ALEX HÜTTE (Segunda parte). DEL PAISAJISMO FRANCÉS A LA ABSTRACCIÓN Y LA POSMODERNIDAD. FOTOGRAFÍAS COMO PINTURAS QUE AL FINAL SON MENTIRA

 

Tomada de http://www.literaturmueller.de/frame_aLes2008.html

 

Como ya se vio en la primera parte dedicada a este fotógrafo , Hütte retoma el modo sublime de la paisaje romántico.

Sin embargo, en sus últimas obras (Selvas sudamericanas, jardines de Aranjuez) su fotografía da una nueva vuelta de tuerca y cambia de modelos.

 

Hacia la mitad del siglo XIX, el paisaje (especialmente en Francia) comienza a desprenderse de sus ideas románticas (la de expresar sentimientos) para concentrarse en la representación de la luz. La pintura se relaciona así con la ciencia y los nuevos descubrimientos físicos sobre la luz y el color.

Autores como Courbet, Corot (ambos realistas) o Rousseau (escuela de Barbizón) insisten una y otra vez  en el juego sutil de luces y sombras, con una pincelada cada vez más suelta

 

 

Corot. 1860

Tomado de

 http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Jean-Baptiste-Camille_Corot_026.jpg/800px-Jean-Baptiste-Camille_Corot_026.jpg

 

Sobre estos precedentes serán Manet y los impresionistas los que olviden por completo lo narrativo (el cuadro ya no cuenta nada) para centrarse exclusivamente en la luz. Para ello trabajarán al aire libre, eliminarán progresivamente el negro y, sobre todo, utilizarán una pincelada cada vez más suelta (herencia de Velázquez y Goya transmitida por Manet).

 

Esta última característica será especialmente importante, pues la pintura aparecerá abocetada (sin terminar) si nos aproximamos demasiado. Para ver un cuadro impresionista necesitamos una cierta distancia para que los colores se fundan en nuestra retina, si no sólo veremos manchas

 

 

Monet. Amanecer. Sol naciente. 1872

 

Esta técnica será llevada a sus mismos límites por Monet. Ya en los inicios del siglo XX, y encerrado en su jardín de Giberny, Monet pintará una y otra vez nenúfares sobre las aguas quietas de su pequeño lago. En ellos, la unión de la pincelada suelta, con los nenúfares y sus reflejos, termina por crear casi cuadros abstractos ante los que el espectador tiene que hacer un verdadero esfuerzo de reconstrucción para ver la imagen real.

 

 

Monet. Ninfeas

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Claude_Monet,_Water-Lily_Pond_and_Weeping_Willow.JPG

 

Algo de todo esto aparecerá en los nuevos paisajes de Hütte. Su insistencia por fotografiar reflejos en inmensas proporciones hacen que el espectador, cuando se acerque a la fotografía, sólo vea cuadros abstractos llenos de manchas de colores.

 

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_16/XLCO/Ies/20080911elpepucul_16.jpg

 

El juego óptico es típicamente posmoderno, pues en el se mezclan la reinterpretación de la pintura histórica (Monet en este caso) con una reflexión sobre lo que es cierto y lo que es una reflejo. Esa terrible distinción entre la realidad y lo copiado (el simulacro) que es uno de nuestros grandes conflictos actuales (¿qué es la realidad, la que sale por la televisión, la que veo en Internet…? Las fotografías se trucan con photo shop, los edificios modernos a veces imitan los estilos antiguos, todo es un remaque, una secuela, la copia de una copia, como tantas películas americanas, novelas que se refieren a otras novelas…)

 

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_22/XLCO/Ies/Amazonia_venezolana.jpg

 

Esta actitud de especular sobre la realidad, sobre la fiabilidad de nuestras percepciones ópticas, es un rasgo común de nuestra pintura actual. Uno de sus principales representantes será Richter que pinta cuadros que parecen fotografías desenfocadas o cuadros abstractos que parecen imágenes microscópicas, extrañas formas geológicas, que en realidad son fotografias.

 

Tomado de http://www.notinat.com.es/images/noticies/Image/2007-11/UlrikeRichter.jpg

 

Tomado de

http://www.masdearte.com/imagenes/fotos/Fashton_richter6.jpg

Realidad y ficción, fotografía o pintura, paisaje real o construido... En Hütte se unen todas estas contradicciones que se pueden ver en la Sede de Telefónica. Una verdadera revisión de la prehistoria del arte moderno y un avance, una propuesta hacia el futuro: ¿Hasta cuando estos paisajes fotografiados seguirán existiendo o pasarán a ser simples pruebas de una cosa que, antes, llamaban Naturaleza?

Vicente Camarasa

 

 

 

PICASSO, EL EGIPCIO

 

Contaba Picasso a sus biógrafos que un día del año 1907, cuando el pintor malagueño se encontraba luchando con los bocetos previos de lo que serían las futuras Señoritas de Avignon, un amigo también pintor, Rousseau, el Aduanero, le dijo de forma lapidaria:

 

Nosotros somos los dos grandes pintores de la época; Usted, monsieur Picasso, en el género egipcio y yo en el género moderno.

 

Quién sabe si la historia es auténtica, pues a Picasso le gustaba adornar su pasado con anécdotas, frases y acontecimientos que nunca existieron. Sin embargo, la idea es totalmente cierta.

Esto puede sorprender a muchos, que consideran a Picasso como el gran creador de la pintura moderna. Y así fue, por supuesto, aunque nunca deberíamos olvidar que también fue un gran clásico (tal vez el último) que nunca dejó de relacionarse con el pasado, reinventándolo una y otra vez.

Por otra parte, la sorpresa puede surgir por una incompleta percepción del arte egipcio. Nos es tan familiar desde pequeños que, quizás, nunca nos hayamos detenido verdaderamente a mirarlo.

Por favor, acompañadme por este pequeño viaje en la historia.

 

 

Si recordáis el arte cubista tenía dos claros principios: la simplificación de los objetos en formas geométricas y la visión múltiple (el pintor mira el objeto desde varios puntos de vista y luego une en una sola figura toda la información).

Estas dos claves ya son visibles en las famosas Señoritas de Avignon. El cuerpo de las mujeres se ha geometrizado de forma drástica, al igual que el fondo, quebrado como si fuera un cristal roto. En cuanto a la visión múltiple es evidente en la figura de la derecha, vista de espaldas y de frente, pero también con su cara hecha de retazos fruto de este cambio de vista del pintor.

 

 Las Señoritas de Avignon. Picasso, 1907

 

El lienzo produjo entre el selecto grupo que lo pudo contemplar una verdadera conmoción. Muchos no lo entendieron aunque, si la anécdota es cierta, Rousseau sí comprendió rápidamente. Supo mirar y darse cuenta que con aquel cuadro se había acabado la pintura visual (la que ve el ojo quieto) y comenzaba otro momento de arte intelectual en donde se pintará lo que se sabe, no lo que se ve, igual que le ocurría al arte egipcio.

 

Si no me creéis, fijaros en este relieve egipcio

 

 

Pero fijaros bien, y mirad las manos ¿No veis algo extraño en ellas?

Intentad poner las vuestras de la misma forma que en el relieve y veréis… que es imposible hacerlo. Y lo es porque los hombres tenemos los dedos enfrentados.

 

¿Os dais cuenta ahora? Las figuras tienen dos manos derechas (o izquierdas), pues el dedo gordo se encuentra en la misma posición en ambas, cosa que en la realidad es imposible.

Como veis los egipcios no eran tan realistas como podrían parecer. Hacían una pintura mental.

 

Pero esto va mucho más allá de unas simples manos. Fijaros ahora en esta figura hecha con la visión múltiple que inventó Picasso y los egipcios practicaban ya hace milenios.

 

 

 

La cara está vista de perfil, el cuello y los hombros de frente, la cintura y las piernas de perfil de nuevo. ¿No era esto lo que hizo Picasso con las Señoritas, no las pintó de frente y de espaldas?

 

Y aún hay más. Mirad este típico ojo egipcio. Lo normal, ¿verdad?

 

 

 

 

¿Cómo puede ser normal que la cara se encuentre de perfil y veamos el ojo de frente? Si lo viéramos también de perfil no podríamos ver más que una parte de él. Picasso utilizó el mismo truco una y otra vez, aunque tal vez de forma más exagerada (o por lo menos, que nosotros creemos más exagerada). Mirad.

 

 

 

 

 

 

 

 

Y así podríamos continuar con muchas cosas más (el fondo plano en donde se ha abolido la perspectiva, la importancia de la línea a la hora de delimitar las figuras, la pintura mental, de nuevo, en la representación de los pies), pero nos fijaremos en un último detalle: la representación de los objetos.

Fijaros en este fragmento. Se trata de una ofrenda a los dioses.

 

 

 

 

Como veis los objetos carecen de volumen y se apilan unos sobre otros, cada uno de ellos visto desde la posición que dé más información de los mismos.

Si regresamos a Picasso, ya a su segundo cubismo (también llamado sintético) podemos encontrar numerosos bodegones que recurren a estrategias similares, como en esta obra.

 

 

 

 

 

  

Como habéis podido comprobar la frase de Rousseau no era gratuita, aunque tampoco tenemos que pensar que sea la única verdad, pues en el nacimiento del cubismo se unieron numerosas influencias de las que pronto iremos hablando (escultura africana, Cezanne, Ingres, el románico o el arte íbero)

Por otra parte, Picasso no fue el único artista de vanguardia que se sintió fascinado por lo egipcio. Quince años antes de sus Señoritas Paul Gauguin ya había realizado este cuadro en donde lo egipcio es tan evidente que parece inútil comentarlo.

 

 Extraído de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paul_Gauguin

 

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 Vicente Camarasa

 

LAS RAMIFICACIONES DEL ZEN

 El Zen es una corriente filosófica y religiosa que nace en China y se expande a Japón. Surge de corrientes como el Budismo y el Taoísmo. Así, el Zen valorará el amor a la naturaleza, el "Vacío"

 o impermanencia de todas las cosas, la pobreza y el "samadhi" o despertar.

Pasado y futuro son inexistentes porque sólo hay el momento presente y su carácter efímero (vida-y-muerte) En su atención a la singularidad, una constante en su práctica y filosofía es la crítica al lenguaje y a los conceptos como percepción de la realidad.

El ejercicio del Zen, a través de maestros como Hui-Neng o Dogen, tiene dos vertientes fundamentales: el "koan"  o paradoja, cuya resolución es imposible por la razón, y el "zazen" o meditación para vaciar la mente de impurezas. En ambos, la atención, la intuición y el vacío de conceptos son fundamentales para lograr el despertar.

 

En el Zen, el arte es inseparable de una forma de vida. Así, en la esgrima (kendo), no cabe el razonamiento sino la intuición y atención. Además, el guerrero ha de vivir plenamente el presente de vida-y-muerte porque el futuro es muy incierto. El Zen comenzó a desarrollarse entre los "samurais".

 

 

Combate de Kendo. El pensamiento o los sentimientos como el temor, deben ser abolidos para que no constituyan un freno al propio movimiento

Tomado de http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Kendo_EM_2005_-_kote.jpg/738px-Kendo_EM_2005_-_kote.jpg

 

La pintura zen sólo puede ser leída en los silencios o espacios y en la valoración del detalle.

 

 

 

Tomado de http://www.taringa.net/posts/arte/1100771/Pinturas-zen.html

 

 

Un pintor occidental que se aproxima a esta concepción es Rothko. En sus grandes lienzos de colores planos, la atención es absorbida por la pintura.

 

 

Tomado de http://arteyartistas.files.wordpress.com/2007/11/101.jpg

 

También los silencios, espacios, vacíos, son fundamentales en el "jaiku" y en el arte de los jardines. La poesía "jaiku" (Basho) pretende captar el instante y lo efímero, como si el acontecimiento único arrastrara el vacío infinito de todos los seres.

 

Viejo estanque...

salta la rana...

sonido del agua

(Famoso haikú De Basho)

 

Lo mismo ocurre en el arte del jardín, totalmente opuesto a la plenitud y orden del jardín occidental. Por ejemplo, una rama en un silencio de arena.

 

 

Jardín zen

Tomado de http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9b/RyoanJi-Dry_garden.jpg

 

Probablemente, más que en el arte floral, la estética zen se desarrolla en el arte del té. Los materiales de este rito mantienen una ausencia total de ornamentación para mostrar la simplicidad y la pobreza ("wabi") Esta simplicidad y sinceridad son la esencia de la estética del zen para crear espacios de serenidad y armonía con la propia mente y la naturaleza.

 

http://es.geocities.com/bosque_de_bambu/inicio/haiku.html (Fantástica página sobre los haikú)

 

Jesús Chaparro

 

AXEL HÜTTE (PRIMERA PARTE). EL RETORNO DEL PAISAJE ROMÁNTICO DE VERDAD

Tomada de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-d27888b3290298b62a7096cd2ec25097.jpg

 

La Gomera. 

 

 

Vetlebreen (Norway) (2000),

Tomada de http://www.jano.es/jano/ctl_servlet?_f=303&iditem=2321&idtabla=4

 

 

En la actualidad y hasta noviembre se puede ver en la Sede de Telefónica (Metro Gran Vía), una exposición del fotógrafo alemán Axel Hütte.

Su obra (fotografías de un tamaño gigantesco y una perfección formal y detallismo extraordinarios) recoge la idea del paisaje romántico que, en la propia Alemania, se inició durante el principio del siglo XIX.

Pero, ¡cuidado!, la palabra romántico ha ido variando poco a poco de significación y no estaría de más explicar lo que significaba entonces, que no tiene nada que ver con la actualidad.

En nuestros días, y acaso por la influencia del cine americano y cierto tipo de novela, ¿qué entendemos por romanticismo?: ¿el amor?, ¿una música suave que pone banda sonora a un atardecer lleno de tonos rosas en donde una pareja se mira lánguidamente a los ojos y se toma de las manos mientras destila miel y dulces olores florales?

Byron, Delacroix o Friedrich habrían casi vomitado ante esta escena; les habría parecido cursi, un verdadero horror florido. Pues ellos entendían el romanticismo como el culto a las pasiones, las emociones fuertes, la tragedia. Nada más romántico que una matanza de mujeres (La Muerte de Sardanápalo, Delacroix), la sexualidad de las bañistas de Ingres, el combate de tigres, la tragedia de unos Naúfragos de Gericault, la terrible belleza de un cementerio en la tormenta… y mil cosas más que, a nosotros, no nos parecen nada románticas.

 

Lo mismo ocurre con el paisaje. Lo que nosotros entendemos como romántico se llamaba entonces pintoresco, un término que se había generado en la Inglaterra del XVIII y retomado en el rococó francés o los cartones para tapices de Goya. Una Naturaleza amable, variada y llena de encantadores detalles de tonos pastel, luces melancólicas, brumosos fondos y tiernos caminillos que nos apetecería recorrer para internarnos en el bosque en medio del cual habría una praderita cruzada por suaves riachuelos y alfombrada de diminutas flores. Algo parecido a esto

 

Gainsborough

Tomada de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-0db06d56c4bae37ca8fb07bab51c80bf.jpg

 

 

 

 Como se ve esta Naturaleza pintoresca es, en el fondo, aristocrática y conservadora y está al servicio de las clases altas. En ella no se sufren los fuertes cambios meteorológicos o las numerosas incomodidades de la vida campestre. Es una naturaleza para gozar plácidamente, como es evidente en los cartones para tapices de Goya es donde sería imposible que existieran mosquitos, cardos emboscados ni, mucho menos, lobos hambrientos.

 

Tomada de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-dd450d93412d0734d2740dd54a2fdc2f.jpg

 

Frente a ella, el movimiento romántico propone una nueva forma de mirar las cosas a través de lo emocional. La Naturaleza debe ser algo poderoso, capaz de transmitir fuertes pasiones. Un lugar para la tragedia o los héroes.

Quizás el pintor que mejor reflejaría esta nueva forma de entender el mundo será Friedrich, un pintor alemán que conseguirá plasmar todas las fuerzas telúricas, y el viento, el frío, la soledad o el propio miedo en sus paisajes, Pues estos son excusas para volcar sus sentimientos

 

 

 

Friedrich (AlteMuseum, Berlin)

 

Este será llamado el paisaje sublime, el verdaderamente romántico. Basándose en las ideas de Kart, Burke desarrollará toda una nueva teoría en donde el concepto clave será, aquello que nos atrae a la vez que nos rechaza, nos place pero nos da terror. Una belleza horrible, como dirá el propio autor, algo que supera nuestra capacidad mental y física (Burke), que por grande, masivo o misterioso, no podemos pensar o reducir a conceptos, sino simplemente sentirlo. lo sublime; esto es, produce la emoción más fuerte que la mente es capaz de sentir.

 

 

Friedrich

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Caspar_David_Friedrich

 

 

Y esta es la tradición que retoma Axel Hütte en sus fotografías de un tamaño gigantesco, que casi nos envuelven. La elección de los lugares será muy significativa, y no buscará la belleza tradicional sino aquellas geografías que nos acercan al misterio (mares, montañas semiveladas por la niebla)

 

 

Tomada de http://www.comunicacion-cultural.com/archivos/2006/04/axel_huette.html

 

 

http://www.elpais.com/articulo/arte/sensibilidad/paisaje/elpbabart/20040131elpbabart_1/Tes

 

Otras veces nos sitúan en el centro mismo de lo estéril y antihumano (desiertos, volcanes)

 

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-f97a193deceb10a8df40ee9082dabe6d.jpg

 

O, por el contrario, nos rodea de selvas tropicales impenetrables y pantanos llenos de ocultos peligros

 

 

 

Tomado de http://w3art.es/weblog_archivos/000666.php

 

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-f06121f8b87a51d8372d60fb16c67c58.jpg

 

Junto al tema (en donde el hombre ha desaparecido y solo queda la naturaleza en bruto, con toda su belleza pero también su terrorífica presencia), el autor refuerza la potencia de sus imágenes con el punto de vista elegido (picados, contrapicados) y la composición (que a veces se vuelve claustrofóbica, otras veces excesivamente abierta, con un cielo que ocupa la mitad de la foto), que suele reforzar el carácter masivo, antihumano, de las imágenes, que nos devuelven a un estadio anterior, aquel que debía tener el hombre antes que la burbuja protectora de la naturaleza se hubiera inventado para nuestra tranquilidad.

¿De verdad que se podría encontrar la felicidad en un paisaje como éste?

 

http://www.fcmanrique.org/expoDetalle.php?idExposicion=21&fl=1

 

Como dice Cristóbal Álvarez Teruel para Axel Hütte, lo sublime no sólo se relaciona con la presencia de lo grandioso y extrahumano, sino también con un cierto sentimiento de dolor, espectáculo y peligro: Lo sublime, por consiguiente, comporta una complacencia ambigua y extraña: se trata de un cierto "horror delicioso". La obra del alemán no produce un horror, pero sí que está cerca de ese sentimiento de pequeñez humana y de expectación ante los paisajes que presenta. No hay diálogo entre el espectador y las fotografías, hay contemplación y descubrimiento..

Tomado de http://ochopuntouno.blogspot.com/2008/02/axel-hte.html

 

Si quieres saber más puedes encontrar una entrevista con en el autor en:

http://salonkritik.net/08-09/2008/09/axel_huette_la_naturaleza_irre.php (Entrevista)

 

Vicente Camarasa

 

Mª DEL MAR SAN SEGUNDO

Soy estudiante de 1º de Periodismo y comunicación audiovisual. Vengo colaborando en la realización de este blog desde hace algún tiempo por dos razones: la primera de ellas es que me gusta escribir y la segunda mi devoción por el mundo del ARTE.

Ésta es una disciplina muy SUBJETIVA en la cual el espectador desarrolla un papel muy importante con su interpretación de la obra. Se nutre de los DISTINTOS PUNTOS DE VISTA que proyectamos sobre la realidad, de nuestros SENTIMIENTOS y EXPERIENCIAS, así que el arte es, en definitiva, LO QUE NOSOTROS QUERAMOS QUE SEA, y es ahí donde, en mi opinión, radica su peculiar "CARÁCTER MÁGICO"

No quiero despedirme sin agradecer el ESFUERZO y TALENTO del artífice de este blog (un lugar donde TODOS podemos APRENDER cada día un poco más), quien nos ha aportado su INTELIGENCIA y CONSTANCIA junto con un entusiasmo contagioso por el arte.

¿LOS PELIGROS DEL MÓVIL O LOS DE LA IMAGEN?

 

Mirad este vídeo antes de que lo quiten de la red.

 

http://www.dailymotion.com/video/x5odhh_pop-corn-telephone-portable-microon_

 

Y ahora, si queréis saber la verdad, lo cierto es que debajo de la mesa se encontraban unos grandes conductores que producían el suficiente calor para que el maíz se convirtiera en palomitas. No eran las ondas de los móviles, aunque quién lo diría viendo tan sólo las imágenes.

 

Da que pensar, ¿verdad?

 

Susana

CAMPO REAL ES ALGO MÁS QUE ACEITUNAS. NUESTRA SEÑORA DEL CASTILLO

 

Cuando me preguntan en donde trabajo suelo decir en el SIES de Campo Real, muy cerca de Arganda. Ah, donde las aceitunas, me dicen entonces, y los más  viajeros suelen añadir con un cierto aire de superioridad: Campo Real… ¿no es sobre Campo Real donde dan la vuelta los aviones para entrar en Barajas?

Tomado de http://www.tengopaginaweb.com/establecimientoromero/tengopagina.php?page=variantesysalazones 

Aunque las dos cosas sean ciertas, todo el mundo desconoce que en este pueblo existen otras dos cosas verdaderamente dignas de mención.

 

EL ARTÍCULO, CON NUEVAS FOTOS Y TEXTOS, SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 

ACASO EL HUMOR NOS SALVE. RECETA PARA HACER UNA PERFORMANCE

Recojo de uno de nuestros enlaces un artículo que me ha parecido especialmente interesante para inaugurar un nuevo tema. Tanto su fina ironía, como las verdades como puños (tanto en su idea de arte como actividad humana como por su crítica hacia el mercado y la percepción de este arte tan radical) son verdaderamente demoledoras.

Y es que tal vez el humor nos puede servir como un arma que nos salve de hipocresías y miedos a la hora de hablar de arte. Una forma de enseñanza que tanto les gustaría al Tao y al zen

 

Su tema se relaciona con lo que ya iniciábamos en Beuys y su liebre muerta

 

:RECETA PARA HACER UNA PERFORMANCE

1. Póngase de pie (o alguna otra posición a elección). En síntesis "decida"

2. Piense en azul. En síntesis "piense".

3. Quédese en esa posición por un determinado tiempo en algún espacio. En síntesis, tiempo + espacio...

Ya está haciendo performance!!

Ahora si quiere que su performance sea Arte, la cosa es más compleja.

Primero deberá preguntarse

1) ¿Que es arte?

Cuando se canse de escuchar teorías ajenas, leer definiciones en libros, escuchar peleas de artistas, críticos, etc., comenzará entonces a hacerse esa pregunta en un nivel más profundo y cuando finalmente no tenga respuesta lo terminará de entender.

2) Luego deberá decidir SER artista (y creer lógicamente que sin artista no hay arte)

3) Deberá entonces preguntarse ¿que función cumple ahora el otro?

4) Finalmente deberá esperar a la institución que le abra las puertas o escriba sobre usted (vivo o muerto da igual)

Nota del chef: He escuchado que no es necesaria la legitimación final de la institución, pero en mi experiencia personal,  de todos los "grandes artistas" me enteré por libros y los he visto en Museos (vivos o muertos, da igual). De hecho de ellos me enteré por que alguien escribió de ellos (vivos o muertos, da igual).

Me han dicho una vez que en un lugar que no sé dónde es, hay un "gran artista" que hizo una gran obra. Pero de los que no sé que existen, no se si existen.

 

IMPORTANTE:

Es posible acelerar este último paso.

Para ello se pueden generar diferentes estrategias, por lo que es buen consejo tener un poco de idea de marketing y dedicarle un mayor tiempo a las mismas.

Algunas de esas estrategias se mencionan a continuación:

(Si puede no descuidar por ello su obra y dedicarle a la misma un tiempo similar que el dedicará a acelerar este último proceso sería muy positivo para que lo suyo perdure cuando, si no es lo suficientemente sagaz, se apaguen las dicroicas)

-Hacer una obra que sea lo que se espera que uno haga

-Hacer una obra con cierta capacidad de "efecto"

-Asistir a una buena cantidad de vernisages y saludar a mucha gente (si se tiene menos de 30 años asistir con una carpeta bajo el brazo, por las dudas)

-Hacer clínicas con artistas ya reconocidos (También asistir con carpeta bajo el brazo)

-Saber los nombres en orden alfabético de todos los curadores y galeristas

-Mandar a salones puede ser favorable

-Mirar en internet qué se está haciendo en otros lugares

-Estar atento a qué se está premiando en salones que dan más de 15 salarios mínimos del país donde se vive.

-Tener en cuenta de que si se pasan los 30 años se dejará de "ser artista joven" o "emergente"

-Tener en cuenta que hasta los 65 no lo llamarán "Maestro"

-Buscar algún nicho de mercado (lenguaje que no esté muy utilizado)

-Ver las tendencias en las grandes Bienales (normalmente llegan al mercado local a los dos años, si bien la globalización ha acelerado ese proceso)

La lista es más extensa.

En caso de que detecte que este camino se le está complicando puede poner su propio museo, fundación o escribir usted mismo sobre usted.

Algunos curadores no le cobrarán tan caro y la distribución del libro puede tercerizarla en un distribuidor.

Sino, también puede, dedicarle más tiempo a su obra y esperar que el otro y el tiempo digan si lo que usted hace o hizo tiene algún valor como para ocupar una vitrina, una pagina de algún libro y así poder "existir".

EL CUARTO Y ULTIMO INGREDIENTE DE ESTA RECETA ES EL MERCADO.

En ese caso además de performance haga algún objeto, dibujo o al menos alguna fotografía, sino le costará vender sus trabajos.

Sino gánese un gran premio y algunas galerías se interesaran en usted.

Sobre el mercado no le daré más recetas.

Es bueno tener un plan "B" y descargar a la obra de la obligación de tener que darle de comer, puede darle cierta libertad que puede ser positiva.

Todos estos ingredientes como en cualquier receta están INTIMAMENTE RELACIONADOS y mezclados en una misma cacerola.

El chef.

En fin, me fui al carajo, pero me divertí...

 

Martin Molinaro Molinaro

 

Tomado de

http://performancelogia.blogspot.com/2007/04/sobre-performanceloga.html