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sdelbiombo. Una mirada artística al mundo

Desde los 80 a hoy. Postmodernidad

Peter Fischli y David Weiss. El curso de las cosas

Peter Fischli y David Weiss formaron un extraordinario equipo artístico cuya obra se ha movido entre el video-arte y el mundo neodada (aunque con un fuerte contenido político y social que les podría aproximar al arte político de Krugger, Guerrilla Girl, Trokell, Hacke...), jugando con la baza de la ironía (cuando no la pura parodia) para desvelar oscuros instrumentos de dominación social.

Una de sus obras más reconocidas es esta famosa película (casi 30 minutos) de 1987.

Hoy en día, tras los efectos mariposa del Hormiguero y los virales de internet, acaso nos puede parecer demasiado visto, pero en su estreno fue un verdadero aldabonazo.

En realidad se trata de una combinación de reacciones físicas y mecánicas que, si nos dejamos llevar por las imágenes, nos fascinará por su suspense, por sus constantes sorpresas y movimientos.

En realidad, el origen de esta idea la podríamos rastrear en las máquinas de Tinguely, unas verdaderas máquinas inútiles que ya vimos aquí que, en su momento más extremo, pueden legar a autodestruirse. Como ellas son una verdadera parodia del mundo industrial y la ciencia, utilizados con el sentido contrario al que les he propio, la productividad.


Frente a ello, y como buenos neodadas, apuestan por los más complejos cálculos y efectos para el simple entretenimiento, con una estética en las antípodas del glamour y la belleza (¿o acaso esa es la belleza de nuestros tiempos, tan puramente líquida antes incluso de que la bautizara Bauman?).

Y ya puestos en la metáfora, ¿podríamos ver en esta película algo de nuestra propia vida, de nuestra sociedad "perfectamente sincronizada"?

Bajo las apariencias de banalidad, la obra de Peter Fischli y David Weiss nos ofrece un panorama en el fondo apocalíptico en donde la grasa del suelo o un neumático destrozado conviven con la más estricta sincronía

CILDO MEIRELES. ARTE CONCEPTUAL

LO TENÉIS ALOJADO EN SEÑOR DEL BIOMBO

GUERRILLA GIRLS. FEMINISMO Y DENUNCIA

Tomado de depasoarte.blogspot.com.

Sólo el 5% de los artistas representados en el museo son mujeres. El 85% de los desnudos son femeninos.

Acaso sea ésta una de las obras emblemáticas de este colectivo que inició su andadura en 1984 y en la actualidad ya se considera extinguido aunque existen numerosos autores que siguen su línea de trabajo

Enmarcado en la doble línea de arte de denuncia y feminista, sus obras renuncian a lo estético para buscar la denuncia del machismo imperante en el mundo del arte.

Su obra, como ya planteara Aurora Fernández de Polanco, es un perfecto ejemplo de arte impuro en el que se unen las referencias a la Historia del Arte (el cuerpo de la Venus o el fotomontaje de raíz dadaísta) con el uso de la palabra como portador de mensaje (y unido a ésta, la estadística como una forma de denuncia)

Era habitual (y de nuevo desde una raíz dadaísta) su presentación física con esas máscaras de gorila que fueron el símbolo de su identidasd, creando apariciones públicas en debates de arte que más tarde se convertían en carteles


Tomado de conchamayordomo

Un arte activista y comprometido que se aleja del "vaginismo" típico de feminismo para centrarse en cuestiones sociales, acercándose a los modos de contrapublicidad que tendrían su parangón con Holtzer o Bárbara Kruger, de la que ya hablamos en este blog

Para saber más

Vicente Camarasa

Paul Kuczynski . Arte para pensar... e indignarse

Paul Kuczynski , nacido en 1976 en Szczecin, se graduó de la Academia de Bellas Artes en Poznan.  Desde hace más de ocho años es uno de los ilustradores más galardonados del mundo. No podría ser menos, sus imágenes son verdaderas bombas de relojería que dejan nuestro mundo descubierto de hipocresía.

Nada queda fuera de su visión crítica, tan dulce en el estilo como corrosiva en el mensaje: las diferencias norte-sur, la ecología, la guerra, la pobreza y la riqueza como dos caras de la misma moneda, la cultura, la política, nuestras miserias cotidianas, la educación...

Son imágenes para pensar y recordar que bien valdría ponerlas delante de los grandes discursos que oímos una y otra vez. Nos vacunaríamos ante tanto eufemismo e hipocresía


Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Tomado de esquizonauta.wordpress.com

Aquí os dejo una selección de obras tomada de Cuánta razón

Vicente Camarasa

CHILLIDA. EL PROYECTO DE TINDAYA

Tomado de http://paulinorivero.com/2011/01/19/tindaya-fundamental-fuerteventura/

Fue su última gran obra... que jamás llegó a concretarse. Excavar un antiguo volcán para que el hombre pudiera ver el mar y el horizonte, el sol, la luna y las estrellas. Una verdaera utopía y todo un testamento artístico.

Tomado de http://www.artifexbalear.org/tindaya.htm

En esencia se trataba de crear el negativo de la montaña en su interior, con conceptos cercanos a sus obras en alabastro en donde el vacío y la luz generarían la escultura. El último eslabón de su interés por el vacío que ya analizamos.

El proyecto fue de larga gestación, y el escultor viajó a numerosos lugares buscando su montaña. Al fin creyó encontrarla en Fuerteventura.

En la misma montaña ya existía una cantera de piedra, lo que permitiría reducir costes y recuperar un lugar degradado y en franco abandono

En su proyecto existiría una zona central sin ángulos rectos a la que se accedería por una amplia embocadura en pendiente. Sobre la cámara central se abrirían dos huecos que dejaran pasar la luz del sol y la luna.

Como puede advertirse, ya no sólo se trataría de vacío sino de un vacío de encuentro. Un lugar en donde el hombre pudiera reencontrarse a sí mismo a través de lo esencial: las entrañas de la tierra, la luna, el sol y el horizonte. Toda una colección de referencias entre el misticismo, el tao y el romanticismo tan típico de su obra pero llevado a dimensiones colosales.

La mentablemente, el proyecto nunca llegó a realizarse. Presiones medioambientalistas (a mi juicio mal entendidas) terminaron por embrollar lo que habrís sido su testamento y todo un polo de crecimiento (económico pero también espiritual) para la isla

Para saber más

http://www.majorero.com/plataforma/entrar.html

TODOS NUESTROS POST SOBRE CHILLIDA

MARK LANGE. JUEGOS POSMODERNOS

Tal y como aseguraba Venturi en su análisis sobre las Vegas, una de las actitudes más comunes de la posmodernidad es la visión irónica y a menudo lúdica del pasado.

Bajo este prisma Lang es plenamente posmoderno, pues gran parte de su obra busca el juego con el pasado, cambiando los referentes de los cuadros clásicos hasta subvertir su significado.

Hay además, otra característica posmoderna: la autorreferencialidad. El cuadro dentro del cuadro al que tantas páginas dedicara Foucault es un componente continuo de sus obras, como si se convirtieran en un juego infinito de espejos.

Y es que su pintura, en primera visión tan fácil, a veces esconde una narración compleja en su interior. Como este matrimonio Arnolfini o lo que sucede después del retrato

En ellas los modelos o figuras clásicas han sido sustituidos por personajes cotidianos que ¿juegan? A interpretar, como ocurre con Shermann, ¿o es que en su vida cotidiana terminan por parecerse a cuadros clásicos?

 Me gusta especialmente cuando pintor y pintura intercambian sus papeles en una obra un tanto paranoica, como lo es nuestra sociedad del espectáculo en donde somos actores y espectadores al mismo tiempo y las categorías (aunque no las económicas) se entremezclan cada vez más

¿Por qué no jugar con él?

 Mark Lang nació en Canadá, en 1966

Imágenes: Mark Lang

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 Vicente Camarasa

Michael Reedy

Entre el desnudo clásico y el ciborg la obra de Michael Reedy es fascinante. Yo la descubrí gracias a un blog amigo del que tomo las fotos no referenciadas.

Su obra maneja múltiples registros y es rica en matices.

Por un lado nos encontramos con algunas formas de desnudo tradicionales. Desnudos que juegan con una contradicción: la cotidianeidad de sus poses (de fuerte sensualidad, casi amateur) que, sin embargo, tiene algo de heroico o sagrado, con los nimbos que (como si fueran una simple decoración) alejan a las figuras de los mortales y les confieren un cierto aire simbolista (paricularmente muchas de sus imágenes me traen a la memoria a Klimt y sus iconos laicos)

Esta sensación se agudiza aún más en algunas de sus obras en donde casi estaríamos tentados de hablar de vanitas, de reflexiones sobre la fugacidad de la vida y la belleza, como una flor delicada, a punto siempre de marchitarse.

http://roncandoenelnostromo.wordpress.com/2011/02/21/michael-reedy/

Pero aún podemos encontrar mucho más en su obra.

Recuperando las láminas médicas que nos muestran nervios, tendones, huesos o venas, el pintor a menudo nos abre el cuerpo de sus modelos para contarnos lo que hay debajo de la piel.

Es entonces cuando comprendemos la máquina que hay detrás de nosotros. Lo ciborg que somos. Pura anatomía descriptiva que lucha contra la individualidad, los sentimientos, la sexualidad como inbención racional. Física Vs espiritualidad

Ante sus obras parecemos condenados a ser simples recipientes de impulsos eléctricos, hormonas y reacciones químicas.

http://roncandoenelnostromo.wordpress.com/2011/02/21/michael-reedy/

Y todavía un tercer nivel más que en un principio pasa desapercibido y con el tiempo termina por convertirse en obsesionante. Me refiero a los fondos de sus pinturas, aquellos en donde aparecían nimbos, pero también ojos alados que observan, hombres que luchan, olas...

Con poco que nos fijemos en ellos encontraremos numerosas referencias a la pintura (desde Miguel Ángel a Redón, la pintura japonesa, Dalí, Durero, el op art, el cómic, los cuentos infantiles...) en todo un juego de deslizamientos típicamente posmoderno en donde los homenajes se camuflan en lo decorativo, convirtiéndose en algo similar a las imágenes dobles de los surrealistas.

http://www.escapeintolife.com/artist-watch/michael-reedy/

Simplemente fijaros en esta última pintura. Si le dedicáis el tiempo sufiente, tras el desnudo inicial encontraréis pequeños putti que descorren las cortinas como un nuevo Entierro del Conde Orgaz.

Angelotes en medio de armas de fuego y dianas que convierten la apertura de gloria en algo decididamente más moderno y agresivo.

Con dos perros que ¿protegen, amenazan? a la mujer cuto pecho está abierto para mostrarnos su tráquea y ¿encontrarnos con un crucificado? De ser así se convertiría en la Virgen amenazada por la violencia

http://www.escapeintolife.com/artist-watch/michael-reedy/

 

 Vicente Camarasa

¿QUÉ ES LA POSMODERNIDAD? Tercera parte: ¿qué es la realidad? El pensamiento femenino

Tomado de h2oz33.wordpress.com/.../bill-viola-surrender/

 

Si todo lo que existe ya no puede explicarse en un discurso articulado, si la realidad es un conjunto de millones de fragmentos, una multitud de piezas de un puzzle que sabemos imposible de montar, ¿en dónde estamos? ¿qué es la realidad? ¿cómo podemos mirarla?

En femenino, nos dirán algunos, entendiendo con esto una forma de comprender por medio de la intuición, creando grandes sistemas de ideas unidas por conexiones de relaciones (la modernidad, siguiendo esta teoría sería masculina, lógica, fuertemente estructurada y jerarquizada de causa efecto).

Nuestro pensamiento se vuelve así flexible, más atento a las sutiles influencias que a las pesadas interdependencias. Será una mirada de soslayo (frente a la mirada agresiva de la modernidad, como diría Lacan), un vistazo más empático que racional, lleno de sugerencias pero sin asegurar certezas, en el que importa tanto la figura como o el fondo (o mejor dicho, la relación entre ellos), la sinestesia o relación entre los sentidos, la participación activa de las emociones como hemos podido ver en la obra de Juan Muñoz. Si os gusta el cine, Blade Runner ejemplifica todo esto.

 

 

 

Tomado de saulon.wordpress.com/2007/12/

 

Fruto de todo ello será la metáfora como forma de conocimiento. En realidad este sistema ya lo llevamos utilizando desde el comienzo de esta serie de artículos. Frente al pensamiento lineal, cartesiano, de proposiciones que van organizando un sistema de verdades, cada vez más intentamos explicar (explicarnos) por medio de fogonazos instantáneos que alumbrar por un instante para luego perderse. Algo semejante al satori oriental, al conocimiento budista, que comprende sin saber, sin palabras exactas (en ese sentido toda la filosofía oriental es más femenina que masculina, basada en la intuición, el absoluto, la verdad sin comprobaciones empíricas sino emocionales), como es habitual en Anish Kapoor

 

 

Por eso el arte propone más que explica, da pistas, es el famoso dedo que señala la luna. El artista se ha convertido, más que en un creador de certezas, en un excavador, un zahorí que señala la presencia de agua. Sus obras no están autoconcluidas, sino que son obras abiertas (como ya las definiera Eco), máquinas de significación que el espectador puede utilizar para iniciar su búsqueda (así deberíamos utilizar los cuentos de Borges y, aún más, de Cortázar) dentro de un nuevo sistema de conocimiento (el rizoma de Deleuze) en donde lo multicasual e híbrido sustituye a los conocimientos jerarquizados de causa y efecto.

 

Mucho de todo esto tiene este video de Bill Viola, en donde se fragmenta el discurso lógico, se subvierte las categorías y la realidad y su reflejo se separan, unen, rompen sus vínculos y jerarquías para dejarnos ensoñar libremente. ¿Alguien sería capaz de explicarlo de forma narrativa lógica o nos quedaremos con instantes, con sensaciones? Probadlo a hacer y comprenderéis mucho de lo dicho

 

http://www.youtube.com/watch?v=D_urrt8X0l8

 

Como ya hiciera Marcell Duchamp con sus ready made, estas obras plantean más interrogantes que respuestas e inician el proceso de conocimiento pero no lo culminan. Son el inicio de las cadenas de preguntas que haría famoso a Derrida (en una conferencia sobre Van Gogh, en vez de realizar una exposición típica, se limitó a formular toda una retahíla de preguntas en torno a su obra, sin explicar otra cosa que sus dudas)

 

Vicente Camarasa