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sdelbiombo. Una mirada artística al mundo

SIGLO XX hasta Segunda Guerra Mundial

Análisis y comentario. ARMONÍA EN ROJO. MATISSE

 

  Tomado de fauvismosigloxx.wordpress.com      

Tema. Nos encontramos con un bodegón con figura al que se añade (como es muy típico en el pintor) una ventana abierta que pone en relación exterior e interior. Todo tipo de historia ha desaparecido, mostrándonos las cosas sin ningún tipo de relación literaria. Es algo puramente visual.

Técnica. Óleo sobre lienzo, con poco interés por la textura.

Composición. Equilibrada. Las tres zonas más importante (ventana, mujer y silla) se colocan de forma triangular, repartiendo el resto de los motivos por la tela.

Color, parte esencial del cuadro. Plantea una fuerte contraposición entre los cálidos (rojo y amarillos) y los fríos (azules y verdes). Su tonalidad está muy saturada.

Son colores planos, sin ningún efecto de la luz sobre ellos, creando grandes zonas cromáticas de color puro.

Son, en todo caso, colores irreales o arbitrarios que no guardan ningún tipo de relación con la realidad.

La línea es gruesa, separando de forma nítida las zonas cromáticas. Hay un gusto por la curva y la ondulación (en los motivos ornamentales) casi continua que comunica al cuadro un constante movimiento del que carece la composición.

La perspectiva se realiza a través de los colores (perspectiva cromática), con los cálidos acercando y los fríos alejando (en la ventana). En las zonas en donde predomina un solo color (interior rojo) el espacio desaparece y se vuelve plano, al igual que las figuras (bidimensionales) en las que se omite cualquier tipo de detalle, perfilándose a través de sus rasgos más significativos que se convierten en puras zonas cromáticas.

 

COMENTARIO.

Matisse consigue en este lienzo gran parte de las características que definirán su estilo más maduro. Partiendo de la violencia de los colores y su aplicación pura (sin influencia de la luz) que ya aparecían en el Salón de Otoño de 1905 (inicio del fauvismo) intentará dulcificar la potencia cromática de los mismos a través de la contraposición de fríos y cálidos y, sobre todo, por medio de la curva (arabesco) que anima y suaviza la imagen, buscando una mayor sensualidad. (Como en La Alegría de Vivir).

La alegría de vivir

Tomado de todoelarte.blogspot.com

Con todo ello pretendía, según sus propias palabras, crear un sillón para la mirada, una imagen sin ningún tipo de historia que sólo se imponga por medio de los registros cromáticos animados por la línea que podemos ver en cuadros posteriores, como la Danza.

La danza

Tomado de www.ultrafilosofia.com

Ya no hay literatura en la pintura, sólo quedará lo visual. Un juego de colores, formas y líneas que busca lo apacible y amable, al contrario que su gran rival hacía en la misma época: Picasso, Las Señoritas de Avignon.

Las Señoritas de Avignon. Picasso

Toda esta revolución (que tiene sus precedentes más próximos en las obras de Gauguin) y seguirá evolucionado por caminos en donde lo musical es cada vez más importante (el color entendido como música del ojo, sinestesia), entonado bajo un cromatismo toda la obra (que al principio era el azul, luego retocado por el rojo). El color se ha independizado por completo de la realidad.

Gauguin

Tomado de es.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin

BRANCUSI Y EL INICIO DE LA ESCULTURA CONTEMPORÁNEA

Musa durmiendo

Picasso, Arp, Modigliani, Henry Moore, Barbara Hepworth... fueron ardientes admiradores de este rumano tímido, formado a si mismo y trabajador sin pausa, que revolucionó la escultura para hacerla verdaderamente moderna.

Ciertamente en su primera etapa fue influenciado por Rodín (la gran figura de la escultura decimonónica), pero fue capaz de abandonar sus formas (aquellas que se quedaban en el mismo límite de la modernidad) para hacerlas ingresar en el siglo XX.

Columna sin fin

Como ya ocurría en pintura (piénsese en el tándem Cezanne- Picasso), Brancusi comprendió que había que regresar al origen para eliminar toda la literatura e ilusionismo decimonónico.

Se inspiró para ello en el onmipresente arte africano y su manera de comunicar con menos, con una profunda abstracción geométrica de la realidad.

El beso

Sus obras se convirtieron así en reducciones progresivas de lo visual para legar a las formas primigénias (ovoide especialmente) que, curiosamente, nunca resultan insulsas o frías, pues siempre llevan en su ser un profundo humanismo. Es la materia trabajada minuciosamente para buscar en ella su verdad última.

El nuevo nacimiento

Pues en su obra se une de forma maravillosa la reducción geométrica con la forma biomorfa que será básicas para autores como Arp o Moore. Una simplicidad que se niega a reducirse a volúmenes simples, sino simplificados en busca de una armonía universal que vaya más allá de modas y subjetividades.

Margit Pogany

Esta armonía (y dependiente tanto de la influencia africana como de su búsqueda en el folklore rumano) tiene un fuerte componente mágico, transcendente.

Frente a la abstracción fría que pretenderán los constructivistas, Brancusi inaugura una escultura que se enraiza en una forma de redescubrir "los caminos secretos de la Naturaleza", pequeñas iluminaciones (él que fue tan aficionado a la mística tibetana) que nos mostraran relaciones ocultas (esa música interior de las que tantas veces hablaba Kandinsky) que nos ayuden a recuperar un estado de apaciguamiento, de verdad sencilla y revelada, tan compleja como simple pero siempre extrañamente cercana, pues se encuentra en nuestro interior (un verdadero neoplatonismo moderno pasado por las tradiciones extraeuropeas)

Pájaro en vuelo

En su obra existe, además, un profundo respeto a los materiales. Brancusi trabajará en madera, mármol o bronce, siempre intentando valorar (por medio de los distintos acabados) el material primigenio que, en sí mismo, ya transmite sensaciones táctiles (como lo hacía la escultura clásica) de pulimento, reflejo, porosidad, frialdad o calidez...


 

Análisis y comentario de MONDRIAN.

Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926.

Tomado de wikipedia

Tema. No existe como tal. Al igual que ocurre con otras propuestas abstractas el tema desaparece al concebirse el cuadro como una simple superficie plana de formas y colores. Se ha renunciado, por tanto, a una de las características propias de la pintura clásica: la representación del mundo. Frente a ello, el autor pretende un arte desligado del entorno, una especie de objeto autónomo cuya misión ya no es representativa. (Ya no es una ventana, como pensaban los renacentistas).

Este mismo carácter anti-figurativo hace que se prescinda, en el título, de cualquier tipo de alusión a la realidad, numerando por orden de ejecución los proyectos.

Técnica. Pintura acrílica sobre lienzo. Esta pintura consigue una factura más industrial, y por tanto, más autónoma del propio pintor o sus sentimientos.

Composición. Se encuentra totalmente regida por una estricta geometría que dispone los planos de una forma regular, haciendo uso de complicadas relaciones matemáticas.

Por la preferencia en la utilización de las horizontales y verticales la podemos considerar como estática. La posible monotonía de tal organización está rota por la inclusión de distintas posiciones de las figuras geométricas y el color

Dibujo. Mondrian parte de la línea recta y gruesa como base de la composición. Su función no es la de representar, sino la de separar de forma nítida los distintos colores empleados.

Color. Se utilizan tan sólo los colores primarios (rojo, azul, blanco, amarillo) más el blanco y el negro. Dichos colores son planos (sin influencia de la luz) y de una tonalidad continua y bastante saturada (intensidad fuerte).

Al igual que la línea, tampoco pretenden describir nada de lo real. Son colores en si mismos que se ofrecen al espectador en bruto.

Pincelada. El acabado de la obra busca no mostrar ningún rasgo personal. No se advierten ni las pinceladas y todo se rige por un constante afán de impersonalización que se aleja de lo artesanal.

 

COMENTARIO.

Nos encontramos ante una de las propuestas más radicales del movimiento abstracto del siglo XX en donde la figuración (o sus recuerdos, como en el caso de Kandinsky) han desaparecido por completo.

De esta manera, el cuadro se ha convertido en un objeto autónomo de la realidad que posee sus propias leyes internas. Entre ellas figuran, ante todo, el orden y la claridad que propugnaba todo el grupo neoplasticista encuadrado en torno a la revista De Stilj.

Ya no se pretende representar lo real. Más bien, el interés se centra en crear una nueva realidad, un arte puro que ejemplifique una idea de equilibrio total. Eliminando lo particular, el autor busca leyes basadas en la geometría y el color puro que transmitan, más que una emoción (como hacían los expresionistas o luego los expresionistas abstractos) una idea de armonía.

En este sentido, el objetivo último es crear todo un nuevo ambiente al hombre que devuelva al orden y el equilibrio. De hecho, el cuadro se pensaría para un lugar concreto, en relación con la arquitectura y hasta el propio mobiliario, lo cual estaría adelantando una idea tan actual como la del diseño como una forma de mejorar la vida cotidiana. (Estas ideas se terminarán aplicando a la arquitectura, con planos que se intersecan, como un cuadro de tercera dimensión ).

Vicente Camarasa

GROSZ O LA ALEMANIA DE ENTREGUERRAS

Alemania, un cuento de invierno

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Dentro de la estética expresionista (que en Alemania se fundió con la crítica Dada fuertemente politizada, como el caso de Hearfield), los años de entreguerras en Alemania fueron un territio abonado para una pintura crítica y comprometida.

El héroe

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Como ya analizamos en un artículo de Biombo Histórico, la pérdida de la guerra, la humillación de los Tratados de Versalles, la sociedad dual que abren los felices 20 (con grandes fortunas judías en la cúspide los de los poderes económicos), la revuelta espartaquista del 17 tan brutalmente reprimida, la crisis exportada desde América que colapsó la economía con una hiperinflacción o el ascenso de los movimientos fascistas... hizo de la República de Weimar un lugar de guerra antes de la guerra, lleno de tullidos de la guerra, junkens vanidosos (aunque su vanidad no les permitió ganar la guerra), orondos banqueros juntos a pobres que rebuscan en las basuras, ultranacionalistas airados, prostitutas...

Los pilares de la sociedad

Tomado de chikasdepixel.wordpress.com

Es ésta la sociedad que retratará Grosz en sus cuadros y sus apuntes. Un mundo lleno de tensiones que muy pronto explotará.

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

Seguirá alguna de las estrategias estéticas del primer expresionismo (El Puente) como sus formas angulosas, sus colores chillones, sus perspectivas deformadas.

Eclipse de sol

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.

A ellas unirá un dibujo esquemático y brutal que en muchas ocasiones recuerda al utilizado por Klee, convirtiéndolo en pura caricatura (tan dadaísta) que no tiene piedad de nada ni nadie.

Tomado de selvasorg.blogspot.com.

Como ya hablábamos en un artículo anterior, la suya será una visión terrible de la ciudad iniciada por Kirchner y que se mantendrá viva en la cultura alemana durante todo el periodo (Metrópolis) a la que se unirán formas futuristas

Tomado de olga-totumrevolutum.blogspot.com.


Tomado de 3.bp.blogspot.com

Especialmente interesantes (tanto por su inmediatez como por la redicalidad con la que aborda los temas) son sus dibujos y bocetos (aquí tenéis una magnífica recopilación de ellos)

Para los ricos su botín de guerra, para los pobres su miseria

Tomado de pulpnivoria.wordpress.com

Divina providencia

Tomado de pulpnivoria.wordpress.com

Como puede suponerse, su obra fue una de las estrella del arte degenerado que los nazis incautaron y quemaron (aún muchos de sus escenas podrían ser consideradas pornográficas y de mal gusto)

Una magnífica lectura del periodo y el pintor (rebautizado como Falke) es Una princesa en Berlín de Somlsen

.

Vicente Camarasa


EL FUTURISMO. Arte y literatura

Tomado de centrodeartecollage.blogspot.com.es

Una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia.

(Como todos los fragmentos en cursiva pertenece al Primer manifiesto Futurista de Marinetti)

Tomado de luchetto5a.blogspot.com.es

En la Italia de principios del siglo XX (1909), un grupo de artistas (sobre todo poetas y pintores) se unen para romper con el pasado y apostar por la más furibunda modernidad.

Es desde Italia que lanzamos al mundo este nuestro manifiesto de violencia arrolladora e incendiaria con el cual fundamos hoy el futurismo porque queremos liberar a este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios.

Se denominan a sí mismo futuristas y aman mucho más los aeroplanos, los coches rugientes o las ametralladoras que cualquier museo.

Pues buscan el movimiento, la velocidad, el cambio constante como una forma vitalista de vivir, inspirada en Nietzche y su superhombre que rompe el eterno retorno a través de la voluntad

Tomado de luchetto5a.blogspot.com.es

Al contrario que Dada, serán maquinistas (al contrario de Dada y sus máquinas inútiles) y profundamente urbanos, pues sólo la gran ciudad permite este presente continuo en donde los estímulos se multiplican sin fin

Tomado de luchetto5a.blogspot.com.es

Cantaremos a las grandes multitudes que el trabajo agita, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las mareas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; cantaremos al febril fervor nocturno de los arsenales y de los astilleros incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas devoradoras de serpientes que humean, en las fábricas colgadas en las nubes por los hilos de sus humaredas; en los puentes parecidos a gimnastas gigantes que salvan los ríos brillando al sol como cuchillos centelleantes; en los barcos de vapor

Su arte buscará el escándalo como una forma premedita de publicidad (que Dada o el Surrealismo seguirán), y son famosas sus veladas futuristas en donde lo absurdo y lo polémico (teatro de actores metidos en cajas de los que sólo se ven los pies, ruidismo de las máquinas de Russolo que al moverse producen ruidos metálicos, urbanos, insultos a los espectadores...) suelen terminar en tumultos y peleas con el público

Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso de

corrida, el salto mortal, el cachetazo y el puñetazo.

Tomado de interiorizarte.wordpress.com

Incluso irán más lejos, y entenderán la guerra como la única higiene posible

  del mundo, y muchos de ellos (con Marinetti a la cabeza) terminarán

afiliándose

al partido fascista, creando toda una iconografía de Mussolini realmente

vanguardista (aquí puedes ver una magnífica colección de imágenes)

.

Queremos glorificar la guerra –única higiene del mundo– el

militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las

bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer.

Tomado de choisart.org/2013/01/31/futurismo/

El movimiento será especialmente literario (Marinetti será su verdadero

líder espiritual) y rompe con los moldes tradicionales de la gramática o la

sintaxis, amplia las letras a signos musicales o matemáticos, busca el

azar, organiza las letras según experimentos tipográficos (que tanto influirán

en Dadá, la Bahaus o el Constructivismo), integra texto e imágenes en un

objeto único (Aquí puedes saber mucho más. Manifiesto literatura

futurista (Marinetti)

 

Marinetti, Las palabras en libertad futurista. 1919

Tomado de udc.es/tempo/cuestions20/docs_fut03.html 

La pintura no estará a la altura de la teoría (sus múltipples manifiestos) ni de la literatura, siendo un pálido reflejo de ellos

Severini utilizará la descomposición cubista para reflejar este movimiento contínuo

Tomado de choisart.org/2013/01/31/futurismo/

Carrá se politizará en su asombrosos funerales por el anarquista Galli

Balla pasará de las imágenes múltiples tomadas de la cronografía de finales del siglo (un tanto ingénuas) para internarse hacia formas cada vez más abstractas de representar el movimiento que influirán posteriormente en el op-art

Tomado de sergiovargasnuevosmedios.blogspot.com.esl

Tomado de josellinares.com/la-revolucion-digital-sobre-la-velocidad-y-los-nuevos-formatos/

Boccioni en sus esculturas, y volviendo a ciertas premisas cubistas, creará la obra maestra del estilo: Continuidad de formas en el espacio en donde la figura y sus propios movimientos se terminan fundiendo

Tomado de centrodeartecollage.blogspot.com.es

 

UN BUEN DOCUMENTAL

 

 

ÍNDICES DE ARTE DEL SIGLO XX

SOLANA, LA VISITA DEL OBISPO

LO TIENES ALOJADO EN SEÑOR DEL BIOMBO

Análisis y comentario del Grito. Munch

Obra de 1893 realizada por Eduard Munch. Museo de Estocolmo.

Tema. El cuadro nos presenta a un personaje en primer plano en actitud angustiosa. Tanto el entorno (marítimo) como la perspectiva acelerada no tienden a crear un marco realista al personaje, sino por el contrario, potencian su actitud desesperada y trágica. Podríamos decir que, en realidad, el tema es la propia expresión de un sentimiento de angustia.

Técnica. Óleo sobre lienzo, con una aplicación violenta del color.

Composición. La figura principal se encuentra en primer término y centrada. Sin embargo, tanto la barandilla como las curvas del fondo (así como su postura ondulada), nos dan un fuerte dinamismo a toda la escena.

Línea. Hay una fuerte contraposición entre las líneas rectas (diagonales) de la zona izquierda y las ondulaciones constantes de la derecha. Tanto unas como otras dinamizan la representación, haciendo moverse al ojo constantemente por toda la superficie del lienzo.

Color. Existe, de nuevo, una contraposición entre las gamas cálidas y frías que contrastan entre sí. Tantos unos como otros son por completo antinaturalistas, sin ningún contacto con la realidad.

Luz. Antinaturalista, sin un foco determinado ni empleo del claroscuro.

Perspectiva. Gracias a las diagonales y las líneas onduladas (así como por la diferencia de tamaño entre las figuras) se tiene una fuerte sensación de espacio que nos lleva desde el primer plano hasta el fondo sin puntos intermedios, comunicando así figura con fondo y creando un cierto desasosiego a la hora de contemplar la escena, llevándonos con movimientos rápidos de un lugar a otro. (Perspectiva acelerada).

Figuras. Sobre todo la del primer término está deformada a través de constantes curvas, dándole un aspecto de llama. Por otra parte, se prescinde de todo tipo de detalles, siendo muy esquemática la realización de la cara o manos.

 

COMENTARIO.

Nos encontramos con una de las obras maestras del expresionismo, pues no en vano se considera a su autor como uno de los padres de esta tendencia.

Como es bien visible, el objetivo del pintor no es recrear la realidad, sino utilizarla para expresar un sentimiento de angustia y soledad. Es por tanto, una obra en donde prima lo expresivo sobre lo narrativo, siendo aquellos aspectos más negativos del hombre o la sociedad los que más atraen al pintor, prisionero de una biografía terrible, como ya vimos aquí


Para conseguir la comunicación del sentimiento Munch recurre a todo tipo de aspectos formales que creen inquietud en el espectador. De esta manera opone rectas a curvas o colores cálidos a otros fríos, creando un fuerte contraste entre ellos. Igualmente, la perspectiva acelerada hace que la visión no pueda centrarse en un solo punto y vaya moviéndose por diagonales y curvas que generan un movimiento tenso y compulsivo, semejante a la agitación interior que sufre el personaje.

De esta manera, el exterior se deforma, como si su angustia se comunicara hacia el paisaje que, con sus colores arbitrarios, nos refleja, más que un entorno, un estado de ánimo.

Monje a las orillas del mar. Friedrich

Toda esta forma subjetiva y profundamente pesimista de entender el mundo que comienza en el mundo romántico (véase la Balsa de la Medusa o los retratos de locos de Delacroix, la Visión de la Naturaleza de Friedrich, como el Monje a la orilla del mar, o el mundo terrible y claustrofóbico de las Carceri de Piranesi), se mantiene en prerrafaelistas y simbolistas para reaparecer en autores contemporáneos (como el propio Van Gogh, con características formales y temáticas semejantes)

Olivos en los Alpilles. Van Gohg

Su obra será uno de los puntos de arranque desde el que se desarrollen la obra de otros autores (El Puente, Ensor, Kokoschka) hasta llegar a sus manifestaciones más radicales en el expresionismo abstracto posterior a la II Guerra Mundial o Bacon.


Existe, con iguales premisas, una arquitectura expresionista 

Por cierto, se especula que ese cielo de potentes rojos fuera la enorme candilada que generaron las cenizas del volcán Krakatoa

Vicente Camarasa

Análisis y comentario. MONTSERRAT GRITANDO. JULIO GOZÁLEZ

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