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sdelbiombo. Una mirada artística al mundo

Después del 1945

POLLOCK PINTANDO

 

 

Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y literalmente "estar" en la pintura.

Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida con arena, vidiros rotos o cualquier otro material añadido.

Cuando estoy "dentro" de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de un periodo de "aclimatación" me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la pintura resulta bien.

TOMADO DE Pollock (1956)

Tomado de contemporarycritique.wordpress.com

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Un Análisis de Pollock lo tenéis aquí

 

Aquí tenéis una aplicación informática que os permitirá acercaros al modo de pintar de Pollock

MANOLO MILLARES. LA ESENCIA DEL PASO

Tomado de http://espadasylabios.blogspot.com/2010/03/virutas-de-modernidad-iiimanolo.html

 Nada de explicaciones o entendimientos; el arte no puede ser el cómodo asiento de lo inteligible sino el camastro pavoroso de los pinchos donde nos acostamos todos para echarle un saludo temporal a la aguardadora muerte

(Millares, 1959, en Papeles de Son Armadans)

 

Junto a Tápies, Manolo Millares tiene un puesto de primer orden en el arte de mediados del siglo XX en España, acaso algo menguado debido a su temprana muerte, pero decisivo, siendo uno de los creadores de El Paso junto a Saura

 Oriundo de Canarias sus primeras influencias le vinculan decisivamente con el mundo del surrealismo (Óscar Domínguez) y de la cultura aborigen (pictografías del Barranco de Lobos). De ellas nacerán sus primeros cuadros cercanos a formas prehistóricas sobre un fondo activo que recuerda a las obras, también primerizas, de Tàpies (en ambas planean las sombras alargadas de Klee y Miró)

 

 Sin embargo, la historia del arte recordará a Millares por sus fantásticas arpilleras, material innoble (muy típico del expresionismo y el arte póvera que lo busca precisamente tanto por sus valores expresivos como éticos, al ser un residuo, cercano al mundo del trabajo manual y en las antípodas de las bellas artes) que ya había comenzado a utilizar el italiano Burri.

 En sus manos, estas arpilleras (acaso referencia también a las momias guanches) se desgarran y se recosen, dejando ver el bastidor y la pared, pues el cuadro ha dejado de ser ventana para ser objeto o, aún más, puro rastro físico de la violencia ejercida. En esto se ha convertido el acto pictórico tras la lección transcendental de Pollock. Muy cercano a las performances, nos encontramos con huellas, con el paisaje tras la batalla, en estas arpilleras desgarradas, embadurnadas de rojos y betunes.

 

Pero su abstracción no nos debería despistar, pues en el fondo son grandes gritos contra el mundo. Franco está reformando su régimen dictatorial para darle una cara amable pero la España de los 60 sigue siendo negra y dura, una sociedad desgarrada como las arpilleras, pobre como ellas, violentada por la censura de sus grandes zonas negras… (Para que no lo olvidemos el propio Millares realizará numerosos dibujos y grabados mucho más realistas que nos dejan claro sus intenciones éticas, como la serie “los Curas”)

 El arte cumple una función social porque sabe señalar las pústulas (…) Sigue muy de cerca de la desesperación de nuestro tiempo, lo vigila y le cose sus heridas; lo registra en el grito del más profundo agujero y le asesina su lepra” (Millares, 1959, en Papeles de Son Armadans)

 

Esta idea seguirá vigente en toda su obra, aunque el autor evolucionará en lo plástico, pasando de los puros formatos bidimensionales a otros que están a mitad de camino de la escultura gracias a las arpilleras recosidas en forma de bolsas, la aparición de objetos de desechos … (sus Homúnculos o sus  Humbolt en la Amazonia) o las puras esculturas de material de desecho (Esculturas por la paz, sarcófagos…)

 Y aún todavía tuvo tiempo (ya en los 70) de dar un giro de tuerca a su estilo y crear un mundo mucho más feliz y añorante de sus Canarias natal en sus antropofaunas o en sus neardentalienses en donde reaparece el texto (ilegible) y el blanco se purifica hasta estallar en las arpilleras junto a los rojos y los anaranjados

 

Para saber más

http://www.artelandia.com/es/artista/manolo-millares

 

Dedicado a otro Manolo, que me enseñó a mirar el arte contemporáneo y a apasionarme por él

In memoriam

Vicente Camarasa

MANZONI. MIERDA DE ARTISTA (y otras obras intercaladas)

 

 En el largo catálogo de mis artistas favoritos está Velázquez pero también Duchamp, Picasso y Miguel Ángel, el románico o Manet. Lo digo, no como excusa, sino como pequeña explicación. El arte es demasiado importante para rechazar toda una parte de él, como he visto que ocurre, sobre todo con el contemporáneo, más si es tan radical como el de Manzoni.

Su trabajo se hizo famoso con estas 90 obras numeradas y perfectamente selladas que rezan MIERDA DE ARTISTA (1961). En la etiqueta vemos incluso el peso neto (30 gramos). Cada lata se vendió por 75.000 dólares.

 

Tomado de  http://www.pieromanzoni.org/SP/index_sp.htm

Alguien en este momento dejará de leer y borrará el blog de sus enlaces favoritos. Por lo menos es lo que siempre me ha pasado cuando he declarado mi debilidad por esta obra del italiano de vida y obra corta, pero sumamente intensa. Y es que al igual que Duchamp (su maestro en la distancia) como Klein o Arman, Manzoni no renuncia a nada y persigue hacer un arte intenso e intencionadamente polémico, que pone el dedo en la llaga… para que nosotros saltemos.

Porque (y lo siento por los bienpensantes) Mierda de artista es una obra de arte de rara genialidad.

Primero por la persistencia que tiene su propia factura, que aún hoy sigue escandalizando al público. Pocas veces se consiguieron tantas y tan largas críticas (y por ende, atención) con tan escasos medios. Lo menos es más, ciertamente.

Pues Mierda… es una lata pop como la de Warhol sin los escondites de Warholl. Ni es propaganda ni simulacro sino un puro objeto, como ya estudiamos en una ocasión anterior.

Un objeto perfectamente etiquetado, pesado y firmado como los de los supermercados. Una explicación de sí mismo puesta ante nuestros ojos atónitos que (como su padre Duchamp) no nos deja resquicio alguno. ¿Esto es arte? Se decían los miembros del jurado de Armony Show ante el urinario de Duchamp. ¿Esto puede ser arte o una pura tomadura de pelo?, siguen diciendo ante  Mierda…, pues lo escatológico rompe con lo bello, palabra que a menudo se confunde con la de arte.

Y de nuevo la tautología: arte que se pregunta (nos pregunta) sobre lo que creemos que es arte.

 

Tomado de  http://www.pieromanzoni.org/SP/index_sp.htm

(Ésta era su Base mágica, un pedestal que convertía en obra de arte a cualquier que se subiera en ella, siendo firmada por el autor; de nuevo una forma de pregunta sobre lo que es arte tan típica de los años 60 que la posmodernidad, quizás de una forma más descafeinada, ha heredado)

 

Pero Mierda…, además, es el adelanto de lo corporal que invadirá nuestra posmodernidad. Desde el body art, el accionismo viené, el arte Povera o los Realistas Franceses a Sherman, los hermanos Chapman, Hirst, Serrano o Cattelan… que tanto han explorado lo escatológico están en deuda con Manzoni, uno de los primeros que se atrevió a hablar de fluidos y el cuerpo (los que expulsan sus pulmones en Corpo de Aria, las firmas sobre los cuerpos desnudos de sus modelos, la mierda del propio artista…) explorando las ideas del surrealismo más oscuro de Bataille, de la supuesta coprofagia de Dalí en su Juego Lúgubre, de las figuras ante un montón de excrementos del Miró en sus Pinturas Salvajes o de las imágenes del Perro Andaluz de Buñuel

 

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/obras/9543.htm

(Fijaros en los calzoncillos del hombre de la derecha)

 

(Aliento de Artista, otra obra de Manzoni que habla de la corporalidad, de los fluidos pero también de la sociedad de consumo y sus nuevas reliquias)

 

Un recurso a lo corporal pero (he aquí una de sus tantas exquisiteces) a través de lo mental, pues la mierda nunca la veremos, sino que la imaginaremos e, incluso, tal vez, ni siquiera exista la mierda y todo sea una broma que juega con nuestros propios prejuicios para desvelarnos sin remedio.

El arte, entonces, como un arma contra la hipocresía

O tal vez no, simplemente, y todo sea un juego asombroso entre la realidad y nuestras interpretaciones de la misma, una ampliación del Campo de Batalla que nos permite mirar más lejos pero también más dentro y hablar de lo no conveniente. Un juego sobre nuestras expectativas como ya hiciera Duchamp y que también intentamos explorar en este blog

 

(A principios de los 60 Manzoni realizó numerosas líneas que eran encerradas en estos cartuchos y a su vez enterradas, hasta llegar a la línea infinita, en realidad un cartucho vacío, en donde todo era ya puro concepto. El arte es una cosa mental, como dijera Leonardo)

 

Y si todo lo dicho fuera poco, ¿acaso Mierda no es también toda una reflexión sobre el papel del artista? El último, el más sarcástico comentario sobre la divinidad del artista que se iniciara en Miguel Ángel y que llegaría a establecerse como verdadero mito desde el Romanticismo (del que tanto vivimos aún) ¿Hasta la mierda es objeto de veneración si es de un artista?, ¿su autógrafo más personal? Ese fetichismo que invade nuestra vida, el símbolo perfecto de la sociedad de consumo que tan criticada es desde el Mayo del 68 (la obra es del 61) que buscan la playa bajo los adoquines pero, también, ridiculizan a lo que odian, ¿o tal vez sólo se ríen? ¿o sólo hacen que se ríen para encumbrarse?

 

(Una de las acciones más famosas de Manzoni - Consumición del arte dínamica - fue la de imprimir su huella dactilar en huevos cocidos que se comían los participantes: corporalidad, ego convertido en reliquia comercializable, participación del espectador y/u origen (futuro) de nuevas mierdas)

 

Y así cerramos (por el momento) el círculo. Los que compraron las latas, ¿qué buscaban? Los que la ven, ¿qué miran en ella? El que la hizo, ¿por qué la hizo? ¿qué buscaba con ella? ¿qué tenemos que pensar sobre todo esto?

¿No os parecen suficientes preguntas para una sola lata de mierda?

 

Para saber más

http://www.pieromanzoni.org/SP/index_sp.htm

 

 Vicente Camarasa

BEUYS. CAMPAÑA POR LA DEMOCRACIA DIRECTA

Ya hemos hablado de Beuys en este blog (acerca de una liebre y unos cuadros). Y es que se trata de uno de los artistas claves para comprender la segunda mitad del siglo XX. Una pieza fundamental en la cadena que se inicia con Duchamp (y en general Dada) para llegar al arte más comprometido actual.

Su obra, valga decirlo, es en realidad una colección de residuos. O dicho de forma más elegante (aunque no creo que le gustaría al autor): de recuerdos.

Pues Beuys no trabajó a la manera tradicional de cuadro y pincel, siendo la mayoría de sus obras instalaciones y performances, una especie de obra teatral ante el público que se puso de moda a partir de los años 60.

Tomado de http://philosophyfaculty.blogspot.com/2008_06_01_archive.html

 Una de sus performances más conocidas es la que en 1972 abrió en la Documenta V de Kassel la Oficina Política Permanente de la Organización para la Democracia Directa a través del Plebiscito’’ 

Tomado de http://ineselo69.blogspot.com/2008/05/joseph-beuys.html

Estas eran las palabras que explican su idea

Si uno está dispuesto a ampliar el concepto de arte de modo que incluya también el concepto de ciencia, es decir, toda la creatividad humana, entonces se llega a la conclusión de que las cosas sólo pueden cambiarse a través de la voluntad humana. Si las personas llegan a conocer su capacidad de autodeterminación, algún día se establecerá la democracia a partir de esta voluntad. Practicando la autodeterminación se desmantelarán todas las instituciones antidemocráticas que tengan un efecto dictatorial. ¡Soberanía popular!

Y es que lo más peligroso para el sistema es justamente la toma de conciencia. Lo único que supone un peligro para él es la transformación de la conciencia, y esta transformación sólo se produce en una escuela libremente autogestionada, no en una escuela determinada en sus programas de enseñanza por los mecanismos de control del estado

(Una reflexión que, precisamente ahora, en los tiempos confusos que vivimos y con una política llena de fraude, corrupción, manipulación y obediencia ciega a los mercados, es sumamente oportuna)

A través de discursos, de pizarras llenas de esquemas, conversaciones y coloquios, Beuys trabajó en una forma nueva de arte impuro (Aurora Fernández de Polanco) que uniera arte y vida. Una verdadera experiencia colectiva en donde el espectador tiene tanta importancia como el artista (de ahí su frase famosa ”todo hombre es artista”) siendo la verdadera obra de arte la comunicación entre ambos, las ideas generadas.

 

Tomado de http://revista.escaner.cl/node/473

 

Y es que Beuys creía en lo que el llamaba un arte expandido. Un arte que no se limite a lo estético y se mezcle con la política, con la ecología, con nuestra forma de mirar el mundo… No creía en el arte neutral, sino que lo entendía como una forma de lucha contra las desigualdades.

No deberíamos olvidar este legado.

(Si queréis seguir viendo este tipo de arte comprometido podéis encontrarlo en Kruger, Sierra, Jaar, Mona Hautom,  Muntadas)

 

Para saber más

http://arbor.revistas.csic.es/index.php/arbor/article/view/29/29

http://www.margencero.com/articulos/new/joseph_beuys.html

 

Vicente Camarasa

ARTE Y RECICLAJE.

La venus de los trapos. Pistoletto

Tomado de http://www.lasescapadas.com/2009/04/15/arte-povera-en-la-tate-modern-londinense

La basura nos invade; eso es incuestionable. Por lo general solemos esconderla en vertederos y puntos limpios, cuando no la quemamos; en el mejor de los casos reciclamos una pequeña parte de ella.

Sin embargo, ¿por qué no utilizarla como arte? Arte que reutilice (la famosa regla de las tres R: reducir, reutilizar y reciclar) y, a la vez, sirva como pequeño lugar de reflexión que nos empiece a concienciar sobre los residuos de nuestra sociedad hiperconsumista.

Algunos miembros de Dadá, como Schwitter, la utilizaron para sus merz, más como una forma de crítica a la sociedad burguesa y sus valores que con un verdadero interés medio ambiental.

 

 

Deberemos esperar a la década de los 60 (tan prodigiosa en el arte moderno) para que comience a entrar de forma definitiva en el arte.

Especialmente será el Arte Póvera italiano el que cada vez se interese más por objetos tradicionalmente no artísticos. Sus cuadros se llenarán de lechugas, de caballos o loros vivos, de residuos industriales, de trapos…

 

Anselmo

Tomado de http://obelogue.blogspot.com/2008/10/o-carteiro-que-fazer-com-esta-obra-no.html

 

Kounelius

 

El Tápies más povera

 

En el arte actual podemos encontrar numerosas reutilizaciones de los residuos con ese doble aspecto formal y didáctico. Os enseño algunos ejemplos

Cristina Garzón Martínez, Ana Delgado Lara y Leonardo Tapiz Bizarra utilizaron cajas para crear casi un efecto zoco. Granada, 2006

 

Millegomme, es un colectivo que trabaja en exclusiva reciclando neumáticos viejos, para convertirlos en piezas para jugar y permanecer en el espacio público.

 

 

Incluso los libros pueden hacer germinar (además de ideas) también planteas, como en estas obras de Koshi Kawachi el que

 

 

Imágenes tomadas de http://floresenelatico.es

 

Y para terminar una obra de Perianes, maravillosa.

 

 

Vicente Camarasa

LA NUEVA VIDA DE LOS OBJETOS. DE DUCHAMP A LA POSMODERNIDAD PASANDO POR LOS NUEVOS REALISMOS DE ARMAN, CÉSAR Y KRAPOW

 Que la posmodernidad se inició en los ochenta es, una vez más, una pura denominación, pues en el fondo, y como cada vez estoy más convencido, la inventó decenas de veces y muchos años antes Marcell Duchamp. De hecho, la imagen que abre este artículo se realizó en 1914. Un simple portabotellas que Duchamp, por el simple hecho de elegirlo entre las miles de posibilidades, lo elevó a la categoría de arte.

Desde entonces dadaístas, surrealistas o Picasso los utilizaron (los objetos), pero ciertamente será desde mediados del siglo XX cuando su posición se volvió dominante. Evidentemente el hecho está conectado con la tercera globalización que entonces empieza y en la que nosotros seguimos viviendo. Un momento de reconstrucción tras la II Guerra Mundial con la instauración definitiva de la sociedad de consumo que ya lo es todo. Vivir para consumir; esta será la regla que nosotros mantenemos pese a todas las crisis que nos intentan enseñar lo falso de este axioma.

En los mismos años 50, Debord nos calificaba como una sociedad del espectáculo, un espectáculo en donde la compra se ha convertido en la forma de ocio predominante. En esta obra el objeto se convierte en el protagonista imprescindible. Mirad si no a vuestro alrededor para ver la multitud de objetos que rodean nuestra vida más cotidiana. Decenas, cientos, millones de objetos nos rodean o, tal vez, nos oprimen con su presencia.

Gracias a su éxito la industria prosperó, prosperaron las sociedades y nos enriquecimos. Nuestra vida se volvió más cómoda pero, ¿a costa de qué? Nos enriquecimos a fuerza de esquilmar los recursos naturales, de incrementar de forma exponencial las basuras, de privar a ¾ partes de la Humanidad de lo más básico. Ésa ha sido nuestra conquista.

 

Arman. Acumulación

 

Esto ya comenzaba a ser evidente en los 50 (en la actualidad es abrumador) y una serie de artistas comenzaron a retomar el objeto ya no de forma estética sino, tal vez, ética. ¿Cómo si no explicar estas acumulaciones de objetos iguales que llevaron a la fama a Arman? Bombillas o chapas, apiladas, repetidas, puestas en una vitrina como la mejor forma de explicar en qué consiste nuestro mundo.

Arman

 Pero aún más, el propio Arman quiso ir más lejos y creó sus famosos Poubelles o Cubos de basura, recipientes en donde acumulaba la basura doméstica de la burguesía. Casi un estudio sociológico de nuestro modo de vida o, tal vez, una denuncia de nuestro consumismo, de nuestra capacidad de generación de residuos.

 

Arman. Poubelle

 

 

En una línea semejante Krapow realizó una serie de trabajos como esta instalación (reconstruida para la exposición actual) en donde es el neumático el símbolo de nuestra civilización, su apilamiento por los pasillos de lo que en un tiempo fue hospital. Una obra sin otro argumento que su dura contundencia, un tanto amenazante: los residuos nos invaden y trepan apilados unos sobre otros.

 

 

 

 

Temáticamente muy cercana se encuentra la obra de César, sus comprimidos de lo que en un momento fueron coches, ahora convertido en basura museable de vivos colores. ¿Qué más se puede decir ante sus obras? Acaso simplemente sea necesario reflexionar un poco y replantearnos nuestra forma de vida

Vicente Camarasa

A VUELTAS CON EL TIEMPO. MUELLE EN ESPIRAL DE SMITHSON

  

Tomado de prisonphotography.wordpress.com/.../

 

En el centro del Gran lago Salado, en Utah, una gran espiral de tierra emerge periódicamente de sus aguas. Es la obra de un artista visionario, Robert Smithson , el principal representante de la corriente artística llamada land art. A grandes rasgos, podemos decir que el land art abarca aquellas obras que trascienden el marco del lienzo, o  la escultura, que se exponen en un espacio reducido, como un museo, o una galería, para realizarse en el medio natural, con materiales propios del paisaje, y que  está sujeta a cambios en el devenir espacio-tiempo.

Esta corriente surge en Estados Unidos a finales de los años 60 en un marco de referencias culturales concretas: Por un lado, la crítica al progreso destructor de la naturaleza, y la necesidad de volver a las raíces naturales, por otro, la llegada del hombre a la luna y el cambio de punto de vista : la mirada humana puede contemplar por fin desde el exterior el propio planeta, lo que contribuye a una sensación nueva, de intrascendencia en la magnitud del universo, y de formar parte de un orden cósmico superior. Superadas las tradicionales formas de espiritualidad, el hombre se vincula con sus orígenes, con la tierra,  de ahí que, frente al tiempo lineal, aquel que siempre se considera avanzando hacia un progreso, recupere otras formas de estructuración del espacio-tiempo, esto es, el tiempo cíclico.

 

 

Tomado de merodeoseinquisiciones.blogspot.com/2008/11/s...

 

Un devenir de solsticios y equinoccios, estaciones, días y noches  marcaban con su eterna repetición el mundo de nuestros antepasados prehistóricos. Por ejemplo, si contemplamos el monumento megalítico de Stonehenge,  su estructura circular, y la trascendencia de la posición de sus piedras en los solsticios no dejan duda sobre su importancia para la comunidad que los construyó y utilizó.

 

Stonehenge

 

 

Stonehenge

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Stonehenge

 

Esa misma preocupación astronómica lo heredaron estos artistas, como se puede ver en los tubos solares de Nancy Holt. Son cuatro tubos de hormigón colocados en sentido Este-oeste y Norte Sur. Por tanto según la posición del espectador puede contemplar la salida y puesta de sol, centrada en su punto más importante, simplemente cambiándose de posición, eligiendo un tubo u otro. Allí la magnitud del paisaje queda constreñida por una geometría que obliga al espectador a manejar con parámetros artificiales los fenómenos naturales.

 

Tubos solares. Nancy Holt

Tomado de rudegarden.blogspot.com/2007/12/sun-tunnel-na...

 

Sin duda los artistas del  land art transmitieron en sus obras sus preocupaciones particulares. En el “Muelle en Espiral”, que comentábamos al principio, el artista interviene en la naturaleza,  a través de un proceso que documenta con una película según lo va construyendo. La espiral es una metáfora del laberinto, que lleva a recorrer las vueltas de un camino que va enroscándose sobre sí mismo. Es la imagen perfecta del tiempo circular, el eterno retorno. Pero al mismo tiempo es una obra viva, sujeta al tiempo. Al poco de construirse, se hundió en el lago, lo que no importó a su creador, que consideró que así formaba parte de la evolución natural del espacio que ocupaba.   El “muelle en espiral “ cumple una función telúrica, de fusión con los procesos de la tierra, pero su sentido conceptual se articula en tres discursos principales, todos ellos relacionados con la espiral.

 

 

Tomado de commons.wikimedia.org/wiki/File:Spiral-jetty-...

 

Por una parte, la espiral cósmica, que entronca con la forma de la galaxia, un espacio no lineal cuyas puertas abrió la teoría de la relatividad de Eisntein.

En segundo lugar, la espiral petrificada que vuelve realidad la leyenda. Según se dice, el Gran Lago guarda en su interior una salida al océano , lo que remite cierto parecido con un agujero negro espacial, o con un famoso cuento de Edgar Allan Poe , el Maellstrom, en el que un remolino marino engulle a los barcos que se aventuran cerca de sus aguas.

 

 

Tomado de www.vueltaalmundo.com/

 

 Finalmente, a nivel microscópico, las espirales están presentes en el material de construcción, ya que las sales adheridas a la tierra cristalizan según esta forma. La espiral de Smithson  destila un deseo de transcendencia que vincula al hombre a la tierra en un momento concreto , pero sujeto a un tiempo superior, el tiempo geológico, en el cual nuestra existencia es una mínima parte.  La intervención del artista en el medio se convierte en una forma de transcender la existencia humana y al mismo tiempo fundirse con el espacio natural.

 

Ana Molinero

EL ART BRUT DE DUBUFFET

 

 

Tomada de http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/12340.htm

 

 

 Este original pintor y escultor nacido en Le Havre en 1901, considerado UNO DE LOS MÁS INNOVADORES DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX y cuya forma de arte supone una gran revolución en aquella época.

Al igual que Dalí, DUBUFFET ya mostraba desde muy pequeño sus grandes dotes para la pintura (con tan sólo 8 años ya contaba con algunos cuadros pintados) y fue con 15 cuando ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre para más tarde continuar en la Académie Julian.

Es un hombre gran conocedor de mundo al que una trayectoria irregular acompañará durante toda su vida. Realiza varios trabajos (vendedor de vinos entre otros) pero decide dedicarse fundamentalmente a la pintura a partir de los años 40. Sin embargo, rebelde por naturaleza, pronto comienza a dudar del VALOR DEL ARTE TRADICIONAL, decantándose más por uno cuyas reglas están FUERA DE LO HABITUAL Y ESTÉTICO.

 

Tomada de http://elhijobastardo.wordpress.com/2008/10/page/2

 

Será entonces Dubuffet quien acuñe el término ART BRUT (arte en bruto) para referirse a todo el arte producido que se ALEJA POR COMPLETO DE LOS LÍMITES DE LA CULTURA y qué mejor ejemplo que el ARTE DE LOS NIÑOS, los PRISONEROS y muy especialmente el de los ENFERMOS MENTALES para desarrollar un ESTILO muy PERSONAL y PECULIAR en el que priman la IMAGINACIÓN y la ESPONTANEIDAD (cerca de lo inconsciente) sobre la razón, quedando relegadas a un segundo plano la belleza y la coherencia del arte.

  

Tomada de http://www.circulobellasartes.com/ag_expo.php?ele=67

 

 

 

 

Seguro que algo de esto ya os suena, y es que el art brut buscará influencias en el SURREALISMO y en el EXPRESIONISMO ABSTRACTO de Pollock (dibujo automático y subconsciente); en el INFORMALISMO o pintura matérica (que representan muy bien autores como Tapiès y Millares) y que busca la expresión con materiales tan variopintos como la tierra o el barniz a los que Dubuffet añade trozos de madera, arena, alquitrán, paja o incluso alas de mariposa que harán de sus pinturas una prolongación de la pared y no la típica "ventana" abierta al mundo; en el DADAÍSMO (como una actitud de burla) y también la ABSTRACCIÓN.

 

 

Tomado de http://www.ebsqart.com/ArtMagazine/za_195.htm

 

Aunque sólo hemos mencionado su faceta como pintor, tampoco debemos olvidar que durante sus últimos años realizó algunas ESCULTURAS y MONTAJES( uno de las más famosos es la serie L´Hourloupe) a los que dotó de un nuevo sentido sirviéndose de materiales de desecho.

Tomada de http://www.enfocarte.com/4.24/dubuffet.html

 

En definitiva, un ARTE PROVOCADOR y LIBRE DE LAS ATADURAS MORALES, que como él mismo decía " debía de dar siempre algo de risa y algo de miedo" y el cual, casi al final de su vida, otorgó lo que en un principio la sociedad le negó: UNA CONSIDERACIÓN A NIVEL MUNDIAL.

 

Tomado de http://topographies.canalblog.com

 Mar San Segundo