En el magnífico blog de Arelarte, uno de mis grandes referentes, Ana ha publicado un interesantísimo estudio en donde busca las fuentes formales (e ideológicas) que inspiraron a Van Gogh
Delacroix, Daumier, Millet, Toulousse, la estampa japonesa, Gauguin... se nos muestran (con muchas imágenes comparadas con cuadros del holandés) y nos permiten comprender las múltiples influencias que tuvo Van Gogh
Tomado de wikipedia
El tema no puede ser más costumbrista. Se trata de una (dislocada) escena cotidiana que se podía ver en los alrededores de la Grande Gatte, a orillas del Sena, en donde las distintas clases sociales pasean o descansan en sus riberas. Un tema, por lo tanto, profano, tan típico del siglo XIX que, sin embargo, y como más tarde veremos, en realidad es una pura excusa.
El soporte es lienzo mientras los colores se aplican, en pequeños puntos, al óleo.
La composición es sumamente compleja y estudiada, lo cual entra en contradicción con el aparente ambiente costumbrista y espotáneo del que hablábamos. Los pesos se encuentran sumamente organizados por medio de la colocación de las figuras, las luces y sombras y la perspectiva. Así tenemos una parte inferior dominada por una pesada sombra que se conecta de forma intensa por la vertical de los dos personajes de la derecha y de una forma más sutil en el centro e izquierda. Tras ella aparece la gran zona iluminada cuya figura de transición sería la mujer de rojo con sombrilla.
Toda la composición está dominada por la interacción de numerosas verticales que son compensadas por horizontales y diagonales de sentido izquierda derecha (sombras, ribera).
La línea ha desaparecido virtualmente (aunque en nuestra visión reaparezca en las formas compositivas, como ya se dijo), mientras que el color y sus gradaciones toma la máxima importancia. Su forma de trabajarlo es sumamente novedosa, aplicándolo en pequeños puntos sobre el lienzo para conseguir un efecto visual concreto: aprovechar la capacidad de combinar los colores cercanos que tiene nuestra pupila, creando así los tonos intermedios que produce la luz natural sobre los objetos.
Tomado de wikipedia
En lo que se refiere a su composición, el negro de la banda inferior estabiliza todo el cuadro, mientras los rojos animan toda la superficie del cuadro creando numerosas rutas visuales que nos hacen desplazarnos por él de izquierda a derecha, entrando y saliendo en su profundidad. Como contrapunto de ellos y a fin de crear el equilibrio deseado, todo el fondo frío en varios matices nos crea un fondo homogeneo en el que destaquen tanto los oscuros como los cálidos.
La luz, principal objeto del cuadro, es natural y representativa, intentando llevar a sus máximas consecuencias las teorías cromáticas expuestas por Chrevaul que ya habían utilizado de forma más intuitiva los impresionistas: crear colores puros sobre el cuadro para reflejar su impacto sobre los distintos colores y objetos que, por su parte, proyectan sombras que ya no son negras sino violetas o azuladas, como pretendía ya Monet.
Tomado de wikipedia
La perspectiva, de nuevo, está sumamente cuidada, con una paradójica condición. Mientras las numerosas diagonales y la multitud de espacios intermedios que tenemos nos obliga a desplazarnos hacia el punto de fuga junto a la cabeza de los personajes de la derecha, el propio autor nos genera numerosos obstáculos (árboles, figuras humanas) con los que tapona estos huecos visuales, obligándosnos una y otra vez a cambiar de dirección al no poder avanzar hasta el punto final.
Las figuras se nos presentan (pese al tema) en exceso hieráticas, sin expresiones y con un movimiento controlado. Predomina en ellas el prefil estricto o la vista frontal, eliminando casi por completo los tres cuartos, como era habitual en la época. Su construcción, sumamente geométrica les dan un punto más de solidez e inmovilidad.
Comentario.
Nos encontramos con la obra maestra de Seurat, el gran neoimpresionista que intentó objetivar los avances impresionistas y utilizarlos sobre una trama conceptualmente clásica (Algo parecido, aunque con unos medios distintos quería hacer Cezanne, Llevar el impresionismo a los museos).
Como ya se ha vista existen numerosos paralelismos de su obra con la generación impresionista anterior (interés por la luz, efectos cromáticos en el ojo humano, utilización de colores puros sólo unidos visualmente, escenarios naturales, sombras coloreadas…). Sin embargo Seurat no se limita a ello, sino que quiere darle un carácter científico y clásico. El primero de ellos se conoce popularmente como puntillismo (aunque Seurat prefería el término neoimpresionismo), pues su técnica, lenta y minuciosa que rompía con el carácter abocetado y fugaz del impresionismo, consistía en poner una trama de puntos de color puro tan íntimamente relacionados que el ojo humano termina por mezclar sus tonos (como, muchos años después la fotografía utilizará con el sistema offset, creando entramasdos de puntos grises que el ojo reconvertiría en imagen, o en la actualidad la fotografía digital ha convertido en píxeles, cuantos más existan mayor nitiedez tendrá la imagen que, por supuesto, nunca llegará a ser como la realidad, pues su sucesivo aumento nos terminaría por enseñar la trama coloreada).
Los bañistas
Tomado de wikipedia
Conceptualmente, por tanto, Seurat (como gran parte de los posimpresionistas) no pretenden el ideal utópico del impresionismo de crear una representación de la realidad, sino, más bien, un simulacro de la misma, haciéndonos conscientes que la pintura (como ya había descubierto Manet, y mucho antes Velázquez) es tan sólo una traducción de la realidad a otros medios plásticos en donde el espectador debe tener una distancia concreta y la ingenuidad de creer lo que está viendo.
Esta actitud despegada del supuesto objetivismo que tan en boga había puesto el positivismo (y que, con distintas técnicas también cuestionaban Gauguin, Cezanne o Van Gogh poniendo los cimientos para la revolución de las vanguardias históricas de principios del XX), tiene su corolario en la actitud que adopta Seurat sobre temas tan claves como composición o perspectiva. Para ello se inspira en el probablemente pintor más abstracto de todo el Quattrocento: Piero de la Francesca. De él deriva su composición, figuras o perspectiva, esa sensación de actitud silenciosa, cuasi religiosa, en donde las figuras se terminan por convertir en volúmenes bajo el dominio del color y la luz.
Seurat. El Estudio
Tomado de wikipedia
Con todo ello romperá con los modelos impresionistas y creará un arte mental que estará mucho más cerca de Picasso y sus Señoritas que de Monet y sus Ninfeas. Su muerte temprana y la asimilación superficial de su pintura por parte de sus discípulos (Signac) harán que esta vía quede muerta para la modernidad, pese a sus numerosos hallazgos formales y simbólicos en el estudio del color y la línea y sus relaciones fisiológicas de la escenas circenses, el cáracter mental, el cuadro de dentro de cuadro y una pre-visión simultánea en su Estudio) y sólo alguno de sus rasgos más superficiales pueden ser apreciados en el primer Matisse (lujo Calma y voluptuosidad) o Picasso (cubismo analítico)
En el circo
Tomado de wikipedia
COMEDORES DE PATATAS
Una de sus primeras grandes obras que retrata la pobreza de las tierras mineras de Holanda
EL VAN GOHG IMPRESIONISTA
Fíjate en cómo usa sus colores (fríos contra cálidos) para conseguir mayor potencia expresiva
LOS GIRASOLES
Forma parte de una larga serie. Son flores verdaderamente "expresionistas" que más que hablar de belleza nos hablan de sentimientos
PERE TANGUY
La historia de una soledad (todo es doble: almohadas, sillas, cuadros... para un hombre que vive sólo). Fíjate en la perspectiva deformada (el suelo se levanta, las paredes pareces volcarse hacia el interior...) que provocará angustia en el espectador. Esto se seguirá en el movimiento expresionista
EL CAFÉ NOCTURNO
Un lugar para comprender el suicidio, como le escribió a su hermano Theo. Aquí lo tienes analizado
Tomado de musipoemas2.blogspot.com.
La pastosidad de la pintura y esas fuertes espirales hacen de la escena un continuo movimiento. El paisaje, como hacían ya los románticos, sirve para transmitir emociones, como luego hará Munch
LOS ALPILLES
LOS AUTORRETRATOS
Van Gogh se pintó una y otra vez, quizás porque no tenía dinero para pagar modelos, pero también como forma de vigilar su salud mental.
En los autorretatos puedes ver cómo usa el color (muy saturado) para dar emoción al cuadro, la deformación o la postimagen que vuelve los fondos vibrantes, tensionándolo todo.
Esto seguirá ocurriendo en el expresionismo. Schiege
LOS OTROS AUTORRETRATOS
Van Gogh, en el fondo, pintaba cada cosa como si fuera su propio autorretrato.
Sus cuadros los deberíamos entender como verdaderos gritos de angustia ante un mundo hostil y terrible que ni entiende ni le comprende.
Una forma de hablar sobre su soledad y sus miedos.
Esto será habitual en el expresionismo (Munch, Grosz, Picasso...)
Imágenes tomadas de wikipedia
A lo largo de varios artículos (aquí puedes encontrar todos los enlaces) hemos ido analizando algunas características y estilos del pintor catalán.
En éste hablaremos de sus últimas obras, realizadas en su retiro del mundo en Portici (junto al Vesubio), en donde el artista inicia una nueva vida y estilo que truncará su temprana muerte.
En él se separará tanto del academicismo de los cuadros de casacón como del orientalismo, iniciando una pintura más libre,personal y valiosa que ya se intuía en su última etapa granadina.
En esta nueva obra será el color y la mancha el gran protagonista, acercándose a la visión mucho más pura y vibrante del impresionismo. (En concreto, esta obra será el arranque de Sorolla).
De la misma forma, aparecerá el japonismo (moda de la época) en sus paredes pintadas en donde forndo y forma se confunden integrando a los personajes en verdaderos torbellinos casi fauvistas (y que ya en el postimpresionismo será habitual, como en la obra de Gauguin).
Consigue así una obra que, sin renunciar virtuosismo, es más del XX que del XIX, limpiada de literatura y volcada a la pura sensorialidad del color.
Imagánes tomadas de http://es.wikipedia.org/wiki/Mariano_Fortuny
Vicente Camarasa
Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n,_sol_naciente
Tema. Al contrario de la pintura clásica, este cuadro no narra ninguna historia, es simplemente una pura instantánea de la realidad al modo de como podría realizarla un fotógrafo, sin ningún tipo de contenido religioso, mitológico o costumbrista. Es este sentido, lo podemos considerar como antiliterario, siendo el verdadero protagonista la luz.
Técnica y soporte. Óleo sobre lienzo.
Composición. Ligeramente asimétrica y desplazada hacia la izquierda con el motivo dominante del reflejo del sol que contrasta por su tono cálido.
Monet actúa como un fotógrafo, encuadrando la imagen y reduciendo el cielo para darle protagonismo al agua y sus reflejos. Para ello utiliza un punto de vista más elevado que el motivo, tomando una vista en picado.
Línea y color. Predomina claramente el color sobre la línea, con una pincelada tremendamente suelta que vuelve abocetados los distintos motivos.
Los colores predominantes son fríos (violetas y azules) que contrastan con pequeñas zonas cálidas anaranjadas.
Luz de función representativa pero, al contrario de la pintura clásica, no como soporte para la creación de volumen a través del claroscuro (no realiza modelado), sino como verdadera y única protagonista del cuadro, en especial los reflejos que tiene sobre el agua.
Perspectiva. Ciertamente carece de importancia y tanto la forma de aplicar el color como la toma en picado (de arriba abajo) tienden a la creación de un espacio bastante plano y alzado.
Figuras. Al igual que el espacio no tienen excesiva importancia, siendo totalmente abocetada. No existe interés por las texturas.
COMENTARIO
Este cuadro de Monet, históricamente, fue la primera creación verdaderamente impresionista, reflejando gran parte de las características del estilo.
Su interés primordial está en la luz, su captación fugaz (el amanecer en este caso concreto), lo que necesitará de una pintura rápida ( de ahí su abocetamiento) y al aire libre (plein air).
Técnicamente se utilizará la pincelada muy suelta (heredada de Manet, Goya y, en último término Velázquez) que más que pintar las cosas, busca el reflejo sobre ellas, eliminando el tema (en realidad, no cuenta nada) para buscar el juego de brillos y reflejos. (En este sentido arranca de la tradición holandesa del paisaje y su búsqueda de las luces, como era típico de Vermeer, Ruysdael..., del siglo XVII).
En este intento de plasmar lo lumínico, Monet renuncia al negro, coloreando las sombras con tonos fríos y mezclándolos con su complementarios (en este cuadro, oposición entre violetas y naranjas), utilizando para ello los nuevos conocimientos científicos sobre la descomposición cromática de la luz (círculo cromático) y técnicos, como ya nos explicó Ana en un magnífico post
Tanto esta técnica como las propias referencias fotográficas (encuadre) representan las conexiones de esta pintura con la modernidad del momento que, tras la fotografía, ha cambiado la forma de entender la pintura. Ya no es necesario copiar el mundo (la fotografía lo hace mejor) y concentrarse así en otros motivos (en este caso la luz), tal como hará la futura pintura (el cubismo en el volumen, el fauvismo en el color, el expresionismo en los sentimientos...).
En tal sentido el impresionismo se convierte en el primer estilo moderno (por su renuncia a la copia a favor de la interpretación), de la misma manera que hace ingresar al arte en la bohemia de la que no saldrá en los próximos años, alejándose de un público que no entiende este arte, pues no sabe acercarse a él, buscando cuestiones (típicas de la pintura clásica) ahora inexistentes: historia, modelado a través del claroscuro, detallismo...Ni siquiera acepta que el cuadro se encuentre inacabado (abocetado) y sea el propio espectador y su ojo el que lo termine, iniciándose así un arte que necesita de un espectador activo.
