VIENDO MONET A LA MÚSICA DE DEBUSSY
MIES VAN DER ROHE Y EL RASCACIELOS
La gran eclosión del Estilo internacional se producirá con la llegada de Mies van der Rohe a EE UU.
El artista ya tenía un estilo plenamente desarrollado (que ya analizábamos aquí en su famoso Pabellón alemán) basado en una nueva percepción del espacio y su famoso "menos, es más" que se unirá a la tradición americana por el rascacielos (iniciada en la ya analizada Escuela de Chicago) y un capitalismo triunfante. De esta conjunción nacerán sus grandes rascacielos que serán la referencia hasta la actualidad.
Su primera gran obra serán las torres de apartamentos gemelas en el Lake Shore Drive, las llamadas cajas de cristal.
En ellos ya se encuentran todas las referencias del estilo internacional (estructura de acero y hormigón, planta libre, grandes fachadas acristaladas, su sentido modular, la limpieza de todo ornamento que no sea la propia estructura ortogonal...
Lake Shore Drive.
Unos años después, efectuó su obra maestra, el edificio Seagram en Nueva York
Edificio Seagran. NY
Una de sus grandes novedades es la de aguantar las presiones inmobiliarias y no construir todo el terreno, retranqueando el edificio para crear una plaza delante suya que permitía su contemplación y daba un sentido urbanístico a la zona, creando una plaza pública ante él.
Esta plaza (como ocurría en sus obras anteriores) consigue crear un fantástico espacio (interior-exterior) en el encuentro del edificio con la ciudad a través de su gran entrada.
Sus habituales características de diseño en el mismo límite de la abstracción se plasman en los extraordinarios muros cortina que reflejan su entorno.
Para que (como era habitual en su obra) el exterior del edificio representara su interior, Mies recurrió a un sofisticado truco.
La legislación estadounidense exigía la cobertura de los elementos metálicos con una capa de hormigón (para evitar el colapso de la estructura en caso de incendio).
Esta medida impedía la sinceridad total de la construcción, lo cual fue evitado forrando de nuevo el hormigón con una estructura metálica a la vez que se disponían en el exterior del edificio falsas molduras de acero que explicaran su construcción
Se conseguía así la perfecta caja de acero y cristal rematada por una cornisa cerrada, todo un símbolo que influirá en los arquitectos posteriores.
Imágenes tomadas de wikipedia
UN VIDEO PARA VER CÓMO PINTABA VAN DER WEYDEN
Análisis y comentario. EL MARTIRIO DE SAN FELIPE. RIBERA
Tomada de wikipedia
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Tema: nos encontramos ante una imagen de tema religioso puesto que nos narra el martirio de San Felipe, de una manera cruda, verosímil. El artista nos sumerge en el cuadro de una manera viva, dirigiendo toda nuestra atención había el santo, quien esta rodeado de personajes espectadores así como lo somos nosotros. Con todo ello los que se pretende es hacer propaganda de la fe.
Soporte y técnica: Debido a la progresiva evolución de la técnica, nos encontramos ante una obra sobre lienzo al óleo.
En cuanto a la pincelada es suelta, donde los detalles a poca distancia se difuminan, pero a la distancia adecuada reflejan a la perfección las calidades táctiles.
Composicion .La imagen principal se compone mediante un exquisito juego de diagonales lo que produce un ruptura visual con respecto a la etapa anterior (Renacimiento), donde predomina el equilibrio. En esta obra, en contrapunto con las obras de Tiziano o Leonardo da Vinci, armónicas en cuanto a la composición, predomina una tendencia ya utilizada en el manierismo clasicista de Rafael o el tenebrismo de Caravaggio. Así, la composicion rompe el equilibrio como una forma de expresividad.
Además, se caracteriza por ser atectónica.
Luz: Se trata de una luz dirigida, rozando el tenebrismo, lo que el autor pudo tomar de pintores como Caravaggio, amante de este aspecto de tensión que proponen sus obras.
Espacio: La obra plantea un espacio reducido que da cabida a los personajes que envuelven a la figura principal. Podríamos visualizar cuatro planos, lo que da mayor perspectiva a la obra y, además, la carga de realismo. También podemos observar la aparición de diversos escorzos, lo que también crea visualmente mayor amplitud.
Figuras. Muy realistas, huyendo de la idealización, con un especial interés por las texturas
Comentario
Según todas las características mencionadas con anterioridad, podemos afirmar que nos encontramos frente a una obra perteneciente al Barroco, movimiento que se caracteriza por ofrecer un contrapunto con respecto al Renacimiento, suponiendo así una ruptura de las ideas clásicas.
Hay un gran interés por las perspectiva o el realismo en su máxima expresión, fruto de una evolución desde el manierismo de Miguel Ángel.
El autor profundiza en una visión verosímil de la realidad en donde los rostros se cargan de expresividad, los ambientes cobran vida y se rompe la armonía mediante la existencia de numerosas lineas diagonales que confieren a la obra mayor dinamismo...
San Bartolomé. Ribera
En concreto, en esta obra podemos comprender la vertiente tenebrista, en especial de Caravaggio, al que Ribera sigue en la primera época de su trayectoria. Tenebrismo que nos envuelve en un mundo cargado de luces y sombras, dirigiendo la mirada del espectador hacia el punto exacto de tensión, creando así la "obra" perfecta, poniendo al espectador en la posición del público.
Caravaggio. Crucifixión de San Pedro
Todos estos aspectos son claro reflejo del momento en el cual se desarrolla este movimiento, marcado por la influencia religiosa, en concreto la contrarreforma, que cambia las tendencia en el arte al convertirse esta en uno de los mayores mecenas. Además, el siglo XVII, conocido como el "Siglo de Oro" en España así como en el arte, se produce en contrapunto una decadencia política y económica lo que lleva al fin del reinado de la casa de Austria en España ( Felipe III, Felipe IV y Carlos II ).
Finalmente, podemos destacar en cuannto a las influencias anteriores, la de Caravaggio con su iluminación tenebrista o la de Tiziano con su pincelada suelta, que se culminarán en Velazquez, como podemos comprobar en obras como El aguador o Las Meninas .
Milagros Mastrapa. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo
Análisis y comentario. LA VIDA. PICASSO (1903)
Tomado de otrolunes.com/31/este-lunes/la-vida-y-la-muerte-en-pablo-picasso/
Tema. Cuadro de compleja simbología, acaso inacabado, en el que una pareja mira desoladamente a una madre con su hijo. Detrás suyo, como en papeles añadidos en trampantojo, aparece de nuevo una pareja aún más terrible y una mujer como si fuera un feto. Las interpretaciones han sido muy variadas, y el propio Picasso nunca quiso corroborarlas o negarlas, aunque es evidente la contraposición del amor carnal (la pareja) con el maternal (la madre), así como el paso de uno a otro a través del sexo visto de una forma ambivalente.
El soporte es lienzo sobre el que se pinta al óleo (al parecer con numerosas rectificaciones), dejando ciertos lugares inacabados en donde se puede aún observar el carbón original (figura abajo intermedia)
La composición, como es habitual en la época, se ciñe a una estricta simetría, compensando el mayor volumen de la pareja de la izquierda con una mayor intensidad en los colores de la madre. En su eje de simetría (y acaso como tránsito conceptual entre una y otra) aparece la pareja y la mujer. Tanto el habitual sentido de la mirada occidental como el leve gesto del hombre nos dan una leve direccionalidad hacia la derecha que cerraría solemnemente la figura hierática de la madre.
La línea prevalece sobre el color, especialmente en los contundentes contornos o las figuras inacabadas, aunque el interior de los desnudos maneja una pincelada mucho más suelta que matiza muy suavemente la luz. Como corresponde a esta etapa todo se encuentra dominado por una casi exclusiva monocromía azul (relacionada con la melancolía), con apenas unas zonas marrones en su centro (también habituales en este momento).
La luz, aunque naturalista en su conjunto y muy marcada en los pliegues de la madre, tiene una extraña reflexión en los cuerpos desnudos, creando planos discordantes en su piel desnuda. Por otra parte, una mirada más atenta nos revela que, mientras en la pareja provine desde la izquierda, en la madre parecería que el foco estuviera colocado a la derecha.
La perspectiva es casi abolida por completo y sólo en la parte baja encontramos un suelo diferenciado del fondo, aunque bastante alzado como señalan los pies danzantes de las figuras. Sin embargo, según ascendemos, la pared deja de tener referencias espaciales y su fondo se acerca al espectador, haciendo resaltar las figuras sobre él, como si se tratara de un relieve.
Por último, las figuras mantienen un canon bastante alargado (aún más potenciado en la madre por la disposición de sus pliegues) y presentan un fuerte carácter hierático y estático que se contrapone con el movimiento y el dramatismo de las escenas de la pared. Ambas mujeres, por lo demás, presentan rasgos simplificados que tienden a una cierta idealización mientras la cabeza del hombre es mucho más realista y detallista, sin plegarse en tal manera a las formas geométricas.
Comentario.
Todos los rasgos nos llevan claramente al Periodo Azul de Picasso que, en los primeros años del XX dominó su pintura (tonalidad, personajes, sensación de angustia, hieratismo, canon…)
Se trata del primer estilo personal del pintor tras el academicismo juvenil (muy influido por su padre) y las experiencias posimpresionistas que tomaban el mundo del cabaret de Toulouse Lautrec o Degas. En torno al principio del siglo, y envuelto en una vida pobre y miserable en el luego famoso Bateau Lavoir de París, Picasso da un giro a su producción anterior para buscar unos temas y una técnica claramente reconocible. Toma para ello el mundo de los marginados (pobres, mendigos, locos, prostitutas, deformes) ya habitual en la pintura de Toulouse para envolverlos en una atmósfera densa de un azul dominante y profundo que comunique soledad y melancolía.
Mujer, mendigo y niño a la orilla del mar
Tomado de 2aesoart.blogspot.com.es/
Se trata, según se ha comentado, de un ingreso de Picasso en las corrientes simbolistas de final del XIX que pretendían indagar en el mundo de los sentimientos (Klint, Moureau…).
Una pintura en exceso literaria (aunque en este cuadro no conozcamos su historia, pero siempre está presente la idea de fracaso, de vida arruinada y sin esperanza), que se continuará en la pintura rosa (aunque con mayor optimismo y un cambio de personajes acercándose al mundo del circo) y se romperá definitivamente en su periodo negro, en donde Picasso se deslindará de esta pintura sentimental para centrarse en cuestiones más formales (color, planos geométricos) que le llevará hasta sus Señoritas de Avignon y el descubrimiento del cubismo.
Como es habitual en Picasso, las influencias son muy variadas, pues pocos pintores como él han tenido en la Historia del Arte la capacidad de digerir y reelaborar la pintura anterior hasta hacerla por completo propia. Tanto el canon alargado como las distorsiones de perspectiva y focos de luz se han puesto en contacto con el Greco que en esos momentos se estaba redescubriendo (influirá también en Munch). Por otra parte tanto el gesto de la mano como alguna de las formas de sus desnudos pueden incluso recordarnos al renacimiento (Adán y Eva de Masaccio, Miguel Ángel), así como la madre y sus ropajes a la cultura griega arcaica.
El Greco. Apertura Séptimo Sello
Adan y Eva. Masaccio. Capilla Brancacci
Todo este cúmulo de influencias, junto a las de Toulouse o Degás, llegará a conformar esta obra enigmática pero central en su primera etapa aún figurativa que, en el plano personal, es un homenaje a su amigo íntimo Casagemas, que se suicidó por amor y aparece representado en la figura del hombre
La muerte de Casagemas
Tomado de otrolunes.com/31/este-lunes/la-vida-y-la-muerte-en-pablo-picasso/
UN VÍDEO PARA CONOCER TODAS LAS MENINAS DE PICASSO
CARAVAGGIO A LA MÚSICA DE MONTEVERDI
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