LAS IMÁGENES QUE LOS EGIPCIOS PRESTARON A LOS CRISTIANOS. LA PSICOSTASIS e ISIS y LA VIRGEN MARÍA

 

Psicostasis. Libro de los muertos

 

 

Las imágenes no son un repertorio ilimitado y a menudo se repiten en distintas culturas con distintas interpretaciones, siendo muy habitual que el cambio de mensaje cambie con el de la ideología (los primitivos cristianos tomaron las imágenes de la Roma Pagana y las recristianizaron, como la del emperador al Pantócrator…).

Lo que resulta más difícil de encontrar son imágenes que mantengan el mismo contenido narrativo e ideológico. Esto ocurre, sin embargo, al menos en dos grandes motivos cristinanos, la psicostasis o pesaje de las almas y la Virgen amamantando el niño (Galactotrofusa), ambas con claros precedentes egipcios

 

El pesaje de las almas o psicostasis (como lo llamaron los griegos) formaba parte de la narración del Libro de los Muertos en la que se detallaba el viaje y rituales que debía realizar un difunto desde su muerte hasta la entrada en el reino de Osiris. Durante este trayecto uno de los puntos culminantes sería el pesaje. El Duat (espíritu del difunto) era guiado por Anubis (con cabeza de Chacal) al tribunal, le extraía el corazón (Ib) y lo colocaba en una balanza. En el otro platillo se situaba la pluma de Maat (símbolo de la Verdad y la Justicia Universal, normalmente puesta en un cuenco).

Mientras se realizaba el pesaje el tribunal hacía un concienzudo examen que era anotado por Dyehuty. Según la verdad o mentiras de las respuestas el corazón menguaba o aumentaba de peso, aunque es curioso advertir que en muchas momias se han encontrado verdaderas chuletas, con las palabras que debía pronunciar el difunto.

 

“No he cometido iniquidad respecto de los hombres; no he matado a ninguno de mis parientes; no he mentido en lugar de decir la verdad; no tengo conciencia de ninguna traición; no he hecho mal alguno; a nadie he causado sufrimiento; no he sustraído las ofrendas a los dioses...”

 

Juicio de Osiris. Sarcófago Museo Arqueológico de Madrid

 

Como constantes protagonistas de esta escena se encontrará Osiris (de piel verde que simboliza su muerte y resurrección, como Jesucristo, en el reino de los muertos) y  Ammit, la devoradora de los muertos (un ser con cabeza de cocodrilo, melena, torso y brazos de león y piernas de hipopótamo), que acababa con él si el veredicto era negativo, siendo su segunda y definitiva muerte.

 

Juicio de Osiris. Sarcófago Museo Arqueológico de Madrid. En él aparecen Osiris y Ammit

 

Estas imágenes pasarán casi de forma directa al cristianismo a través de los coptos (iglesia cristiana del siglo I establecida en Egipto), siendo conocidas en el futuro ámbito bizantino o (según opinión de Olaguer Feliu) transportada hacia el cristianismo occidental a través de los beatos prerrománicos que unieron fuentes islámicas con otras del cristianismo primitivo

Sólo cambian entonces uno de los protagonistas y Anubis se reconvierte en San Miguel, mientras Osiris pasa a ser el Pantocrátor (el dios que juzga) y Ammit se convierte en unas fauces abiertas a las que se empuja a los condenados

 

 

 

Psicostasis. Santa Fe de Conques

 

 Psicostasis. Vezelay

 

Curiosamente esta idea de las fauces como entrada en el infierno pronto desaparecerá en Occidente, pero no así en Oriente, y en el siglo XVI, el Greco (de formación oriental) las seguirá representado en su Alegoría de Felipe II.

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-5f288f44f5e4906fd524e08a943117b2.jpg

 

Por otra parte, la idea de juicio unido a balanza será rápidamente tomada por la civilización grecolatina (Ocaña, 2007 ), convirtiéndose en el atributo de la justicia al que posteriormente se le añadirán una venda sobre los ojos (que en la Edad Media tenía otro significado, el de la sinagoga o los judíos, que no conocían la verdadera revelación) y una espada (en origen la de San Miguel, posteriormente la del rey según aumente su capacidad de establecer el poder judicial) apareciendo así nuestra imagen actual

 

 Iconografía de la justicia

Tomado de http://sonandolarevolucion.wordpress.com/2007/10/30/%C2%BFes-justa-la-justicia/

 

En cuanto al segundo préstamo no merece mucho comentario, pero cada vez parece más evidente que Isis (la divinidad femenina, diosa de la vegetación pero también protectora de los hombres ante las fuerza de los dioses) fue el origen iconográfico de la Virgen María. Sólo os pongo dos ejemplos, aunque la lista se podría ampliar

 

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-365df0125e45ff409fb24acc2ff40b30.jpg

 

 

Virgen galactrotofusa o de la leche

 

 

 

Isis con las alas abierta, protectora de los humanos

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-87c6c5a0f888db25e314fe7a8e1a19ca.gif

 

 

Virgen con santos (o de la Misericordia). Piero della Francesca, que en España, tras el descubrimiento del Nuevo Mundo pronto se convertirá en la Virgen de los Navegantes

 

 

Para saber más

http://www.monografias.com/trabajos55/origen-de-la-psicostasis/origen-de-la-psicostasis2.shtml

http://arssecreta.com/?p=127

 

Vicente Camarasa

 

 

CÓMO SE COMENTA UNA ESCULTURA. LAS VENUS PALEOLÍTICAS

 

 

Reproducciones de las Venus de Willendorf y Lespugue. Museo Arqueológico de Berlin

 

TEMA de CARÁCTER SIMBÓLICO. A estas pequeñas figuras se las ha relacionado con aspectos como la FECUNDIDAD y MATERNIDAD, en un intento por fomentar la procreación y EVITAR así la EXTINCIÓN de la ESPECIE.

 

MATERIAL: habitualmente se empleaban MATERIALES NO CLÁSICOS tales como la piedra y el hueso, utilizando la técnica de la TALLA (eliminando material para llegar al resultado final)  

 

TIPOLOGÍA: EXENTA o de bulto redondo, ya que está tallada por todas partes y se puede girar.

 

COMPOSICIÓN: observamos que se trata de un BLOQUE CERRADO (las extremidades no sobresalen del cuerpo), donde también se aplica la ley de la SIMETRÍA (pues un eje imaginario parece dividir la figura en dos partes exactamente iguales) y de la FRONTALIDAD (está pensada, fundamentalmente, para ser vista de frente)

 

COLOR: actualmente monócroma aunque muy posiblemente en un origen se encontrase policromada con diferentes pigmentos.

 

FIGURA: se trata de una escultura de pequeñas dimensiones, ANTINATURALISTA (no representa la realidad tal y como es sino que la deforma) en la cual aparecen RESALTADOS los ATRIBUTOS FEMENINOS( caderas, muslos, pechos, nalgas) y los rasgos faciales han sido eliminados.

 

 

Venus de Lespugue.

 

 

COMENTARIO

En el PALEOLÍTICO SUPERIOR (época magdaleniense) y siguiendo la misma línea de interpretación que las pinturas rupestres comenzada por el abate Beuil , estas pequeñas figuras serían EXVOTOS con los que conseguir, a través de la MAGIA SIMPÁTICA, la FECUNDIDAD DE LA TRIBU. Son las llamadas ESCULTURAS PROPICIATORIAS (realizadas para hacer que algo ocurra; en este caso, ESTIMULAR LA REPRODUCCIÓN).

 

Venus de Laussel

Sin detalles, de bulto redondo (aunque algunas como la de Laussel están realizadas en relieve) bastante simétricas, con los rasgos femeninos muy acentuados y el rostro apenas definido( lo que confiere un CARÁCTER mucho más ARQUETÍPICO e IMPERSONAL), tenían desde luego, un fin muy significativo para la especie, como también lo tenían los animales representados en el interior de las cuevas (Paleolítico Superior), a menudo de forma bastante realista (al contrario que las Venus), y algunos con el vientre a rayas (preñados) pues, por instinto de supervivencia, preocupaba mucho la posible extinción bien de la tribu, bien de su medio de alimentación.

Desde la arqueología feminista de los 80 se han entendido estas Venus como la expresión de un matriarcado, aunque esas tesis han sido últimamente abandonadas.

 

Venus de Willendorf

 

Es posiblemente la venus de Willendorf (Austria) el ejemplo más representativo, aunque también podemos citar otras como la venus de GRIMALDI (Italia), VESTONICE (Checoslovaquia), LESPLUGUE y LA COLOMBIÈRE (Francia) o KOSTIENKI( antigua URSS).

 

 

 

Venus de Vestonicka

Venus vom Holen Fels

PARA CONOCER OTRAS INTERPRETACIONES SOBRES LAS VENUS PALEOLÍTICAS

 

 

Más fotos en http://lineaserpentinata.blogspot.com/2008/08/las-venus-paleolticas.html

 

Mar San Segundo

DUCHAMP. EL ARTISTA DEL SIGLO XXI

 

 

 

 Tomado de http://thebrainpolice.blogspot.com/2007_08_01_archive.html

 

 

 

 

 

Octavio Paz en su libro La Apariencia desnuda, hablaba de las dos personalidades que habían dominado el siglo XX: Picasso y Duchamp. Mientras el primero, como vamos poco a poco viendo fue el primer moderno pero también el último clásico que supo releer toda la historia del arte, Duchamp prefirió acabar con el arte (poniéndole, por ejemplo, bigotes y perilla a su icono por excelencia, la Gioconda ) e inventarse uno nuevo, gracias a sus famosos ready made, el urinario hecho fuente

 

Su obra es mínima comparada con la de Picasso, pues él prefería el silencio, pero su influencia hasta la actualidad ha sido tan abrumadora hasta la actualidad, que más bien parece un artista del siglo XXI que del XX.

Y es que rompió con todo y abrió tantas nuevas puertas que muchas de ellas aún se encuentran inexploradas. Pues su arte es, sobre todo, una nueva forma de pensar las cosas que se replantea el concepto de arte, de visión, de vida misma. Hasta su propia biografía es en si misma una verdadera obra de arte, siendo muchos de sus comportamientos hechos artísticos (abriendo camino a la performance ), como el de abandonarlo todo en la cima de su fama y dedicarse a jugar al ajedrez en el circuito profesional

 

 

Entre ambos jugadores el famoso Gran Vidrio

Tomado de http://performactiva.blogspot.com/2008/08/discusin-en-torno-las-clases.html

 

 

Esta misma foto que nos habla del ajedrez nos ilustra perfectamente uno de sus principales armas (casi de destrucción masiva) frente a la vida y el arte: la ironía. Un sentido del humor corrosivo con el que se burló de todo, incluso de él mismo, que se hace retratar jugando al ajedrez (la actividad intelectual por excelencia) frente a una mujer desnuda, como si fuera una nueva e irreverente interpretación de las Venus que pintaran Tiziano, Velázquez o Rubens.

 

Y jugó con su imagen considerando por primera vez el poder artístico de la fotografía, se disfrazó se mujer para anunciar un perfume que no existía o se dedicó a pintar un cuadro sobre un vidrio (Gran Vidrio).

 

 

Duchamp disfrazado como Rrose Sélavy

Tomado de http://www.valerielamontagne.com/presence/gender.html

 

Lo hizo casi todo y apenas si explicó nada, dejando al espectador la capacidad de inventarse una parte importante de su obra. Una obra abierta, como luego diría Humberto Eco, puras, pequeños fogonazos de luz que por un solo instante nos iluminan un mundo nuevo y fascinante que sólo poco a poco podemos empezar a no comprender, como si fuera un maestro zen. Sus obras como esos tan ridículos como serios e imposibles koan 

 

Quizás por todo esto Duchamp sea el origen de nuestro arte actual y, a la vez, casi un desconocido para el gran público. ¿Por ser complicado? Tal vez por todo lo contrario, por su rotunda sencillez que obliga al espectador a replantearse las cosas. Esa es su dificultad; no dejar indiferente. Hay en él tantas rupturas que ya no nos podemos plantar ante sus obras para mirarlas un instante y luego marcharnos, igual que el que se come un caramelo.

Duchamp era tan irreverente que se atrevió a decirnos: PENSAD, SED VOSOTROS MISMOS.

 

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-deb9110aaafa557b2ef94c455f989d32.jpg

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 TODO DUCHAMP EN NUESTROS BLOGS

 

Vicente Camarasa

BRUNELLESCHI: UN GENIO ENTRE DOS ÉPOCAS.

 

Tomado de http://www.dondeviajar.es/files/media/flor1.jpg

 

Siempre me han fascinado todos los periodos turbios, los periodos que quedan entre un estilo y otro, aquellos que te dejan ver qué ha sido y qué será del arte.

Y no hay mejor ejemplo que los comienzos del s. XV, los comienzos de esa centuria del cinquecento que supuso el salto de la Edad Media a la Edad Moderna, en definitiva el mundo del Humanismo y todo lo que le rodea.

Por esas fechas nos encontramos con un personaje fascinante, un artista y pensador innovador que fue base para grandes maestros, como Leonardo Da Vinci.

Hablo de Filippo Brunelleschi.

Nacido en 1377, vivió toda su vida rodeado de formas góticas y, conociendo a maestros de la escultura gótica italiana como los Pisano, comenzó su carrera artística en la escultura (participó y ganó junto con Ghiberti, en el concurso de las puertas del baptisterio de Florencia).

Sin embargo, lo que de verdad se le debe a Brunelleschi es el haber llevado el candil de la modernidad en un mundo gótico que se sumía en un superfluo decorativismo (propio de ese gótico internacional), el haber establecido la necesidad de determinar el espacio y el tiempo en torno a la realidad humana.

Sus trabajos en la óptica y la perspectiva hicieron que se convirtiera en un genio del espacio, estableciendo por primera vez una regularización de los edificios y de la arquitectura como un todo, como algo que debía tener conclusión, debía tener principio y fin como la realidad humana, debía determinar el espacio.

 

 

Brunelleschi consiguió lo que nadie pudo: construir la cúpula mayor de la Catedral de Florencia. Para ello ingenió numerosas máquinas y andamios novedosos y con la invención de la cúpula del Duomo delli Fiori y con su construcción otorgó la honra que se merecía la ciudad de Florencia (que hasta entonces era burlada por decir ser tan poderosa y no poder ni siquiera acabar su propia catedral).

 

 

Tomado de http://www.cch.unam.mx/historiagenda/10/contenido/sea3.html

 

 

Construida sin cimbras, la cúpula presenta un aparejo en forma de "espina de pez", que recuperó Brunelleschi al estudiar los restos de la ciudad de Roma. Y es que, Brunelleschi fue uno de los primeros que intentó recuperar el espíritu de la Antigua Roma desde un punto de vista científico para la época, buscando, excavando y observando los restos de las arquitecturas de aquella época gloriosa que pretendía recuperar (inspirándose especial en el Panteón de Agripa)

 

 

Tomada de http://es.geocities.com/asevilla1/Flores_archivos/image006.jpg

 

Construyó la cúpula no como un elemento más del edificio sino como un elemento de conclusión.

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Florence_Dome.JPG

 

El interior (pensado en un principio sin las pinturas que añadió más adelante Vasari) debía de mostrar la proporcionalidad entre la diafanidad y longitudinalidad de las naves y la verticalidad también diáfana de la cúpula.

El exterior, en cambio, tenía que cerrar el edificio, para ello vemos como esos ocho nervios blancos recogen los volúmenes de los ábsides y las exedras de la cabecera de la iglesia y culmina el edificio en una airosa linterna.

Sin embargo, como he dicho antes, esto no es puro renacimiento, no es puro gótico. Su forma apuntada no es casual. Mientras esto se construía todavía se estaban haciendo grandes obras góticas y las enseñanzas artísticas, por así decirlo, oficiales enseñaban las formas, estética y técnicas góticas.

Su limpieza de formas, su equilibrio, su sentido de la óptica y de la perspectiva, todo ello nos hace ver cómo Brunelleschi fue indispensable para la formación y obras de artistas posteriores y para toda la Historia del Arte posterior.

 

Alba González

SUSANA

Quiero empezar diciendo que para mí es una osadía y una desvergüenza ocupar por no decir emborronar unas líneas junto a las de Vicente y compaña, pero por si hubiese algún interés que hay tras esta  firma, aquí va una breve nota de presentación.

Me gusta la Comunicación: charlar, oír, preguntar, escuchar, leer, escribir, ver, mirar, observar, buscar ... , y sobre todo !Aprender!, y si es de la mano de buenos Maestros mejor; esto explica qué hago aquí.

Porque, hoy por hoy no se muy bien quién y que soy, y no tengo muy claro que he sido, pero desde hace tiempo tengo clarísimo que no quiero, simplemente ser cada día más mayor; lo que deseo  día a día es ser "mejor" persona, y si no es mucho pedir, en un mundo mejor.

 

Salud y Cultura compañeros.

 

SARA

Soy estudiante de 4º de ESO en el SIES Campo Real. Participo en el blog porque mi profesor de historia (Vicente) vio unos dibujos que estaba haciendo y me pidió que si le podía dibujar uno de esos como mascota, y así fue como nació Biombito (o como queráis llamarle).

A mí me encanta el arte todas sus formas y tipos tanto la pintura como la música. Para mí eso es fantástico; pero sólo tengo 15 años y me queda mucho por aprender.

Un saludo SARA

LOS COLORES DE SEVILLA

 

El Salvador

 

 

Azulejos de la casa de Pilatos

 

 

No recuerdo la iglesia pero a que es bonita la foto?

 

El Guadalquivir desde el Puente de Triana

 

San Leandro

 

Un palacio sevillano

 

La cúpula de San Luís de los Franceses

 

 

 

Apliques cerámicos en el Parque de Maria Luisa

 

 

Iglesia de Santa Cruz

 

Fotos: Vicente Camarasa

 

LOS ORÍGENES DE LA ESCULTURA GRIEGA. EL ARTE GEOMÉTRICO QUE PICASSO NOS ENSEÑÓ A MIRAR DE NUEVO

 

 

 

 

 

Caballo-trompeta de la época geométrica griega.

 

Podríamos establecer la invasión de los pueblos del Mar (acaso los dorios, en torno al 1200) como el final de la etapa prehelénica (cicliadas, minoico y micénico) y el comienzo verdadero del mundo griego.

A partir de entonces el arte ha distinguido varias etapas. Nosotros nos ocuparemos de las dos primeras, la Edad Oscura (cuyo final será el arte del periodo geométrico) y la polis arcaica (el arte arcaico)

Durante el Periodo Oscuro se advierte un descenso brusco de todas las formas artísticas (y en general culturales) del que no se recuperará el mundo griego hasta el siglo  VIII

Comenzará entonces el llamado arte geométrico, especialmente importante en lo que se refiere a la cerámica y los pequeños bronces que se caracterizan por su esquematismo. Frente a lo armónico que caracterizará el clasicismo del V a C., estas figuraciones tienen más de arte prehistórico o arcaico.

Si os fijáis en estas fotografías (Museo Nefertiti de Berlin) representan especialmente animales por medio de la técnica de cera perdida (se hace la figura en cera, se recubre de barro y, al calentarla, la cera sale por unos agujeros dejados para este fin, quedando un molde hueco que se llena de bronce. Sólo es viable para pequeñas figuras)

 

  

Como se pueden ver los rasgos son básicos, reduciendo la realidad a puras formas lineales, al igual que ocurre en la pintura de la cerámica del mismo momento, con sus famosos desfiles mortuorios (prótesis) en donde aparecían carros tirados por caballos y mujeres llorando (plañideras) que apenas si eran unos cuantos triángulos unidos

 

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Esta forma de reducción de la realidad se encuentra muy extendida por todo el mediterráneo en el primer milenio antes de Cristo, e igualmente la podemos encontrar en el mundo etrusco como en el íbero

 

 

Exvoto íbero. Museo Arqueológico de Madrid.

 

En realidad casi todas estas figuras son exvotos. Pequeñas ofrendas que se realizarán en los santuarios (como el de Olimpia), pidiendo algún tipo de intervención divina. Por ello será habitual la presencia de animales (el caballo como signo de prestigio de la incipiente aristocracia), guerreros (que buscan así la protección divina)…

Según vaya pasando el tiempo su esquematismo se irá reduciendo, encaminándose cada vez más hacia un cierto realismo que luego pasará a las esculturas en piedra. (Si os fijáis en la figura central de la foto seguro que a muchos les recordará las figuras de los kuroi de los que pronto hablaremos)

 

  

Lo que resulta verdaderamente curioso que casi veinticinco siglos después estas fórmulas de representación tan alejadas del realismo vuelvan a resurgir. Serán las Vanguardias históricas de principio del siglo XX las que redescubrirán este y otros artes considerados primitivos (máscaras africanas, arte egipcio, arte íbero, arte infantil en el surrealismo…) buscando una nueva forma de expresión más auténtica y verdadera que la de la pintura y escultura tradicional.

Nos encontraremos esta actitud en Brancusi, Matisse, los expresionistas alemanes del Puente o en Picasso.

Será el regreso a lo sencillo, a lo esencial; un proceso de lenta y paciente eliminación de los detalles hasta quedarse con el esqueleto de la realidad, tan simple como emocionante.

 

Para comprenderlo mejor, mirad este toro de Picasso

 

 

Tomado de unacatedravideo.wordpress.com

 

 

 

Seguro que algunos dirán: qué fácil, qué tontería… Eso también lo podría hacer yo…Pues a menudo se confunde lo sencillo con lo fácil, y se le da poco valor. Muchos creen que, por tener pocos trazos visibles, este tipo de dibujos carecen de mérito cuando es todo lo contrario. Lo más fácil es poner muchos detalles, esconder el motivo en miles de trazos o pinceladas, mientras que lo complicado es despojarse de todo y tener el valor de presentar la figura desnuda de cualquier tipo de decoración.

Tomado de lexchristianorum.blogspot.com.es

 

Quizás ahora sea el momento de volver al principio del artículo y remirar con ojos nuevos las figuras y dibujos sobre cerámicas de los primeros griegos. Tal vez no se vean ya de la misma manera y se pueda apreciar toda su fuerza expresiva.

Si lo conseguís le deberéis a Picasso que os haya limpiado la mirada de tanta historia del arte y os haya devuelto la capacidad de ver lo extraordinariamente hermoso que es la sencillez.

 

Vicente Camarasa