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Se muestran los artículos pertenecientes al tema BARROCO.

EL BARROCO NAPOLITANO EL SEICENTO (2) SANTA MARÍA DE LA CARITÁ


En uno de los barrios más degradados del centro napolitano encontramos esta magnífica iglesia (1602-13) diseñada por Giusepe Donzelli, llamado fra’Nuvolo (1631).

 

De planta centralizada en cruz griega se vincula con los proyectos prebarrocos del Vaticano, aunque ya existe una clara vocación barroca en la diafanidad de los espacios que permiten una unificación visual impresionante.

Su uso de una bicromía básica pronto desaparecerá del mundo napolitano, que buscará ambientes más abigarrados. En la Sanitá, por el contrario, la decoración se subordinará a la arquitectura, creándose capillas para su inclusión

En ella se destaca la gran cripta que da paso a las catacumbas de San Gaudioso. Un ambiente plenamente clasicista al que se une el gusto barroco (romano) por las decoraciones heráldicas en piedras duras, sobre el mismo pavimento

 

No podíamos olvidar las intervenciones de pintores y esculturas del XVII que ornan la iglesia en los citados altares.

Os pongo algunos ejemplos de esta unificación de artes en su punto de equilibrio que muy pronto será superado en la ciudad. (un rasgo que ya lo anuncia es la aparición de las piedras duras en relieve en la balaustrada)

Quizás una de las capillas más valiosas es la dedicada a San Vicente (el que da el nombre popular a la iglesia, San Vincenzo), santo que logró detener el aluvión de lodo volcánico que amenazaba al barrio (y vinculado con la orden dominica, a la que pertenece la iglesia). El gran lienzo es de Luca Giordano, el gran pintor de la segunda mitad napolitana

 

Ya por último, enseñaros algunos de los escaparates con imaginería (ya del XVII) de la orden dominica

 

San Vicente

 

Santa Margarita de Cortona

 

Y un espléndido crucificado

 

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PARA CONOCER MÁS COSAS DE NÁPOLES

 

Vicente Camarasa

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15/11/2011 17:53. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

HOY DÍA DE DIFUNTOS. LAS CATACUMBAS DE SAN GAUDIOSO EN NÁPOLES

 

En las entrañas de Santa María della Sanitá existe un cementerio un tanto peculiar.

Se trata de unas catacumbas de origen romano y paleocristiano que los lodos del Vesubio se encargo de cubrir. (Lodos a los que se atribuían efectos sanadores, por eso el nombre de la iglesia y del barrio)

En el siglo XVI-XVII la nueva congregación dominica volvió a reutilizarlas y puso en ellas toda esa estética morbosa que va unida al barroco (también aquí)

Su entrada se realiza por la amplia cripta.

Una vez dentro nos encontramos con el sepulcro de San Gaudioso, uno de los patrones de la ciudad

Sin embargo, el morbo aún nos espera unas salas más allá, en una sala descaradero en donde se secaban los cadáveres de monjes y nobles en unos pequeños nichos. (Cuentan que existían unos operarios –bufadores- que se dedicaban a empujar los cuerpos sin vida sobre sus nichos, al hincharse estos, fruto de la putrefacción)

Una vez reducidos los cadáveres, sus restos tenían dos aposentos.

Para los monjes se habilitó una antigua cisterna romana excavada en el tufo

 

 

Sin embargo, los nobles se colocaban de otra manera. En las galerías cercanas a la tumba de San Gaudioso, se insertaban sus calaveras en la misma pared, dibujando el esqueleto bajo ellas, quizás el aspecto más macabro y conocido del lugar.

 

 

 

 

 

PARA CONOCER MÁS COSAS DE NÁPOLES

Vicente Camarasa

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28/10/2011 21:07. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

LA PERSPECTIVA DEL PALACIO SPADA. BORROMINI

 

Nuria en su ROMANIZARTE ha realizado un magnífico análisis de este capricho barroco de Borromini.

 

Aquí tenéis un vídeo (en inglés) que explica de forma muy visual su concepción

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16/10/2011 20:07. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

CARAVAGGIO EN MADRID. EL DESCENDIMIENTO (DEPOSIZIONE)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Santo_Entierro_%28Caravaggio%29

 Si hubiera que encontrarle lagunas al Museo del Prado, yo siempre he lamentado dos: Caravaggio y Rembrandt. De ambos conservamos un solo cuadro.

Por ello, la oportunidad que se nos ofrece este verano es verdaderamente espectacular: ver en directo una de las obras más significativas del periodo romano (la primera madurez) del pintor.

Aunque actualmente en los Museos Vaticanos, el encargo se realizó, por los oratorianos de San Felipe Neri para la iglesia  Santa Maria in Vallicella o Chiesa Nuova, en la que se conserva una copia posterior que os incluyo para que veáis el ambiente en el que se creo (fundamental en la obra de Caravaggio)

 

 Aunque la hayamos llamado Descendimiento sería más correcto utilizar la palabra italiana, Deposizione, pues la cruz ha desaparecido y el tema, realmente, es la introducción del cuerpo de Cristo en su tumba, algo muy propio de los oratorianos en sus meditaciones sobre la muerte.

Por otra parte Caravaggio desplaza realmente el tema de Cristo enterrado al torbellino emocional del cortejo que lo rodea, cuestión que ya se había suscitado anteriormente, como podéis ver en este cuadro de Pontorno (Deposizione) tan diferente en estilo pero que abunda en el tema del dolor humano ante el hecho de la muerte.

 

Tomada de:

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jacopo_Pontormo

En ese sentido sería interesarse en las distintas expresiones de los personajes (de sus affetti, como se les llamaba en el barroco). En ellos Caravaggio se nos demuestra como un consumado maestro, como ya había demostrado en este periodo romano en obras anteriores.

Detalle de iluminación de San Pablo Camino a Damasco. Caravaggio

Tanto los rostros, pero sobre todo los cuerpos y las manos nos hablan de María Cleofás (arriba) clamando al cielo, exigiéndole cuentas, la Virgen (sumamente envejecida) que se dirige al suelo, a la pura tragedia humana de perder a un hijo, o Nicodemo y San Juan en el puro acto físico de transportar el cuerpo muerto, ya más allá del dolor. En realidad una especie de cascada sentimental (de más a menos) que comienza con el grito superior para terminar en el silencio absoluto de la muerte.

Algo similar a lo que ocurre con otra obra de este periodo con la que guarda enormes relaciones: La Muerte de la Virgen

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Muerte_de_la_Virgen_%28Caravaggio%29

En ambos Caravaggio tiende a crear sobre una gran diagonal (recurso típico del autor, como ya vimos) que desplaza la mirada del espectador desde la parte superior hasta el origen del drama, acaso más convencido de la importancia de las reacciones humanas que del propio hecho religioso (idea que mantuvo y afirmó en su vida, ocasionándole numerosos conflictos con los clientes, que veían demasiado humanos sus cuadros)

Detalle Vocación de San Mateo.

Íntimamente unido a este tema, hay en toda la obra de este periodo romano de Caravaggio: la insistencia en el esfuerzo físico que a la vez que señala el conflicto emocional interior, podríamos relacionar con cuestiones cenestésicas (el movimiento y las sensaciones corporales como una forma de comunicación, que ya analizamos en este blog)

Detalle Crucifixión de San Pedro

Tomado de http://www.abc.es/20110716/cultura/abcp-crucis-prado-20110716.html

Pero el cuadro tiene mucho más. De tenebrismo y naturalismo os remito al análisis que realizamos sobre la Crucifixión de San Pedro pues ahora me gustaría señalar algunas relaciones que mantiene el pintor con su antecesor, a menudo olvidado en la idea de dar un carácter “salvaje” a Caravaggio, poco cultivado en lo artístico, lo cual es radicalmente incierto.

Me estoy refiriendo al Tiziano más intenso de sus obras religiosas en el que la luz (y la sombra) toma una función claramente expresiva, de la misma manera que las composiciones descentradas o la teatralización de los sentimientos a través de las posturas de los personajes.

Comprobad estas dos imágenes y encontraréis sorprendentes préstamos.

Tomado de http://fratertempli.blogspot.com/2009/09/afirman-que-han-hallado-en-sahagun-un.html

¿Os fijáis en el cuerpo de Cristo o en la curiosa forma en esquina de la tumba?

Dolorosa

Tomado de http://www.chinaoilpainting.com/china%20oil%20painting/picture-09349-Mater%20Dolorosa%20%28with%20outstretched%20hands%29%20aer-TIZIANO%20Vecellio.html

Asunción.

 

 Vicente Camarasa

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22/07/2011 10:00. sdelbiombo #. BARROCO Hay 1 comentario.

DOS CATEGORÍAS ARTÍSTICAS PARA EL BARROCO: ENTRE LA SINESTESIA Y LA CENESTESIA (3). Bernini y la Plaza de San Pedro del Vaticano

En estas pequeñas investigaciones que estamos realizando sobre el movimiento en el barroco no sería conveniente olvidarnos de una forma cenestésica típica de este arte: el movimiento del propio espectador que genera con él una nueva percepción de la obra

En ello Bernini se nos muestra como un verdadero genio.

Cuando un espectador entraba en la Plaza de San Pedro (aunque en la actualidad no es así) encontraba su primer momento de estupor, pues pasaba de unas calles estrechas y anárquicas a la inmensa plaza. Un ensanchamiento de la realidad y de los sentidos verdaderamente brutal. (Como ocurre aún hoy en la Plaza Mayor de Madrid)

 

Proyecto original

Tomado de http://www.biblioteca.fapyd.unr.edu.ar/leaves/archivo/historia-de-la-arquitectura/mas-info/san-pedro.htm

Plaza Mayor de Madrid

 

Una vez en su parte baja, Bernini le tenía preparado su primer juego. La gran cúpula de Miguel Ángel, el eje focal de todo el conjunto, está incómodamente tapado por el obelisco que había colocado en su centro.

 

 

Esto obliga al espectador a moverse en círculo por la plaza (cosa que no haría de no existir este obstáculo visual), dándose verdaderamente cuenta del espacio ovoide en el que se encuentra.

 

Tomado de http://contemplalaobra.blogspot.com/2009_04_01_archive.html

 

 

Con este movimiento espectador sentirá una nueva sorpresa: la plaza se abre y se cierra visualmente. Las cuatro filas de columnas taparán el espacio posterior o se colocarán una detrás de otras volviéndose transparentes según el punto de vista del espectador.

 

 

 

 

Y todo esto mientras percibe su pequeñez al acercarse a las gigantescas fuentes y se siente atraído por su ruido y por las formas cambiantes del agua (pura sinestesia)

 


Otros artículos sobre sinestesia y cenestesia en el mundo barroco

Entre el tacto y el gusto

De Meninas, protocolos, fiestas y procesiones

Borromini. El Espacio pulsante. De San Carlino a San Ivo

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UNA FOTOGALERÍA enlazada DE BERNINI

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Imágenes no reseñadas y texto

Vicente Camarasa

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04/02/2011 17:41. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

ARTEMISIA GENTILESCHI. LA PINTURA HECHA MUJER

Tomada de http://once-upon-a-midnight-dreary2.blogspot.com/2010/06/artemisa-gentileschi.html

 

Ésta alegoría de la pintura es Artemisia Gentileschi, un mujer pintora del siglo XVII, hija de otro pintor, Oracio. Una rara avis en una profesión tan masculina como era el arte, en donde las mujeres sólo eran modelos o, en escasas ocasiones, ricas poetisas o pintoras aficionadas para sus ratos de ocio. Una Roldana italiana

Ante ella, ¿cómo deberíamos plantear su análisis? ¿Como artista o como pintora?

Mejor como una mujer y excelente pintora

Como artista su estilo es claro. Siguiendo a su padre en sus obras hay un mestizaje entre lo caravaggiesco y la pintura clasicista de los Carracci. Algo bastante común hacia la segunda mitad de siglo en Italia, como podemos ver en Reni, Maíno o el propio Ribera.

Caravaggista en sus efectos de luz dirigida y dramática, sus escorzos, el naturalismo terrible de alguno de sus detalles. Clasicista en su forma de componer, en la idealización de los rostros, en sus colorismo romano jugoso y de paleta amplia.

Todos estos rasgos son perfectamente visibles en una de sus obras más famosas que utilizaremos para hablar de la mujer pintora.

 

Judit y Holofernes

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Se trata de Judit y Holofernes o,  como tradicionalmente se cree, una forma de sublimar su propia vida. Pues, como es conocido, Artemisia fue violada por un colaborador de su padre y, lo que era aún peor en la época, sometida a un juicio público por el hecho, siendo torturada y humillada públicamente.

Tomado de http://www.shafe.co.uk/art/Artemisia_Gentileschi-_Judith_Decapitating_Holofernes-_c-_1618.asp

Bajo esta información el cuadro cambia de interpretación ¿no creeis? Algo parecido a lo que se ha intentado sobre Caravaggio, uniendo temas y vida.

De la misma forma cabría entonces interpretar otras versiones del mismo tema

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

U otro de sus temas repetidos, como Susana y los viejos, un verdadero ensayo sobre la humillación a la que puede ser sometida la mujer

 

Tomada de http://once-upon-a-midnight-dreary2.blogspot.com/2010/06/artemisa-gentileschi.html

 

Susana y los viejos

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Sin embargo, este análisis, que creo cierto, me parece un tanto reducido. Una artista de este tamaño va más allá de una cuestión concreta, y yo cada vez valoro más su arte por un tema más amplio. La capacidad que tiene para profundizar en el alma femenina.

 

Cleopatra

Tomada de http://once-upon-a-midnight-dreary2.blogspot.com/2010/06/artemisa-gentileschi.html

 

En sus cuadros la mujer es omnipresente, pero desde un punto de vista nuevo. No está cosificada, como es habitual. No es la imagen de la mujer masculinizada en donde (en numerosas ocasiones) sólo se convierte en un emblema de lo sensual.

 

Lucrecia

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Por el contrario, las mujeres de Artemisia son, ante todo, personas. Personas sexuadas pero no limitadas al sexo. Peronas que sienten, piensan, reaccionan… viven con una intensidad que es difícil ver en otros clasicistas como Reni o Lanfranco.

 

Danae

Tomado de http://figurationfeminine.blogspot.com/2008/04/caterina-van-hemessen-artemisia.html

En ellas hay mucho de invencione, de utilización del tema para comentar el mundo y los sentimientos desde una sensibilidad femenina.

Y es esta cuestión la que más me ha fascinado de un libro leído recientemente.

Susan Vreeland  La pasión de Artemisia, Ediciones B

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE EL BARROCO

 

Para saber más

http://uncajonrevuelto.arte-redes.com/?p=434

http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Vicente Camarasa

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06/01/2011 10:04. sdelbiombo #. BARROCO Hay 1 comentario.

CATEGORÍAS ARTÍSTICAS PARA EL BARROCO: ENTRE LA SINESTESIA Y LA CENESTESIA (2). De Meninas, protocolos, fiestas y procesiones

Hablábamos en el artículo anterior de algunas formas sinestésicas del barroco, veamos ahora otras que inciden más en lo cenestésico (en relación con el movimiento tanto externo como interno, tanto visto como sentido).

Fijaros por un instante en las Meninas y las podréis ver de otra manera.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Las_Meninas

 

Pues este cuadro como tantos de la época nos habla del famoso protocolo borgoñón que imperó en la corte austriaca española. Una verdadera teatralización del poder (como ya planteó Maravall y han desarrollado en profundidadextensión Checa y Morán) en donde cada persona interpreta con toda corrección un papel que ha de ser visible tanto en su vestuario como en sus movimientos, sus gestos acompasados, sus palabras… para manipular la opinión de quien los contemplaba y para revestirse de majestuosidad.(Noel, en un magnífico artículo sobre la etiqueta borgoñona accesible aquí

La comida real es un perfecto ejemplo de lo dicho. Durante estos eventos, el rey se sentaba en una silla, mientras que sus súbditos lo hacían en bancos; el monarca, y también la reina, durante el banquete de boda de una de sus damas, comían sobre una tarima, bajo un toldo; sus platos -tanto los entrantes como el postre y las viandas- les eran servidos por los oficiales de más alto rango, y de manera diferente; sólo su plato (o el de la reina) se traía cubierto, sólo su comida era traída desde la cocina por caballeros con la cabeza descubierta, sólo su comida y bebida eran catadas de antemano para prevenir un posible envenenamiento (El que quiera saber muchas más cosas de este protocolo tiene un libro fabuloso, de Deleito Piñuela. El Rey se divierte)

 

Este sentido del espectáculo tenía un fuerte componente cenestésico, siendo los movimientos percibidos fundamentales a la hora de entender el mensaje (una especie de ballet entre las paredes del palacio), como se puede ver en las meninas en donde los gestos son, acaso, más importantes que los propios personajes que los portan, siendo fundamentales para la correcta interpretación de la escena.

Lo mismo ocurriría con bailes, paradas militares, recibimientos reales, traslados de reliquias… En la sociedad barroca el rito se resuelve en el movimiento pausado de las masas, el juego cenestésico pero también sinestésico (el olor del incienso, los ruidos de las cabalgaduras, el rozar de las suaves telas, el frescor de jardines, la música…)

Entrevista en la isla de los Faisanes. Felipe IV y Luis XIV

Tomado de http://profedesociales.blogia.com

 

Auto de fe. Rizzi

 

Fiesta en los jardines del Buen Retiro

 

Si algo nos puede aún hoy darnos una clara idea de estas sensaciones es la Semana Santa (el gran espectáculo barroco) en donde se confunde el olor de la cera con el del incienso, los golpes de llamador, la música (que entonces sólo sería de capilla), el arrastrar de cadenas o las propias temperaturas del día, desde el calor de las 5 de la tarde al frío húmedo de la madrugada.

En estos cortejos el movimiento es esencial, tanto de los penitentes como de las propias imágenes que son concebidas para ser vistas desde varios puntos de vista.

El movimiento que los costaleros imprimen al paso es fundamental. El suave batir de las bambalinas (que a su vez generan un ritmo acústico), las levantás a pulso que casi no parecen levantarse, los caballitos, las arrancás… Todo forma parte del espectáculo en donde el movimiento es algo más que un puro truco para conseguir realismo y propaganda, y se convierte en un sentido cenestésico que se propaga al interior de los espectadores y les bate por dentro.

Si queréis ser testigos de lo que os digo entrad en estos enlaces de Palios

http://palios.wordpress.com/2010/07/12/la-esperanza-de-triana-en-el-baratillo-caridad-del-guadalquivir

http://palios.wordpress.com/2010/09/20/las-tres-caidas-en-campana-2009

 

Otros artículos sobre sinestesia y cenestesia en el mundo barroco

Entre el tacto y el gusto

Bernini y la Plaza de San Pedro del Vaticano

Borromini. El Espacio pulsante. De San Carlino a San Ivo

 

 

Vicente Camarasa

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14/10/2010 16:29. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

DOS CATEGORÍAS ARTÍSTICAS PARA EL BARROCO: ENTRE LA SINESTESIA Y LA CENESTESIA (1). Sobre el tacto y el gusto

 

Ribera. El tacto

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_de_Ribera

 

Cuando contemplamos una obra barroca, y a menudo sin sentirlo, nuestras reacciones exceden de lo puramente visual-racional (como sería el mundo renacentista) para internarse en el mundo de los sentidos y las sensaciones.

Como decía Santiago Sebastián, frente al renacimiento, el barroco no es para ser contemplado sino para ser persuadido. No se realiza para disfrutar de la belleza sino para confundirse con los sentimientos, dejarse llevar por ellos. Un arte de propaganda, como ya hemos analizado en alguna ocasión, dejándose llevar por los sentidos.

A esto, la confusión de sentidos y percepciones de los mismos, a menudo se le denomina sinestesía, una categoría estética que los posimpresionistas llevaron a su cenit.

En el barroco esta actitud sinestésica tiene que ver mucho con la unificación de artes para crear ambientes conjuntos y también con las formas teatrales (entendidas en un sentido amplio) que fueron habituales en el periodo que se volcó hacia el exterior.

Y es que, al contrario del renacimiento que nos propone obras autónomas de todo en las que sobra hasta el propio espectador, en el mundo barroco la obra sólo es una parte del hecho artístico al que habría que añadir el espectador y las relaciones entre él y la obra.

 

El Gesú

Esta corriente de emociones entre ambos polos se basa no sólo en sensaciones puramente visuales sino que intenta ampliar la comunicación a otros sentidos, como el tacto (fijaros en la insistencia de las texturas que siempre tendrá la pintura barroca, que literalmente nos obligar a sentir con las manos de nuestros ojos cada uno de los elementos).

 

Vieja friendo huevos. Velázquez.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Vieja_friendo_huevos

 

Uno de sus grandes iniciadores será Caravaggio, que se desmarcará del intelectualismo manierista para situar a sus personajes en ambientes perfectamente realistas, haciendo de la religión un hecho cotidiano destinado al pueblo. En esta profunda revolución el tacto de las cosas es esencial para conseguir la verosimilitud del mensaje.

 

 

A mitad de camino entre el tacto y el gusto se encontrará un género que tendrá un enorme crecimiento durante el barroco: el bodegón. Sólo fijaros en esta magnífica obra de Sánchez Cotán, sus famosos bodegones místicos de intención aún no aclarada por completo

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_S%C3%A1nchez_Cot%C3%A1n

 

Pero si en un lugar el gusto llegó a sus más altas cumbres fue en la burguesa Holanda. Fijaros en estos bodegones de Heda y su interés por los sabores. Fijaros en los limones y ostras que lo pueblan y concentraos por un momento en ellos… Muy pronto comenzaréis a salivar, pues son verdaderos cuadros gastronómicos, degustativos, que adornarían los comedores burgueses como un aperitivo a la comida verdadera. (Aquí tenéis algunos ejemplos del mejor bodegonista español del XVII, Van der Hamen)

 

 

 

 

 

 Más allá de esto, todo el arte barroco está pensado no para la contemplación autónoma (como vemos en los museos actuales) sino en un ambiente en donde la luz, el espacio, la música, el movimiento de las figuras o las masas son esenciales.

Muchas de esas cosas ya las hemos perdido para siempre (o tenemos una leve sombra de ellas en lo que sabemos de barroco efímero, al que pronto dedicaremos un artículo) y sólo podemos recordarlas en eventos especiales y al que dedicaremos el próximo artículo, mucho más cenestésico que este.

 

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 Vicente Camarasa

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22/09/2010 16:33. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

UNA OBRA BARROCA COMENTADA POR UNA ALUMNA.La incredulidad de Santo Tomás. Caravaggio

Tomada de http://www.escuelacima.com

TEMA: es un tema religioso en el que podemos ver a santo Tomas metiendo el dedo en el costado de Jesucristo. El autor intenta que nosotros al ver el cuadro nos podamos relacionar con las figuras y que estas nos expresen sus sentimientos.

TECNICA: esta hecha con óleo (utilizando el aceite como aglutinante) directamente sobre el lienzo

COMPOSICION: tiene una composición simétrica ya que encontramos las mismas proporciones al dividir la imagen, también tiene una composición geométrica ya que podemos apreciar formas geométricas en las figuras.

LINEA Y COLOR: en esta imagen predomina la línea sobre el color y lo podemos ver en las arrugas de los  trajes, encontramos líneas horizontales que dan mayor estabilidad y líneas diagonales para dar mayor movimiento. Los colores que predominan son los colores calidos con los que el autor pretende dar mayor intensidad al cuadro.

LUZ: la luz es expresiva ya que pertenece el barroco y el autor crea intensos contrastes en los que deja zonas completamente oscuras frente a otras mas iluminadas(a eso se le llama tenebrismo).

PERSPECTIVA: debido al tenebrismo no encontramos un fondo y el autor utiliza escorzos para dar profundidad a la imagen e incluso los propios cuerpos de las figuras y los colores que hacen que se introduzcan hacia adentro o que parezca que salen de la imagen.

FIGURAS: las figuras son muy realistas y expresivas porque lo que pretende el autor es que nos relacionemos con ellas y que nos expresen sus sentimientos. En ellas podemos encontrar fuertes claroscuros para dar mayor volumen.

COMENTARIO: es una imagen perteneciente al barroco debido a su composición, su luz, su perspectiva, etc. Es una imagen perteneciente al siglo XVII y lo que el autor pretende transmitirnos son los sentimientos de la figuras y sobre todo se centra en la realidad. El barroco es un arte propagandístico en la que el autor nos transmite un mensaje religioso o político.

 

Eva Pastor (2º ESO B, Sies la Poveda en Campo Real)

 

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11/06/2010 16:03. sdelbiombo #. BARROCO Hay 1 comentario.

HOY, DÍA DE DIFUNTOS, LA MUERTE EN EL BARROCO ITALIANO. ENTRE ESQUELETOS Y CALAVERAS CON BERNINI AL FONDO

Santa María del Popolo. Roma

 

El año pasado, en la misma fecha, publicábamos un artículo sobre la muerte en el barroco español (por cierto, con mucho éxito, pues es una de las entradas más visitadas del blog). Veamos hoy otra forma de plasmar este mundo de ultratumba que tanto le debe a Bernini, completamente distinto al hispano.

 

Como ya comentara Mâle, el esqueleto y la calavera serán las grandes iconografías del barroco romano. Un esqueleto curiosamente alado que nos interpela, sustenta los clípeos, acaso nos sonríe malignamente.

 

 

San Pietro in Vincoli

 

 Quizás el primero de ellos lo imaginara Bernini para una capilla en San Lorenzo in Dámaso. Su éxito fue extraordinario y el modelo se repetiría en esculturas, estucos, pinturas y composiciones de piedras duras.

 

 

Bernini? San Lorenzo en Damaso

 

También lo utilizaría en el solado de la capilla de Santa Teresa en Santa María Della Victoria

 

 

A partir su uso se vuelve constante

 

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San Francesco in Ripa

 

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San Pietro in Vincoli

 

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San Francesco in Ripa

 

Quizás la representación más inquietante de esta muerte la realizará de nuevo Bernini para la tumba de dos Papas: Urbano VIII y Alejandro VII , ambas en el Vaticano. Mientras en la primera el esqueleto se aplica en arrancar los títulos (la memoria) del fallecido.

 

 

En el segundo, aún más escenográfico, un nuevo esqueleto levanta un pesado paño de mármol anaranjado dejándonos ver la puerta que se convierte en una puerta al más Allá.

 

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Junto al esqueleto, también será redundante la calavera. Una calavera de nuevo alada que recuerda a un putti (la imagen del amor de Cupido) a la que el pensamiento barroco (tan amante siempre de las contradicciones) cambia el sentido, pasando del amor y la carne de sus sonrosados mofletes a la muerte y la aridez de los huesos que nos miran sin ojos, sólo las cuencas vacías.

 

 

Santa María in Cosmedin

 

 

Santa María sopra Minerva

 

Pero la presencia de la muerte no sólo queda en esas figuras. Hace unos meses hablábamos aquí de las reliquias en el mundo barroco italiano.

   

 

 

 

 

 

Relicario. San Crisogomo

 

Su constante presencia, a menudo obsesiva, nos hablan perfectamente del mundo barroco, tan amante de los placeres como gran frecuentador de la muerte, algo que en nuestra sociedad, laica y materialista, ha desaparecido y no nos deja percibir con claridad la importancia que tenía la muerte en la vida cotidiana (en aquella vida cotidiana del siglo XVII en donde las personas agonizaban y morían en sus casas y las grandes epidemias la mostraban con una cotidianidad que a nosotros nos resultaría verdaderamente terrible pero al hombre barroco le recordaban, de nuevo la paradoja, la importancia de vivir ante lo incierto que siempre se presenta el destino)

 

 

 No deberíamos olvidar tampoco el aspecto morboso de todas estas manifestaciones (que atraían peregrinos y donativos), ni tampoco el mensaje de poder que tienen los sepulcros y monumentos funerarios que cimentan el prestigio de unos apellidos.

 

 

 Se creó también toda una nueva iconografía, la del martirio, que analizaremos en un próximo artículo

 

 

UNA FOTOGALERÍA enlazada DE BERNINI

 

Texto e imágenes: Vicente Camarasa

 

 

 

 

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30/10/2009 19:21. sdelbiombo #. BARROCO Hay 2 comentarios.

LAS RELIQUIAS BARROCAS. ENTRE LA PROPAGANDA. LA RELIGIOSIDAD Y EL MORBO

 

 

 

Cuerpo incorrupto en San Francesco in Ripa

 

Sólo durante algunos momentos de la Edad Media las reliquias de santos y mártires lograron tal importancia como en la época barroca, especialmente en Roma como capital del Catolicismo. Varias causas motivaron esta verdadera fiebre que aún perdura en la ciudad italiana

 

 

Cráneo de San Valentín en Santa María in Cosmedin

 

Por una parte debemos recordar que nos encontramos en pleno cisma. Lutero y más tarde Calvino se habían separado de la iglesia católica y negado mucho de sus sacramentos y liturgias, entre ellos, el culto a las reliquias, pues se consideraba una verdadera idolatría rezar ante unos huesos (en su mayoría falsos) en vez que al verdadero Dios.

 

San Silvestre

 

Por tanto las reliquias serán uno de los frentes de batalla de la Iglesia contrarreformista, igual que lo pudieron ser los apoyos a la pintura y la escultura de las iglesias, la exaltación de la confesión o de la eucaristía, del culto a la Virgen o los santos… Una batalla ideológica en la que la iglesia católica  reafirmaba sus señas de identidad frente a los reformistas y reutilizaba el arte de una forma sentimental y emotiva que consiguiera atraer a los fieles de una manera intuitiva, sin grandes cuestiones teológicas ni discursos. Es el juego de los sentidos y las emociones que caracterizará todo el arte barroco que está comenzando en estos momentos, en gran parte impulsado por el Concilio de Trento.

 

Cráneo de San Juan Bautista en San Silvestro

 

Por otra parte, un descubrimiento casual y un posterior libro serán también los causantes de este culto renovado a las reliquias. En 1578, un derrumbamiento de tierra en la Via Salaria dejó paso libre a las catacumbas de Priscila y maravilló a un niño, que poco después comenzaría a explorarlas. Era Bosio, que en los 36 años siguientes llegó a descubrir más de treinta cementerios del cristianismo primitivo y comenzó a escribir una obra (terminada por Severano), que se publicaría en 1634: la Roma Subterránea.

El libro fue un verdadero éxito para la época y generó toda una fiebre por la búsqueda de reliquias de santos y mártires que apuntalaran la fe y aumentaran los peregrinaciones.

 

Relicario de Santa Inés en Santa Agnesse in Agone

 

Para hacernos una idea del fenómeno, sólo sería necesario citar que en el nuevo Vaticano que se reconstruía desde el siglo XVI, Bernini tomó cuatro de las grandes reliquias para colocarlas en los cuatro machones de la cúpula: el velo de la Verónica, la cruz de san Andrés, la lanza de Longinos…

 

 

San Longinos. Escultura de Bernini en el Vaticano.

 

 

 

 

Muchas de las iglesias construidas o reconstruidas en este momento fueron fruto de estas reliquias encontradas como Santa Susana en el Trastevere (de la que se descubrió su cuerpo incorrupto que se muestra, como otros tantos, con una cubierta de cera sobre la piel y vestido, tan inquietantes, en numerosas iglesias romanas) Santa Práxedes, San Agnese in Agone, Santa Bibiana…

 

 

Cuerpo incorrupto de San Benedetto mártir en San Apolinar

 

Junto a todas estas reliquias de las catacumbas, podemos encontrar en la ciudad muchas otras que se custodiaban  desde los primeros siglos del cristianismo, fruto de las investigaciones de Santa Helena (la madre de Constantino) que ya comentamos hace un tiempo en un artículo sobre la Vera Cruz.

 

Las famosas cadenas de San Pedro en San Pietro in Vincoli

 

Relicario de Santo Tomás en Santa María Maggiore

 

Relicario de la Santa Espina. Santa María Maggiore

 

Cabello de la Virgen María en Santa María Maggiore

 

Uno de los relicarios más famosos de Roma, en la Santa Escala (la imagen se pretende pintada por la propia divinidad, akeropita". A ella se llega por los 28 escalones que, de acuerdo con la tradición, son los escalones que ascendían hacia el pretorio de Pilato en Jerusalén, subidas por Jesúsr durante su Pasión)

 

Para saber más

http://es.catholic.net/turismoreligioso/662/1202/articulo.php?id=6954 (localización de las reliquias de la Pasión de Cristo)

http://perso.wanadoo.es/estudioateo/documentos/reliquias.htm (desde el punto de vista ateo, una relación de las más sorprendentes reliquias)

 

Vicente Camarasa

 

09/09/2009 08:00. sdelbiombo #. BARROCO Hay 1 comentario.

LA FONTANA DE TREVI, LA ÚLTIMA GRAN FUENTE DE LA ROMA BARROCA

 

 

 

 

Millones de turistas la visitan día y noche para fascinarse ante ella y echar las preceptivas monedas para regresar a la ciudad eterna. Y es que, precisamente en Roma, la ciudad de los teatros barrocos por excelencia, esta fuente constituye realmente su síntesis final, el más maravilloso telón de piedra y agua del que ha sido capaz el arte.

EN ESTE ARTÍCULO SE ANALIZAN SUS CARACTERÍSTICAS

 

Vicente Camarasa

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12/08/2009 17:44. sdelbiombo #. BARROCO Hay 1 comentario.

UNA INTRODUCCIÓN HISTÓRICA AL BARROCO

 

Bodegón de Heda, pintor holandés del siglo XVII

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Willem_Claesz._Heda_005.jpg

http://nannysusi.wordpress.com

En su blog, JV ha realizado una pequeña pero muy completa introducción histórica que puede serviros para comenzar el mundo en el que empezó a desarrollarse el arte Barroco, tanto en lo político como, especialmente, en lo económico.

Vicente Camarasa 

03/05/2009 10:00. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

LA TEATRALIDAD BARROCA. MENTIR A LOS OJOS PARA SALVAR EL ALMA Y PROTEGER AL REY

  

El suelo es totalmente plano, os lo aseguro. Iglesia de los Venerables. Sevilla

 

Ya lo decía Quevedo, nuestro gran escritor del Siglo de Oro (siglo XVII).

 

Hay muchas cosas aquí que parecen existir y luego no son más que un nombre o una apariencia

 

Valdes Leal supo crear lo imposible: una aparición divina de la Santa Cruz en un techo casi plano. Iglesia de los Venerables, Sevilla.

 

Pero no lo era sólo aquí, en España, sino en toda Europa. La mentira, la teatralidad era uno de los grandes pilares del Barroco: utilizar el arte como una forma de propaganda de la religión y el poder del rey.

Frente al Renacimiento, sólo conocido por las clases más cultivadas, el Barroco tenderá a ser en muchos de los casos un arte para controlar al pueblo (Maravall), un control ideológico sobre la masa que no sabe leer pero sí puede mirar.

Precisamente por ello, los artistas barrocos retomaron muchas de las técnicas aparecidas en el renacimiento  (perspectiva lineal, claroscuro o los trampantojos en pintura; el uso de la luz para generar espacios en la arquitectura o los falsos fondos pintados), para convertir la ciudad y la iglesia como grandes teatros en donde se escenifica el poder del rey, la sociedad estamental o la nueva iglesia reformada que surgió tras el Concilio de Trento.

 

Este proceso se inicia a finales del XVI en Roma, siendo su ejemplo más espectacular la plaza del Vaticano realizada por Bernini, hecha como unos grandes brazos que rodean a los creyentes y crean el espacio perfecto para las apariciones del Papa en las grandes solemnidades. El gigantesco espacio hace que el individuo se sienta pequeño, débil, insignificante ante el inmenso poder de la Iglesia.

 


 

 

Efectos parecidos conseguirá con el baldaquino de la Basílica de San Pedro o muchas de esculturas como podéis ver en este artículo que realizó Mar

 

Otro de los grandes arquitectos italianos, Borromini, jugará constantemente con el espacio para crear amplias perspectivas en lugares normalmente pequeños. Quizás el juego más espectacular sea la columnata de entrada que realizó para el Palacio Spada en donde la realidad y la ficción se entremezclan, como podéis ver en estas fotos.

 


 

En realidad la perspectiva no es real, es mucho más corta, pero las columnas se van haciendo más bajas y el techo desciende mientras el suelo asciende para que en muy poco espacio creáis que existe una gran columnata

 

 

En este juego de apariencias  jugó un papel muy importante la pintura al fresco, que consiguió eliminar las paredes y techos, reconvirtiéndolos en  arquitecturas increíbles que crean espacios infinitos poblados de ángeles, santos o la propia divinidad.

 

 

Pozzo. Decoración (ilusionista) de los techos de la iglesia jesuita en Viena

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Andrea_Pozzo

 

Pozzo. Trampantojo habitaciones de San Ignacio. El Gesú. Roma

 

En el caso de España fue especialmente importante esta decoración fingida, pues la crisis que sufría el imperio durante el siglo XVII impedía utilizar materiales costosos. No es extraño que en vez de mármoles o bronces se utilizaran pan de oro (finísimas láminas de oro sobre la madera) para los retablos o incluso cúpulas falsas (llamadas encamonadas) que en vez de la cara piedra utilizaban yeso y maderas.

 

 

Aunque parezca mentira toda la cúpula está realizada con yeso y maderas ligeras. Iglesia de San Isidro, Madrid, realizada por el padre Bautista

 

Cúpula de la Virgen de los Desamparados. Valencia. Palomino

 

Otro importante lugar de teatralidad será la arquitectura efímera (hecha con madera o cartón piedra) para las entradas, bautizos, bodas o funerales de los reyes. Pues en todas estas manifestaciones el protocolo organiza la vida como un gran teatro y aporta un componente cenestésico del que ya se habló

 

 

Salida de los reyes del Palacio Real de Madrid (Siglo XVII)

 

Este apartado lo explicaremos con más profundidad en un próximo artículo, pues acabamos éste con una de las principales puestas en escenas del mundo barroco, quizás la única que aún podemos ver en la actualidad de una forma muy semejante a lo que era en un principio. Me refiero a la Semana Santa, en donde la ciudad se convierte en un inmenso teatro en donde los espectadores y las imágenes de la Pasión y Muerte de Cristo se unen en un espectáculo que aturde todos los sentidos (el olor del incienso y las velas, la música fúnebre y los tambores, el propio movimiento de las figuras entre las masas de gente que lo invade todo.

Si queréis haceros una idea entrad aquí y mirad el artículo y video dedicado a la procesión del Gran Poder de Sevilla, en la madrugada del viernes Santo.

 

 

 Vicente Camarasa

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02/05/2009 07:27. sdelbiombo #. BARROCO No hay comentarios. Comentar.

CARAVAGGIO. LA CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO. UNA OBRA DEL BARROCO COMENTADA

 

 

 

 

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio

 

Tema. Se trata de un tema religioso, el martirio de San Pedro, el principal discípulo de Cristo y primer Papa. Caravaggio toma el texto evangélico al pie de la letra, cuando San Pedro pide que, si va a ser crucificado, lo sea cabeza abajo, como signo de modestia, para no igualarse con Cristo.

El autor, en una característica típicamente barroca, busca el momento de mayor tensión, con los sayones (soldados) tirando de las cuerdas mientras San Pedro intenta levantarse de la cruz. De esta manera crea un fuerte dramatismo en todala escena.

 

Técnica. La pintura está realizada al óleo (utilizando aceite como aglutinante) sobre lienzo, estando pensada para una capilla de la Iglesia de Santa María del Popolo.

 

Composición. Es típica del barroco, una doble diagonal formando un aspa (en rojo). Junto a estas líneas fundamentales existen otras secundarias (en azul) que también vuelven a ser diagonales. Esta composición la repetirán numerosos autores barrocos, como Rubens o Bernini

  

 

La insistencia en las diagonales en el barroco es clara. Esta línea crea movimiento y tensión (frente a las horizontales y verticales renacentistas que buscan la tranquilidad y la armonía). Fíjate en esta obra de Perugino (Renacimiento, Quattrocento) hecha por medio de horizontales y verticales, lo cual genera mucha más quietud.

 

Perugino. Entrega de las llaves a San Pedro

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Pietro_Perugino

 

Línea y color. Aún predomina la línea sobre el color (será uno de los pocos rasgos barrocos que aún no utilizará Caravaggio). Los colores (menos algunos verdes muy apagados) son cálidos (rosados, anaranjados, rojos). La mayor importancia de los cálidos se vuelve a utilizar para hacer más intensa la imagen, impactando en las emociones del espectador.

 

La luz es expresiva. Si comparas la luz de esta imagen con la Trinidad de Masaccio del Renacimiento Podrás ver la diferencia entre una luz representativa (aquella que sólo intenta crear claroscuros para darle volumen a las imágenes) como en la Trinidad de Masaccio; y la expresiva que intenta crear fuertes contrastes que den más intensidad a la imagen, dejando ciertas zonas casi en total oscuridad mientras se destacan otras (a eso se le llama tenebrismo). De esta manera (también) Caravaggio nos va conduciendo por el cuadro a través de la luz, como vuelve a realizar en otra de sus obras maestras, La Vocación de San Mateo, en donde la luz nos lleva desde Cristo (a la derecha) a San Mateo (el hombre con barba).

 

 

 

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Michelangelo_Merisi

 

La perspectiva. Debido al tenebrismo, el paisaje ha desaparecido. Por ello Caravaggio utiliza otros trucos para crear el espacio el cuadro, especialmente escorzos (líneas de profundidad) del brazo de San Pedro, la propia colocación de todos los personajes que se adentran hacia el fondo…

 

Las figuras son tremendamente expresivas en caras y brazos (a lo que se añade el momento elegido, el de mayor tensión). Sin embargo lo más relevante en la pintura de Caravaggio será el gran realismo de sus figuras.

Nosotros tal vez no nos hagamos idea hoy de lo que pudo significar este cambio, pero en su momento causó grandes polémicas. Caravaggio se cargó de un plumazo toda la tradición renacentista que buscaba la belleza, la armonía, la perfección, y puso caras corrientes a los personajes sagrados. Fijaros en éste San Pedro, su cuerpo esquelético, arrugado y mirad ahora una típica imagen del renacimiento (Rafael, Cinquecento)

 

Rafael

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Raffaello_Sanzio

 

Comentario.

La búsqueda de la tensión emocional por medio de la composición en aspa, el tenebrismo o los tonos cálidos, unidos al realismo nada idealizado de las figuras, nos llegan a la figura de Caravaggio, el pintor que revolucionó el arte de principio del siglo XVII, siendo uno de los iniciadores del arte barroco.

 

Su vida fue tan dramática como su pintura. Acaso homosexual, aficionado al juego y al vino, gustó de frecuentar los ambientes más sórdidos de Roma, siendo muchas de estas tabernas llenas de suciedad el escenario de sus cuadros.

Pendenciero y camorrista, un duelo le hizo huir de Roma, pues su contrincante muerto era un personaje principal de la ciudad. Desde entonces su vida fue una terrible huida, primero por Nápoles y más tarde hacia Malta, Sicilia, de nuevo Nápoles, hasta morir en extrañas circunstancias cuando regresaba a Roma, en Porto Ercole.

Sólo tenéis que mirar sus posibles autorretratos para intentar imaginar el carácter del pintor

 

La Cabeza de la Medusa (posible autorretato)

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Michelangelo_Merisi

 

David y Goliat (Posiblemente la cabeza moribunda de Goliat también fuera un autorretrato)

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Michelangelo_Merisi

 

En lo que se refiere a su pintura sus grandes novedades será el tenebrismo que dramatiza la escena y guía al espectador y ese brutal realismo de sus figuras con el que pretendía acercar el hecho religioso a las masas populares. Alguien como ellos, viviendo en sus propios ambientes sucios y malolientes; así imaginaba la figura religiosa Caravaggio que, de vivir hoy, seguro que no habría dudado de poner a Cristo en un poblado chabolista y poner tatuajes a los santos (Para la imagen de una Virgen muerta tomó como modelo el cadáver de una prostituta ahogada en el Tíber).

 

La cena de Emaús. Fijaros las pintas de Cristo y sus discípulos. ¿Intentáis imaginar cómo los habría pintado hoy?

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Michelangelo_Merisi

 

Su influencia en el arte del Barroco será inmensa. Desde el Velázquez sevillano, Ribera, Rubens o Rembrandt serán deudores de su estilo, que incluso el propio Goya será utilizando en sus pinturas negras

 

Velázquez. Vieja friendo huevos.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Diego_Vel%C3%A1zquez

 

Ribera. San Andrés

 

Otra obra analizada de Caravaggio: El Descendimiento (La Deposizione)

 

Vicente Camarasa

 

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07/11/2008 08:15. sdelbiombo #. BARROCO Hay 4 comentarios.

CUANDO BERNINI INVENTÓ EL BARROCO

 

Autorretrato de Bernini

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gian_Lorenzo_Bernini

 

Pocos períodos en la Historia del Arte son tan bellos y cuentan con obras tan magníficas como EL BARROCO. Su origen etimológico puede encontrarse bien en un complejo silogismo medieval (en escolástica sería aquello que no tiene una lógica interna) bien en un término peyorativo (Barrueco- perla irregular). Sea como fuere, lo cierto es que anuncia ya un ARTE DESEQUILIBRADO Y DESPROPORCIONADO.

Digno sucesor del Renacimiento, comparte con éste el empleo de elementos clásicos pero con un toque diferente. Se prefiere EL MOVIMIENTO, LA DECORACIÓN DESBORDANTE SOBRE LO ESTRUCTURAL, USO DEL ORDEN GIGANTE, y lo que, en mi opinión, mejor muestra el distanciamiento y marca definitivamente la diferencia con el Renacimiento: la gran importancia que se otorga a las EMOCIONES Y SENTIMIENTOS para dejar en un segundo plano a la razón. Es quizá aquí donde mejor se ve el contraste entre el ETHOS del RENACIMIENTO (cuyas máximas eran el equilibrio, la armonía y la proporción) y el PATHOS en el BARROCO (un verdadero canto a los sentidos donde el mensaje se teatraliza para hacer una especie de "arte viviente" que se comprenda y a la vez convenza al espectador)

En este momento la figura del MONARCA ABSOLUTO junto con la IGLESIA (tras el Concilio de Trento) cobran especial importancia. Ésta última adopta una actitud TRIUNFANTE y busca PROPAGANDA DE LA RELIGIÓN CATÓLICA (Contrarreforma), por ello no es de extrañar que algunos PAPAS se conviertan en grandes MECENAS.

 

Este es el caso de el Papa URBANO VIII quien encargará a BERNINI el BALDAQUINO DE SAN PEDRO el cual actúa como marco de un verdadero cuadro (la cátedra de S. Pedro) con enormes columnas salomónicas (supuestamente inspiradas en la que tendría el templo de Salomón en Jerusalén) y telas en las que aparecen representadas abejas como símbolo de la familia del propio Papa, con un logrado EFECTO TEATRAL (pues se asemejan a bambalinas en movimiento) y los característicos aletones curvos que generan el juego curva-contracurva.

 

 

 Baldaquino con Cátedra de San Pedro fondo a la izquierda. Vaticano

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Bernini_Baldachino.jpg

 

Todo ello sirve para relacionar a San Pedro con el Papa y de paso para guiarnos hacia el lugar más importante, la cúpula de Miguel Ángel que llena de luz el ambiente y deslumbra a un SAN LONGINOS con una composición abierta (en aspa), manos y rostro tremendamente EXPRESIVOS (afecti barrocos) dándonos el momento de MAYOR DRAMATISMO  que también aparecerán en la Beata Albertona, el tema mitológico de Apolo y Dafne o el ÉXTASIS DE SANTA TERESA,

 

 

 San Longinos

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gian_Lorenzo_Bernini

 

Quizás sea esta última una de las mejores obras de su faceta como escultor, pues se representa el momento en que la Santa tiene la visión de un ángel con una flecha que la atraviesa el pecho y llega hasta sus entrañas, como la UNIÓN de lo RELIGIOSO Y CARNAL, el dolor y el placer en pleno ÉXTASIS SEXUAL.

 


 

 Éxtasis de Santa Teresa. Detalle


 

Aunque posiblemente no es esto lo más llamativo sino el perfecto dominio que tiene de las texturas y la creación de un ambiente teatral que observa la familia del comitente en sus palcos, asombrada ante la levitación de la santa sobre las nubes gracias al foco de luz artificial (transparente) de la parte superior.

 

 

 Éxtasis de Santa Teresa

Tomado de  http://commons.wikimedia.org/wiki/Gian_Lorenzo_Bernini

 

Dentro también del TEMA RELIGOSO las obras más espectaculares residen en los sepulcros (también para los Papas) encargados por Alejandro VII y Urbano VIII, donde el tema fundamental es LA MUERTE (preocupación existencial también "utilizada" por muchos otros artistas como por ejemplo Jorge Manrique en Coplas a la muerte de su padre o un contemporáneo de Bernini, Quevedo) donde, al igual que en estas obras, se mantiene un constante diálogo con la muerte y una breve pero certera reflexión (VANITAS): debemos aprovechar la vida pues LA MUERTE NOS ACECHA CONSTANTEMENTE (tanto a pobres como a ricos) y por este motivo DEBEMOS ESTAR CONFESADOS, aprovechando así la oportunidad para lanzar un mensaje de propaganda religiosa, un verdadero  CONTROL IDEOLÓGICO que se refuerza  con la aparición de esqueletos (como un recurso teatral) blandiendo el característico reloj de arena que nos anuncia NUESTRO FIN (cada día que pasa más cercano) y nos invita a entrar, a través de una puerta cubierta con una cortina, hacia EL OTRO MUNDO.

 

 

 Tumba de Alejandro VII

Tomado de

 http://www.scultura-italiana.com/Galleria/Bernini%20Gian%20Lorenzo/imagepages/image72.html

 

Para terminar este artículo (que no la obra de Bernini) no podemos olvidar las obras de TEMA MITOLÓGICO como la famosa de Apolo y Dafne (inspirada en la Metamorfosis de Ovidio) con un gran dramatismo y realismo justo en el momento en el que ella se convierte en laurel ante la sorpresa de Apolo.

 

  

Apolo y Dafne

Tomado de

http://digilander.libero.it/debibliotheca/Arte/bernini/bernini_apollo_and_daphne.jpg

 

Aunque se trata de una clara EXPRESIÓN DE LOS SENTIMIENTOS y el espectador no necesita pensar sino dejarse llevar, también se puede (debe) extraer de esta obra unos VALORES ÉTICOS O MORALES....

 

Quisquis amans sequitur fugitivae gaudia formae, Fronde manus implet, baccas seu carpit amaras, y es que el placer tras el que corremos nunca se alcanza y si se hace, no provoca más que amargura.

 

 

UNA FOTOGALERÍA enlazada DE BERNINI

 

Si quieres saber más obras sobre Bernini puedes consultar

http://aprendersociales.blogspot.com/2008/03/gian-lorenzo-bernini.html

Para ver fotos de sus esculturas

http://www.scultura-italiana.com/Galleria/Bernini%20Gian%20Lorenzo/index.html

y sobre todo, por su calidad excelente

http://www.all-art.org/baroque/bernini1.html

 

Mar San Segundo

 

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17/09/2008 17:41. sdelbiombo #. BARROCO Hay 5 comentarios.


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