Blogia

sdelbiombo. Una mirada artística al mundo

PARA EMPEZAR A ENTENDER EL BARROCO: EL CONDE DE VILLAMEDIANA Y DOS LIBROS.

 

 

Muerte del conde de Villamediana  Manuel Castellano. 1868 

Tomada de http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/11023.htm

 

Ya sabéis que era Don Juan

 dado al juego y los placeres;

 amábanle las mujeres

 por discreto y por galán.

 Valiente como Roldán

 y más mordaz que valiente...

 más pulido que Medoro

 y en el vestir sin segundo,

 causaban asombro al mundo

 sus trajes bordados de oro...

 Muy diestro en rejonear,

 muy amigo de reñir,

 muy ganoso de servir,

 muy desprendido en el dar.

 Tal fama llegó a alcanzar

 en toda la Corte entera,

 que no hubo dentro ni fuera

 grande que le contrastara,

 mujer que no le adorara,

 hombre que no le temiera

 

Extraído de http://es.wikipedia.org/wiki/Conde_de_Villamediana

 

Así describía Antonio Hurtado de Mendoza al Juan de Tassis, el famoso Conde de Villamediana, uno de mis personajes históricos favoritos, como más de uno ya sabéis.

Si hoy lo incluyo en el blog no es por sus retratos (de los que ninguno se conserva), ni por su palacio (que se destruyó) sino por representar a la perfección el mundo barroco español, siempre tan sumamente contradictorio. Pues el conde aspiró al poder como si éste fuera una obra de arte, la más compleja y perfecta de todos (como probablemente bien supo Velázquez que no sólo pintó sino estuvo constantemente haciendo política para su rey, Felipe IV).

Pero aún fue más lejos y convirtió su vida en una larga y excesiva pieza de teatro, jugando a las mil maravillas con la palabra clave que nos definirá a los españoles de este Siglo de Oro, las apariencias. Y fue galán (casi un precursor de Don Juan Tenorio), pero también poeta de enrevesados versos, bebedor, jugador y, a la vez, poseedor de un gusto exquisito tanto el vestido como para las obras de arte. Lo fue todo a la vez, y bisexual (muy probablemente), amante de la reina Isabel y también de la propia amante del rey (doña Francisca de Tavara), poniéndole doblemente los cuernos al rey que pretendía acaparar a toda costa para convertirse en su valido, en contra del Conde Duque de Olivares.

Y fue amigo de Góngora y enemigo acérrimo de Lope y Quevedo y, cuando se enfadaba, se encerraba en las letrinas de su palacio o escribía un verso. Pues todo formaba parte de los complejos engranajes del siglo XVII, la brutalidad más descarnada y las más hermosas palabras, lo refinado y lo grotesco, el meticuloso protocolo de la corte y las peligrosas noches entre tabernas, prostíbulos y duelos en la penumbra.

Así es cómo debemos entender nuestro arte barroco, como una representación, una pura ficción (pensad, de nuevo en Velázquez) en donde se unen reyes y bufones, tabernas y escenas religiosas. Un lugar en donde los dioses acaso no son tan perfectos (la fragua de Vulcano) o las Venus desnudas son mujeres de carne y hueso que, sin embargo, al reflejarse en un espejo, se convierten en puras manchas.

 

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:VelazquezVenues.jpg

 

Mirad cómo definía el propio conde al estar enamorado

 

Determinarse y luego arrepentirse;

empezar a atreverse y acobardarse;

arder el pecho y la palabra helarse;

desengañarse y luego persuadirse.

Comenzar una cosa y advertirse;

querer decir su pena y no aclararse;

en medio del aliento desmayarse,

y entre el amor y el miedo consumirse.

En las resoluciones detenerse;

hallada la ocasión no aprovecharse,

y perdido de cólera encenderse.

Y sin saber por qué, desvanecerse;

efectos son de amor; no hay que espantarse,

que todo del amor puede creerse

 

Todo este mundo de puras contradicciones Cervantes ya lo supo ver en su Quijote que veía gigantes o princesas en donde Sancho veía molinos o puras campesinas; algo parecido a lo que sucedía en la vida real de podredumbre, vicios, hambre y fanatismo religioso que se convertía, sin sorpresa ni transición, en el lujo más desaforado de la corte, sus trajes negros, sus ademanes medidos en la interpretación de sus vidas. (Como diría De la Flor, un mundo que antepone el imago a la imagen)

 

 Ribera. El patizambo.

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Jos%C3%A9_de_Ribera_017.jpg

 

La vida es el gran teatro del mundo, diría Calderón, pero mucho antes el Conde de Villamediana ya lo había demostrado, interpretando una vida azarosa, siempre al filo de la navaja afilada que al final terminó por matarle, pues tenía tantos enemigos como versos escritos y aunque fuera un diestro rejoneador (como demostró en numerosas ocasiones en la Plaza Mayor), no pudo desviar su destino trágico, el mismo que vemos en los ojos de Felipe IV que heredó un Imperio que apenas si pudo dejar hecho añicos a un deficiente mental, su hijo Carlos II.

 

 

 Por todo esto, porque el arte del barroco es un espejo (deformado y a veces deformante) de la realidad de un siglo tan contradictorio, para empezar a entender las Meninas es necesario saber cómo vivían los pobres, escuchar sus lamentos sobre un rey al que, al mismo tiempo, odiaban y reverenciaban. Saber de la complejidad para entender el más simple de los bodegones de Zurbarán, pues en aquel momento todo estaba íntimamente unido y se vivía con una pasión que a nosotros (ciudadanos de un mundo políticamente correcto) nos dejaría espantados.


Así que os recomiendo que, si queréis comenzar a comprender la pintura o la arquitectura leáis a Lope o Calderón, pues en sus páginas se explican cosas que nunca encontraréis en los manuales de arte o de historia. Y si no queréis ir tan lejos intentad lo con algo más sencillo, como la serie del Capitán Alatriste de Pérez Reverte o (me da una cierto pudor citarme a mi mismo) con el Señor del Biombo.

Yo, este verano, he aprendido muchísimo de arte barroco leyendo dos novelas históricas. Ladrones de Tinta, de Mateo Sagasta, y el Pintor de Flandes de Rosa Ribas. La primera es fantástica para conocer al pueblo llano de Madrid y moverse por la ciudad como si ésta de verdad aún existiera. La segunda habla de un inventado discípulo de Rubens que es utilizado por el conde de Villamediana para trazar un ambicioso proyecto político. Las dos son lecturas fáciles y, sobre todo la primera, verdaderamente apasionante.

Pero ante todo, os recomiendo la obra de Néstor Luján Decidnos, ¿quién mató al Conde? de la que podréis saber mucho más aquí

 

EL CONDE DE VILLAMEDIANA EN NUESTROS BLOG

.

 

Villamediana. Dos poemas de amor
.
Villamediana y el toreo
.
Los supuestos amores "reales" de Villamediana

 

Un poema de Góngora a la muerte de Villamediana

.
Un Padrenuestro con moraleja política 

.

 

También os recomiendo.

http://www.jornada.unam.mx/2000/11/19/sem-sarabia.html  (Sobre las sátiras de los escritores del Siglo de Oro)

http://www.filosofia.tk/versoados/articulos/articulo_villamediana.htm (Sobre algunas anécdotas del conde)

http://www.islaternura.com/APLAYA/NoEresElUnico/T/TA/TASSIS%20Juan%20de%20Julio%202007/Juan%20de%20Tassis%20Biografia.htm (Más biografía del conde)

Vicente Camarasa

NEFERTITI Y LA REFORMA DE AKEATON

 

 

EL ARTÍCULO, REVISADO Y CON NUEVAS IMÁGENES, SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 

 

 

HASTA FINALES DE AGOSTO

Como habéis visto he conseguido meter unos cuantos artículos en este pequeño intermedio que me he podido permitir. Ahora tengo que volver al trabajo, aunque ya os puedo anunciar que en Septiembre os puedo dar una buena noticia.

Por otra parte, si miráis los temas se han añadido varios apartados. Algunos son para organizar mejor el blog mientras otros (como el arte oriental, Sevilla, Alcalá de Henares, Colonia...) se han puesto por los comentarios que me habéis mandado al blog o el email. Si queréis alguno más no tenéis más que decirlo. (Por ahora mucho están vacíos, claro, pero ya se irán llenando).

Espero que según vayáis volviendo de vuestras vacaciones me envies nuevas sugerencias, fotos interesantes y, sobre todo, artículos... No quiero mirar a nadie pero más de uno se ha comprometido ¿eh? Recordad que el blog es, sobre todo, vuestro.

Os dejo una foto sobre el prmer artículo que se pondrá a finales de mes

Un abrazo/beso a todos/as .

 

EMPEZAREMOS POR EL FINAL. CHINA 8-8-2008

 

Con este artículo comenzamos un nuevo aspecto del arte que habitual no se estudia en Europa: el arte oriental. Una aventura verdaderamente fascinante que, como habéis visto, ha influido en gran parte del arte occidental contemporáneo (Manet, los impresionistas, Van Gogh, Klein, Rothko, Kandinsky…).

Pero en vez de hacerlo por el principio, aprovecharemos la ocasión de la inauguración de las Olimpiadas de Beijing, y comenzaremos desde hoy para poco a poco ir hacia atrás.

Si no habéis podido ver (ya en directo, ya en las miles de repeticiones) la ceremonia de inauguración la podéis encontrar entera en

http://www.rtve.es/deportes/pekin08

En ella se han unido la tecnología más sofisticada con su cultura milenaria, a veces con gran eficacia visual, otras veces no tan afortunadamente.

A mí en particular me han encantado varias cosas.

 

En primer lugar el estadio nuevo, el llamado Nido, construido por los mismos arquitectos del Caixa Fórum, Herzog y de Meuron.

 

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Stade_national_Pekin.jpg

 

Como en gran parte de sus obras, la supertecnología que utilizan queda en un segundo plano y, en vez de enseñarse con una cierta soberbia, sirve para crear imágenes de gran potencia. Grandes vigas se van entrecruzando hasta crear una estructura parecida a un nido de pájaro, con un techo ondulante y unas grandes posibilidades de utilizar las luces interiores para crear una imagen en negativo coloreado (como se ha visto en la ceremonia). Consta además de una gran pantalla en la parte superior que se ha utilizado en varias ocasiones, sobre todo en la imagen del encendido del pebetero, verdaderamente espectacular.

En cuanto a la propia ceremonia me ha fascinado una de sus primeras escenas: la creación de un paisaje por medio de bailarines. Se unía así lo más actual de las artes (al unir una danza, verdaderamente exquisita, con la pintura gigante y hecha en vivo) con una de las tradiciones más interesantes de la pintura oriental: el paisaje.

 

 

En oriente, y en relación con el taoísmo y el budismo, el paisaje y su relación con el hombre siempre han tenido gran importancia.  En occidente esto fue un descubrimiento del XVII en Holanda y después del XIX (los impresionistas influidos por la pintura japonesa). Sin embargo, en Oriente fue una tradición milenaria, con numerosos estilos, que buscan la esencia de la Naturaleza como la verdadera esencia de la divinidad.

 

Otros de los momentos espectaculares ha sido la creación de caracteres chinos (una forma de arte en sí mismo íntimamente relacionada con el zen y la pintura con tinta) por medio de una especie de vigas que subían y bajaban. Acostumbrados a la tecnología parecía una animación por ordenador cuando, al final, se mostró que estaba hecho por personas que estaban en su interior, coordinados a la perfección.

 

Sumamente oriental fue la floración de los melocotoneros que recuerda la importancia de las estaciones y el paso del tiempo en su cultura, que no se opone a lo natural (como ocurre habitualmente en occidente) sino que se adapta a él y su fluir, pues ante todo interesa la armonía con el resto del universo. (Eso ya lo comprendió Van Gogh al llegar a la Provenza y pintar con verdadera obsesión los almendros en flor, como una verdadera pintura japonesa, le escribiría a su hermano Theo)

 

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Vincent_Van_Gogh_0022.jpg

 

También me han fascinado los juegos ópticos de los miles de figurantes haciendo figuras así como los fuegos artificiales, como no podía ser menos en el país en donde se inventó la pólvora. Ambos insistían en el carácter de fugacidad que tiene una gran parte del arte oriental, menos obsesionado por fijar las cosas que nosotros, los occidentales. En su cultura se valorará mucho más lo que ocurre, como ya decíamos, desarrollando un modo de percepción diferente a la nuestra, mucho más atenta por lo efímero, las cosas diminutas, los pequeños cambios, los matices… Una forma más suave y sutil de relacionarse con el mundo, siempre en constante cambio.

 

  

 

Tomado de

http://www.diario.com.mx/nota.php?notaid=a9a5169f9ce03798dda5855e60557493

 

Asombraron también el uso del color, las luces y especialmente el vestuario, con un interés por las texturas y las posibilidades de movimiento de las distintas que recuerdan el gusto tradicional de lo oriental por los textiles (especialmente la seda, que fue durante siglos el gran secreto de estado) así como el fuerte sentido ceremonial que tienen todos los movimientos que evitan la dureza y buscan la sensación de fluidez y danza

 

 

En el lado negativo (siempre en mi opinión, por supuesto), habría que incluir el tiempo dedicado al taichi (al que se le habría podido sacar muchas más posibilidades), algunas figuraciones sobre ópera china (que fácilmente podía caer en lo kitsch)

 

 

Tomado de http://www.jjoo.clarin.com/diario/2008/08/08/01732885.html

 

En otro sentido, quizás menos artístico, durante toda la retransmisión tuve la extraña sensación de ver algo que era un simple simulacro, una bella mentira para impactar al mundo que era falsa en dos sentidos. Por una parte todo este ensalzamiento de la cultura tradicional chocaba con la actitud que el partido comunista (especialmente en tiempos de Mao y su Revolución Cultural) tuvo contra ella, intentándola eliminar a favor de las esencias comunistas. Por otra, todo aquel de espectáculo de luz y color estaba sirviendo de pantalla a uno de los regímenes más represivos que existen en la actualidad que encabeza la lista de penas de muertes ejecutadas e incumplimiento de libertades. (En concreto resultó bastante desagradable ver alguno de los fuegos artificiales desde la plaza de Tianamen, en donde se produjo la matanza de 1989 cuando estudiantes y obreros pedían más libertades).

En cuanto a la tecnología, lo ya supuesto, una gran fiesta de luz y color que aportaba poco a lo que ya hemos visto en otras ocasiones

 

Vicente Camarasa

 

EL CONCEPTO DE BELLEZA EN EL HELENISMO. La Victoria de Samotracia

 

 

El concepto de BELLEZA es universal e innato al ser humano, sin embargo, éste ha ido cambiando con el paso del tiempo. Basta con recordar algunas obras del Barroco, por ejemplo Las Tres Gracias, donde Rubens pretende, a través de tres mujeres de canon opulento y piel muy blanca, mostrar un ideal de belleza que, posiblemente se encuentra muy alejado de nuestra sociedad actual y, desde luego de la que tenían los GRIEGOS

 

¿Recordáis lo que para ellos era lo bello?

Teniendo en cuenta que para ellos el hombre era el centro de la cultura y su RAZÓN la medida, lo bello era LO PROPORCIONADO, EQUILIBRADO Y ARMÓNICO (y de ahí la importancia que cobran LAS MATEMÁTICAS Y LA GEOMETRÍA, que garantizan la relación de las partes con el todo, CONSEGUIDO a través del módulo y el canon)

Aunque parece que todo lo anterior será una constante durante el arte griego, lo cierto es que seremos testigos de una evolución que abarca desde la fase arcaica, la fase clásica (con maestros como Mirón, Polícleto y Fidias, los cuales conseguirán la máxima armonía) hasta llegar a la etapa helenística donde primarán aspectos como la EXPRESIÓN y el DINAMISMO.

Esto se puede ver perfectamente a través de una OBRA ESPECTACULAR (ya no hecha a medida del hombre y su razón sino para crear sensaciones) que, aún con el tiempo transcurrido, sigue provocando la admiración de todos cuantos la contemplan (el propio Marinetti la definió como" la belleza de la velocidad"), LA VICTORIA DE SAMOTRACIA

 

 

La Victoria de Samotracia. Louvre

 

Elevada sobre la proa de un barco de piedra (y en un origen con una fuente a sus pies en la que se reflejaba), esta escultura de bulto redondo con una función puramente estética, parece estar dedicada a conmemorar una batalla naval en la cual se proclamaron vencedores los habitantes de Rodas quienes derrotaron a Antíoco III (de Siria). Con ello se simboliza EL TRIUNFO o LA VICTORIA


Una talla de grandes dimensiones para la que se ha empleado un material típico del arte clásico como es el mármol (en este caso de Paros) y cuya superficie no está del todo pulida gracias al excelente tratamiento que el autor hace de este material.

La composición es claramente abierta, a base de diagonales y curvas que no hacen sino generar un INTENCIONADO DESEQUILIBRIO, con un modelado que denota gran expresividad, donde juega un papel muy importante la luz para generar ese característico claroscuro (visible a través de los entrantes y salientes que genera el plegado de los paños)

 

 

La figura representa a una mujer alada que, con las ropas agitadas por el viento e impregnadas por la humedad, batiendo las alas se posa sobre la proa de un barco y se lanza a la conquista de los mares

 

Comentario

De esta obra tan sólo se conoce su lugar de procedencia (Santuario de Cabiros. Samotracia) pues existen diversas hipótesis acerca de su verdadero autor que hacen dudar entre un griego llamado Pithókritos o un habitante rodense. Sea como fuere, sus grandes dimensiones, la gran diagonal que genera su cuerpo (con la sensación de inestabilidad y consiguiente dinamismo) y el exquisito tratamiento de las telas que absolutamente nada tiene que envidiar a los "paños mojados" de Fidias nos hace encuadrarla en el ARTE GRIEGO y más concretamente en su última etapa o PERÍODO HELENÍSTICO (aproximadamente s. IV a.C), época caracterizada por el final de las guerras del Peloponeso y la posterior conquista de Roma.


Aunque ya desde la fase post.clásica o manierista se viniese anunciando una considerable pérdida de belleza y equilibrio a favor de lo anecdótico, con autores y obras como Hércules Farnesio (Lisipo) o Ménade ebria (Scopas), lo cierto es que será durante esta última etapa cuando se tienda a la barroquización , a un mayor dinamismo (tanto físico como espiritual) y a la visible ruptura de las proporciones (que anteriormente tanto habían preocupado y muy presente en la arquitectura a través de obras colosales como el Mausoleo de Halicarnaso o el altar de Zeus en Pérgamo que se alejan del clasicismo de la Acrópolis)

 

 

La gigantomaquia. Altar de Zeus en Pérgamo

 

También debemos destacar durante este momento la aparición de numerosas escuelas donde conviven el idealismo y el realismo, la belleza y la deformidad, temas dramáticos (como en la escuela de Pérgamo y sus famosos galos que representan el momento de mayor intensidad) y cotidianos (con magníficos ejemplos en las tanagras o esculturas de barro cocido que representan a mujeres ancianas en situaciones domésticas) hasta llegar a la Escuela de Rodas a la cual pertenece la obra que comentamos y algunas otras de suma importancia y que influirán en épocas posteriores como el Laocoonte (que representa claramente un tema trágico) o el Toro Farnesio. Junto a estas escuelas coexiste una tendencia algo más clasicista tal y como se observa en la Venus de Milo (con expresión melancólica) o el hermafrodita acostado donde no se observa esa barroquización y dinamismo propio de esta época.

 

En cuanto a sus influencias posteriores (además del ya citado futurismo), hay un cuadro capital del romanticismo que retoma la victoria para su personaje central, La Libertad guiando al pueblo, de Delacroix

 

 

La libertad guiando al pueblo

Extraído de wikipedia.

 

Actualmente la Niké de Samotracia se encuentra en el MUSEO DEL LOUVRE, pero si no queréis desplazaros hasta allí, existe una buena REPRODUCCIÓN realizada en RESINA DE POLIÉSTER y que se encuentra en la PLAZA DEL LABERINTO en Leganés (norte)

 

Mar San Segundo

 

UN PERRO ANDALUZ. Las imágenes más perturbadoras del cine


Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz
.(Buñuel)

 

 

Extraído de http://www.bbc.co.uk/spanish/specials/images/202_dali/020729_01dali600x400.jpg

 

Como dice el propio Buñuel: “esta película nació de la confluencia de dos sueños. Dalí me invitó a pasar unos días en su casa y, al llegar a Figueras, yo le conté un sueño que había tenido en el que una nube desflecada por la luna y una cuchilla de afeitar hendía un ojo. Él, a su vez, me dijo que la noche anterior había visto en sueños una mano llena de hormigas... Escribimos el guión en menos de una semana siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir las puertas a lo irracional”. Dalí comenta de ella : “son hechos reales o parecidos a los reales y por tanto enigmáticos, incoherentes, irracionales, absurdos, desligados y sin explicación”.

 

La película responde perfectamente al espíritu surrealista pues, como ya se ha visto, parte del inconsciente, los sueños, negando cualquier tipo de lógica Por otra parte, y como también es típico del estilo, se intenta romper con los tabues e ideas preconcebidas. (El surrealismo tienen un fuerte carácter revolucionario, tanto en lo general, siguiendo ideas marxistas, como dentro de la propia persona y su forma de ver el mundo) 

 

Pero, ¿qué ocurre en esta famosa historia? En sus escasa media hora no aparece ni un solo perro ni, tampoco, un andaluz (aunque algunos, como Gibson hablan de una broma privada entre Buñuel y Dalí con la que insultaban a Lorca, desde hacía unos meses bastante alejado de ambos). Hay sin embargo, una sucesión de historias sin conexión lógica, con numerosos saltos de tema, escenario o tiempo, que impiden cualquier explicación lógica. No hay hilo narrativo e, igual que en los sueños, los temas se mezclan, aparecen y desaparecen, se entrecruzan, sin producirse ningún final cerrado. Es el esbozo de lo que Dalí llamará el método paranoico-crítico, que pretende pintar los sueños y los estados alucinatorios.

 

Extraído de http://www.eoran.com/unchienandalou/espanol  

 

Una de sus escenas más memorables es la que da comienzo a la película, cuando el propio Buñuel secciona el ojo de una modelo impasible (fue un ojo de cordero) uniendo el movimiento del filo de su navaja con el leve movimiento de una fina nube sobre la luna. La escena es de un realismo tremebundo, aún mayor al producirse sin ninguna explicación. Su falta de moral para causar un daño que duele al propio espectador, provocó unas críticas extraordinarias durante su extremo. Era su sadismo, la gratuidad de la acción, que hablaba del hombre como ser animal dominado por impulsos de destrucción que muy pocos años después el régimen nazi se encargaría de corroborar.

Ese animal oculto que llevamos dentro era el objetivo final del surrealismo. Quitarle todas sus cadenas para enfrentarlo contra el bus gusto o, simplemente, la educación o la ética; todo un conjunto de enseñanzas heredadas que simplemente nos cubren con un ligero barniz nuestros impulsos más destructivos. En el fondo de esta actitud latía un romanticismo radical y, si nos fuéramos más lejos, la concepción negativa del hombre (un lobo para el hombre) que ya había propuesto Hobbes en el XVIII.

¡Basta ya de hipocresía; en realidad somos así, por mucho que nos intenten cambiarnos!; parecía decir toda la escena ¡Daros cuenta, nuestra civilización es sólo un sistema de convicciones! ¿o es que no recordáis la matanza de la Primera Guerra Mundial que dejó que murieran millones de hombres por unas aspiraciones tradicionales? El mal existe, por mucho que queráis cerrar los ojos y no verlo 

 

Junto a ella aparecen numerosas escenas sexuales (muy explícitas para la mentalidad de la época) y, por supuesto, el mundo de los insectos.

 

Extraído de http://yorecomiendo.files.wordpress.com/2007/01/chien2.jpg

 

Al parecer el origen de la imágenes, como se decía unas líneas más arriba, provenía de Dalí, que sentía una fobia terrible ante los insectos (langostas, mariposas, hormigas…)

Su aparición en multitud de sus obras (y la de algunos de sus amigos, como Lorca) la debemos entender como una forma de enfrentarse con sus propias pulsiones y hacerlas presentes en una actitud ambigua de rechazo-fascinación. Aquello que nos aterroriza pero a la vez nos atrae sin remedio, como ya había señalado Freud relacionando el eros (sexo, vida) y el thanatos (muerte).

Cirlot (un especialista en el surrealismo y sus símbolos) relaciona la hormiga con lo negativo, los mundos subterráneos, y por tanto la muerte (de esta manera utilizará el símbolo Lorca en sus Casidas)

 

 Extraído de http://apo.cmaisonneuve.qc.ca/villanova/miel/images/ane.jpg

 

Por último os propongo esta imagen, también típica de la iconografía de Dalí: un asno podrido. Desde sus primeras obras esta idea de la putrefacción es constante, e incluso el pintor la dio nombre en sus numerosos escritos: el estilo Camembert. Son los objetos fluidos por el efecto de su descomposición, imágenes que exploran el asco, lo innombrable, lo escatológico. Dalí se inspiró en Bataille (otros de los grandes teóricos surrealistas) y su libro, la Estética del escupitajo, para volver a referirse a temas prohibidos por ser de mala educación

En la mesa no se habla de esas cosas, os habrán dicho más de una vez, pues nuestra cultura suele renegar de todo tipo de temas escatológicos, aunque sean tan naturales como otros. Pero nos escondemos ante nuestras buenas maneras y los cambiamos por eufemismos, los convertimos en chistes… (todas ellas acciones de desviación que nos permiten hablar de ellas sin afrontarlas verdaderamente, según Freud).

Sin embargo, y de nuevo en esta actitud provocativa y transgresora que siempre tuvo el surrealismo, Dalí se complace en escribir y pintar sobre la mierda, lo podrido, lo asqueroso que nos obligue a enfrentarnos con el tema tabú sin pantallas protectoras. En realidad, un claro precedente del mundo gore.

 

Y es que el surrealismo tuvo (entre otras tantas influencias posteriores) la ampliación de los temas, la agresión al espectador, dándole un mazazo en su buena conciencia, convirtiendo el arte no en un refugio de belleza, sino en un cuchillo, un arma de descuartizar nuestras certezas, haciéndolas tambalearse.

En el arte último esta actitud ha llegado a crear una verdadera corriente llamada arte abyecto con artistas como Serrano, los hermanos Chapman o Hirst

 

Serrano. La Morgue. 1992

Extraído de http://www.elangelcaido.org/libros/032libro.html

 

 

Pero además de estas tres imágenes elegidas la película está llena de escenas llenas de una poética extraña y fascinante en donde el sexo, la muerte, el arte, la violencia, las metamorfosis se suceden sin orden. Si queréis verla entera (apenas 15 minutos) podéis encontrarla AQUÍ

 


 

Recordad cuando la veáis que no os podéis enfrentar a ella de la forma habitual sino que debéis entrar en el juego ilógico y dejaros llevar por él, sin intentar comprender sino sentir, abandonaros a la imágenes y sentir (casi con las vísceras) lo que provocan en vuestro interior. La experiencia es fuerte, pero merece la pena, encontraréis imágenes de una potencia visual increíble ¡que se rodaron con los medios de los años 20!

Si quieres saber más de la película puedes consultar

http://www.eoran.com/unchienandalou/espanol

Os resultará también interesante volver el artículo de Mar: "Tres cuadros de Salvador Dalí"  

 

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE DALÍ


 Vicente Camarasa

 

 

 

 

PARO POR UNA SEMANA

Durante una semana más o menos tengo que parar para ocuparme de ciertos asuntos de los que ya os hablaré.

Durante ese tiempo espero vuestros correos sobre nuevos horrores floridos, así como comentarios (cuántos más mejor) con ideas, cuadros, temas... que os interesen que se vayan tratando en el futuro.

Para que no os quedéis en ayunas quedaros con la imagen de esta espectacular foto que comentaré dentro de muy poco.

Vicente Camarasa

NUEVOS HORRORES FLORIDOS

Es verdad que todos tenemos en casa unos cuantos horrores floridos...me he puesto a buscar y he encontrado cosas como estas: (la calidad de las fotos es pésima por la sencilla razón de que las he hecho yo, que tengo parkinson agudo y ninguna idea de hacer fotos decentes)  

1- El Harry Potter-Michael Jackson. Lo tengo colgado en mi cuarto porque fue un regalo de un familiar que al parecer se acordó de que me gustaba "el Harry Potter ese". El misterio es qué narices es este ser en realidad...hemos especulado mucho y la hipótesis más convincente es que se trata de Michael Jackson disfrazado con una capa, una escoba y unos zapatos de payaso, pero creo que todavía puede dar pie a más teorías. A mí lo que me vuelve loca es el detalle de los labios pintados Xd

 

 

 

2- Más horrores floridos que hay por mi cuarto: los típicos recuerdos de bodas, bautizos y comuniones. Y luego el marco de la foto, que es un auténtico horror florido de por sí. (Como curiosidad, habría que saber que la niña de la foto soy yo, y la cosa que llevo puesta una especie de peto con el que me martirizaron durante casi cinco años de mi pobre infancia, ya que es uno de estos que te compran tres tallas mayor "para cuando crezca").

 

 

 

3- La tortuga-hucha y la cosa-sin-uso-conocido (parece un jarrón, pero está tapado, no es un cenicero de forma extraña y tampoco sirve para echar colonia ni nada por el estilo). La tortuga es buenísima, en teoría es una hucha de esas que se rompen para abrirlas, pero nunca la hemos usado para meter dinero.

 

 

4- Esto no sé si es un recuerdo de boda o un regalo de amigos, pero vamos, que son "monísimos" igualmente. Y tienen postizos y todo.

 

Nuria Zapardiel