascinados.

Es algo que nos ocurre a todos por mucha educación estética que tengamos, y así debemos asumirlo, pues es normal en esta cuestión ver la paja en el ojo ajeno y no la viga en el nuestro. Todos somos un poco horteras en el fondo de nosotros mismos.

 

Sin embargo, la nueva estética de la posmodernidad (el movimiento cultural iniciado en los años 80 y en el que aún vivimos) nos puede consolar, y mucho. Una crítica de gran relevancia, Susan Sontag, se refirió a lo camp, y gracias a ello nos podemos salvar. Lo camp viene a decir que no son los objetos sino la mirada o la actitud de la persona la que puede caer o no en las horterada. Así, una cosa kitsch puede ser utilizada por alguien elegante si sabe que es kitsch (estos juegos de palabras son muy típicos de la posmodernidad, lo intentaremos aclarar un poco)

La idea es sencilla. Mientras yo sepa lo que es kistch no hay problema, pues podré mirarlo e incluso disfrutarlo con una cierta mirada irónica. Sí, sé que me gustan cosas horteras pero tengo también buen gusto, que quede claro, ¿eh? Sólo lo hago para distinguirme de los demás, ser diferente a esa plebe que sí se cree su falsa belleza. Yo soy culto, y por eso puedo jugar, porque sé realmente dónde están las reglas y sólo me las salto cuando quiero, como una pequeña maldad

Éste sería, más o menos, el pensamiento camp. Una forma elitista de enfrentarse al mundo de la cultura y (según algunos) justificar al hortera que todos llevamos dentro. Su origen lo podríamos enconrtrar en Dalí (al que le fascinaban este tipo de objetos y los coleccionaba, como el famoso muñeco de Michelin o terribles altares rococós de tercera o cuarta división) y también en Warhol y su estética del todo vale. Sólo hace falta ver alguno de sus retratos más famosos.

 

¿Esto es kitsch o exquisito? ¿Hortera o trasgresor? Depende de cómo queramos verlos.

 

Y todo este rollo para poder llegar al nombre del artículo: los horrores floridos. La frase está sacada de un libro de Julio Cortázar (Los autonautas de la cosmopista. Un viaje real por las autopistas francesas). Cortázar, además de uno de los escritores más lúcidos del siglo XX era un gran conocedor de arte (del que escribió a menudo). Este bagaje cultural, sin embargo, no le sirvió en el caso de unas sillas terriblemente feas de intentar ser bellas a las que él llamó los horrores floridos. Las llevó y utilizó durante todo el viaje, consciente de su profunda carga hortera, y no fue capaz de desprenderse de ellas por mucho que supiera que eran horribles.

Sin embargo, y aquí está lo importante, él sabía que eran horribles y su sola presencia le valía para reírse de él mismo, de decirse que, siendo uno de los intelectuales de mayor fuste del momento, también era humano, y por tanto un poco hortera.

 

Esta es la actitud que me anima a empezar este tema. Jugar con nosotros mismos, practicar una autocrítica que más que molesta sea graciosa, irónica, y empezar a mirar el mundo para ir haciendo el largo catálogo de sus objetos (o actitudes) kitsch (o camp, según queráis)

 

Para dar ejemplo, comenzaré yo mismo por declararme culpable y os enseño algunos objetos que pertenecen a mi pasado, que hace años me fascinaban y que el otro día encontré en una caja.

Se trata de llaveros (pues yo hacía una colección de llaveros, lo cual es ya muy kitsch, tal vez incluso friki), y os enseño alguna perlas

 

 

 

(Ésta me parece la mejor de todas)

 

Y ahora os dejo a vosotros. Espero que me mandéis al correo todo tipo de fotos de horrores floridos, ya sean vuestros, ya los encontréis en cualquier sitio. Ponedles un título y, si queréis, un comentario y poco a poco iremos haciendo el catálogo de los kitsh.

Este es uno de vuestros deberes para este verano, el siguiente os lo diré en el próximo artículo

 

Vicente Camarasa

 

DUANE HANSON. El engaño a la mirada y algo más del hiperrealismo.

 

¿Quién es la persona real y cuál la obra de arte? Si queréis saberlo podéis ir a la exposición Duane Hanson, el sueño Americano, en la Fundación Canal (en la plaza de Castilla, junto al antiguo depósito de Agua, hasta el 24 de agosto)

Para entonces tal vez os convendría saber quién fue Duane Hanson y en qué consistió el hiperrealismo. Para ello deberíamos empezar en el famoso Andy Warhol, el gran creador del Pop art. Seguro que habéis visto alguna de sus famosas imágenes de Elvis, la lata de Sopa Cambells o sus cajas de Brillo (un famoso detergente americano).

 

Elvis doble. Extraído de http://elvisvive.wordpress.com/2007/10/02/andy-warhol-elvis

 

En todas ellas había una radical ruptura con el arte anterior, dominado por el expresionismo abstracto tipo Pollock. Frente a él, Warhol planteaba el retorno a la realidad, la más simple de las realidades, la de la sociedad de consumo.

Por ello llenó sus obras de rostros y marcas conocidos por todos, ampliando el campo del arte de una forma nunca conocida. Ya no había grandes temas, su actitud había conseguido destrozar cualquier tipo de jerarquía.

Junto a esta revolución, Warhol protagonizó un retorno hacia lo realista. En ello también fue brutal su forma de trabajar, pues rompiendo la idea tradicional del dibujo o la pintura, Warhol recurrió a la fotografía (más o menos retocada) o a los propios objetos reales que exponía en la sala de exposiciones.

 

 

Caja de Brillo. Extraído de

 http://www.fotos.org/galeria/showphoto.php/photo/128/sort/1/cat/518/page/10

 

Como veis Warhol fue mucho más allá de hacer imágenes famosas, y como ya hiciera Duchamp, renovó por completo el concepto de arte, incluso en la propia figura del artista como un producto vendible (que como ya comentaba Mar en el artículo de Dalí, tenía en el pintor español un claro antecedente).

 

Desde esta nueva tradición artística surgieron multitud de tendencias, siendo una de las más conocidas el hiperrealismo. Este nuevo estilo se basaba en dos ideas de Warhol: la importancia de lo cotidiano y banal (sin importancia), y la vuelta al realismo cada vez más extremo (de lo que sacaría su nombre, hiperrealismo).

Muchos artistas optaron por una pintura tan sumamente realista que el espectador tiene verdaderas dificultades para saber si es o no una fotografía.

 

Estes. Extraído de  http://lachispadecuada.wordpress.com/category/arte

 

Otros, como Hanson o De Andrea, se inclinaron por la escultura, utilizando nuevos materiales como resinas, poliéster, postizos, vestidos y objetos reales para conseguir esta ambigüedad entre lo real y lo fabricado con la que comenzábamos el artículo.

Cuando uno entra en la exposición (y especialmente desde lejos o en las figuras vistas por detrás) se produce un fuerte desasosiego ante las esculturas, pues las percepciones son complejas y el policía o la pareja de ancianos sentados en el banco son … parecen unos visitantes más en la sala.

El equívoco se rompe cuando nos acercamos. Se descubre el truco y las figuras vuelven a ser esculturas muy realistas, pero esculturas al fin y al cabo.

Si queréis verlo con vuestros propios ojos y sin salir de casa mirad el vídeo de la exposición que podéis encontrar en la página de la fundación canal

http://www.fundacioncanal.com/videos/hanson  

 

Pero junto a esta primera impresión que genera la hiperrealidad, la obra de Hanson tiene otros méritos que, habitualmente, suelen quedar en un segundo plano, siendo acaso lo más importante (y duradero) de su obra. Está, sobre todo, una visión crítica de la América moderna. Mirad esta foto:

 

Hanson. Turistas.

Extraído de http://www.bluemag.es/2007/10/26/esculturas-hiperrealistas-de-duane-hanson

 

Más allá del parecido con lo real, ¿qué más nos provoca?

Son guiris, ¿verdad? Turistas en su mayor y más negativa expresión. Sus calcetines blancos, la bolsa de la mujer, la gorra o la terrible camisa del hombre nos hablan de  unos verdaderos profesionales del viaje-expresss, con su cámara de fotos para recordar lo que apenas se vio un segundo.

¿Cuántos creéis que aguantarían delante de un cuadro? O, mejor incluso, ¿de qué les servirá el viaje, qué comprenderán o aprenderán de él? Seguramente nada, ¿verdad? Pasarán de una ciudad a otra como una colección de cromos que enseñarán a sus amigos, agotándoles con larguísimas sesiones de fotos en las que seguro que se oirá… Esto es Barcelona… No, no, Barcelona fue al día siguiente. Esto es París, cuando nos dejaron diez minutos para ver la Torre de Pisa

Como veis hay un mensaje crítico más allá del puro impacto visual, y en su obra desfila toda esa América menos glamorosa de la clase media estadounidense de vidas vacías, alienada, monótona… La cara contraria a la imagen que pretende proyectar Hollywood con sus grandes producciones. En la obra de Hanson no hay espacio para las grandes estrellas ni sus vidas de cuento, sólo una realidad dura, sin estilismo, peluquería ni maquillaje.

 

Éste es el valor de sus imágenes, la pura realidad también en lo iconográfico. La realidad sin belleza que se encuentra en el extremo contrario de lo que haría Botticelli si viviera en el XX, pero quizás no tan lejos de un imposible Velázquez contemporáneo (pensad simplemente en sus bufones).

Sin embargo, y aunque ya hablaremos más delante de ellos, a mi, personalmente, me interesa más en este estilo Antonio López o el canadiense Penny, no tanto por su realismo sino por su forma poética de ver el mundo (el primero) y las esculturas gigantes que juegan con el espectador y sus percepciones en el segundo

 

Antonio López. Gran Vía.

Tomado de http://manudeop.blogia.com/temas/otros-artistas-hiperrealistas.php

 

 

Penny. Arco 2008

 

Si quieres saber más del autor o del estilo puedes consultar

http://www.bluemag.es/2007/10/26/esculturas-hiperrealistas-de-duane-hanson

 http://manudeop.blogia.com/temas/otros-artistas-hiperrealistas.php

 

Vicente Camarasa

EL NUEVO SKYLINE DE MADRID

Los primeros rascacielos surgieron a finales del siglo XIX en Chicago, después de un gran incendio que devoró gran parte de la ciudad. Fue un simple motivo económico (aprovechar el suelo) apoyado por las nuevas técnicas del hierro y cristal que alejaban los futuros peligros de incendio.

Sin embargo, ya en el siglo XX, estos rascacielos poco a poco fueron adquiriendo un fuerte valor simbólico: el del poder económico del país emergente que era entonces EE UU. Como dice Kotkin, los rascacielos fueron la respuesta americana a las catedrales góticas europeas, su fe en el progreso y el capitalismo frente a la antigua Europa.

Así, la zona central de la ciudad americana se fue llenando de ellos y creó el modelo del paisaje de la modernidad: Manhattan.

 

 

Los geógrafos comenzaron a llamar a este tipo de barrios verticales como CBD (distrito de negocios), el centro financiero de la misma, dedicado al sector terciario y tan abarrotado durante el día como vacío y silencioso durante la noche.

Su progresivo prestigio hizo que las principales firmas comerciales intentaran establecerse en este distrito, aumentando los precios del suelo y obligando a los arquitectos a realizar proezas mayores para conseguir altura, tanto para proporcionar más espacios a las oficinas como por puros motivos simbólicos: hacer sobresalir el nuevo edificio frente a los demás.

Junto a ello se unen ventajas de tipo económico, al abaratar el precio del suelo, mejorar las condiciones económicas al acercar empresas y departamentos, disminuyendo las dificultades de comunicación, y creando edificios inteligentes de menor gasto energético, adaptado a las nuevas tecnologías de la información.

Todo este proceso termina por crear un nuevo perfil de la ciudad (su skyline) que se convierte en imagen de la misma. ¿Cuántas películas han utilizado el de Manhattan para colocar sus escenas más intensas?

Pero este simbolismo tiene su reverso tenebroso, tanto en lo psicológico (el trabajo en estas torres de clima artificial puede provocar ciertas enfermedades profesionales) como en lo puramente funcional (problemas de congestión de tráfico, de seguridad…) que muy pronto hicieron del rascacielos un objeto ambivalente tan fascinante como llenos de peligros que ya retrató el cine (El Coloso en llamas que inició la serie de películas de catástrofes como la novela, magnífica, de Rascacielos de    )Tan evidente fue su fuerte simbolismo que el primer gran ataque terrorista del siglo XXI se hizo sobre ellos. Pues no sólo se iban a contar muertos sino que se iban a convertir en el icono visual del inicio de esta ¿Tercera Guerra Mundial?

 

 

FOTO TORRES GEMELAS

 

Ya fuera de EEUU, otros países siguieron su ejemplo: unir crecimiento económico con la retórica del rascacielos, y nuevos países emergentes en Asia (Torres Petronas en Taiwan; nueva imagen de Dubait…) reconvirtieron la ciudades horizontales de pequeñas casas en grandes urbes verticales que han variado por completo su imagen global.

 

Torres Petronas del arquitecto Pelli

 

(Dubait. En construcción)

 

En Europa, sin embargo, el rascacielos ha tenido una historia más difícil, y no por falta de técnica, sino por motivos mucho más sociales. El tipo de ciudad europea, tan cargada de historia, resulta muy complejo para crear en ellos altos edificios, pues su sola presencia altera por completo la imagen de la ciudad.

Madrid construyó su primer rascacielos en la gran reforma urbana del XX, la Gran Vía. Calle que rompía el tejido antiguo para comunicar los ensanches de Madrid. Fue el edificio de telefónica, aún adornado en su parte baja con motivos barrocos (y que serviría como punto de mira para bombardear la ciudad por parte de las tropas franquista desde el cerro de las Garabitas, en la casa de Campo)

 

Edificio Telefónica. Gran Vía

 

Sin embargo, el gran impulso se produjo en los años 80 del XX con la creación de una pequeña CBD al modo americano: Azca. En ella se levantaron en muy poco tiempo la Torre Europa (actual caja Madrid), la torre Windsor, abrasada por las llamas como un irónico comentario de la historia que empezábamos en Chicago, la torre BBVA, de Saínz de Oteiza (quizás la mejor de todas) y el edificio más alto del momento, la Torre Picasso, creada por el mismo creador de las torres gemelas (Yamasaki). Al conjunto se añadió las torres Kío (1996), consideradas como los primeros rascacielos inclinados del mundo

 

(Torre Europa)

 

Complejo Azca. En la derecha el BBVA y tras él, tan blanco, la Torre Picasso

 

A partir de 2006 se inició la por el momento última reforma del skayline madrileño. En los antiguos terrenos del Real Madrid se están construyendo cuatro altas torres que formarán las Cuatro Torres de Business Area. La torre Caja Madrid (el más alto de España, con 250 metros), obra de Norman Foster, uno de los arquitectos más prestigiosos de la actualidad; la torre de Cristal, de César Pelli, el creador de las Torres Petronas;  Torre SacryVallermoso, Carlos Rubio Carvajal y Enrique Álvarez-Sala Walter; y la Torre Espacio, de Ming Pei, a mi juicio la más elegante de las cuatro con su perfil curvo y cambiante según  el movimiento del espectador.

 

De izquierda a derecha los rascacielos tal y como los describe el texto anterior)

 

De izquierda a derecha: Torre SacryVallermoso y Torre Espacio.

 

La casi ya conclusión de las mismas ha cambiado por completo el skyline de la ciudad, antes sumamente horizontal y rojizo. Si habéis tenido la oportunidad de entrar en coche en Madrid desde la carretera de la Coruña o la de Colmenar, su silueta es visible a más de 50 Km de distancia, dejando enanas a la torre Picasso o las de Kio y rompiendo la unidad anterior. Su construcción casi contigua descompensa el resto de la imagen y más que crear un nuevo perfil, anula el resto de la ciudad y la convierte en un poblachón plano en medio de la llanura.

 

 

 

Dos vistas del nuevo skyline de Madrid

 

Quizás esta sensación sea momentánea, y con el tiempo nos vayamos acostumbrando, aunque el cambio de escala con el resto de Azca y su situación periférica en el conjunto va a hacer difícil que ésta se convierta en la imagen simbólica de una ciudad que, en líneas generales, no tiene nada que ver con esta macrociudad vertical y ultramoderna.

Quien sabe. A veces los contemporáneos no sabemos valorar. Recordad las críticas terribles que recibió la torre Eiffel y cómo ahora es el verdadero icono de la ciudad de París.

 

Escritores, escultores, pintores y amantes apasionados de la belleza hasta ahora intacta en París, venimos a protestar con todas nuestras fuerzas y con toda nuestra indignación en nombre del gusto francés despreciado y en el nombre del arte y la historia francesa amenazados, en contra de la erección en pleno corazón de nuestra capital de la inútil y monstruosa torre Eiffel. ¿Hasta cuándo la ciudad de París se asociará a las barrocas y mercantiles imaginaciones de un constructor de máquinas para deshonrarse y afearse inseparablemente? Pues la torre Eiffel, que ni siquiera la comercial América querría, es, no lo dudéis, la deshonra de París. Todos lo sienten, todos lo dicen y todos lo lamentan profundamente, y no somos más que un débil eco de la opinión universal, tan legítimamente alarmada...

Documento público de los artistas ante la creación de la torre Eiffel

 

Por tanto deberemos de esperar y adaptar nuestras percepciones, pues el hecho es irremediable y, quizás, con el tiempo, simbólico. Quien sabe lo que pensaremos dentro de unos años. Si queréis ver una opinión más optimista que la mía y magníficas fotos, consultad; http://www.soitu.es/soitu/2008/07/08/disenoyarquitectura/1215508542_123054.html

 

Vicente Camarasa

 

TRES CUADROS DE SALVADOR DALÍ

Tomado de upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/...

 

Subversivo, estrafalario, tremendamente narcisista y con una imaginación desbordante. Así es como muchos definen al genio de la pintura, nacido en Figueras en 1904, llamado Salvador Dalí. Ya desde temprana edad muestra tener un inusitado talento para la pintura tal y como se observa en sus primeras obras en las cuales, con una preocupación por la luz y el color, aparecen representadas casas que recuerdan a las del sur o Desnudo en un paisaje (con una muchacha similar a la maja desnuda de Goya) y cuya técnica a base de pequeños puntos se asemeja a la utilizada por el postimpresionista Seurat. Durante su etapa en Madrid conoce al Lorca (colabora con él en el montaje de Mariana Pineda) y a Buñuel ( participa junto con éste último y Pepín Bello en la llamada "Orden de Toledo") ayudando además en el rodaje de películas como La edad de oro y Un perro andaluz junto a Buñuel, donde sólo se permite lo irracional y las imágenes no se atienen a ninguna lógica, algo que cobrará un mayor sentido cuando André Breton las califique de surrealistas.

 

La llegada de Dalí a París supone un descubrimiento del Surrealismo que, como hemos estudiado, intenta expresar las emociones sin seguir un razonamiento lógico. Esto nos conduce hacia las teorías de Sigmund Freud (en especial las que tratan del desarrollo de la personalidad de acuerdo con las etapas psicosexuales) las cuales junto con la mayor aportación de Dalí, el MÉTODO PARANOICO-CRÍTICO (basado en la asociación interpretativo-crítica de los fenómenos delirantes, esto es, las interpretaciones de sus sueños y las deformaciones que le proporcionan los trastornos psicológicos) tienen un destacado papel. Todo lo anterior junto con numerosas técnicas surrelistas como las dobles imágenes (habitación de Mae West), temas oníricos, formas geológicas de extrañas erosiones (si os acordáis Gaudí lo hacía de una forma similar a través de las sugestiones. Casa Batló), las obsesiones de su subconsciente (SIMBOLOGÍA ERÓTICA Y SEXUAL, LO PUTREFACTO, LOS INSECTOS, LO ESCATOLÓGICO, LA OBSESIÓN POR LA COMIDA..) y su inseparable mujer Helena Deluvina Diakonoff ( más conocida como GALA) serán una constante en su producción.

 Cabe destacar, además de sus propias aportaciones estéticas, una ejecución pictórica minuciosa con un gran cuidado del dibujo y la forma (no en vano en su mente estaban autores como Velázquez, Vermeer, Botticelli, Millet o Leonardo).

Su lista de pinturas es interminable pero me voy a centrar en tres que especialmente me gustan.

 

EL  ENIGMA DE GUILLERMO TELL

 

 

Una obra muy peculiar donde está presente el rechazo del padre de Dalí hacia su relación con Gala (por ser una mujer casada). Aquí representa a Lenin con un sombrero que se prolonga hasta apoyarse en una muleta (muy utilizada por Dalí en sus obras para sostener estructuras blandas) y sin calzoncillos. También un " reloj blando" (inspirado en la visión que tuvo de un queso Camembert derritiéndose), unas nueces que parecen estar a punto de ser aplastadas por el pie de Lenin (con ello podría representar la posición de su padre con respecto a su relación amorosa) y unos pájaros picoteando unas migas (adelantando su futura colaboración con Hitchcock y su famosa película Los Pájaros). Esta obra supone la ruptura con los surrealistas que intentan sin éxito destrozarla.

 

SUEÑO CAUSADO POR EL VUELO DE UNA ABEJA EN TORNO A UNA GRANADA, UN INSTANTE ANTES DE DESPERTAR,

 

 

Gala, desnuda y levitando, se despierta por el zumbido de una abeja y esto le evoca la imagen de un arma que parece a punto de herirla. Con esto pretendía plasmar en imágenes el descubrimiento de Freud de un sueño en el que por un ruido en un instante se provoca el despertar (algo que seguramente nos habrá ocurrido a todos alguna vez)

 

EL ÁNGELUS DE MILLET

 

 

Obra a la cual nosotros daríamos un sentido religioso (que parece el más evidente) pero qué el relaciona con LA CASTRACIÓN Y LA MUERTE,  y es que siguiendo las teorías de Freud identifica a la campesina con la mantis religiosa que devora al macho tras el acto sexual y a la carretilla como una imagen de sumisión sexual.

Todo en un paisaje extrano y fascinante que se basa en el de Port Lliigart y Cap de Creus

Si quieres saber algo más de este cuadro al que Dalí dedicó un libro completo busca en:

 http://aquileana.wordpress.com/2008/04/02/jean-francois-millet-el-angelus-salvador-dali-reminiscencia-arqueologica-de-el-angelus-de-millet/

 

Como podéis ver la pintura de un hombre considerado precursor de Andy Warhol y apasionado reconocido del dinero (André Breton lo llamará "Avida Dollars"), ingeniosa y muy ocurrente de la que a veces podemos desconocer(o no conocer totalmente) su significado pero como él mismo decía " el hecho de que yo en el momento de pintar no comprenda el significado de mi cuadro, no quiere decir que no lo tenga".

Para saber más sobre los temas recurrentes de Dalí se puede consultar Un perro andaluz 

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE DALÍ

 

 Mar San Segundo

 

 

CUANDO SE INVENTARON EL CAMINO. LAS TRES VIDAS DE SANTIAGO

 

 Santiago. Santa María de Tera (Zamora)

Es la imagen más temprana de Santiago como peregrino

 

La propia Iglesia actual reconoce que Santiago no estuvo aquí. Sin embargo permite su culto, así como su nombramiento como patrón oficial de España. Por eso, precisamente hoy, que es fiesta gracias a él, vamos a contar su historia, una de las más fascinantes de todo el santoral cristiano, tan falsa históricamente como bella y, sobre todo, muy aleccionadora para entender ciertos sucesos que ocurren en la vida.

 

Santiago, el menor, aquel que Cristo prefería entre todos sus discípulos (pues sería su hermano pequeño, según los Apócrifos) y en las representaciones de la Última Cena aparece dormido junto al Señor (no es Magdalena, no os dejéis engañar por El Código Da Vinci), vino a Península y durante casi tres años predicó en nuestras tierras sin demasiado éxito, pues sólo consiguió 7 adeptos, aunque se le apareció, en Zaragoza, la Virgen sobre un Pilar (origen de esta advocación), consolándole con una frase un tanto misteriosa: Lo que no conseguiste en vida, lo harás tras la muerte.

Tras ello volvió a Palestina en donde se enfrentó con un famoso mago de la zona, al que consiguió convertir. Tras varias peripecias más, en el año 44, Herodes Agripa lo mandó prender y ordenó que le cortaran la cabeza.

 

 Ribalta. Martirio de Santiago.

 

Aquí comenzó la segunda vida de Santiago. Unos discípulos le embarcaron en una barca de piedra que sin remos ni vela, pero empujado por los ángeles que, con sus solas fuerzas celestiales, afrontaron la arriesgada travesía de todo el Mediterráneo hasta las columnas de Hércules (Estrecho de Gibraltar), remontar el Atlántico y llegar al fin a un rincón escondido de una ría gallega, anudando la barca a un gran pedron (Padrón, donde los pimientos).

Se encontraron entonces con un terrible personaje, la reina Lupa, que les ofreció un carro tirado por toros salvajes que, milagrosamente y ante el signo de la cruz que les hicieron en la testa, se volvieron mansos como bueyes.

Anduvieron con su santa carga hasta el mismo centro del palacio, de donde nadie fue capaz de moverlos. Allí mismo lo enterraron ante la reina que había quedado enmudecida por el prodigio.

 

 

Tumba actual de Santiago

 

Después la historia descansó nueve siglos, sin que nadie supiera de aquellos sagrados restos, hasta que una noche de verano del año 813 el eremita Pelayo observó resplandores (ahora las llamamos estrellas fugaces, y pedimos un deseo) y cánticos celestiales en el lugar. (De ahí los de Campo setellae o Compostela).

Aquí comenzó la tercera vida del santo, su verdadera reinvención. Los hechos se sucedieron muy deprisa, apoyados en la mentalidad religiosa medieval pero también los cálculos políticos y económicos de los reyes españoles y la orden de Cluny, íntimamente unida al papado

El eremita advirtió al obispo de Iria Flavia, Teodomiro, quien después de apartar la maleza descubrió los restos y ¡los atribuyó sin duda alguna al apóstol que llevaba 800 años en silencio!

Tras ello fue informado el Rey Alfonso II, el Casto, aconsejado por el famoso Beato de Liébana que, curiosamente, unos años antes había dedicado sus horas a creación de himno en honor a Santiago

Toda una amplia comitiva acudió entonces al lugar y proclamó al apóstol Santiago patrono del reino, edificando allí un santuario que más tarde llegaría a ser la Catedral.

 

 Ribalta. Descubrimiento (invención) del cuerpo de Santiago

Por favor observad la cara del rey Alfonso II

 

Era entonces los finales del siglo IX, y el reino Astur se encontraba empeñado en una guerra contra los musulmanes que luego llamarían Reconquista. Los islámicos tenían ya su concepto de guerra santa y un lugar de peregrinación: La Meca.

Pero a veces ocurren cosas (o simplemente se inventan) que cambian las situaciones más torcidas, y Ramiro I se enfrentaba con bastante poco éxito a los musulmanes de Abderramán II en la batalla de Clavijo cuando un jinete sobre un caballo blanco hizo virar el rumbo de la batalla. Al terminar ésta con la victoria cristiana, todos los vencedores quedaron estupefactos al ver a aquel misterioso caballero levitando por los cielos. ¡Era Santiago, desde entonces apodado el Matamoros!

 

 Ribalta. Santiago Matamoros

 

A partir del siglo XI el Camino tuvo un fuerte impulso regio. Los reyes navarros (Sancho III el Mayor) y luego castellanos y leoneses (Fernando I, Alfonso VI) vieron los beneficios tanto económicos (el camino se convirtió en una gran vía de comercio que fue acabando con el feudalismo anterior) como ideológico (tanto en su acercamiento a Europa como para su lucha contra los cristianos, que en el fondo era lo mismo). Aparecerán así numerosos barrios francos (aunque no fueran exclusivamente franceses)

El otro gran interesado por el Camino será la orden de Cluny, que vio en él el lugar perfecto para expandir la nueva reforma del Papa Gregorio (reforma gregoriana, que se desarrolló a la vez que el románico). Desde su sede central en Francia la orden de Cluny comenzó a crear monasterios, hospederías, hospitales y todo tipo de infraestructuras para los peregrinos mientras el papado daba indulgencia plenaria (el perdón de todos los pecados) a los mismos. Si a esto le añadimos el culto a la reliquias (huesos y recuerdos divinos y de santos) de los que estará plagado el Camino, podemos entender su auge extraordinario de verdaderas multitudes hacia Santiago que tanto influyó en nuestro arte como en nuestra economía

 

Reliquia (obviamente falsa) de las herraduras del caballo de Santiago en las batallas de las Navas de Tolosa (1212)

 

Y, como dicen los cuentos, colorín, colorado, aunque este cuento no se ha acabado y todavía volveremos al tema con miles de cosas más, desde los celtas al camino de las estrellas, las reliquias falsas y verdaderas, la primera guía de viaje de la historia, los milagros de una gallina que canta tras ser cocida, los templarios, la picaresca o el propio nieto de Noé, Túbal.

 

Para saber más de su iconografía

 

Vicente Camarasa

 

Si os habéis fijado muchos de los cuadros pertenecen al mismo autor, Ribalta. Es un pintor valenciano de principio del siglo XVII (acaso el maestro de Ribera) que introduce las formas de Caravaggio. Todas pertenecen al retablo de Santiago de la iglesia parroquial de Algemesí (Valencia), sumamente importante por su calidad artística, pero mucho más por ser el lugar en donde nació mi padre, pues eso está por encima de cualquier arte.

 

UNA FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL CAMINO DE SANTIAGO

 

 

SAN CRISTÓBAL. EL SANTO QUE YA NO LO ES

Seguro que muchos de vosotros lo habréis visto en forma de imán, en el salpicadero de algún coche, pues se supone que es el patrón de los conductores. Sin embargo, su protección ya no es oficial, pues hace bastante años que el Concilio Vaticano II lo eliminó del santoral, considerándolo una pura leyenda medieval

Según Santiago de la Vorágine (el redactor de la leyenda dorada, obra que inspiró gran parte de la iconografía gótica) se trataba de un verdadero gigante que un día salió de su pueblo natal para buscar a un señor digno de él

Cristóbal sirvió primero a un rey, aparente señor de la tierra, pero al verle temblar ante la mención del diablo, lo abandonó. Cristóbal entonces decidió ponerse al servicio del diablo, pero también supo que éste tenía una debilidad, tenía temor a un tal Jesucristo.

Sin saber muy bien por donde empezar comenzó a recorrer los caminos en su búsqueda hasta que llegó a un río sin puente, con un vado tan peligroso que muchos se habían ahogado, intentando pasarlo. Cristóbal se quedó entonces allí, pasando sobre sus hombros a los viajeros, ayudado de un gran bastón que se había hecho con un árbol caído

En eso estaba cuando un nuño de pocos años le pidió pasar. El gigantón lo puso sobre sus hombros y, según atravesaba el vado, fue hundiéndose cada vez más. ¿Cómo podía pesar tanto un niño tan pequeño?

- Pues yo llevo encima todos los pecados del mundo – le dijo el Niño que apareció reluciente .

El gigante le miró con sorpresa; había encontrado a Cristo.

-  A partir de ahora te llamarás Cristófono (Cristóbal), el portador de Cristo. A cualquiera que ayudes a pasar el río, me ayudas a mi – le dijo Cristo

Y en aquel mismo momento el gran tronco que llevaba como bastón floreció en la forma de una enorme palmera

Aunque se ha eliminado del santoral la iglesia autoriza su culto, así como la preservación de los modelos históricos, como este fresco gigante que os mostramos, en uno de los brazos de la catedral de Toledo

 

 

Vicente Camarasa