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Se muestran los artículos pertenecientes al tema Picasso.

Análisis y comentario. LA VIDA. PICASSO (1903)

 

Tomado de otrolunes.com/31/este-lunes/la-vida-y-la-muerte-en-pablo-picasso/

Tema. Cuadro de compleja simbología, acaso inacabado, en el que una pareja mira desoladamente a una madre con su hijo. Detrás suyo, como en papeles añadidos en trampantojo, aparece de nuevo una pareja aún más terrible y una mujer como si fuera un feto. Las interpretaciones han sido muy variadas, y el propio Picasso nunca quiso corroborarlas o negarlas, aunque es evidente la contraposición del amor carnal (la pareja) con el maternal (la madre), así como el paso de uno a otro a través del sexo visto de una forma ambivalente.

El soporte es lienzo sobre el que se pinta al óleo (al parecer con numerosas rectificaciones), dejando ciertos lugares inacabados en donde se puede aún observar el carbón original (figura abajo intermedia)

La composición, como es habitual en la época, se ciñe a una estricta simetría, compensando el mayor volumen de la pareja de la izquierda con una mayor intensidad en los colores de la madre. En su eje de simetría (y acaso como tránsito conceptual entre una y otra) aparece la pareja y la mujer. Tanto el habitual sentido de la mirada occidental como el leve gesto del hombre nos dan una leve direccionalidad hacia la derecha que cerraría solemnemente la figura hierática de la madre.

La línea prevalece sobre el color, especialmente en los contundentes contornos o las figuras inacabadas, aunque el interior de los desnudos maneja una pincelada mucho más suelta que matiza muy suavemente la luz. Como corresponde a esta etapa todo se encuentra dominado por una casi exclusiva monocromía azul (relacionada con la melancolía), con apenas unas zonas marrones en su centro (también habituales en este momento).

La luz, aunque naturalista en su conjunto y muy marcada en los pliegues de la madre, tiene una extraña reflexión en los cuerpos desnudos, creando planos discordantes en su piel desnuda. Por otra parte, una mirada más atenta nos revela que, mientras en la pareja provine desde la izquierda, en la madre parecería que el foco estuviera colocado a la derecha.

La perspectiva es casi abolida por completo y sólo en la parte baja encontramos un suelo diferenciado del fondo, aunque bastante alzado como señalan los pies danzantes de las figuras. Sin embargo, según ascendemos, la pared deja de tener referencias espaciales y su fondo se acerca al espectador, haciendo resaltar las figuras sobre él, como si se tratara de un relieve.

Por último, las figuras mantienen un canon bastante alargado (aún más potenciado en la madre por la disposición de sus pliegues) y presentan un fuerte carácter hierático y estático que se contrapone con el movimiento y el dramatismo de las escenas de la pared. Ambas mujeres, por lo demás, presentan rasgos simplificados que tienden a una cierta idealización mientras la cabeza del hombre es mucho más realista y detallista, sin plegarse en tal manera a las formas geométricas.

 Comentario.

Todos los rasgos nos llevan claramente al Periodo Azul de Picasso que, en los primeros años del XX dominó su pintura (tonalidad, personajes, sensación de angustia, hieratismo, canon…)

Se trata del primer estilo personal del pintor tras el academicismo juvenil (muy influido por su padre) y las experiencias posimpresionistas que tomaban el mundo del cabaret de Toulouse Lautrec o Degas. En torno al principio del siglo, y envuelto en una vida pobre y miserable en el luego famoso Bateau Lavoir de París, Picasso da un giro a su producción anterior para buscar unos temas y una técnica claramente reconocible. Toma para ello el mundo de los marginados (pobres, mendigos, locos, prostitutas, deformes) ya habitual en la pintura de Toulouse para envolverlos en una atmósfera densa de un azul dominante y profundo que comunique soledad y melancolía.

Mujer, mendigo y niño a la orilla del mar

Tomado de 2aesoart.blogspot.com.es/

Se trata, según se ha comentado, de un ingreso de Picasso en las corrientes simbolistas de final del XIX que pretendían indagar en el mundo de los sentimientos (Klint, Moureau…).

Una pintura en exceso literaria (aunque en este cuadro no conozcamos su historia, pero siempre está presente la idea de fracaso, de vida arruinada y sin esperanza), que se continuará en la pintura rosa (aunque con mayor optimismo y un cambio de personajes acercándose al mundo del circo) y se romperá definitivamente en su periodo negro, en donde Picasso se deslindará de esta pintura sentimental para centrarse en cuestiones más formales (color, planos geométricos) que le llevará hasta sus Señoritas de Avignon y el descubrimiento del cubismo.

 Como es habitual en Picasso, las influencias son muy variadas, pues pocos pintores como él han tenido en la Historia del Arte la capacidad de digerir y reelaborar la pintura anterior hasta hacerla por completo propia. Tanto el canon alargado como las distorsiones de perspectiva y focos de luz se han puesto en contacto con el Greco que en esos momentos se estaba redescubriendo (influirá también en Munch). Por otra parte tanto el gesto de la mano como alguna de las formas de sus desnudos pueden incluso recordarnos al renacimiento (Adán y Eva de Masaccio, Miguel Ángel), así como la madre y sus ropajes a la cultura griega arcaica.

El Greco. Apertura Séptimo Sello

Adan y Eva. Masaccio. Capilla Brancacci

Todo este cúmulo de influencias, junto a las de Toulouse o Degás, llegará a conformar esta obra enigmática pero central en su primera etapa aún figurativa que, en el plano personal, es un homenaje a su amigo íntimo Casagemas, que se suicidó por amor y aparece representado en la figura del hombre

La muerte de Casagemas

Tomado de otrolunes.com/31/este-lunes/la-vida-y-la-muerte-en-pablo-picasso/


PICASSO BÁSICO

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27/04/2015 17:39. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

PICASSO Y LA INVENCIÓN DEL CAMUFLAGE MILITAR

Tomado de http://exfumar.wordpress.com/2012/08/12/razzle-dazzle-para-mantener-la-privacidad

El camuflage como técnica guerra se inicia verdaderamente en la I Guerra Mundial, cuando todos los esfuerzos se concentraron en ganar, rompiendo definitivamente cualquier tipo de comportamiento tradicionalmente considerado como honorable.

Según varios testimonios esta idea el camuflage se genera (asombrosamente) gracias a la incorporación de ideas de vanguardia, especialmente derivadas del cubismo.

Esto es especialmente evidente en el Dazzle Painting o Razzle Dazzle, una técnica empleada a partir de 1917, especialmente para los barcos.

Más que un verdadero camuflage, dicha técnica pretende (según las palabras de supuesto inventor Norman Wilkinson) “pintarlo no para lograr su baja visibilidad, sino de modo que rompiera su forma y confundiese al oficial del submarino enemigo”

Tomado de http://frontsector.be/index.php/alle-artikels-alfabetisch/schepen/270-dazzle-painting-in-de-scheepscamouflage

Para ello se recurría al facetado cubista de vivos colores que “su proa y su popa se vieran al mismo tiempo desde distintos puntos de vista, algo que no pude remitir sino a la lección cubista”, como afirma Maite Mández Baiges en el artículo que le dedica al tema en su magnífico Camuflage. Una manera de dar una visibilidad engañosa en donde la silueta se desvanece en medio de unos colores que contradicen su forma

Si esto no fuera suficiente hay una curiosa anécdota contada una y otra vez (Gertrude Stein, Apollinaire, Dalí) que dan la parternidad de esta técnica a Picasso.

Voy a darle una buena idea para la artillería (…) como los cañones, incluso pintado de gris, conservan la forma, habría que pintarlos de colores vivos y a trozos rojos, amarillo, verde, azul, como un arlequín

Evidentemente el gran autor del cubismo (en este caso sintético) sabía de lo que hablaba, cómo engañar al ojo para decir cosas imposibles.

Simplemente fijaros en las siguientes imágenes

Tomado de http://www.liverpoolmuseums.org.uk/maritime/collections/artsea/paintings/1860-1939/mauretania.aspx

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-7022bb0f9196b034342c9d3781d17013.jpg

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Vicente Camarasa

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20/11/2012 18:48. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

BUSCANDO A PICASSO EN CADAQUÉS O EL ORIGEN DEL CUBISMO

En el verano de 1910 Picasso pasó una temporada en Cadaqués para inventar el cubismo. Lo hizo en esta casa, junto a la bahía, muy cerca de una bella mansión modernista.

 

 Compartía entonces su vida con Fernande Olivier, y en el terreno artístico, intentaba buscar una vía nueva a su estilo, tras el “fracaso” de las señoritas de Avignon.

En París, Gósol o en Horta de Ebro (Tarragona) había recomenzado bajo la tutela de Cezanne (“Todo se puede sintetizar en el cubo, el cilindro o la esfera”) y poco después bajo el influjo de la escultura negra (que plasma lo que sabe, no lo que ve, sustituyendo el detalle por el arquetipo).

Las formas se iban volviendo geométricas, se restringía la paleta y se insinuaban distintos puntos de vista. Lo que la crítica llamaría luego la época negra.

Sin embargo todavía faltaba una cosa, había un tabú que cruzar, y se hizo aquí mismo, tal vez delante de una imagen muy parecida a esta, 101 años posterior

 

Rompió definitivamente la línea de contorno que “sujetaba” la figura y la aislaba del fondo. Al eliminarse, toda esta operación interior de profunda geometrización puso estallar entonces y adherirse al cuadro como formas sin sentido que el espectador debería recomponer.

Gracias a esta línea de contorno se unieron la figura y el entorno, eliminando la noción de dentro fuera.

Nacía el CUBISMO ANALÍTICO

Entrad aquí y lo veréis

 

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 Vicente Camarasa

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24/04/2012 17:06. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

PICASSO FUE EL CLÁSICO DEL SIGLO XX O DE MESOPOTAMIA AL MOSCÓFORO AL BUEN PASTOR AL HOMBRE DEL CORDERO

 

 Ya lo pudimos ver en el Guernica, pero lo comprobaremos una y otra vez: Picasso fue un verdadero clásico aunque en el siglo XX, con una capacidad de retención visual verdaderamente asombrosa y una no menos espectacular capacidad de rehacer una y otra vez el pasado para referirse al presente (y eso es ser clásico, verdaderamente, ser moderno insertándose en la tradición)

Todo esto puede verse en el famoso Hombre del Cordero, realizado en 1943. Un hombre, la enorme magnitud humana en medio de las ruinas que va dejando la Segunda Guerra Mundial. Puro antropocentrismo, optimista, en donde tal vez el hombre podrá resurgir de sus cenizas y reconciliarse con el mundo y consigo mismo. (Aunque otros autores – Paloma Esteban Leal - lo analizan al contrario, y es la razón del hombre la que lleva al sacrificio del cordero, nuestra razón la que nos lleva a las guerras y la matanza de víctimas inocentes).

Sea como fuera (o queramos, pues Picasso, como era habitual,  nunca quiso explicar el sentido último de la obra) el artista habla de la actualidad más rabiosa de la II Guerra Mundial, vuelve su recuerdo hacia la Historia del Arte y continúa una larga tradición que resumimos aquí en apretada síntesis

 

Gilgamesh ofreciendo un león al holocausto. Mesopotamia

Tomado de http://asombroso-e-inaudito.blogspot.com/2011/03/el-asombroso-poema-de-gilgamesh.html

 

Moscóforo. Siglo V a. C (época arcaica griega)

Un kurós lleva en sus hombros un cordero para el sacrificio

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_la_Acr%C3%B3polis

 

El Buen Pastor. Baptisterio de San Juan en Fuente. Nápoles. Periodo Paleocristiano

Cristo representado con el pastor que guía a los corderos

 

Buen Pastor catacumbas San Calixto (Paleocristiano)

 

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Vicente Camarasa

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08/10/2011 08:49. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

ACRÓBATA Y BUFÓN. EL PICASSO ROSA QUE YA ESTABA EN LA SENDA DE LA RUPTURA

Tomado de http://www.lasalle.es/santanderapuntes/arte/siglo_xx/pintura/picasso/rosa/epoca_rosa.htm

Aprovechando la oportunidad única de su llegada al Prado como obra invitada a partir del 16 de septiembre, vamos a investigar un poco sobre este cuadro de Picasso (también conocido como La acróbata de la bola) que nos dará las claves futuras de su evolución.

Lo primero, situémosnos.

1905 es un año clave en la vida de Picasso.

Emigrante en París desde hacía unos años, vive en un extraño edificio llamado Bateau-Lavoir por su forma de barco, cercano a Montmartre, junto a otros artistas tan pobres y bohemios como él.

Tomado de http://nubesytripas.blogspot.com/2009/11/paris-1900.html

 

En este estudio, Picasso ha realizado gran parte de su producción azul, pero los tiempos están cambiando.

Por una parte, el pintor está logrando vender algunos de sus cuadros (lo suficiente para sobrevivir) y, lo que es más importante, está entrando en contacto con una serie de intelectuales que lentamente irán cambiando su forma de ver la vida. Salmon, Apollinaire, Max Jacob o los hermanos Stein (marchantes americanos).

Tomado de http://reallifeiselsewhere.blogspot.com/2011/02/la-femmes-de-pablo-picasso-fernande.html

Aún más, de los burdeles, Picasso pasa a una de sus primeras relaciones estables con una belleza (acaso planchadora) llamada Fernande Olivier.

 

Tomado de http://reallifeiselsewhere.blogspot.com/2011/02/la-femmes-de-pablo-picasso-fernande.html

 

Todo esto parece atenuar el desarraigo del periodo azul que se convertirá en melancolía, primero, y en pura pintura, después. El cuadro que analizamos ya lo está demostrando, de la melancolía del gigante al juego arriesgado, puramente artístico, del acróbata. Un juego entre lo pesado y lo ligero que, por otra parte, es bastante habitual en el Picasso de esta época

Tomado de http://chesaudade.blogspot.com/2009/07/bufon-y-acrobata-joven.html

 

El cambio evidente es cromático, los azules pierden su predominio total por otros más tostados y rosados (de aquí el nombre del periodo), lo que también es un cambio del puro simbolismo anterior (muy relacionado con Munch o el Greco, como demostró Santiago Amón) a formas más visuales, como luego veremos.

 

Tomado de http://anayelibz.blogspot.com/2010/11/pablo-picasso.html

La Vida, del periodo azul. Comparadlo con nuestra obra y descubriréis estas ideas de las que hablamos

 

En cuanto a la temática pasamos de los mendigos, ciegos, planchadoras, madres harapientas a otra “tribu” distinta, la del circo.

Su origen lo podemos ver ya en Seurat o Toulouse aunque con un enfoque nuevo. Ya no son las bambalinas, la actuación, el éxito lo que se nos representa, sino la vida cotidiana, sin glamour.

Nuestro cuadro es un ensayo o, simplemente, las cosas que se realizan simplemente para que el tiempo transcurra (¿es esto lo que esperaba Picasso, que transcurra el tiempo necesario, 2 años, para destrozar el arte con las Señoritas de Avignon?). Pierre Cabanne opina que, detrás de esta “fauna” circense hay un mensaje: Picasso es como ellos, un artista incomprendido que juega en la cuerda floja, que arriesga su vida por el arte, que ensaya buscando, sin hogar fijo, una nueva realidad.

Familia de saltimbanquis, del mismo 1905, con idéntica temática

Tomado de http://algomasdearte.blogspot.com/2011/05/picasso.html

 

Si entramos en lo puramente estilístico, el lienzo es verdaderamente revolucionario, aunque no lo parezca.  

Fijaros en la composición

Tomado de http://maria-truecolours.blogspot.com/2009/05/acrobata-y-joven-equilibrista-picasso.html

 Como veis son dos triángulos contrarios, pues mientras que el equilátero del forzudo (bien plantado en uno de sus lados) ancla el cuadro y le da estabilidad, la suficiente como par permitirse el juego del triángulo isósceles del acróbata, apoyado en su vértice más agudo, siempre a punto de caer, provocando una sensación de movimiento que acentúa la posición del cuerpo.

Picasso está comprendiendo que la pintura, su mensaje, no puede ser literario sino formal. Son las formas las que transmiten sentimientos ideas, como lo será de forma definitiva en el cubismo en donde la anécdota desaparece, un proceso que veremos avanzar ya desde este año 1905.

Picasso. Bella Holandesa. Verano de 1905

Tomado de  http://atencionatupsique.wordpress.com/2011/05/30/el-cubismo-en-picasso

 

Mujer peinándose. 1906

Tomado de http://spacioars.blogspot.com/2011/02/picasso-desnudo.html

 

Como podéis ver en estas imágenes la geometría elimina el sentimiento, como ya se había iniciado en nuestro cuadro en donde los brazos son cilindros o las cabezas esferas , como ya había hecho Cezanne pocos años antes. (Hay todo un homenaje a él en la esfera y el cubo en donde se sitúan ambos personajes, a la famosa frase de Cezanne: “Toda la realidad puede resumirse en el cubo, la esfera y el cilindro”)

Cezanne.

Tomado de http://ultimaspaginas.wordpress.com/category/david-hockney

 

Hay en nuestro cuadro, por otra parte, un tema que será de suma importancia en el futuro: la perspectiva.

¿Qué hacer con el fondo cuando lo que nos interesa es el lleno de las figuras?

Este tema también se lo había planteado Cezanne o Gauguin, llegando a varias soluciones. En nuestro caso, Picasso vuelve los ojos a Gauguin y su doble perspectiva, una frontal para las imágenes y otra (vertical) para el fondo, en donde acumulamos el paisaje como si fuera una serie de estratos horizontales, eliminando las distancias intermedias.

El Cristo amarillo. Gauguin

Tomado de http://mirararte.blogspot.com/2011/01/paul-gauguin.html

 

Por último (y sin ánimo de agotar el cuadro al que volveremos cuando lo podamos ver en directo en el Museo del Prado), ¿no os habéis fijado que comienzan a aparecer anomalías en el dibujo, de verdad que esa espalda del forzudo puede situarse en esa posición respecto a las piernas? (Por cierto, juego visual. Buscad en la familia de saltimbanquis que hemos puesto anteriormente un personaje al que le falta toda una pierna. Realmente eso no es casualidad)

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Vicente Camarasa

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16/09/2011 07:37. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (8). Sobre política en el Guernica.

Precisamente hoy que se cumplen 75 años del bombardeo de Guernica finalizamos las primera tanda de post que en este último es hemos dedicado al Guernica

Todos ellos se pueden consultar aquí

 AQUÍ PUEDES ENCONTRAR TODO LO PUBLICADO DEL GUERNICA EN ESTE BLOG

Tomado de http://aprendedivirtiendote.blogspot.com/2008/11/el-guernica.html

Aunque aún no pertenecía al Partido Comunista, Picasso ya estaba comenzando una clara tendencia política (de la que había carecido hasta entonces) en torno a finales de los años 20, en gran parte influenciado por el pensamiento de izquierdas de personalidades relacionadas con el Surrealismo.

Por ello, suele sorprender que el cuadro apenas si tenga alusiones al franquismo, tan sólo el puño levantado en su centro en una de sus primeras versiones o, de ser cierto, el toro identificado con Franco, siendo el único personaje que no sufre en todo el cuadro y al que dirigen su mirada el resto de las figuras.

 

 

Ya hemos explicado que su interés era salirse del hecho particular para plasmar un grito contra la Guerra, aunque su trasfondo político era evidente tanto en los hechos (el Guernica fue creado para el Pabellón de la República, viajando luego por medio mundo para sacar fondos para ella) como en el ideario colectivo (en muchas casas españolas el Guernica, sus reproducciones, se convirtió en un verdadero icono antifascista).

 

La verdadera crítica política la tenemos que encontrar en algunas obras coetáneas al Guernica que en la actualidad se exponen en el reina Sofía. Se trata de dos grabados (también para su venta a favor de la república) titulados Sueño y Mentira de Franco en los que, a manera de cómic, Picasso retrató toda una forma de pensar que duraría casi 40 años (la unión, contra natura, de las alambradas de la guerra y la Iglesia, la sexualización grotesca del mundo, la destrucción de la cultura, el culto a la violencia, el floclorismo tantas veces explotado o el simple ridículo que es atacar al sol subido en un cerdo.

 

Verdaderamente no tienen desperdicio y nos hablan de un Picasso mucho más intelectual que sabe radiografiar a través de la caricatura todas las nuevas formas de vida que estaban debajo de la España Nacional

 


 

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26/04/2011 14:52. sdelbiombo #. Picasso Hay 1 comentario.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (6). EN TORNO A LA MUERTE: CRUCIFIXIONES, OSARIOS Y CALAVERAS

Como hemos podido ir viendo en estos post que estamos dedicando al Guernica, el cuadro es un verdadero nudo conceptual en la obra de Picasso.

Ya hablábamos de la importancia del caballo y el toro en contacto con la obra de Goya o del Minotauro en relación con la famosa Suite Vollard, también de las mujeres como nuevas magdalenas, de las matanzas de los inocentes…

En este port quería explorar brevemente otro de los hilos que entretejen el inmenso e intrincado ovillo que es el Guernica, el de la muerte.

Ya en los años 20, en una de las numerosas reinterpretaciones de la iconografía cristiana, Picasso había realizado su famosa crucifixión que, si miráis con atención, ya anuncia mucho del futuro Guernica.

Tomado de http://dosgatoseneltejado.blogspot.com/2009_04_01_archive.html

 

De la misma manera, el tema del horror ante la muerte masiva lo volveremos a encontrar a finales de la II Guerra Mundial con su famoso Osario, tradicionalmente interpretado como una imagen simbólica sobre los campos de exterminio recién conocidos ante el avance ruso.

 

Tomado de http://vocesymiradas.blogspot.com/2009/08/el-osario-pablo-picasso-hay-que-acabar.html

 

Junto a estas obras mayores, Picasso realizó numerosas vanitas en donde los huesos y en especial los cráneos actúan como emblemas de la muerte, campante por el mundo.

 

 De nuevo nos encontramos con la tradición, la de las habituales vanitas barrocas y, más concretamente con unas obras similares (según Rossemblunt)  que Goya pintó durante la Guerra de Independencia.

 

Detalle vanitas, Pereda

 

Bodegón. Goya

Tomado de http://laschicasdeloleo.files.wordpress.com

 

Tomado de http://documenta-akermariano.blogspot.com/2010_03_01_archive.html

 

 

Tomado de Secondary Sound.

 

Su vigencia (la del animal como símbolo de la muerte) la podemos seguir viendo en Barceló, como ya comentamos.


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Vicente Camarasa

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22/03/2011 19:32. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (5). LAS METAMORFOSIS

Como decíamos existe en todo el cuadro una fuerte tendencia a destrozar la figura para conseguir expresión. El proceso ya llevaba varios años desarrollándose en lo que se conoce como las Metamorfosis.

 

Mujer nadando

 

El tema fundamental en ellas es la mujer que lentamente se va deformando hasta convertirse en un monstruo sexual. Éste es uno de los temas recurrentes en el surrealismo, como ya analizamos en el caso de Dalí, vinculado con la idea de la mantis religiosa que devora a su amante tras la cópula


El proceso comenzó en la Costa Azul, con bañistas que progresivamente van siendo deformadas hasta convertirse en verdaderos monstruos. Es el paso de la descomposición cubista (aséptica, como la labor de un cirujano) que lentamente se llena de emoción, de tensión, en un movimiento que oscila entre el expresionismo y el surrealismo más radical y, como siempre en Picasso, sumamente personal

 

 

Con la Guerra Civil Española (y continuándose con la II Guerra Mundial), estas bañistas se reconvierten en un nuevo motivo de lejanos ecos religiosos (de nuevo una vuelta de tuerca en el inmenso y múltiple universo visual y cultural de Picasso). Por una parte encontraremos las mujeres llorando, una reinterpretación del tema de María Magdalena medieval con la nueva apariencia cubista-expresionista-surrealista explicada anteriormente en donde el pañuelo (junto a las lágrimas, la boca y las manos) tiene la importancia central

 

 

Detalle Descendimiento de Van der Weyden

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Descendimiento_de_la_cruz_%28Roger_van_der_Weyden%29

 

 

En este grupo habría que enmarcar alguna de las figuras del Guernica, como se puede ver en la mujer de la derecha (con los ojos hechos en forma de lágrima) o la propia cabeza del caballo (y su boca desencajada y los dientes como armas, tal y como se observa en muchas de las mujeres)

 

 

 

Íntimamente relacionadas con ellas aparecen las mujeres con los niños muertos en los brazos, una personal interpretación de la Piedad o (más probablemente) de la Matanza de los inocentes.

 

 

La matanza de los inocentes. Rubens

Tomado de El logos en el arte universal

 

 

De nuevo el Guernica es el origen de esta serie. Su figura de la izquierda (mi favorita) representa todo el drama de la Guerra con una madre que pierde a su hijo. Los recursos plásticos son verdaderamente extraordinarios. Desde los ojos convertidos en lágrimas, el escorzo brutal de la cabeza sobre un cuello alargado hasta límites imposibles, los pechos lacios, con extraños pezones agujereados que ya no servirán para nada,  la naricilla del niño muerto que (ilógicamente según la fisiología pero perfectamente entendible desde el sentimental) cae hacia abajo, o el enorme contraste entre la mano de la madre y la del hijo…

 

 

 

 

Pocas  veces en la historia se ha condensado en una sola imagen tanta potencia, y todo sin necesidad de recurrir a la imitación sino exclusivamente con una líneas expresivas. Una especie de largo grito que nace en el vientre, asciende por el interminable cuello y se desgarra en la boca abierta, con una lengua como un filo, contra el toro indiferente

 

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21/03/2011 21:03. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (4). LOS ESTILOS

 Como ya decíamos, Picasso nunca avanza del todo sino que recoge lo anterior para reinventarse una y otra vez.

Por ello, el Guernica es una verdadero catálogo de estilos del primer tercio del siglo XX

Evidentemente se encuentra el cubismo, con su visión múltiple (fíjate en los ojos del toro y su colocación)

 

O sus facetación en formas geométricas (Incluso hay una cierta referencia a los antiguos collages, como ya decíamos)

 

 

Un segundo estilo (lógico según el tema) será el expresionismo, a través de la deformación de las formas para darlas un fuerte carácter negativo

 

 

 

(Fíjate en la sombra puntiaguda de uno de los dedos)

 

Estas deformaciones no eran nada nuevo en su obra y las analizaremos en otro artículo en el que uniremos expresionismo y surrealismo, pues aún nos quedaría un último registro, el del dibujo infantil (en relación con sus juegos con Paulo) que de forma sencilla (pero magistral) ve las cosas como sabe que son no como son verdaderamente

 

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20/03/2011 20:04. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (3). LA COMPOSICIÓN

Picasso se encontró con un grave dilema a la hora de realizar el cuadro. ¿Cómo poder seguir siendo moderno y no renunciar a su estilo, y realizar un cuadro entendible por las masas a las que realmente iba dedicado?

Las Vanguardias eran, entonces (y creo que ahora) algo muy elitista, fuera de la comprensión de las masas que, en teoría, apoyaban a la República (esta contradicción siempre estuvo latente en el Bando Republicano: ¿modernidad, progresista pero  incomprensible; o tradicionalismo, mucho más propagandístico pero conceptualmente opuesto a los valores de la izquierda renovadora?).

 

Tal vez fuera este problema el que obligó a Picasso a una progresiva depuración formal y de recursos que permitiera una lectura más sencilla y efectiva.

En donde comprobamos esto con mayor nitidez es en la composición, que fue largamente meditada en el larguísmo proceso de creación.

En el cuadro final nos encontraremos (una vez más Picasso es el gran clásico, aunque parezca mentira) con dos composiciones muy enraizadas en la tradición.

Por una parte el Guernica adopta el formato (típicamente medieval) del tríptico

 

 

Dividiendo en tres zonas el gran cuadro, perfectamente simétricas, a la vez que todo es unificado por un gran triángulo central en donde el caballo ejerce de protagonista

 

 

Con todo ello Picasso pretendía una visión clásica (y por tanto mucho más sencilla, pues es la forma a la que estamos acostumbrados) del conjunto. (Por cierto, esto se confirma con la idea de crear huecos en torno a las figuras para hacerlas más comprensibles)

 

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16/03/2011 18:11. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (2). SUS FUENTES DE INSPIRACIÓN Y SU TEMA

 

Aunque el tema todavía se encuentra debatido, quiero que os fijéis en cuatro fuentes que Picasso tuvo en la cabeza durante toda la producción del Guernica

 

Evidentemente, las primeras fueron las imágenes vistas en prensa (él vivía en Francia) sobre el famoso bombardeo. Imágenes en blanco y  negro que se reflejará en el cuadro final, de tejados destrozados y formas angulares que estuvieron en la obra desde el primer momento

Tomado de http://artiumres.blogspot.com/2008/01/guernica-pablo-ruz-picasso-1937.html

 

Periódicos que, de forma casi simbólica, permanecen en el vientre del caballo

 

 

Un segundo grupo de sugerencias (inevitable en Picasso, uno de los grandes conocedores de la Historia de la Pintura de todos los tiempos), serán dos obras clásicas.

Por una parte una obra ampliamente conocida y que (según Dora Maar) estuvo presente en forma de cromo durante todo el proceso.

Tomado de http://poesiamas.net/blogabuelo/tag/fusilamiento/

 

Me refiero a Los Fusilamientos de Goya y toda su lectura antibelicista, en donde no se toma partido sino que se critica duramente la Guerra. Frente a ellos, Picasso dará un paso más y ya ni siquiera aparecerán héroes, sólo víctimas de la violencia (¿no os habéis fijado que sólo hay mujeres, niños, animales y una estatua; ni un solo soldado?)

 

Junto a él existe otro cuadro muy influyente (nunca nos cansaremos de decir la capacidad de reconvertir imágenes que tenía Picasso), habitualmente poco nombrado: Los horrores de la guerra, de Rubens.

Tomado de http://rincondelartedejudit.blogspot.com/2010/10/el-guernica-de-picasso-una-alegoria-del.html

 

Aunque nos pueda parecer en las antípodas de Picasso, si os fijáis con atención veréis dos características comunes. Por un lado el tema (como ya decíamos en Goya), por otro la mujer de los brazos levantados, la que lleva el niño muerto en los suyos, el soldado muerto… volverán a reaparecer en Picasso, aunque tan transformadas que en muchas ocasiones no nos daremos cuenta.

 

 

Por último hay un tema que llevaba ocupando a Picasso durante los últimos años y, según su costumbre de moverse en círculos concéntricos, reaparecerá en el cuadro. Se trata del minotauro, animal ambiguo retomado de los mitos griegos, y las corridas de toros, en donde la muerte se escenifica con el caballo como gran víctima (de nuevo un tema goyesco retomado)

Tomado de En la valla

Uno de los bocetos del Guernica

 

Todas estas búsquedas se orientaban realmente en una sola dirección: salirse del tema concreto (Bombardeo de Guernica) e incluso del político (el puño cerrado comunista de los primeros bocetos rápidamente desapareció) para crear un grito universal sobre lo inútil y terrible de la violencia, algo verdaderamente importante en el siglo más violento de la Historia

 

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15/03/2011 15:41. sdelbiombo #. Picasso Hay 1 comentario.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (1). EL PABELLÓN ESPAÑOL DE 1937 EN PARÍS.

El Guernica de Picasso es un cuadro tan complejo y rico en significados y relaciones que parece imposible un análisis total de él. Por ello, y como ya hemos comenzado a hacer con Las Meninas, dedicaremos varios post a explorar ciertos contenidos del cuadros, sin ser excluyentes, por supuesto.

Por ello, antes de empezar, sería bueno que supiérais relacionarlo con su contexto histórico.

 Y es que, en plena Guerra Civil, el gobierno de la República le encargó a varios autores de izquierdas (o simplemente, democráticos) obras para su pabellón de la Exposición del 37. Una verdadera obra de propaganda encaminada a contar los sufrimientos de la España republicana y conseguir así un mayor apoyo de las potencias democráticas.

En esta tarea se encuentra lo mejor de nuestra vanguardia, desde el arquitecto Sert, discípulo de Le Corbusier, que realizó un pabellón en pleno estilo funcionalista

 

Miró, que cedió Els Segadors (desaparecido) y una curiosa pintura para hacer sellos y ser vendida a favor de la república

 

Julio González con su Montserrat gritando, un verdadero símbolo del sufrimiento,

 

Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2008/05/julio-gonzlez.html

 

Calder, que con su fuente de Mercurio realizaba una escultura móvil a la vez que se ensalzaba la gran mina de Almadén, uno de los grandes referentes comerciales de la República.

 

 

Renau

 

Alberto con su escultura El Pueblo Español tiene un destino que le dirige a una estrella  que ya analizamos aquí

 

 

Junto a toda esta nómina de artistas tenéis que comprender el Guernica de Picasso, un verdadero grito contra la guerra y sus consecuencias. Un cuadro que surgió tras las informaciones sobre el bombardeo de Guernica (una población civil, sin interés estratégico pero sí simbólico). Podéis saber más aquí

 La guerra civil española "El bombardeo sobre Guernica" - Celebrity bloopers here

 

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12/03/2011 19:03. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

DOS VIDEOS PARA ACERCARSE AL GUERNICA DE PICASSO

Quino

 

El primero de ellos es una magnífica recreación en 3D que os puede ayudar a conocer los secretos figurativos del cuadro y así entender mejor sus distintos personajes y zonas

Tomado de youtube

El segundo es un fragmento de un documental que explica el bombardeo de Guernica que os puede servir para contextualizar el cuadro

Tomado de youtube

 

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19/12/2010 19:52. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

CUANDO PICASO SE ENCONTRÓ CON JULIO GONZÁLEZ. MONUMENTO A APOLLINAIRE

 

 

Picasso. Monumento a Apollinaire.1928

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-ce5b3d73b4328d672a14637d1bec93b2.jpg

 

Quizás sea una de las esculturas más atípicas del artista, aquella en la que más de cerca rozó la abstracción. Tal vez por ello es una de las menos conocidas, siendo difícil encontrarla en catálogos, pues incluso en la última gran exposición que hizo el Reina Sofía de Picasso, estaba en un rincón elevado, casi perdida en el muro.

Sin embargo a mi me parece especialmente atractiva, tanto la obra en sí como toda la historia que arrastra.

 

Para entenderla nos deberíamos situar a finales de la década de los 20. Para ese momento Picasso  había abandonado temporalmente el cubismo y, en una de sus sorprendentes metamorfosis, había vuelto a la figuración.

Quizás intervino en este cambio el viaje que realizó a Italia durante la Primera Guerra Mundial o, como dicen algunos críticos, un cierto aburguesamiento, al casarse con Olga (bailarina de los ballets rusos) que llegó a verse en la propia imagen de Picasso, con traje y corbata que nuca más volverá a llevar.

Otros (Calvo Serraller) hablan del periodo ingresco, en donde la línea  desbancó al plano y vemos al Picasso más dibujante de toda su obra, como en este dibujo del propio Apollinaire al retorno de la Gran Guerra, herido en combate

  

Picasso. Retrato de Apollinaire. 1916

Tomado de  http://navarroarte.blogspot.com.es/2008/08/blog-post_2100.html

Con una maestría increíble (después de ver estas obras nunca se podrá decir que Picasso no sabía pintar), sin levantar el lápiz del papel, en una sola línea que inicia y termina el retrato sin necesidad de colores ni sombras, Picasso dibuja a algunos de sus amigos (como Apollinaire, Satie) como si el cubismo nunca hubiera existido

 También de este momento, aunque en grabado, es la famosa colección Suite Vollard, en donde el dibujo sigue siendo el protagonista  de un complejo mundo lleno de pintores y modelos, minotauros, que se repetirán desde entonces incansablemente

 

 

Escena de la Suite Vollard

Tomada de  http://recuerdosmiradas.blogspot.com.es/2009/10/la-suite-vollard.html

Y es en este momento (1927) cuando Picasso y Julio González, que se conocían casi desde principio de siglo, comienzan a colaborar. Julio González (al que ya dedicamos un post), escultor de familia de herreros, había trabajado previamente en la fábrica de Renault, aprendiendo la técnica de la fundición electrógena con la que se puede trabajar el hierro uniéndolo por medio de pequeñas varillas.

A esa técnicas Picasso añadió su nuevo culto a la línea y aparecieron  los primeros dibujos en el espacio, pues más que una escultura tradicional, definida por su masa y volumen, sus obras (y las posteriores de Julio González) parecían delinearse sobre el propio aire, dando una especial importancia al vacío, lo cual será uno de los temas recurrentes de toda la escultura moderna

 

 

Dos vistas de Mujer en el Jardín, obra realizada en colaboración por Picasso y Julio González

 

 

Escultura de Julio González, un verdadero dibujo en el espacio

Tomado de http://www.mcu.es/novedades/2009/novedades_Julio_Gonzalez.html

 

 

 

Naum Gabo. Artista ruso que continuó esta tendencia de dibujar en el vacío

http://www.treadwaygallery.com/ONLINECATALOGS/DEC2004/0751-0800.html

 

En esta categoría de dibujos en el espacio deberíamos incluir el Monumento a Apollinaire, mucho más abstracto aún que el resto, pura geometría que se quedó en boceto y nunca se llegó a construir en tamaño real como quería Picasso, una escultura transitable, un vacío hecho por las líneas en donde se pudiera pasear, siguen así las propias palabras de Apollinaire:

 

Quiero erigirle una estatua hecha de nada, como la poesía y la fama

 

Pero aún hay un detalle más. Quizás sea un absurdo o una pura casualidad, pero resulta curioso que Picasso se dejara llevar tan cerca de la abstracción (cuando siempre intentó huir de ella) justamente para celebrar al creador de los caligramas, aquellas poesías con formas naturales o geométricas que inventara Apollinaire

 

 

 

 

 

Apollinaire. Caligrama

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Calligrams

 

 

¿No será que Picasso, el que siempre lo probó todo, quiso trasponer estos caligramas al espacio, añadirles una dimensión más para que quedaran llenos de aire sobre la tumba de su amigo?

 

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25/04/2009 08:29. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

PICASSO, EL EGIPCIO

 

Contaba Picasso a sus biógrafos que un día del año 1907, cuando el pintor malagueño se encontraba luchando con los bocetos previos de lo que serían las futuras Señoritas de Avignon, un amigo también pintor, Rousseau, el Aduanero, le dijo de forma lapidaria:

 

Nosotros somos los dos grandes pintores de la época; Usted, monsieur Picasso, en el género egipcio y yo en el género moderno.

 

Quién sabe si la historia es auténtica, pues a Picasso le gustaba adornar su pasado con anécdotas, frases y acontecimientos que nunca existieron. Sin embargo, la idea es totalmente cierta.

Esto puede sorprender a muchos, que consideran a Picasso como el gran creador de la pintura moderna. Y así fue, por supuesto, aunque nunca deberíamos olvidar que también fue un gran clásico (tal vez el último) que nunca dejó de relacionarse con el pasado, reinventándolo una y otra vez.

Por otra parte, la sorpresa puede surgir por una incompleta percepción del arte egipcio. Nos es tan familiar desde pequeños que, quizás, nunca nos hayamos detenido verdaderamente a mirarlo.

Por favor, acompañadme por este pequeño viaje en la historia.

 


 

Si recordáis el arte cubista tenía dos claros principios: la simplificación de los objetos en formas geométricas y la visión múltiple (el pintor mira el objeto desde varios puntos de vista y luego une en una sola figura toda la información).

Estas dos claves ya son visibles en las famosas Señoritas de Avignon. El cuerpo de las mujeres se ha geometrizado de forma drástica, al igual que el fondo, quebrado como si fuera un cristal roto. En cuanto a la visión múltiple es evidente en la figura de la derecha, vista de espaldas y de frente, pero también con su cara hecha de retazos fruto de este cambio de vista del pintor.

 

 Las Señoritas de Avignon. Picasso, 1907

 

El lienzo produjo entre el selecto grupo que lo pudo contemplar una verdadera conmoción. Muchos no lo entendieron aunque, si la anécdota es cierta, Rousseau sí comprendió rápidamente. Supo mirar y darse cuenta que con aquel cuadro se había acabado la pintura visual (la que ve el ojo quieto) y comenzaba otro momento de arte intelectual en donde se pintará lo que se sabe, no lo que se ve, igual que le ocurría al arte egipcio.

 

Si no me creéis, fijaros en este relieve egipcio

 

 

Pero fijaros bien, y mirad las manos ¿No veis algo extraño en ellas?

Intentad poner las vuestras de la misma forma que en el relieve y veréis… que es imposible hacerlo. Y lo es porque los hombres tenemos los dedos enfrentados.

 


¿Os dais cuenta ahora? Las figuras tienen dos manos derechas (o izquierdas), pues el dedo gordo se encuentra en la misma posición en ambas, cosa que en la realidad es imposible.

Como veis los egipcios no eran tan realistas como podrían parecer. Hacían una pintura mental.

 

Pero esto va mucho más allá de unas simples manos. Fijaros ahora en esta figura hecha con la visión múltiple que inventó Picasso y los egipcios practicaban ya hace milenios.

 

 

 

La cara está vista de perfil, el cuello y los hombros de frente, la cintura y las piernas de perfil de nuevo. ¿No era esto lo que hizo Picasso con las Señoritas, no las pintó de frente y de espaldas?

 

Y aún hay más. Mirad este típico ojo egipcio. Lo normal, ¿verdad?

 

 

 

 

¿Cómo puede ser normal que la cara se encuentre de perfil y veamos el ojo de frente? Si lo viéramos también de perfil no podríamos ver más que una parte de él. Picasso utilizó el mismo truco una y otra vez, aunque tal vez de forma más exagerada (o por lo menos, que nosotros creemos más exagerada). Mirad.

 

 

 


 

 

 

 

 

Y así podríamos continuar con muchas cosas más (el fondo plano en donde se ha abolido la perspectiva, la importancia de la línea a la hora de delimitar las figuras, la pintura mental, de nuevo, en la representación de los pies), pero nos fijaremos en un último detalle: la representación de los objetos.

Fijaros en este fragmento. Se trata de una ofrenda a los dioses.

 

 

 

 

Como veis los objetos carecen de volumen y se apilan unos sobre otros, cada uno de ellos visto desde la posición que dé más información de los mismos.

Si regresamos a Picasso, ya a su segundo cubismo (también llamado sintético) podemos encontrar numerosos bodegones que recurren a estrategias similares, como en esta obra.

 

 

 

 

 

  

Como habéis podido comprobar la frase de Rousseau no era gratuita, aunque tampoco tenemos que pensar que sea la única verdad, pues en el nacimiento del cubismo se unieron numerosas influencias de las que pronto iremos hablando (escultura africana, Cezanne, Ingres, el románico o el arte íbero)

Por otra parte, Picasso no fue el único artista de vanguardia que se sintió fascinado por lo egipcio. Quince años antes de sus Señoritas Paul Gauguin ya había realizado este cuadro en donde lo egipcio es tan evidente que parece inútil comentarlo.

 

 Extraído de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paul_Gauguin

 


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25/09/2008 14:18. sdelbiombo #. Picasso Hay 5 comentarios.


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