sdelbiombo. Una mirada artística al mundo

Tomado de http://heremdemaria.wordpress.com/distancias

Sí, esta misma casa de aspecto fantasmal que EDWARD HOPPER pinta en 1925, aparece de nuevo en 1960 en Psicosis, una de las películas más conocidas del maestro del suspense, Alfred Hitchcock.

Tomado de http://losfrikistambienlloran.blogspot.com/2008_06_01_archive.html

Con algunas ventanas cerradas y otras abiertas que reflejan la luz y a través de las que podemos adivinar el interior, este pintor norteamericano considerado uno de los mejores de la primera mitad del siglo XX que pretende transmitir al espectador una sensación de abandono y soledad que, como veremos, se convertirán en una constante a lo largo de toda su obra.

Tomado de http://eleducadorsocialenalaska.blogspot.com/2008/10/bares.html

TRASNOCHADORES/ HALCONES EN LA NOCHE/ NOCTÁMBULOS. Aquí el único foco de luz en la ciudad parece proceder del interior del bar, donde lo que más llama la atención es la falta de comunicación y la tensión psicológica que reina entre los personajes. Como el mismo autor decía< quizá de un modo inconsciente he pintado la soledad de una ciudad>, algo que vuelve a repetirse en (LUZ DEL SOL EN UNA CAFETERÍA) y (SUNDAY) donde los personajes aparecen absortos y con la mirada perdida, aislados del mundo que los rodea, en el que además los escaparates de las tiendas no ofrecen nada. Todo alrededor de ellos parece vacío.

También muy interesado por la luz, recuerda a los impresionistas, para quienes el paso de las horas y los distintos efectos provocados por las sombras resultan esenciales; (MAÑANA EN UNA CIUDAD); (SOL MATUTINO) en los cuales aparece representado un interior y la vista del exterior a través de una ventana (primitivos flamencos), muy similar a un cuadro dentro de otro.

En un principio comienza como dibujante de publicidad, sin embargo, pronto se hará conocido por sus paisajes  en los que pretende representar una naturaleza que no ha sido modificada por el hombre (paisaje agreste), junto con puentes, faros, carreteras, vías y pasos a nivel que, junto con el automóvil o el ferrocarril, ya suponen un avance técnico (civilización); (COLINA DEL FARO); (GASOLINA); (NEW YORK, NEW HAVEN AND HARTFORD)

Tomado de http://delarehabilitacionalaliteratura.blogspot.com

No deberíamos olvidar la sexualidad implícita en  sus desnudos femeninos ( al igual que Modigliani o Picasso); (MOTEL EN EL OESTE) obra a la cual algunos no dudan en atribuirle una clara representación sexual, si nos fijamos en el cuerpo en tensión de la muchacha y el capó del coche a su lado que parece salir de su cuerpo( INTERIOR VERANIEGO); (UNA MUJER AL SOL); (VENTANAS EN LA NOCHE) en los que las mujeres parecen ajenas al hecho de estar siendo observadas, convirtiéndose el espectador en voyeurista.

Tomado de http://daridgely.blogspot.com/2007/05/edward-hopper.html

Muchas de estas características son compartidas por el pintor británico FRANCIS BACON, de nuevo representante entre otros del siglo XX y cuyo peculiar estilo sirve como fuente de inspiración al famoso director italiano Bernardo Bertolucci en la dirección de El último tango en París, donde se cuenta la historia de dos individuos que, en una línea similar a los personajes representados por Hopper, están inmersos en algún tipo de crisis, tratan de esconder la soledad, (HABITACIÓN DE HOTEL (Hopper))/ (AUTORRETRATO (Bacon) y para ello se refugian en la pasión desenfrenada. Esto último se evidencia en la obsesión del pintor por representar figuras desnudas, en escenas en las que cobra especial importancia la carne, donde los personajes aparecen a menudo en posiciones forzadas, que no hacen sino incrementar la sensación de opresión y angustia. (RETRATO DE INOCENCIO X, con un grito desgarrado como el de Munch en El grito); (PARA UNA CRUCIFIXIÓN).

Tomado de http://popbuhnoeletrico.blogspot.com/2008_09_07_archive.html

Asimismo, los colores anaranjados, sombríos y el tratamiento tan característico de cierta parte del rostro en algunas obras de Bacon: los ojos, los cuales al igual que ensombrecidos en sus pinturas, en la película intentan “pasar desapercibidos”, empleándose para ello recursos tales como sombreros, cristales translúcidos y gafas que generan incomodidad en el espectador.

Los sentimientos de manera implícita, y de otra más “física” y visible, encarnados en el personaje masculino de la película (Paul), quien resulta ser una réplica de la obra del pintor de 1958, Autorretrato, en la que además aparece ataviado con la misma ropa de color marrón con la que, por otra parte, Bacon retrata a menudo a su amante George Dyer.

Tomado de http://italian.vassar.edu/MagritteBaconBertolucci/tango.html

Ambos pintores son quizá los más conocidos de una lista de artistas que ponen de manifiesto  la relación de proximidad entre cine y pintura pues, aunque disciplinas que siguen líneas paralelas, en ocasiones encuentran un punto en común formando un amplio mosaico donde tienen cabida todo tipo de emociones y sentimientos.

Mar San Segundo

Etiquetas: Bacon, Hopper, Bertolucci, Psicosis

Cocó Chanel y Salvador Dalí

Tomado de

http://losmediospelosargentinos.wordpress.com/2008/10/22/coco-chanel-y-el-pusilanime-paul-morand

A veces somos demasiado estrictos a la hora de estudiar el arte, olvidando que hay muchas más cosas que pinturas, esculturas y arquitecturas. Pero existen muchos más géneros y ámbitos que a veces explican mejor el sentir de una época.

Por eso os propongo que leáis este magnífico artículo que ha realizado Alejandra en su blog sobre Cocó Chanel, el Picasso de la moda que revolucionó toda la forma de vestirnos (y en el fondo de entendernos, pues la ropa no es otra cosa que la piel que mostramos a los otros).en la década de los 20, cuando Picasso volvía a su clasicismo, muy pocos años antes de que estallara la revolución surrealista o Le Corbusier diera la vuelta a la arquitectura.

En el fondo (si lo pensáis bien) la revolución de Cocó fue tan radical como el de las vanguardias y aún de ella vivimos.

Vicente Camarasa

Etiquetas: Coco, Chanel

La alegría de vivir

Tomado de http://todoelarte.blogspot.com/2006/07/la-alegra-de-vivir.html

Normalmente solemos asociar el nombre de Matisse con el color saturado, intenso. Esto, con ser cierto, no es del todo justo, pues la pintura de Matisse va mucho más allá de un colorido muy fuerte. De hecho, e igual que le ocurre a Picasso (su gran rival, ídolo y enemigo a la vez), Matisse fue uno de los últimos grandes clásicos que, tras las primeras rupturas, muy pronto enfocó su arte hacia la armonía. Casi un griego.

Estas palabras pueden sonar extrañas, pero a mi juicio son las verdaderas. El propio autor así lo declaró en numerosas ocasiones.

 Lo que sueño es un arte de equilibrio, de pureza, de tranquilidad, sin asunto inquietante o preocupante, que sea para todo trabajador o intelectual un lenitivo, un calmante cerebral, algo análogo a un buen sillón en que descanse de sus fatigas físicas

(Matisse)

Fidias podría haber firmado estas últimas palabras, ¿no es cierto? Y Leonardo. O Rafael. Todo el clasicismo quiso hacer del arte un lugar de equilibrio, un verdadero sillón para la mirada, y si los antiguos recurrieron al gesto suave, compensado, a la composición triangular, al contraposto o a la armonía cromática, la genialidad de Matisse fue llegar al mismo lugar por medios radicalmente distintos.

El primero de ellos fue el color. Su independencia de la realidad ya se había producido a finales del XIX, especialmente en Gauguin y su Visión sobre el sermón. El rojo fulgurante superior junto a un enfoque original había dejado evidente que a partir de ese momento el color funcionaría por sí mismo. Un color fisiológico. Una pura sensación que renunciaba a las sombras y los matices para llenar los ojos del espectador.

Paul Gauguin. Visión tras el sermón (1888)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_visi%C3%B3n_tras_el_serm%C3%B3n

 Matisse comprendió rápidamente esta lección, pero la llevó mucho más allá y comenzó a utilizar el color para generar espacio (perspectiva cromática, pues los fríos como el verde o azul alejan y los cálidos como el rojo o el amarillo acercan, como se puede ver en la famosa Habitación Roja)

La habitación roja

Tomado de http://fauvismosigloxx.wordpress.com/imagenes

 Investigó el color y (aunque sin las resonancias místicas de Kandinsky), encontró en él la forma de expresar sensaciones, especialmente en las distintas relaciones que establecían entre ellos y con otras artes.

Sinestesia; ésa fue una de las palabras de moda en el cambio del siglo. Entremezclar artes (como nos contará Rafa en sus post sobre la música en el principio del XX) y en este caso pintar como si fuera música, los colores como notas de música que componen una canción para los ojos. A partir de entonces, ya no es necesario fijarse en el detalle, sino dejarse llevar por el ritmo cromático de los lienzos, dejar que los ojos bailen en ellos. Miradlo en este cuadro.

La danza

Tomada de http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias1/fauvismo_matisse.html

 Si quieres saber más de este cuadro entra en http://www.razonypalabra.org.mx/espub/2005/julio.html

 Las figuras se mueven, se ondulan sobre el fondo frío, bajo el ritmo de una melodía cada vez más rápida. A mi siempre me ha recordado al famoso Bolero de Ravel, igual que en él, el tema principal de posee poco a poco hasta terminar por ser un torbellino del que no puedes bajar.

El efecto es producido por ese rojo intenso y su gran forma elíptica (pero a la vez ondulada) que vibra constantemente sobre el fondo frío (y a la vez también ondulante, como una segunda voz dentro del cuadro)

Es, por tanto el color, pero también la línea la que consigue estas sensaciones. Y es esto lo que se suele olvidar muy a menudo en la obra de Matisse. Su capacidad cromática siempre ha dejado al dibujo en un segundo plano, pero quizás haya sido el pintor del siglo XX (de nuevo junto a Picasso) que mejor haya dibujado, especialmente la curva.

Tomado de http://www.aulafacil.com/dibujo/curso/Lecc-2.htm

 Sus cuadros nos invitan a deslizarnos en sus ondulaciones que Matisse recogió de su estancia en Marruecos, fascinado por el arte islámico.

El arabesco, la línea que se enlaza, anuda, se ralentiza para luego volver a expandirse en un juego infinito que el pintor cada vez fue utilizando más, especialmente en sus famosas odaliscas, un verdadero concierto a muchas voces en donde podemos escuchar los movimientos de varios arabescos moviéndose a un tiempo.

 Tomada de http://www.artcritical.com/samet/JSMatisse.htm

 A dibujo y color se irá uniendo poco a poco una cada vez mayor influencia del arte oriental no en sus detalles sino en su despojamiento. Matisse irá poco a poco comprendiendo que lo menos es más, e irá eliminando detalles. Sólo hace falta comparar la anterior odalisca con este Desnudo Rosa para darse cuenta del proceso

 Desnudo en rosa

Tomado de http://stillalive.ch/blog/?m=200705

 El cuadro es sencillamente genial. Como un puzzle gigantesco, todas las piezas encajan, y el rosa y las curvas voluptuosas han conseguido una feminidad tan sensual como pudo hacer Velázquez en su Venus del Espejo o Delacroix en su Muerte de Sardanápalo. La mujer se ha reducido a su esencia (el famoso chi oriental), tomando todo el espacio que se rellena con un fuerte azul que vira hacia el negro y una cuadrícula (masculina?), tan humana en su imperfección. (¿No os recuerda este último párrafo al famoso yin-yang oriental en donde los masculino y femenino se unen, interceptan y se necesitan)

 En sus últimos años Matisse dará un paso más en sus papeles recortados y su serie jazz, pero eso tendrá que esperar un poco, por ahora disfrutar con los sentidos (oyendo esta pintura como las músicas que nos propone Rafa) los colores más bellos del mundo, una verdadero festín para los ojos. Pues Matisse no nos pide nada más que eso, que nuestra mente repose y disfrute en sus cuadros como si fuera un sillón para la mirada.

 Podéis encontrar cuadros suyos en

http://www.famousartistsgallery.com/gallery/matisse-jl.html

 Para saber más

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/matisse/index.html (Artículo muy completo)

Vicente Camarasa

Etiquetas: Matisse

Hoy mismo he encontrado un blog fantástico (que ya lo he añadido a enlaces) que me ha traído muchos recuerdos. Recuerdos de hace unos años, con una clase de historia de arte que visitamos la Fundación Juan March de Madrid para disfrutar de uno de mis pintores favoritos, Kandinsky.

http://ludovanguardia.blogspot.com/2008/03/nacimiento-del-cosmos.html

La exposición era difícil de explicar, pues nos encontrábamos a principio de curso y el autor es el primer gran abstracto del siglo XX. Sin embargo, al final fue todo un éxito, ya que muchos de vuestros antiguos compañeros llegaron a comprender este mundo fantástico de la abstracción en uno de sus mejores artistas.

Ahora voy a intentar que seáis vosotros quien empiecen a flipar con sus cuadros.

Tenéis que saber que Kandinsky, de origen ruso, tuvo dos grandes inquietudes además de la pintura. Por una parte fue teósofo (ya sabéis, una filosofía empapada de pensamiento oriental), por otra fue también músico y esto marcaría fundamentalmente su pintura.

En su primera etapa creó, junto a Marc y Klee una revista de arte, El Jinete Azul, que intentaba recoger noticias y reproducciones de los cuadros de la primera vanguardia (Picasso, Matisse, Braque…) e intentaban conciliarla con su actitud idealista: hacer del arte un instrumento para sacar del ensimismamiento de la realidad al hombre, es decir, más fácil, hacerle consciente de su vida interior, de sus emociones más profundas.

Sus primera obras aún son realistas y están muy influenciadas por el fauvismo (sobre todo por el uso del color de forma intensa y bastante antinatural, como hacía Matisse) y el cubismo (en sus composiciones organizadas de forma geométrica, como ya hacía Cezanne).

(La Montaña azul)

Poco a poco fue realizando un proceso de limpieza del cuadro, eliminando las formas naturalistas del mismo. Así una montaña se convertirá en una curva con vértice hacia arriba o un río en una forma sinuosa. Son lo que él llamó impresiones; cuadros cada vez más difíciles de analizar en clave realista, pues en ellos era el color y la línea lo que terminaba por predominar.

(Improvisación)

En ese momento hay que comenzar a hablar de sinestesia. El color es una nota; el cuadro una canción. La composición ya no obedecía a la realidad sino a lo que él llamaba una necesidad interna. ¿Os acordáis del ejercicio de arte abstracto de clase? Si queréis comprender mejor esto que os digo probar a hacer el siguiente experimento. Intentad hacer dos cuadros abstractos, sin tema. El primero tiene que realizarse oyendo las Cuatro Estaciones de Vivaldi (o cualquier música clásica, o chill out, Mar). El segundo tiene ser (Laura), cogiendo música heavy o bacalao.

Mientras hacéis ambos cuadros intentad no pensar; dejaros llevar por la música. Cuando terminéis observarlos y compararlos. Ya veréis las diferencias. (Por cierto AYUDA, si alguno de vosotros se atreviese a hacer este experimento, me lo podíais mandar por email y yo republicaría este artículo con estas obras. Así todos lo podrían comprender mejor. Yo os prometo que, si no queréis, no pongo vuestro nombre ni os analizo vuestra personalidad)

Mar (Vivaldi)

Laura. (Heavy)

Aurora. Vivaldi

Llegados a este punto las cosas, supongo, que estarán más claras. El arte no tiene que copiar la realidad, tiene que interpretar el mundo de forma subjetiva y personal. Esto es lo que pretendía el propio Kandinsky, buscar lo espiritual en el arte, título que dio a un libro básico en arte moderno. En él fue recogiendo las investigaciones sobre el color y la forma y su forma de percepción por el espectador. Así unión colores y sonidos e instrumentos musicales. (el rojo como trompetas, amarillo como un clarín agudo, el verde como violines, el azul como flauta dulce o violoncelo). Luego haría lo mismo en Sobre punto y línea, pensando sobre estos aspectos dentro de un cuadro abstracto.

Con todas estas investigaciones fue progresando en el arte hasta llegar a cuadros completamente abstractos que llamó Composiciones. En una primera etapa, la que corresponde al cuadro que os muestro al final, las formas y los colores eran orgánicos, sin apenas geometría, hecho de una forma libre, sólo jugando con ellos y sus relaciones hasta conseguir obras musicales

Fijaros ahora en el cuadro. Fijaros y miradlo despacio, andando por él. Kandinsky pretendía que los cuadros fuera paseables, que el espectador no los pudiera ver de un solo vistazo, sino que pudiera caminar por sus colores y sus formas como se hace con una música por la que vamos andando, corriendo o casi nos quedamos parados según vaya desarrollándose su melodía. En cada uno de los estados se irán encontrando distintos estados de ánimo, sensaciones, emociones ya vividas. Toda una excursión por vuestro interior. Si lo intentas, Cris, despacio, con fondo musical suave, seguro que lo consigues.

Veréis un gran óvalo de distintos colores calidos (amarillos y rojos) que girará lentamente hacia la derecha. Un óvalo que se va llenando poco a poco de cosas, con manchas verdes y rojas, que cada vez actuará más como un embudo, pues seguro que ese profundo azul del fondo os irá atrayendo cada vez más (¿No os recuerda nada este color? Exacto, se parece mucho al de YVES KLEIN.

Sin embargo, este azul tiene varias salidas visuales, y si buscáis veréis líneas que llegan a él desde el exterior del cuadro. Son como puentes. Salidas hacia el exterior para iniciar el proceso.

En cada vuelta que vayáis haciendo os iréis encontrando nuevos colores y líneas o grupos de líneas que no habíais visto antes. Son como pequeños instrumentos dentro de una gran orquesta, pequeños sonidos que irán completando el gran fondo musical del cuadro, dominado por la voz grave pero dulce del azul del fondo.

Evidentemente esto es una cuestión puramente personal, pero a mi me recuerda mucho el adagio de la 5º Sinfonía de Maller, una pieza bellísima en la que dan ganas de quedarse a vivir para siempre... Seguro que si lo pensáis, vosotros podréis llegar a conclusiones personales.

Y ahora que ya sabéis (no hace falta que comprendáis del todo, simplemente que tengáis una sensación del cuadro), ¿por qué no entráis en la página que os decía antes y buscáis los comentarios que ha hecho la gente?

http://ludovanguardia.blogspot.com/2008/03/nacimiento-del-cosmos.html

Tal vez vosotros también podáis hacer uno personal, comentando, poniendo en palabras, vuestras sensaciones. También podríais volveros a leer el artículo del cuadro azul de Klein ; le sacaréis más partido ahora, seguro.

Como veis este sí que es un artículo interactivo. Y más lo será si me mandáis vuestros dibujos o comentarios. Intentadlo. Os abrirá un mundo nuevo

Vicente Camarasa

Etiquetas: Kandinsky, arteabstracto, YvesKlein, sinestesia:Auroralopezmolina