CHAPLIN. LA POTENCIA DE LA IMAGEN A FAVOR DE UNOS IDEALES

 

 

En una sola imagen todo el ridículo de la Guerra (El Gran dictador)

Tomada de http://www.migatocalcetines.es/2006/05/04/el-chico  

 

 

Ahora que el Caixa Fórum de Madrid le está dedicando una exposición (del 02/07/2008 al 19/10/2008) no sería mal momento para recordar la capacidad que tuvo su cine para crear imágenes de gran potencia visual puesta a favor de una ética que defendía la libertad y la dignidad del hombre.

He elegido para ello dos de sus grandes películas. Tiempos Modernos y el Gran Dictador

 

En la primera de ella (rodada durante la Gran Depresión) existe una imagen a la que sobran comentarios

 

Tiempos modernos

Tomado de http://pablocine.blogia.com/2007/mayo.php

 

Después de ver este fotograma poco más hay que decir sobre las relaciones entre hombres y máquinas que se crearon durante la revolución industrial, el poder de la fábrica sobre el obrero minúsculo, la famosa alienación marxista.

 

 

El Gran Dictador tiene dos escenas que reflejan la cara y la cruz de estos personajes singulares, ansiosos de poder.

 

La primera de ella refleja el carácter miserable de estos seres, su necesidad de adquirir el poder para protegerse, pues en el fondo son tan ridículos… que chillarían por no llorar. Seguro que conoceréis a alguno semejante.

 

El Gran dictador

Tomado de

http://www.biografiasyvidas.com/monografia/chaplin/fotos/chaplin_8.jpg

 

La segunda habla de su lado más negativo con una metáfora verdaderamente insuperable. Intentad cambiar la cara de Chaplin por el poderoso que queráis y el globo terráqueo por el objeto de sus ambiciones y la imagen será tan fresca y nueva que parecerá recién inventada, con toda su carga de denuncia ante quienes desean controlar el mundo ya que su interior, por completo vacío, no es capaz de darles las satisfacciones necesarias para vivir plenamente

 

El Gran dictador

http://blog.pucp.edu.pe/category/1728/blogid/637?page=3

 

Y es que Chaplin fue un artista comprometido que tuvo que soportar la famosa caza de brujas dirigida por senador Joseph McCarthy tras la Segunda Guerra Mundial. Acusado de comunista por sus ideas progresistas, tuvo que exiliarse en los años 50, aunque su prohibición a entrar en EE UU fue revocada en 1971 al concedérsele el Óscar Honorífico.

 

Si queréis ver su discurso contra los totalitarismo (terriblemente vigente después de medio siglo) lo podéis encontrar en

 

http://madhatter.blogcindario.com/2007/12/00079-yo-no-quiero-ser-emperador.html (Video del Gran Dictador)

 

Vicente Camarasa

 

PARA SABER MÁS DE ARTE CONTEMPORÁNEO DESPUÉS II GUERRA MUNDIAL

Sobre Koons

 

Sobre performances

 

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Sobre Beuys y su performances .

La estética zen en Rothko,  Malevich y Kline  

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 Sobre Richter y el simulacro actual

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Sobre el apropicionismo desde Duchamp, Picasso, Warhol o Morimura

LA DINASTÍA DE ARQUITECTOS SEVILLANOS DE LOS FIGUEROA. EL BARROCO PLENO (PRIMERA PARTE)

 

 

La Magdalena 

 

Fue un renacimiento después del ocaso apocalíptico. Sevilla, centro del comercio mundial y la metrópoli más rica del imperio español había sufrido la más grave catástrofe en su larga historia en el año 1649. Durante pocos meses habían muerto unos 80.000 - la mitad de los habitantes - víctimas de la gran peste que dejó Sevilla devastada. Los supervivientes, continuamente perseguidos por el pánico de contagiarse, tuvieron que arrojar los cadáveres a fosas comunes anónimas, donde desaparecieron también muchos ilustres y muchos artistas famosos. Parecía el fin del mundo, todo quedó paralizado.

Durante las décadas siguientes, la capital andaluza empezó lentamente a recuperarse de aquel horror y recobró su famoso orgullo. Uno de los creadores de ese renacimiento había nacido un año después de la peste, aunque no en Sevilla, sino en la provincia castellana de Cuenca. Ya siendo muy joven, Leonardo de Figueroa vino a vivir en la ciudad del Guadalquivir y pronto se hizo famoso como arquitecto.

El nombre de Leonardo de Figueroa surgió por primera vez en la historia de la arquitectura en los años setenta del Siglo XVII. En los proyectos de construcción del Hospital de la Caridad y del Hospital de los Venerables, Figueroa colaboró en el diseño de los patios y fachadas de las iglesias. El Patio del Hospital de la Caridad está dividido en dos por una elegante columnata

 

La fachada de la Iglesia de San Jorge del Hospital de la Caridad

 

 

 

Patio del Hospital de los Venerables

 

En el año 1691, Leonardo de Figueroa consiguió el éxito definitivo cuando le concedieron la dirección de las obras de construcción de la nueva Iglesia de los Dominicos. La antigua se había derrumbado el primer Domingo del Adviento de 1691 y los Dominicos tuvieron mucha prisa con la construcción del nuevo templo: era una cuestión de prestigio, ya que era importante superar arquitectónicamente los templos de sus rivales, los Franciscanos y los Jesuitas.

Figueroa hace construir un edificio barroco y soberbio según el trazado de una basílica de tres naves, integrando en el conjunto una antigua capilla mudéjar, "superviviente" de la iglesia derrumbada.

 

Interior de la Magdalena. Sevilla

 

Con esa obra de la Iglesia dominica que hoy lleva el nombre de la Magdalena, el maestro ya toca todos los registros de su arte: corona la muy alta fachada principal con una doble espadaña, separada por un cuerpo central que se presenta como un retablo con columnas salomónicas. El rosetón rodeado por decoración de cerámica parece un diamante engastado y el gran reloj del sol también era un elemento muy original en una fachada de una iglesia.

 

La Magdalena 

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Iglesia_de_Santa_Mar%C3%ADa_Magdalena_(Sevilla)

 

Aún más asombro puede causar la cúpula: octogonal, con vidrieras que tienen la forma de un trébol de cuatro hojas, que mandan su luz desde la altura a la capilla mayor, y la linterna está concluida por una corona con cruz de hierro forjado.

 

 

La Magdalena 

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Iglesia_de_Santa_Mar%C3%ADa_Magdalena_(Sevilla)  

 

Para el diseño de la cúpula, Figueroa "redescubrió" dos materiales tradicionales de construcción especialmente frecuentes en la época árabe y casi "olvidados" durante el Renacimiento: el ladrillo y la cerámica. Se puede observar flores y escudos elaborados de cerámica azul y verde oscuro.

Encima de la cúpula, ya por si innovadora, para subrayar la originalidad de toda la composición, Figueroa hizo colocar entre las vidrieras de la linterna una especie de "esculturas de Incas" formando un círculo debajo de la corona. Antes sólo se conocía esculturas de influencia indiano (incaica o azteca) de fachadas del Perú o México. Lamentablemente, desde la calle, como peatón normal y corriente, apenas se puede descubrir todos esos detalles maravillosos. Deberíamos volar por encima de la cúpula o contemplarla desde una azotea cercana para admirar debidamente esa decoración que demuestra la creatividad de Figueroa

 

Segunda parte. El Salvador y San Luis de los Franceses

 

Berthold Volberg 

NURIA ZAPARDIEL

Estudio 1º de Historia del Arte, así que supongo que está de más decir que me encanta el arte en todas sus formas, además de la literatura y la historia.

 Para mí el arte es como un gran enigma, algo siempre por descubrir. No es tan sólo mero placer estético, porque puede llegar a ser terriblemente complejo, despertando nuestra curiosidad o invitándonos a la reflexión; y quizá sea esto lo que lo haga tan especial.

Este blog intenta acercarnos al arte de una forma entretenida, pero requiere que abramos nuestras mentes, ya que el arte no puede enfrentarse con prejuicios ni ideas preconcebidas, pues de hacerlo así, tan sólo nos quedaríamos con una mínima parte y no llegaríamos a disfrutarlo por completo.

Os recomiendo que no os limitéis a leerlo, sino que os dejéis llevar por él. De momento contáis el mejor maestro para ello, con fama de haber hecho mella incluso en las mentes más reacias (entre las que, por supuesto, me incluyo).

LOS PRIMEROS CONSTRUCTORES. EL ARTE MEGALÍTICO

 Tomado de wikipedia.org

A mediados del  VI Milenio a C. se produce en Europa un cambio de importantes características: la neolitización. Se trata de una nueva cultura que traerá las técnicas de ganadería y  agricultura, la cerámica, el comercio por trueque, la diferenciación social, la sedentarización…

En la actualidad se cree que este neolítico fue traído desde el oriente mediterráneo (zona de Siria y Mesopotamia, en donde surgió el fenómeno). En lo que no se ponen de acuerdo los investigadores en la forma de contacto, pues mientras unos creen en la pura imitación de los territorios contiguos (oleada de avance la llama Ammeman, que tendría como resultado una difusión muy lenta, de unos pocos kilómetros al año), otros creen que fue via marítima, extendiéndose por las costa rápidamente por los pueblos neolíticos que crearía colonias en lugares lejanos, sirviendo como modelo para el resto (Zilhao)

Gorafe. Granada

 

Sea como fuera, esta entrada en el neolítico creó comunidades estables, bien organizadas y con mayores recursos que, en el campo artístico, dieron origen al megalitismo (finales del Neolítico y Calcolítico o Edad de Cobre)

Estas “grandes piedras” tienen varias modalidades, aunque todas necesitan de la colaboración de gran cantidad de gente bien organizada, pues lo bloques a transportar (a veces varios kilómetros) podían pesar varias toneladas. 

 

El modelo más básico será el menhir, piedra hincada en el suelo, como las que llevaba siempre a sus espaldas Obélix. Desconocemos su función aunque se tienen varias teorías: lugar de límite entre las tierras entre ambas tribus, calendario solar (según su sombra) utilizado para las faenas agrícolas…

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Menhir_de_Champ-Dolent

 

Estos menhires  pueden aparecer  junto formando grandes alineaciones (como los de Carnac) o formas circulares (cromlech, como el famoso de Stonehenge ). Su orientación ha hecho pensar a los investigadores algún tipo de ritual religioso relacionado con el sol o las estrellas (¿Observatorios?)   En, por ejemplo, la alineación del trilito central con la piedra Heelstone señala exactamente el punto de salida del sol en el solsticio de verano de 1840 a. de C., cuando el monumento era utilizado.

 

 

Alineaciones de Carnac

 

 

 Cromlech de Stonehenge

Tomado de  

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-760513c1b9121c12740b7cdb1bc685c8.jpg

 

 

Otro tipo de megalitismo fueron los dólmenes, enterramientos colectivos (lo que nos demuestra una sociedad poco estratificada en la riqueza). Se componen de una serie de grandes piedras u ortostatos que crean una cámara interior cubierta por una gran piedra plana. Aunque en la actualidad no aparezcan así, este conjunto de piedras estaría cubierto de tierra formando un túmulo o pequeña colina artificial, acaso coloreda por pigmentos en su parte superior.

 

 

 

Dolmen

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-c3881bdcd02b8538648f4de1a87e81f8.jpg

 

Estos dólmenes evolucionaron especialmente en el sur de la Península Ibérica, siendo uno de sus conjuntos mejor conservados los de Antequera. Son los llamados cuevas corredor

El más espectacular de todos ellos es la cueva de la Menga (es construido pese a su nombre) que amplia el dolmen con un amplio corredor de acceso. Los ortostatos verticales se hunden profundamente en una zanja realizada previamente en el suelo, y se emplean incluso una especie de grandes pilares centrales para que las losas superiores no se rompan en su parte central. Todo ello se cubría con un túmulo de tierra que aún se conserva

Presenta orientación nordeste, es decir, hacia la salida del sol en el solsticio de verano, el día más largo del año. Existe una magnífica página sobre ella de la junta de Andalucía

 

  

Entrada de la Cueva de la Menga

 

Interior de cueva de la Menga. Antequera

 

 

Cueva de la Menga. Antequera. Observa sus proporciones

 

En el mismo  entorno, la Cueva del Romeral (ya del Cobre o Calcolítico) introduce novedades. En vez de grandes losas de piedra se utilizan rocas sin apenas tallada (mampostería) unidas por una serie de cemento o argamasa. Aparecen también en el interior del conjunto habitaciones circulares (la zona de enterramiento) que se cubre con falsas cúpulas.

 

 

Cueva del Romeral. Aún hoy se encuentra cubierta por un túmulo de tierra

 

 

Interior cueva Romeral (Antequera). Observa las paredes de mampostería y los techos aún realizados con grandes ortostatos

 

 

 Falsa cúpula por aproximación de hiladas

 

Probablemente desde esta zona procederían las influencias que generaron el gran conjunto de los Millares (Almería, Calcolítico EN ESTE ENLACE LOS ANALIZAMOS CON MUCHA MÁS EXTENSIÓN), aunque a principios del XX se creía de influencia micénica. Este poblado estaba amurallado con torres de vigilancia circulares. Sus pobladores conocían la metalurgia del cobre y muy posiblemente comerciaban con África (huevos de avestruz pintados). Practicaban ya el regadío y muy probablemente utilizarían arados. Su muralla nos demuestra que debió tener una cierta cantidad de riqueza que hizo falta proteger.

 

En cuanto a sus tumbas, son cuevas corredor con cúpula falsa en su parte final, y grandes piedras horadadas en su centro que delimitan espacios interiores.

 

 

Entrada a una de las tumba. Observa la piedra de entrada  (de una sola pieza) horadada

 

 

Interior cueva corredor de los Millres en la zona cubierta con falsa cúpula. Se ha realizado una reconstrucción del enterramiento y su ajuar funerario

 

Una derivación (mucho más tardía) de este megalitismo se produce en el Bronce Final y el Hierro en las islas Baleares, el arte talayótico que analizamos aquí

 

 

Visita vitual de los Millares  

Una buena página sobre el megalitismo en la Península ibérica 

 

Vicente Camarasa

CÓMO SE ANALIZA UNA PINTURA. LA TUMBA DE RAMSÉS I

 

 Tomado de www.tierradefaraones.com

 

El tema, como es habitual en la pintura egipcia, es funerario, y representa, según el Libro de los Muertos, el momento en el que el faraón está siendo recibido en el Tribunal de Osiris por parte de Horus (izquierda) y Anubis, con cabeza de chacal (En la parte derecha de la pared se puede observar el anterior traslado del faraón en la barca de Ra).

 

 Barca de Ra.

 

El soporte es la propia pared (pintura mural), utilizando la técnica del fresco (con huevo como aglutinante que se aplica sobre el yeso aún húmedo o enlucido) para las superficies coloreadas, y el temple en seco para los detalles.

 

La composición de la escena central es simétrica, con el faraón como eje de simetría. Por otra parte se utiliza las formas geométricas para encuadrar las distintas figuras. Todo ello nos produce una sensación de escaso movimiento (estática).

 

La línea predomina sobre el color creando unos perfiles nítidos que luego se colorean de forma plana (colores planos) y saturada, predominando los cálidos en las figuras (rojizos y amarillos) que contrastan contra el fondo frío (azul en la Barca de Ra).

 

El dibujo es bastante sintético, de trazo geométrico y escasos detalles.

 

La luz no es utilizada, creando colores sin claroscuros que convierten a las figuras en bidimensionales.

 

El espacio resulta plano, sin ningún intento de perspectiva, utilizando el fondo como soporte para la realización de jeroglíficos.

 

Las figuras se nos muestran en perspectiva torcida (vistas desde varios puntos de vista combinados) y, por tanto, muy lejanas de cualquier tipo de realismo. Para su creación se utilizan las formas geométricas que eliminan gran parte de sus detalles, idealizándolos.

En cuanto a la expresión nos encontramos con personajes hieráticos, llenos de convencionalismos y sin excesivo movimiento (estáticos). No interesan las texturas

 

COMENTARIO.

 

La pintura que comentamos pertenece, sin lugar a dudas, al arte egipcio, bien apreciable por el uso de técnicas arcaicas (perspectiva torcida, colores planos, tendencia a la geometría, fondo plano...) y la propia función funeraria de la misma.

En este sentido, el mundo de ultratumba constituía una de las principales creencias del antiguo Egipto que influirá poderosamente en su arte (importancia de la arquitectura funeraria como mastabas, pirámides e hipogeos; temática habitual de escultura o pintura). Concretamente en el caso de la pintura, toda su iconografía se encontraba resumida en el Libro de los Muertos que iba narrando los distintos episodios que ocurrirían hasta la llegada al Mas Allá.

La pintura que comentamos nos narra dos de ellos: el traslado del cuerpo a través del Nilo por medio de la Barca de Ra, y la preparación del difunto para el posterior juicio de Osiris en donde su alma sería pesada en una balanza para confirmar su bondad o maldad (psicostasis, tema que será retomado por el arte medieval cristiano con San Miguel portando una balanza y el Demonio intentando hacer trampas).

 

Pesaje del alma. Egipto

 

 

El protagonista de ambas (además de distintos dioses del panteón egipcio) es el propio faraón, verdadero poder de la teocracia egipcia (unión, en una sola persona de los poderes religiosos y políticos), que se ayudaba en sus tareas por una serie de privilegiados (escribas, soldados y sacerdotes). Esta sociedad estamental se reflejaba también en el arte, siendo sólo las capas superiores las que tenían capacidad para encargar arte (comitentes), tal como también se observa en arquitectura y escultura.

 

La estética utilizada, bastante arcaica en su forma de plasmar la realidad, nos recuerda que el fin último de estas pinturas no era crear belleza (como luego sí harán los griegos), sino (en el caso concreto de la pintura) de narrar el mundo del Más Allá. Se trata, por tanto, de una estética trascendente, una imagen de lo sagrado que representa las cosas no desde la pura visión humana, sino de una forma mental y por completo antinaturalista que reduce las formas naturales o modelos geométricos y no duda en unir varios puntos de vista o eliminar perspectiva o claroscuro.

 

Por último, este arte egipcio (sin apenas influencias anteriores) influirá decisivamente en otros posteriores, como el bizantino y románico (de nuevo artes sagrados), que volverán a estas formas sintéticas, lineales y sin fondo ni luz.

 

 

Maderuelo. Románico

Tomado de  arteparaninnos.blogspot.com

 

 

Mucho tiempo después otros autores volverán a recoger esta idea de arte para romper con el clasicismo, como Gauguin en el siglo XIX o Picasso en el XX, que volverá a investigar la idea de una visión múltiple del objeto que reduce a formas geométricas simples, tal y como puede observarse en las Señoritas de Avignon.

 

Vicente Camarasa

¿QUÉ ES LA REALIDAD?

 

Érase una vez, seis hombres ciegos fueron a ver a un elefante. El primer hombre ciego alargó sus manos frente a él y tocó el inmenso lado del animal. “Este elefante es como una pared alta y fuerte,” dijo el ciego.

El segundo hombre, quien estaba parado cerca de la cabeza del elefante, puso sus manos en uno de los largos y filudos colmillos. “¿Una pared? ¡No! Yo diría que es más como una lanza.”

El tercer hombre abrazó una de las patas del elefante con ambos brazos. “No quisiera contradecirlos,” dijo, “pero estoy seguro que el elefante es como un árbol.”

El cuarto hombre por casualidad tocó la oreja del elefante. “Todos ustedes están equivocados,” dijo él. “El elefante es en realidad muy parecido a un abanico.”

El quinto hombre estaba parado él solo por el otro extremo del elefante. Y por casualidad cogió la cola del animal. “Yo no entiendo esta confusión,” dijo él. “Estoy seguramente correcto al decir que el elefante es como una soga.”

 

http://www.vidadigital.net/blog/2005/04/07/los-hombres-ciegos-y-el-elefante  

 

Este viejo cuento hindú fue frecuentemente utilizado por los maestros de zen para intentar hacer reflexionar a sus alumnos. En el fondo, la idea central del mismo es la incapacidad de los humanos de ver la realidad completa, pues somos como ciegos en un mundo demasiado complejo para nuestros sentidos, deformado además por nuestras experiencias anteriores y nuestra forma de razonar.

Ante ello sólo quedan dos caminos, acumular informaciones hasta que éstas nos desborden (como nos ocurre en la actualidad) o dejar pasar todo sin acercarnos, ir un punto más allá de lo visible y lo razonable y encontrar esa fuerza universal o ki (como llaman los budistas) o las ideas (como lo llamaría Platón) o la divinidad (como la denominarían sufíes y místicos de tantas religiones).

Sólo quizás entonces comenzaremos a comprender que no hay nada que comprender, que el vacío está lleno y la absoluta quietud plena de movimiento. Pues será la unión de contrarios, el momento en el que una extraña paz nos invada y podamos estar durante horas oyendo el murmullo de un riachuelo, el mar que lame la arena, un simple beso. Quizás hayáis tenido esta sensación en algún momento en la vida, y entonces sabréis que el entorno desaparece y sólo quedáis vosotros, el río, el mar o el beso. Pues sólo cuando el ruido desaparece se comienza a oír el interior de uno mismo.

 

 

Hay, por tanto, que realizar una tarea de limpieza. Liberarnos de nuestros prejuicios, nuestros odios y nuestras razones, y mirar entonces despacio, buscar todo lo bello que tenemos en torno nuestro, sentirnos afortunados de ello e intentar aún más mejorarlo. Sólo cuando estemos en paz con el mundo lo empezaremos a estar con nosotros mismos, pues, según el Tao, todo pertenece a todo

 

(Las fotos son mías, hechas precisamente para este artículo, pues hay veces que una imagen sugiera más que las palabras, crea sentidos y emociones que dicen mucho más de lo desconocido, de ahí la grandeza del Arte)

 

Vicente Camarasa

 

ALCALÁ DE HENARES. UN TEATRO DE CUATRO SIGLOS DE HISTORIA

 

En la misma plaza de Cervantes, bajo los soportales que constituyeron el final de la ciudad hasta que Cisneros decidiera crear su Universidad, se produjo una verdadera sorpresa, no ha muchos años.

En lo que todos los alcalaínos recordaban como cine, tras muchos años de estar cerrado, un grupo de arqueólogo descubrieron un teatro único que había sido, patio de vecinos primero, corral de comedias en el XVII, y más tarde teatro romántico antes de convertirse en cine.

El problema se planteó a la hora de restaurarlo. ¿Con qué periodo quedarse? La solución la encontró Peridis (alguno lo conocerá más por sus chistes gráficos o su programa de románico pero es un excelente arquitecto). Con una actuación que tiene algo de magia logró que el recinto conservara toda su memoria, dejando elementos de todos los periodos con una sensibilidad increíble para unificarlo todo en un ambiente magistral.

 

De todo ello (claro) a mi lo que más me fascinó fue el corral de comedias del siglo XVII. De él se conserva el suelo empedrado en donde se colocaban los mosqueteros (las clases más bajas, quizás en la época el joven Quevedo estudiante), el pozo y una parte del escenario. Ahora han colocado en él una de las máquinas de efectos especiales que usó tanto el barroco. Esa especie de rollo blanco (de lienzo) movido por una manivela, conseguía un perfecto sonido de viento

 

 

 

General

 

Detrás de las puertas que están bajo el escenario se encontraba la tramoya de la que aún se conservan un juego de poleas para hacer volar a los personajes por el cielo del teatro, y otra máquina, esta vez de tormenta de granizo. Es el tonel, que está lleno de piedras, y al girarlo el sonido es idéntico a la tormenta que tuvimos hace un tiempo.

 

Máquinaria en parte baja

 

Pero aún hay más, y en la parte trasera del espacio, se encontraba la cazuela. El lugar destinado a las mujeres. Imaginaros. Ellas vestidas con sus enormes guardainfantes (como los de las Meninas), recolocadas por un llamado empujador. Desde allí ellas miraban la obra y lo que no era teatro, e intentaban ligar tirándole frutos secos y frutas escarchadas a los galanes del piso bajo. Como no podía salir de allí (y como tampoco había servicio de mujeres en los edificios públicos), ¿os imagináis cómo hacían sus necesidades? Sólo os doy dos pistas: el suelo de la cazuela estaba agujereado y los mosqueteros de abajo (por eso les llamaban así) nunca se quitan el sombrero.

 

La cazuela

 

Un piso más arriba comenzaban los secretos. Conducidos por pasillos como los que podéis ver en esta foto

 

Galería superior hacia aposentos

 

se llegaba a los aposentos. Estos eran habitaciones cerradas (y normalmente protegidas por celosías) en donde se escondían las personas principales que querían ver sin ser vistos.

 

Aposentos

 

Como veis toda una (nueva) excursión al siglo de oro que nos regala Alcalá y, lo que es más raro, aún se encuentra en funcionamiento, siendo utilizada muy a menudo para representar teatro barroco

 

Si queréis saber más sobre los corrales de comedias, Pérez Reverte los describe maravillosamente en el primer libro del Capitán Alatriste. De una manera más sencilla yo también intenté hacerlo en el Señor del Biombo.

 

También podéis saber más cosas en

http://www.corraldealcala.com

 

http://aix1.uottawa.ca/%7Ejmruano/Corral.html (Sobre el Corral del Príncipe en Madrid. Su reconstrucción en 3D de lo que fuera el edificio barroco)

 

Vicente Camarasa