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Se muestran los artículos pertenecientes al tema GOYA.

GOYA: LA GALLINA CIEGA Y DOS VIEJOS COMIENDO SOPA.

Tema y personajes: ambos cuadros tienen un tema profano; en uno se representa a un grupo de burgueses jugando a un juego popular; y en el otro se representa a dos ancianos.

El mensaje de la gallinita ciega es la propaganda de la clase social acomodada. En dos viejos comiendo sopa el mensaje es el pesimismo y la tristeza. 
Soporte: es lienzo con la técnica del óleo y una pincelada suelta en ambos, aunque en dos viejos comiendo sopa es más visible y más pastosa, siendo un cartón para tapices el primero.
Composición: el primer cuadro es simétrico, dinámico, colocando a los personajes en líneas verticales y es tectónica. Mientras que el segundo es asimétrico, estático, con líneas verticales y atectónica.
Línea y color: en ambos cuadros predomina el color sobre la línea, pero se nota muchísimo más en dos viejos comiendo sopa donde hay una pincelada muy suelta y colores sucios. En la primera destacan los tonos pastel. 
Luz: en el primero es una luz representativa; mientras que en el segundo es expresiva de fuerte claroscuros.
Espacio: en la gallina ciega hay perspectiva aérea y en el segundo la crea mediante claroscuros y anteposición de elementos del cuadro.
Figuras: en el primer cuadro están idealizadas, de canon perfecto, posición dinámica y estable, las figuras tienen cierto hieratismo y están individualizadas; son un grupo de la misma clase social, la aristocracia e interesan poco las texturas. En el segundo son figuras realistas e incluso deformadas, de canon ensanchado, posición estática, estables, hieráticas e individualizadas; su relación será familiar y las texturas si que interesan.
Comentario.
Goya es un pintor del siglo XVIII Y XIX. En él podemos observar una diferente evolución debido a sus situaciones vitales, como hemos visto en el análisis de la gallina ciega y de dos viejos comiendo sopa, dos cuadros totalmente contrarios pero del mismo pintor.
El cuadro de la gallina ciega pertenece a su etapa más rococó, cuando hacía cartones para tapices en la Real Fábrica de Tapices; el tema elegido lo designaban los reyes y solía ser el constumbrismo idealizado, con composiciones equilibradas, tonos pastel, figuras aristocráticas, gestos galantes, uso de sfumato y la luz suave; por lo general corresponde a una estética rococó.
Más tarde Goya fue pintor del rey y pintó cuadros como la Familia de Carlos IV o Fernando VII.
Y después su pintura se vió marcada por la Guerra de Independencia contra los franceses pintando los Fusilamientos.
El cuadro de dos viejos comiendo sopa pertenece a su etapa de las pinturas negras. Con el regreso al trono de Fernando VII y las secuelas de la guerra y un Goya viejo y enfermo, Goya se dedicó a no salir de su casa. Tuvo una crisis personal y pintará las propias paredes de su casa con pinturas siniestras como la analizada o Saturno devorando a sus hijos, simbolizaba en sus pinturas la vejez, la muerte, la soledad o lo siniestro. Su pintura estaba mezclada con negro y usaba empastes fuertes, no había casi perspectiva y había una deformación de la realidad. 
Goya influyó en el romanticismo del  siglo XIX (en Fuseli) y en el expresionismo del siglo XX (como en Munch y su pintura El Grito). En la etapa de las pinturas negras también hizo los grabados. 
Tras esta etapa de desesperación se exilió a Burdeos y allí volvió al optimismo con una pintura colorista y temas con óptica amable y una pincelada muy suelta. Destaca la lechera de Burdeos.


Eva Fernández. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejrada del Campo

 

09/05/2016 20:44. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

Comentario cartones de tapices (El quitasol) y pinturas negras (Dos viejos comiendo sopa) de Goya.

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Tema y Personajes: El tema de ambas es de tipo profano. En la primera pintura aparecen una jovencita vestida a la moda francesa con un perro tumbado en sus piernas y su criado y en la segunda aparecen dos personajes ancianos, sin estar claro si son hombres o mujeres. El de la izquierda, con pañuelo blanco, dibuja una mueca con su boca, posiblemente por la falta de dientes. El otro personaje contrasta vivamente con él: de rostro de cadáver, sus ojos son dos oquedades negras y su cabeza tiene en general el aspecto de una calavera.

Soporte, técnica y pincelada: En el quitasol se utiliza el lienzo como soporte y el óleo como técnica. La pincelada es de factura lisa apenas se nota. En dos viejos comiendo sopa se utiliza el muro (después trasladado a lienzo) como soporte y el óleo como técnica. A diferencia del cuadro anterior, la pincelada será pastosa.

Composición: En el quitasol se da una composición estática. Las figuras geométricas que se han utilizado para colocar los personajes y las líneas fundamentales que se utilizan son el triángulo y las diagonales que convergen en el rostro de la joven y caracterizan la composición de esta obra. Por otro lado, en dos viejos comiendo sopa, se utiliza una composición asimétrica pero esta vez dinámica. Las formas geométricas que se utilizan para los personajes son nuevamente el triángulo, en concreto para el personaje de la izquierda.

Línea y color: En el quitasol, predomina la línea fina con la utilización de colores de ambas gamas, ya que se combinan los colores fríos con los cálidos y color pastel. En dos viejos hay un predominio de la línea gruesa y los colores que se utilizan son colores ocres, tierras, grises y negros.

Luz: En el primero se da una luz naturalista con fines expresivos y al contrario, en el segundo se da una luz antinaturalista con fines representativos.

Espacio: En el quitasol, hay una gran importancia del espacio ya que Goya dota a la obra de un fondo con árboles y nubes, que dan una mayor perspectiva a las figuras. Además es de gran importancia la sombrilla, que es la excusa que tiene Goya para realizar el claroscuro y así poder dar sombra a los personajes y por tanto, un mayor volumen. Al contario en dos viejos comiendo sopa, la figura carece de fondo y las figura son bastante simples. Sin embargo, Goya dota a las figuras de volumen solo con la combinación de pinceladas entre colores más claros y más oscuros.

Figuras: En el quitasol, las figuras están idealizadas, pretenden embellecer la realidad, tienen un canon estilizado además de una posición estática y estable. Tienen una expresión algo hierática ya que no parecen expresar nada con sus rasgos faciales y cada figura está individualizada. Hay relación entre ellas ya que una no expresaría lo mismo sin la otra y las texturas pueden interesar. En dos viejos comiendo huevos, ambas figuras son antinaturalistas ya que deforman la realidad, tienen un canon bastante deforme y una posición dinámica e inestable. Son expresivas e individualizadas y en este caso las texturas no tienen gran importancia.

Comentario:

Mientras que “el quitasol” pertenece a la época de entre 1775 y 1792 en la que Goya realizó una serie de obras para la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara. Estos tapices se caracterizan por tener temas bucólicos y cinegéticos. A diferencia de la corte de los Austrias, los Borbones no querían escenas del pasado sino populares, campechanas, que pudieran representar cómo se vivía en la España de la época, aunque no se mostraba una visión realista, siempre estaba idealizada. Además, el estilo de los cartones de Goya refleja muchas veces sus aspiraciones y pretensiones de obtener una categoría social más alta.

Por otro lado, “Dos viejos comiendo sopa” pertenece a la época de entre 1819 y 1823 en la que Goya vivió en la denominada “Quinta del sordo”. Estas pinturas se caracterizan por su estilo. La composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas, también están desplazadas las masas de figuras. Muchas de las escenas de las Pinturas negras son nocturnas, muestran la ausencia de la luz, el día que muere o las facciones de los personajes que presentan actitudes reflexivas. El cambio a hacer este tipo de pintura se produjo porque en la última etapa de su vida, Goya se quedó sin amigos, su sordera fue en aumento, tuvo problemas con la inquisición y se volvió solitario, y como si todo eso fuera poco, cargaba ya con 74 años.

 

En cuanto a sus influencias, el arte italiano, que Goya había podido estudiar durante su viaje en 1771, dejó su impronta en algunos de los tapices. También el barroco italiano ejerce influjo sobre Goya. El rococó es el estilo de todos los cartones de Goya a excepción de La nevadaEl albañil heridoLos pobres en la fuente y sus respectivos bocetos. El quitasol es la obra que más relación guarda con la pintura francesa.

Por otro lado, las pinturas negras no parecen tener influencias anteriores pero sí tendrán influencias posteriores ya que influirá notablemente en la pintura moderna (romanticismo, expresionismo). Puede decirse que en esta serie Goya llegó más lejos que nunca en su concepción revolucionaria y novedosa del arte pictórico.

 

JUAN FRANCISCO NAVARRO 2ºBACH. Ies los Olivos en Mejorada del Campo

 

08/05/2016 19:34. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

El Pelele vs Saturno devorando a sus hijos. GOYA

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Debido a la posterioridad temporal de un cuadro y otro, los temas que trata Goya son totalmente diferentes.

En el Pelele, Goya representa un grupo de mujeres manteando un "pelele", un muñeco. Debió de ser un festejo popular típico de su época, aunque también se interpreta como un manejo de las mujeres sobre los hombres.

Sin embargo, el Saturno, es un tema mitológico, trata sobre el mito griego del dios Saturno, el cual debía eliminar a todos sus hijos para evitar que lo destronaran. Así, cuando nacían de su mujer, Rea, él directamente se los comía. Es una magnífica representación de como el tiempo lo devora todo, una de las obsesiones del pintor según avanza su madurez. (Aquí puedes ver toda su iconografía)

Los personajes del Pelele no son reconocibles, no son personajes conocidos históricamente, sin embargo el Saturno sí, es conocido gracias a la mitología griega.

El soporte de ambos es actualmente el óleo sobre lienzo, pero originalmente uno era un cartón para tapiz (el Pelele) y el otro era un óleo sobre la pared de una de las habitaciones de la casa del artista.

Sus composiciones, igual que la mayoría de sus características generales, son totalmente diferentes. 

En el Pelele, a pesar del dinamismo, predomina una estructura piramidal, compuesta por las mujeres en la parte inferior y por el muñeco en la punta superior. Destaca el predominio de las formas geométricas, verticales e incluso diagonales. 

El Saturno, es una obra dinámica, pero totalmente asimétrica, cuya composición son todo diagonales, que hacen que no se pueda poner el punto de vista fijo en un solo punto. La única línea vertical es la que compone el cuerpo del hijo que está devorando. 

Como ya he dicho, las diagonales del Saturno impiden fijar el punto de vista en un único lugar, lo que provoca un total dinamismo, excepto en un punto en concreto, conseguido a través del contraste y la fuerza del color rojo de la sangre. Los colores son cálidos, producen un acercamiento hacia el espectador, contrastando con un fondo neutro negro que provoca loa sensación de que la pintura saldrá de su soporte.

En el Pelele, sin embargo, se refleja mucha más armonía, gracias a los colores pasteles, típicos de las primeras pinturas de Goya. 

En ambas pinturas hay un claro predominio del color sobre la línea, y en la técnica de ambas la pincelada es suelta. En el Pelele se aprecia sobretodo en los ropajes y en el fondo, la arboleda, con empastes en muchos casos, pero en el Saturno es mucho más exagerado, la pincelada es tan suelta que las figuras ni siquiera están acabadas, y el empaste es tan continuo y marcado que se aprecia fácilmente.

La luz del Pelele es representativa, pero en el Saturno, la poca luz que se aprecia es expresiva, pues la cara del Dios y las sensaciones que transmite se acentúan con la luz.

El espacio del Pelele es de nuevo armonioso, un paisaje poco llamativo, con una arboleda y una torre, típico de las primeras pinturas de Goya, es un paisaje pintoresco, sin embargo, en el Saturno emplea un fondo negro, pero se aprecian algunos matices que le impiden ser un fondo totalmente neutro.

En el Pelele las figuras están claramente idealizadas, expresan tal felicidad que se podría interpretar como burlesca o forzada. Por otra parte, la figura de Saturno, es claramente espeluznante, ya no por el hecho de que esté devorando un niño, si no por la expresión facial que utiliza el artista, le da un aire de locura. Este caso no sería de extrañar, pues Goya ya había experimentado el hecho de pintar a gente con problemas mentales.

Saturno, es una figura tan antinaturalista, que como ya he mencionado, está sin acabar.

 

Francisco de Goya, se caracterizó por ser durante la mayor parte de su vida como un señor que vivía "alegremente". Sus primeras obras no gustaban del todo, falta de técnica se ha llegado a argumentar, pero tras su viaje a Italia, estudio y conocimiento del Barroco Italiano, y gracias a la ayuda de su amigo Leandro Fernandez de Moratín, Goya comenzó a trabajar como pintor de la real Fábrica de Tapices.

A partir de entonces podría decirse que comenzó su fama. Pintaba por el dinero, por lo que pintaba temas que agradaban a la corte, un costumbrismo idealizado a la manera rococó.A este periodo pertenece la obra anteriormente comentada, El Pelele.

En los cartones las composiciones suelen ser equilibradas, con tonos pastel, elegante y aristocráticos, influencia que recoge de artistas como Watteu y Tiépolo, pues era la moda en la corte de Carlos III.

Posteriormente con el ascenso de Carlos IV Goya consigue entrar al servicio del rey, donde se dedicará a realizar retratos reales y a la nobleza.  En sus retratos de los nobles, comienza a acentuar sus retratos psicológicos, en los cuales se refleja claramente si el artista tiene sentimientos positivos o negativos hacia la persona a la que retrata. Durante su estancia en la corte pudo estudiar a Velázquez, lo que le ayudó a mejorar técnicamente.

Durante esta etapa realizará sus primeros grabados Los Caprichos, en los cuales realiza una crítica de las costumbres y las clases sociales.

Goya, que en ciertos aspectos ideológicos era un ilustrado, con la guerra de la independencia y el sufrimiento que esta le causa, realiza un cambio radical en sus pinturas. En ellas plasma el horror y su rechazo ante la guerra en general, un ejemplo de ello es la pintura de los Fusilamientos.

Con la llegada de Fernando VII y la represión que sufren los afrancesados e incluso el mismo, su vida se trastorna y se irá degenerando con el tiempo. A este periodo pertenecen las llamadas"pinturas negras", no sólo por la tonalidades oscuras dominantes sino por la temática elegida, se nos presenta a una persona con una visión tremendamente pesimista del Ser Humano. Esta etapa se considera precursora en casi un siglo del movimiento expresionista que se dará en los primeros años del siglo XX.

A las pinturtas negras pertenece la obra anteriormente comentada,Saturno devorando a sus hijos. Los claroscuros, las deformidades, y los temas sublimes, son una forma de adelantarse a posteriores movimientos artístico, el Romanticismo y el Expresionismo, en los cuales también se buscarán los aspectos más dramáticos de la vida como harán Fuseli y Munch.

Goya se exilia a Burdeos, donde regresa al optimismo. Su pintura se vuelve colorista y reaparecen los temas vistos desde una óptica amable y pincelada muy deshecha, como se puede apreciar en La lechera de Burdeos

 

Estefanía Alejo Lasarte. 1º Bach. IES Los Olivos. Mejorada del Campo

08/05/2016 19:27. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

La pradera de San Isidro y El Coloso. GOYA

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Tema y personajes.

Es una pintura de tipo costumbrista, en el se refleja un día probablemente de fiesta en el que la aristocracia y el pueblo salen a festejar pero siempre manteniendo las distancias pues se trata de una sociedad todavía estamental. El mensaje es lúdico y decorativo ya que se trata de un cartón para tapiz.

Por otro lado el segundo cuadro es de tipo mitológico aunque no del todo, ya que en él aparece un enorme coloso del que huyen todos los seres que lo ven es una crítica a la guerra ya que durante este periodo Goya vive la guerra y decide plasmar lo que en ella sucede. 

Soporte.

La pradera de San Isidro es un lienzo al oleo con pincelada suelta que no llega a ser pastosa. Características que se repiten en el segundo de los cuadros a analizar, El coloso, aunque en este caso la pincelada ha evolucionado siendo mucho más suelta y utilizando una mayor cantidad de materia.

Composición.

Se trata de una composición más o menos simétrica y estática aunque en el segundo plano la masa de gente posee algo de dinamismo. La forma geométrica que se ha utilizado para colocar los personajes es un gran triángulo invertido, las líneas fundamentales por lo tanto serán horizontales aunque aparecen también diagonales suaves. La obra es tectónica, al menos en el primer plano.

Por otro lado, la otra composición es algo más asimétrica en comparación a la primera pero no llega a serlo del todo. Las formas geométricas que utiliza son las bandas horizontales para la masa  y un gran rectángulo para englobar al colos; las líneas por tanto son tanto horizontales como verticales. En este caso es una composición más atectónica.

 Línea y color.

En el primero predomina el color sobre la línea utilizando colores pasteles que añaden un valor volumétrico a las figuras. En el segundo, aunque también predomina el color, la gama ha sufrido un gran cambio siendo ahora colores mucho más sucios y terrosos, aunque siguen siendo volumétricos.

 Luz.

Se trata de una luz natural con fin representativo, no hay un foco claro ya que se ilumina toda la escena por igual. En El Coloso, sin embargo, pese a ser una luz natural es mucho más expresiva en comparación a la anterior apareciendo un foco de luz a la izquierda del coloso y otro en el mismo lado pero en la parte inferior.

 Espacio.

Se trata de una perspectiva aérea algo vaporosa compuesta en varios planos. En el primero aparece la nobleza, en un segundo plano el pueblo llano y a partir del río se distingue el tercer plano en el que aparece un gran palacio.

Aparece una perspectiva que no llega a ser del todo aérea pero si muy vaporosa en la que aparecen dos planos en el primero se sitúa la gran masa que huye y en un segundo en el que se encuentra el coloso.

Figuras.

Las figuras son realistas aunque tienden a la idealización, con un canon perfecto, las posiciones son ligeramente dinámicas, estables, de gestos aristocráticos y expresivas. Las figuras están individualizadas y las texturas interesan pero no son lo primordial. Las figuras se relacionan entre sí, pero no se mezclan entre ellos es decir la aristocracia no interacciona con el pueblo.

En El Coloso las figuras son realistas pero la principal tiene un canon hercúleo, en el resto de figuras no se aprecia el canon. La posición del coloso es estática y estable aunque está en el momento de máxima tensión, mientras que la masa que huye es muy dinámica e inestable, esta sensación se acentúa por el empleo de una pincelada cada vez más abocetada. La relación entre ellos es que huyen despavoridos del monstruo.

 Comentario.

 La pradera de San Isidro utiliza colores pastel, figuras más idealizadas y estáticas y se centra en temas más costumbristas ya que se trata de la fase rococó de Goya. Por otro lado El Coloso es un Goya mucho más maduro que utiliza colores terrosos con pincelada suelta y fondos vaporosos utilizando una técnica similar a las pinturas negras.

Goya comienza a pintar cartones para tapices, con estética rococó, que surge a finales del XVII en el que la producción  se desarrolla en torno a los cortesanos, aunque el foco principal era la corte francesa los borbones españoles también adoptan este estilo, se trata de plasmar el mundo refinado aristocrático cuajado de lujos y exquisitez; será gracias a este trabajo conseguirá ascender a pintor del rey Carlos IV. En la corte donde tendrá acceso a los cuadros de Velázquez y a partir de aquí  empezará a cambiar su estilo tomando muchos elementos del artista como la pincelada muy suelta o algunos fondos  vaporosos.

Más tarde comenzará la guerra y Goya, en vez de posicionarse de un bando u otro, decide actuar como lo haría un periodista actual, es decir plasma todos los desastres que causan ambos bandos, se opone a la guerra su actitud será un preludio del movimiento romántico.

Debido a una sordera, su estilo cambiará de una manera drástica, ya no pintará para un público si no para sí mismo, plasma su angustia que se refleja directamente en los colores sucios o en los temas como la muerte o lo demoníaco. Finalmente, tras su salida de España recobra su felicidad y vuelve a ser colorista dejando los temas tétricos a un lado para volver a los temas amables con una pincelada extremadamente suelta.

Mientras que La pradera de San Isidro está influenciada por los pintores del Rococó Tiépolo y Watteau, El Coloso lo está por Rembrandt y el mundo barroco. Debido a su innovación técnica se le considera precursor de todas las vanguardias del siglo XX así como de movimientos previos a éstas como el romanticismo, el realismo y el impresionismo.

  

Elsa Ocaña Nistal 2ºBac. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

08/05/2016 19:20. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

La Pradera de San Isidro vs Saturno devorando a sus hijos. GOYA

Los cuadros que voy a comentar son, de la primera etapa, La pradera de San Isidro y, de la etapa de las pinturas negras, Saturno devorando a su hijo. 


El primer cuadro es un cuadro de género que relata una fiesta en la pradera de San Isidro en Madrid, sobretodo la parte aristocrática, y apenas transmite nada ya que es un tema elegido por los reyes (generalmente de costumbres idealizadas).  Por otra parte la segunda obra tiene un tema mitológico: es, como dice el título, Saturno devorando a su hijo. (Aquí tienes toda su explicación iconográfica)  Intenta transmitir sus sentimientos durante la crisis que sufre tras el regreso de Fernando VII.


El primero es un cartón para la fábrica de tapices, mientras que el segundo está hecho con óleo sobre la pared de su casa. La pincelada en ambos es suelta, aunque en la pintura negra es más notable que en el cartón.

La pradera de San Isidro es bastante simétrica, estática y tectónica; al contrario de Saturno que es asimétrica, dinámica y atectónica, además de que priorizan las líneas diagonales.

En ambos predomina el color sobre la línea, aunque sigue siendo más notable en el segundo.  La línea es fina y generalmente curva, sin geometría. En el primer cuadro se usan unos tonos pastel, suaves, realistas y planos para dar más detallismo; mientras que en la segunda los tonos son más sucios, saturados, cálidos y volumétricos, además de ser una pintura empastada.

El espacio no interesa apenas en la segunda obra, tiene un fondo negro y una luz expresiva; pero en la primera se aprecia una perspectiva aérea y una luz suave.

Por último, las figuras en el primer cuadro están idealizadas con un canon estilizado y en posiciones estáticas y estables, sin apenas expresión, relacionadas entre ellas y apenas se aprecian las texturas. Saturno, en cambio, es antinaturalista, con una posición dinámica e inestable y muy expresivo.

 

Goya no se puede asociar a un solo estilo, pues pasa desde el Rococó de la primera obra aquí comentada, al barroco, prerromanticismo y pre expresionismo de la segunda comentada. Se nota el estilo Rococó de la primera obra en los gestos aristocráticos de las figuras, los colores pastel, la luz suave, carece de tema, la idealización y el poco movimiento. En la segunda obra se ve en características como el movimiento, la pintura empastada, la pincelada tan suelta, el antinaturalismo y la expresión que hacen que sea difícil identificar a Goya en un solo estilo.

Esta evolución de Goya es debido a que, en un principio, pintaba lo que le pedían los reyes y acaba pintando sus sentimientos, pasando por pinturas históricas. Al principio, al trabajar en la fábrica de tapices, tenía que pintar cartones con temas aristocráticos que pedían los reyes. Sobre todo eran costumbres idealizadas o juegos de la aristocracia, ya que estos tapices decorarían el palacio. Esto hace que siga una estética Rococó, propiamente aristocrática, con colores pastel e idealismo. Cuando sube Carlos IV al trono se convierte en el pintor real, haciendo numerosos retratos con un profundo análisis psicológico. También comienza a hacer grabados de temática ilustrada. Cuando comienza la guerra de independencia, Goya comienza a hacer cuadros históricos. Estos narran batallas, sin diferencia entre franceses y españoles, para contar el horror de la guerra. Goya no se decanta por ningún bando, ya que solo pretende denunciar lo que causa la guerra. Cuando regresa Fernando VII, Goya entra en una profunda depresión y esto se ve retratado en sus pinturas negras (como la segunda obra comentada). En ellas muestra sus sentimientos y preocupaciones, tratando temas como la muerte, la vejez, la brujería… Se deforman las figuras, la pintura se vuelve empastada y sucia, buscando fuertes claroscuros con una luz más expresiva. Estas pinturas decoraban las paredes de su casa, pintadas al óleo pero sobre una pared enyesada.  Durante esta etapa también hace grabados, con la misma temática. Por último, Goya se va a Burdeos con su familia, donde recupera la estética amable de los tonos pastel y el optimismo, volviendo a una pintura bastante rococó.

Toda su vida influyó directamente en su pintura, y por ello en la primera obra utiliza esas características, ya que tiene que apenas puede modificar los temas reales y burgueses, cargados de optimismo. Por otro lado, en las pinturas negras, utiliza esos colores y temas para transmitir esos sentimientos lúgubres y pesimistas.

Goya está influenciado por múltiples estéticas, como el Rococó, pero sobre todo por pintores, entre ellos Velázquez, Rembrandt, Tiziano y Leonardo. Pero destaca por sus influencias posteriores, ya que inicia el romanticismo y el expresionismo. 

 

Sandra Jiménez. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

07/05/2016 20:43. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

“La pradera de San Isidro” y “La romería de San Isidro”. GOYA

Tema:

La primera es una  pintura de tema elegido por los reyes, el costumbrismo idealizado a la manera rococó, en la que aparece la festividad celebrada en Madrid en la pradera de San Isidro que quiere transmitir el placer de la festividad y la banalidad de los temas de la vida diaria, en la que aparecen  aristócratas idealizados.


La segunda es una pintura de tema siniestro en las que se representa la festividad de la pradera de san Isidro de Madrid de manera pesimista y lúgubre, queriendo transmitir una visión desencantada del mundo, en la que aparecen múltiples personajes de distintos estamentos como la iglesia que transmiten frialdad y falsedad .

 Soporte:

La primera es una pintura al óleo sobre lienzo con técnica suelta.

La segunda es una pintura al óleo sobre pared con mucha pastosidad y existencia de fuertes empastes.

 Composición:

En la primera la composición es equilibrada con tendencia hacia las formas triangulares y en la que encontramos fundamentalmente líneas verticales y horizontales.

En la segunda la composición es desequilibrada donde encontramos anatomías deformadas y distintas líneas curvas y diagonales que producen inestabilidad.

  Línea y color:

En la primera existe predominio del color sobre la línea muy fina curva y detallista, mientras que en el que destacan los tonos pastel con volumen.

En la segunda existe predominio del color sobre la línea curva creando formas abocetadas, mientras que los colores son los llamados colores de paleta sucia ya que mezcla los colores con negro y existe una gran importancia del potente claroscuro.

 Luz:

En la primera existe una luz natural muy suave y representativa.

En la segunda existen potentes claroscuros y una luz tenebrista.

 Espacio:

En la primera encontramos claro sfumato y profundidad que se crea a través de distintos planos de los personajes.

En la segunda la profundidad se crea a través del claroscuro y la posición de los distintos grupos de personajes pero con escasa preocupación espacial.

 Figuras:

En la primera encontramos figuras idealizadas en las que encontramos una serie de gestos aristocráticos y galantes que transmiten cierta clase.

En la segunda las figuras estás casi abocetadas y deformadas son figuras expresivas que además transmiten un retrato psicológico.

 

COMENTARIO:

 La primera obra pertenece a la parte con más influencia barroca de Goya a la etapa de su vida en la que es introducido por Bayeu en la Fábrica para tapices realizando como trabajo una serie de cartones para tapices que muestran un costumbrismo idealizado ya que son composiciones pensadas para ser mostradas como decoración en palacio. Al encontrarse en palacio le corresponde a una estética más rococó de temas costumbristas idealizados que agraden a la corte, como podemos observar en las obras pertenecientes a esta etapa de Goya en la que además encontramos distintas características típicas en esta obra como las composiciones equilibradas creando tranquilidad y estabilidad, con tendencia a la forma triangular ya que es la que más equilibrio muestra, el uso de tonos pastel, la existencia de gestos aristocráticos y galantes en los personajes que aparecen en los que podemos observar cierta grazza y el uso de sfumato además de la luz suave. Encontramos también influencia de Watteau y Tiépolo como observamos en el uso de la iluminación donde los colores claros resaltan impresiones o ideas tales como lo divino y en la aparición de temas galantes y visión aristocrática e idealizada de la naturaleza. Además se puede apreciar la clara relación de la obra con el mundo que le rodea, el Antiguo Régimen, donde encontramos una clara división de la sociedad en estamentos donde la monarquía, la corte y la Iglesia acumulan todo el poder y dinero sometiendo al pueblo, además de ser una corte que busca la exquisitez y el lujo huyendo de lo desagradable, como podemos observar en esta escena en las que las altas clases disfrutan de un soleado día de festividad en la pradera.

Por otro lado en la segunda obra se puede distinguir que pertenece a la etapa oscura de Goya, en la etapa de las pinturas negras distinguida por colores mucho más oscuros de paleta sucia, por desinterés en la perspectiva, fuertes empastes, claroscuros potentes, y deformación de la realidad donde se empiezan a deformar las obras utilizando además distintos temas lúgubres y siniestros.

La primera obra se ve claramente influida por la situación que vive Goya que se encuentra en su juventud y debe pintar temas idealizados para decorar el palacio ya que la corte no desea otro tipo de temas sino los temas de costumbrismo idealizado con cierto toque aristocrático correspondiente a su sociedad. Esto además se ve influido por la positividad, juventud y viveza de Goya de esta etapa que los temas, las formas, las composiciones y  colores reflejan.

La segunda obra en cambio se observa un Goya mucho más apesadumbrado ya que ha vivido en directo la Guerra de la Independencia quedando claramente afectado por las masacres vistas, y posteriormente, en su etapa de pinturas negras ,a la que corresponde la obra, se produce una etapa de represión de los afrancesados y esto unido a que Goya es anciano y esta enfermo hace que se encierre en su casa donde sufre una fuerte crisis personal que le lleva a pintar pinturas mucho más lúgubre, oscuras y desequilibradas donde muestra una visión completamente disconforme del mundo.

En la primera obra encontramos una serie de elementos que nos transmiten que retrata el día a día de la clase alta ya que encontramos gestos desenfadados y aristocráticos que se mueven en un ambiente de despreocupación completamente idealizado, mientras que en la segunda obra aparecen distintos elementos como la falta de importancia que se le da a la perspectiva que transmite el claro desinterés por el mundo que experimentaba Goya, añadido a los gestos claramente resaltables de las figuras que aparecen representando distintas personas que acuden a la pradera pero esta vez de una clase mucho más baja y con claro carácter antipático como nos muestra en sus caras y gestos. Encontramos también un cierto carácter sublime en la obra donde la naturaleza es mucho mayor y perfecta que el hombre y puede incluso plasmar los sentimientos de este.

Es curioso y cabe destacar como Goya a lo largo de su vida cambia la visión que tiene sobre la misma pradera, la pradera de San Isidro ya que al principio la plasma como un lugar idílico en el que la aristocracia disfruta desenfadada mientras que en su vejez y depresión encuentra la misma escena mucho más lúgubre como un lugar donde acude la gente de todas las clases y donde todos y cada uno de ellos esconde algo que le hace ser una mala persona o una persona poco fiable.

 Las influencias anteriores de Goya en su primera obra es el Rococó mientras que su segunda obra está más influida por pinturas más oscuras e influirá en el Romanticismo, el Expresionismo sobre todo en El grito de Munch y en Picasso, aunque influirá también  en la modernidad al plasmar la expresión subjetiva del mundo y de su propio interior sin estar sujeta a modas.

  

Lidia Isla Díaz . 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

07/05/2016 20:36. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

El Parasol frente a Saturno devorando a sus hijos, Goya.

Análisis.

Tema y personajes. En el parasol, el tema es profano, se trata del reflejo de las costumbres. Es una pareja aristócrata vestida al modo popular. El paisaje es muy idealizado. En cambio, en la de Saturno devorando a sus hijos, se trata de un tema mitológico, pues Saturno, dios del tiempo en la mitología romana, se comía a los hijos recién nacidos de Rea, su mujer, por temor a ser destronado por uno de ellos. (Aquí puedes ver su interpretación iconográfica)


Soporte. El parasol es una pintura al óleo sobre cartón, con pincelada suelta; sobre la misma pared, también al óleo la de Saturno, aunque posteriormente se pasa a lienzo, y con fuertes empastes.

Composición. El parasol es una pintura simétrica, las figuras forman un triángulo equilátero y destacan las diagonales traseras del árbol y del muro, es tectónica. En la de Saturno, en cambio, se trata de una composición asimétrica, predominan las diagonales, la diagonal de la pierna se contrapone con la diagonal del tronco de Saturno, es una composición atectónica.

Línea y color. Predomina el color sobre la línea en ambas obras, pero los colores utilizados en El parasol pertenecen a la gama pastel, y en la de Saturno son colores sucios, es decir, colores mezclados con el negro, y cálidos. Son colores reales en las dos pinturas.

Luz. En el parasol la luz es totalmente representativa, con un foco justo en frente de las figuras. En Saturno devorando a sus hijos la luz es expresiva, con fuertes claroscuros, el foco de la luz va directamente hacia la figura de la víctima. 

Espacio. En el parasol la perspectiva utilizada es la aérea, con el sfumato, en la de Saturno la perspectiva se hace a través del claroscuro y las figuras contrapuestas.

Figuras.  En el parasol las figuras y el paisaje están completamente idealizados, posición estática y estable, con gestos aristocráticos. Tienen una pequeña expresión, salen sonriendo. En la de Saturno, es totalmente antinaturalista. Con canon deformado, y fuerte expresión en el rostro de Saturno. 

Comentario.

Se tratan de dos obras de Goya. Sin embargo, son totalmente diferentes. Esto es porque Goya pasa por diferentes etapas. El parasol pertenece a su primera etapa, la de cartones para tapices. Característico de este período son el costumbrismo, las figuras idealizadas, la luz representativa y las poses aristocráticas; mientras que Saturno devorando a sus hijos pertenece a su cuarta etapa, las pinturas negras. En ellas, se da la luz expresiva, la deformación de la realidad, la paleta sucia y temas como lo siniestro, la violencia o lo demoniaco.

Goya viaja a Italia y pinta algunos frescos en la basílica del Pilar y en la Cartuja del Aula Dei. Va a Madrid y como consecuencia de su matrimonio con Josefa Bayeu, entra en contacto con la familia Bayeu, pintores al servicio de Carlos III.

En su primera etapa, es introducido en la Real Fábrica de Tapices por Bayeu. Se dedica a la realización de los cartones preparatorios. Los reyes eligen el tema, ya que las pinturas decoran las paredes de palacio. Corresponden a una estética rococó de moda en la corte de Carlos III.

 En su primera etapa, Goya es influenciado por Watteau, Tiépolo, por los colores venecianos y por Tiziano.

Pero Goya entra en una gran crisis personal, se queda sordo. Esto influirá totalmente en sus pinturas; da paso a la etapa de las pinturas negras. Con el regreso de Fernando VII y la fuerte represión que trajo contra los afrancesados, Goya, viejo y enfermo, se encierra en su casa a orillas del Manzanares. Pinta sobre las propias paredes temas relacionados con la vejez, la muerte, lo demoniaco, la violencia, la soledad o lo siniestro.

 En la etapa de las pinturas negras está el recuerdo de Rembrandt, por el tratamiento de las luces y las texturas, una pincelada pastosa que moldea agresivamente las formas.

Con los aspectos más dramáticos, Goya se adelanta al futuro romanticismo, Fuseli del XIX, y el expresionismo del XX, Munch, el Grito.

 

Miryam Matas. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo

07/05/2016 20:30. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

Análisis y comentario. EL PARASOL. GOYA

Tomado de wikipedia

Tema costumbrista, aunque muy idealizado (se trata de una aristócrata disfrazada de maja, típico atuendo popular, con su criado - o tal vez pretendiente- que la cubre con una sobrilla). Al fondo encontramos un paisaje también idealizado (paisaje pintoresco)

La técnica empleada es óleo sobre cartón (que posteriormente se pasaría a tapiz)

La composición resulta muy equilibrada, con las figuras formando un triángulo equilátero a la manera renacentista y dos diagonales en la parte posterior (muro y arbolillo) que se contrapesan entre sí.

Predomina el color sobre la línea (en algunas zonas como la pechera de la mujer se observa perfectamente la pincelada suelta), utilizando una gama pastel (colores mezclados con blanco)

La luz es representativa, muy suave, que no intenta crear tensión, sino todo lo contrario, subrayar aún más la idealización y suavidad de toda la escena.

La perspectiva utilizada es la aérea, iniciada por Leonardo ensu sfumato

Las figuras son idealizadas, de poses relajadas y un tanto aristocráticas (fijaros cómo coge el abanico)

Comentario.

Las características analizadas (luz suave, composición equilibrada, sfumato, poses aristocráticas, costumbrismo idealizado) nos llevan a encuadrar la obra en el primer periodo importante de la producción de Goya: los cartones para tapices (Carlos III)

Introducido en la fábrica de Tapices por su suegro Bayeu, Goya realiza entonces los cartones preparatorios para la realización de los tapices.

La gallinita ciega.

Tomado de wikimedia.org

En ellos los temas le son dados, correspondiendo a una visión idealizada de la naturaleza (paisaje pintoresco) y de la sociedad (sus personajes son aristócratas "disfrazados" de majos que juegan y se divierten). Se trata de un mundo un tanto frívolo y elitista que recrea la ideología rococó triunfante en Francia (aunque eliminando el erotismo), país tan cercano a los reyes hispanos, emparentado con los Borbones galos. (Se pueden comparar perfectamente con obras como el Columpio de Fragonardlas escenas galantes de Watteau o los frescos de Tiépolo)

Fragonard. El Columpio

Tomado de wikipedia

Estas obras, que pasarían a decorar palacios y casitas reales mantienen una técnica también rococó de colores pastel, gestos aristocráticos, paisajes vaporosos (heredados de Van Dyck).

La Pradera de San Isidro

El cacharrero

La vendimia

Tras este periodo, la obra de Goya (en contacto con la velazqueña y veneciana) evolucionará rápidamente, tanto en la retratística (Familia de Carlos IV) como en la pintura de historia, cada vez más "politizada" y crítica contra la realidad (Fusilamentos, cuadros de Gabinete), desembocando finalmente en sus famosas pinturas negras, verdadera antesala del expresionismo del XX

 

GOYA BÁSICO

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18/05/2015 19:37. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

EL PRIMER GOYA LLEGA AL MUSEO DEL PRADO. ANÍBAL CRUZANDO LOS ALPES

Una cesión temporal de 6 años efectuada por la Fundación Selgas-Fagalde e Asturias, nos permitirá conocer el primer Goya conocido. La obra fue pintada en 1771 en Italia y presentado ese mismo año al concurso de la Academia de Parma, en el que obtuvo una mención.


Tomado de http://www.arteiconografia.com

Hasta entonces la vida de Goya no había sido precisamente la de un genio. Nacido en Fuendetodos (Zaragoza), su infancia y juventud se desarrollan en la capital. Allí estudiará en el taller de José Luzán, renovador en clave rococó de la gran tradición romano-napolitana Estuvo 4 años con él, copiando estampas de contenido religioso, fracasando en dos ocasiones en las becas convocadas por la Real Academia de San Fernando

Tal vez la falta de horizontes le hizo marchar a Italia (el Viaje de todo pintor), pagando el viaje de su bolsillo. Sus expectativas (entre las que se encontraba este cuadro, se volvieron a frustrar y en ese mismo año 1771 recibe en Zaragoza su primer encargo importante la Adoración del nombre de Dios para el coreto del Pilar y, posteriormente, un ciclo de frescos en la Cartuja del Aula Dei.


Corrado Giaqunto

Tomado de http://es.wikipedia.org

En todas estas obras vemos un gusto un tanto ecléctico (como era habitual en la época) que retoma las composiciones sumamente estructuradas de Giaquinto (una pirámide de amplia base en el cuadro que nos ocupa que se repetirá en numerosas ocasiones en sus cartones) con un colorido y grazia de Tiépolo (el gran pintor del momento) lleno de colores pastel muy poco saturados (azules y rosa pálidos muy característicos) y posturas elegantes (casi de danzarines) que dan una visión idealizada del mundo.

Tiépolo

Tomado de http://commons.wikimedia.org

Por otra parte, y como era habitual, la pintura de historia tiene un carácter moralizante, sirviendo como soporte de una idea (En este caso la lucha contra el miedo y la vacilación que, una vez superada, convierten al hombre en un puro arquetipo: el héroe). De la misma forma será muy habitual la aparición de complejos simbolismos (el minotauro sería el Po, el ángel como victoria o genio…).

Desde aquí, su obra mantendrá las mismas características cortesanas (aunque disciplinadas por el neoclasicismo) de los Cartones para los tapices que ya comentamos

 

Para saber más

http://www.arteiconografia.com/2010/09/anibal-contempla-italia-desde-los-alpes.html

 

GOYA BÁSICO

 

Vicente Camarasa

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02/10/2011 22:11. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

EL AQUELARRE DE GOYA COMENTADO

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_Aquelarre

 

TEMA. El cuadro representa, como su propio nombre indica, un aquelarre (reunión o invocación al demonio) en el que bastantes brujas rinden culto a éste, situado a la izquierda del cuadro.

COMPOSICIÓN. Es simétrica ya que están sentadas en círculo (composición similar a La gallinita ciega).

Podríamos decir que el centro de esta composición lo forma la mujer del pañuelo blanco a cutos lados se encuentra el demonio el cual destaca en la escena por su tamaño y su enorme mancha negra) y una mujer sentada en la silla (el retrato de Leocadia, amante de Goya, no demasiado favorecida al encontrarse junto a las brujas.

LÍNEA Y COLOR. Como en la mayoría de sus pinturas negras, Goya, utiliza una paleta sucia (varios colores mezclados con negro). La pincelada es muy suelta, pero en algunas figuras Goya realiza el contorno con líneas bastante finas, como por ejemplo la figura de la izquierda. Todo esto hace crear una escena de terror, macabra.

LUZ. Es expresiva, da fuerza, energía a la imagen, y se centra en las figuras de delante, donde tiene mayor movimiento la escena. Nos permite ver con mucho realismo en la escena y percibir el morbo de la situación junto con el hecho tan tenebroso que representa una invocación al diablo. Se utilizan fuertes claroscuros, como el pañuelo de la bruja sentada en la silla.

PERSPECTIVA. Es aérea, ya que a las brujas que están situadas más lejos su rostro no se puede distinguir del todo bien, en cambio en las de delante sí, aunque (como ya decíamos) le interesa sobre todo el primer plano

FIGURAS. Los rostros de las brujas están deformados (quizá Goya nos quiso hacer ver la típica imagen de bruja como alguien monstruoso y malévolo). Éstas, rindiendo culto al demonio, muestran su atención puesta en el demonio y a la bruja de la silla. Además de un espectáculo tenebroso; al parecer, Goya nos intenta hacer ver una iniciación diabólica entre ambos. Las figuras están muy juntas y no hay espacio visible entre ellas, por ello nos da la sensación de que son bastantes brujas observando el espectáculo, lo cual es una verdadera novedad, crear un efecto de masa, no de figuras juntas.

 

COMENTARIO.

Goya realizó este cuadro entre 1819 y 1823, y fue parte de la decoración de su casa, la llamada Quinta del sordo.

Ya pasada su época en la que retrataba con entusiasmo y alegría (cartones para tapices, primeros retratos), una serie de sucesos personales (se queda sordo tras superar una enfermedad, lo que supone un gran cambio para el pintor tanto en lo personal como en lo artístico, la posterior guerra de independencia) inicia una nueva fase en la que se dedica a pintar sus famosas pinturas negras

Este cuadro, perteneciente a las pinturas negras, tiene mucho que ver con alguno de los caprichos (grabados realizados con un punzón sobre una plancha y pasados a tinta posteriormente) que éste mismo realizó. Ambos representan temas terroríficos, reuniones con el demonio y la brujería, temas de supersticiones populares heredadas a lo largo de los siglos.

Esta visión de lo terrible, del mundo de las emociones y los miedos, la heredarán los pintores románticos.

 

Por cierto, si quieres saber más de los Aquelarres en los que se inspiró Goya, entra aquí

 

 

Marta Martínez (4º ESO A. SIES Campo Real, La Poveda)

 

GOYA BÁSICO

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14/01/2009 15:16. sdelbiombo #. GOYA Hay 2 comentarios.

CINCO GOYAS PARA OBTENER POSITIVOS

Como os comenté esta mañana cuelgo 5 obras de Goya con dos objetivos: que podáis repasar para el próximo examen (pues se encuentran representados los principales periodos del autor) y, de paso, sacaros un positivo extra.

Se trata de que PINCHÉIS EN COMENTAR Y PONGAÍS UN MENSAJE en el que identifiquéis la etapa de alguno de ellos, justificando las causas que os llevan a adjudicarlo a ese periodo (no olvidéis añadir el número de la imagen y vuestro nombre)

Todas las adjudicaciones correctas (y justificadas con varias razones) tendrán un positivo, aunque, evidentemente, no se tendrán en cuenta a las que repitan los comentarios ya hechos (por lo menos habréis de añadir una razón nueva para que se admitan). Esta noche borraré las que no sean correctas para que no os equivoquéis, pues leyendo los comentarios de vuestros companeros también podréis repasar.

Vamos a ver qué sale

 

IMAGEN 1

IMAGEN 2

IMAGEN 3

IMAGEN 4

IMAGEN 5

 

Las imágenes 1, 3 y 5 tomadas de wikipedia

Las imágenes 2 y 4 tomadas de http://goya.unizar.es

13/01/2009 17:53. sdelbiombo #. GOYA Hay 4 comentarios.

DOS OBRAS COMENTADAS DE GOYA: LA GALLINITA CIEGA Y EL PERRO SEMIHUNDIDO

La gallinita ciega:


 

Tomado de wikimedia.org

 

El tema representa a las clases altas disfrazadas al modo popular, haciéndose pasar por majas y majos, y jugando al aire libre, en concreto a la gallinita ciega, otro juego típico del pueblo bajo.

 

La composición es simétrica debido a que los personajes están representados en forma de óvalo. El centro de la composición lo crea la mujer vestida de rojo y blanco, ya que son los colores que mas llaman la atención a nuestra mirada.

Goya toma influencias de Velázquez jugando con los personajes a crear curvas. También en la posición de los pies ya que normalmente los representaba en forma de V (como bien se ve en la mujer representada a la izquierda) y con la altura de los personajes creando al igual movimiento, ya que algunas cabezas están mas altas que otras.

 

Línea y color: predominan los colores claros, como amarillo gris y blanco, denominados tonos pastel. El cuadro esta creado a través de la pincelada suelta (otra de las influencia procedente de Velázquez) que se crea a partir de pequeñas manchas del pincel.

 

La luz utilizada es representativa, ya que ilumina todas las partes del cuadro, con mínimos claroscuros.

 

Utiliza la perspectiva aérea, ya que los objetos están más borrosos y azulados según su distancia, creando un espacio vaporoso. Goya juega con la colocación de sus personajes creando más amplitud en el cuadro, como ya hacia Velázquez.

 

Las figuras se muestran completamente idealizadas, con gestos aristocráticos y una expresividad muy contenida (que no rompa los modales cortesanos)

 

Comentario del cuadro:

La gallina ciega (1789) pertenece a la etapa de cartones para tapices que servían como modelo para las manufacturas de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara.

Estos tapices estaban destinados a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo. Fue realizado poco después de que accediera al trono de España el rey Carlos IV.

El cuadro es un exponente decantado del estilo Rococó ya que consta de dichas características, como por ejemplo los gestos aristocráticos, tonos pastel, ambiente vaporoso, temas referente a la nobleza,…

 

 

 

 

Perro semihundido:

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Francisco_de_Goya

 

Tema: Goya, ya viejo y sordo, retrata en sus cuadros sus sentimientos de soledad, de miedo a la vejez y a la muerte. En este cuadro se ve representado a un perro hundiéndose en arenas sin que nadie le ayude a salir,  con la mirada perdida hacia arriba. Desde ese momento sus pinturas dejan de ser una representación directa de la realidad, para pasar a ser una forma de visualizar sus sentimientos y su forma de pensar hacia todo lo que le rodea.

 

Composición es asimétrica, con el elemento mínimo de una cabeza de un animal. La única figura del cuadro no esta repartida por todo el espacio por lo que está descompensado ya que las dos terceras partes están vacías. Es una escena en vertical, regida por una diagonal. 

 

Línea y color: el cuadro esta realizado con una paleta sucia, mezclando colores con negro, con fuertes claroscuros,… La figura está definida con trazos negros, blancos y grises con tonos ocres, todos ellos realizados con pinceladas muy pastosas.

 

Luz: es representativa, ya que se ve claramente cada una de las partes del cuadro. Aunque por algunas zonas crea oscuridad debido a los tonos que utilizo Goya para representar la soledad.

 

Respecto a la perspectiva, apenas si le interesa el fondo para concentrar nuestra mirada en la figura.

 

La figura tiene una fuerte expresividad, miedo, tristeza, desconsuelo.

 

Comentario del cuadro

 El perro semihundido (1820) pertenece a la época de las pinturas negras de Goya, donde dicho autor se encuentra en uno de sus peores momentos morales y físicos, ya que esta viejo, enfermo y retirado del centro en una pequeña casa junto al Manzanares.

A diferencia del primer cuadro, ya no se ven las típicas características del rococó de los cartones para tapices, como el ambiente vaporoso, colores pastel, temas aristocráticos,…

Por el contrario, intenta darnos una visión mucho más angustiosa del mundo, llena de emociones intensas y mucho más subjetiva

 

Itziar López. 4º ESO A

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27/12/2008 09:31. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

COMENTARIO DE LA FAMILIA DE CARLOS IV. GOYA

El tema es un típico retrato de grupo en el que aparecen los reyes (Carlos IV y Maria Luisa), su sucesor (futuro Fernando VII, de azul, a la izquierda) junto a otros miembros de la familia real y (siguiendo así a Velázquez en las Meninas) Goya junto a su lienzo (a la izquierda). Aunque la atención la tenga Maria Luisa, Goya cumple todo el protocolo, colocando los personajes más cerca del espectador cuanto más importante sean.

Esto, a la altura de las cabezas apenas se nota, pero deberíais mirar el cuadro de abajo a arriba y la colocación de los pies os dará la posición social de cada uno de ellos.


  

Familia de Carlos IV. Goya

Tomado de wikimedia.org

 

La técnica es óleo sobre lienzo.

La composición resulta a la vez fácil de ver pero compleja de realizar (ésta es precisamente la maestría). En principio, y aunque el cuadro parezca simétrico, no lo es. El centro de la composición lo crea el niño de rojo (como ya sabéis el color que más atrae la mirada) que junto al marco del cuadro crea una gran línea vertical que separa ambas partes. Si os fijáis en ellas la izquierda es mayor que la derecha en una proporcionalidad conocida desde muy antiguo llamada número aúreo (número de oro), muy utilizado en el Renacimiento

 

 

Sobre este esquema general el propio tema genera un esquema bastante monótono, lleno de verticales formadas por las propias figuras

 

 

Sin embargo Goya evita la monotonía tomando de nuevo a Velázquez. Para comprenderlo es mejor que vierais primero las Meninas y fijaros lo que hace con las cabezas y los pies de los personajes.

 

 

De una forma parecida trabajará Goya en la Familia de Carlos IV

 

 

De esta forma conseguirá una gran movilidad en un cuadro de personajes quietos, pues el ojo se desplaza por él tal y como os he ido pintando, primero por las cabezas y luego por los pies.

 

En cuanto a la relación línea-color, predomina el segundo. Es la llamada pincelada suelta que realiza las formas a través de pequeños manchones, al igual que hacía ya Velázquez.

  

Pincelada suelta.

Tomado de http://www.tienearte.com/h.arte/Francisco%20Goya%20pinturas%204.htm

 

Los colores predominantes son los cálidos, en especial los dorados (herencia de Tiziano). Sobre este fondo Goya vuelve a recurrir a Velázquez y anima el cuadro con estallidos de rojos, como ya se hacía en las Meninas. Os señalo estos puntos, poco importantes en tamaño pero muy atrayentes para el ojo (pesando así mucho más en la composición y la percepción)

  

 La luz (aunque representativa) juega varias funciones en el cuadro. Por una parte dará una mayor importancia a Maria Luisa que relumbra con su vestido (recordad que era el verdadero poder del reino, junto a Godoy).

 

Su otra función tiene que ver con la creación del espacio.

En este punto Goya se encuentra con un grave problema. Tiene que meter demasiadas figuras en un espacio bastante pequeño, lo cual puede llegar a crear una sensación de asfixia en el espectador. Por eso necesita crear por medio de trucos más espacio, y para ello vuelve a recurrir a Velázquez y sus Meninas.

Por una parte coloca en el fondo cuadros que abran una mayor perspectiva, sobre todo el de la derecha.

Por otra juega a crear bandas horizontales de luz y sombra de forma consecutiva, igual que ocurre en las Meninas, creando así como una serie de peldaños en donde el ojo se va parando, avanzando más lentamente hacia el fondo y dando una impresión de mayor espacio.

Por último, volveros a fijar en las Meninas e intentad ser conscientes de cómo están colocados los personajes. Si avanzáis de derecha a izquierda podréis daros cuenta que la colocación de los mismos hace que entremos y salgamos del espacio del cuadro al colocárnoslos más lejos o más cerca de nosotros.

 

 

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Velazquez-Meninas.jpg

 

Haced lo mismo con el cuadro de Goya y veréis que sucede lo mismo (especialmente si lo miráis de abajo a arriba.

 

Por último, el tratamiento de las figuras es realista, acaso excesivamente realista para su tiempo, pues la capacidad de penetración psicológica del pintor es tan grande que casi nos va desnudando a toda la familia real, que vemos con todos sus vicios y miserias, como ya veíamos en un artículo anterior.

 

 

COMENTARIO

Como es evidente por todo lo dicho nos encontramos en la etapa más creativa de Goya, ya sordo y que ha iniciado un camino cada vez más subjetivo, ácido y crítico contra la realidad que le llevará hacia los Fusilamientos y más tarde a las pinturas Negras.

Atrás ya ha quedado su etapa rococó  de los cartones para los tapices y ha eliminado los colores pastel, las poses aristocráticas, la luz suave o ese carácter aristocrático.

 

Este cambio, además de la propia evolución personal, se lo debe al estudio de la obra de Velázquez que se encontraba en palacio. Como hemos podido comprobar  le debe mucho más a él que a otros pintores reales más cercanos en el tiempo, como Van Loo.

 

Llama especialmente (por su modernidad) la sinceridad de sus retratos que, aún siendo reyes, se muestran con todas sus debilidades, algo que Velázquez sólo se había atrevido a hacer en escasas ocasiones y sin la brutalidad de Goya, que se convierte ya no en un siervo más sino en una persona que da su propia visión del mundo, de alguna forma parecida a lo que hizo Rembrandt en sus últimos años.

Y es que con este cuadro la monarquía está perdiendo todo su carácter divino. Ya no son seres elegidos por la divinidad, sino simples hombres, más o menos abrumados por el papel que les ha tocado hacer en la historia y en la vida, bastante ridículo, por otra parte.

 

GOYA BÁSICO

 

Vicente Camarasa

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17/12/2008 19:52. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

PARA ENCONTRAR MÁS INFORMACIÓN DE GOYA

 

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CARTONES PARA TAPICES

 

Sobre el paisaje pintoresco en sus cartones para tapices  

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Carlos III y el gusto rococó (cartones para tapices)

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 Sobre el rococó

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.

GOYA Y REMBRANDT 

 

Goya y Rembrandt, general

 .

 Goya y la vida de Rembrandt. Pinturas negras 

 .

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OTROS

Imágenes inquisitoriales de Goya

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Goya y los duques de Osuna

16/12/2008 18:04. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

LOS CAPRICHOS DE GOYA. DOS MUNDOS POR EL PRECIO DE UNO (SEGUNDA PARTE)

 


Ya es hora

Tomado de wikimedia

 

En la primera parte de este artículo planteábamos la interpretación ilustrada de los Caprichos. Una visión crítica de los vicios de su tiempo anclados todavía en la superstición y las mentiras heredadas desde hacía siglos.

Sin embargo, ¿qué está criticando Goya en este Capricho?

 

Allá va eso.

 

¿Y en éste?

 


 Miren qué graves.

 

Pues resulta que dentro de los Caprichos existen numerosos grabados  que más que criticar, hablan del mundo de la brujería, de lo demoniaco.

Esto no es una excepción en la obra de Goya, pues desde muy pronto Goya pintó Aquelarres (reuniones de Brujas) o sus propias pinturas negras se encuentran llenas de monstruos.

  

Aquelarre. 1789

Tomado de wikipedia

 

 

Pero esto no es Ilustrado, sino todo lo contrario. Este mundo monstruoso, siniestro y oscuro es lo contrario de las Luces de la Ilustración y tiene que ver con un movimiento artístico y literario que ya comenzaba a desarrollarse: el Romanticismo.

Aunque ya lo analizaremos en otra ocasión, debemos entender el Romanticismo como un movimiento cultural que, al contrario de la Ilustración, intenta expresar sus sentimientos y emociones, eliminando así el poder de la razón. Tanto en literatura (Frankenstein, Drácula) como pintura, sus temas más habituales son la aventura, el miedo, lo irracional, el horror, lo sexual

Goya coincide en el tiempo (pero acaso sin conocerlos) con los primeros representantes del prerromanticismo inglés como Fuseli, Blake o Flaxman. Echad un vistazo a alguno de sus cuadros para poder comprender lo que hemos dicho

 

Flaxman. Odisea

Tomado de www.mlahanas.de

 

 

Fuseli. Íncubo (Demonio masculino)

Tomado de wikimedia


 

Blake. Abel

Tomado de wikimedia.org

 

Como véis estos pintores se apartan de lo racional, incluso del mundo real para llenar sus cuadros de seres de fantasía, de fantasmas y emociones, tal como está haciendo Goya en alguno de sus Caprichos.

 


 

Hay mucho que chupar

Tomado de wikimedia


Buen viaje

Tomado de wikimedia

 

Siguiendo esta forma de interpretación, el grabado del sueño de la razón que analizábamos antes, ¿no tendrá otra explicación? ¿No será, como dice Calvo Serraller, que el sueño de la razón es la razón llevada a sus extremos, demasiada razón que termina creando monstruos?

 


 El sueño de la razón produce monstruos.

Tomado de wikimedia

 

Como véis Goya es tan sumamente importante en la historia del arte por sus posibilidades de interpretación, por la cantidad de estilos con los que puede jugar, por adelantarse al futuro. Incluso en estos Caprichos y como si quisiera reírse de todos nuestros planteamientos y, en medio de horror, es capaz de una gran carcajada, dejándonos un poco en ridículo

 


¿Dónde va mamá?

Tomado de wikimedia.

 

 

GOYA BÁSICO

 

 Vicente Camarasa

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15/12/2008 11:31. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

LOS CAPRICHOS DE GOYA. DOS MUNDOS POR EL PRECIO DE UNO (PRIMERA PARTE)

 


 

Lo que puede un sastre

 

 

 

 Según Bozal estos grabados de Goya se inician en una serie de dibujos (Álbum de Sanlúcar) que el pintor realiza en su larga convalecencia en la casa de la duquesa de Alba, cuando una enfermedad (acaso sífilis) le lleva a las mismas puertas de la muerte, dejándolo por completo sordo.

En este momento (1792) los analistas de Goya fijan la fecha en la que su arte cambiará de raíz y de la vida alegre, desenfada y opulenta de sus carones para tapices o su primera etapa de retratista (en donde sólo le interesa el dinero o la posición social) pasará a otra mucho más crítica y en ocasiones trágicas.

 

En este momento vemos al Goya ilustrado, que aplica la razón para criticar todo tipo de supersticiones y costumbres sociales, como él mismo comenta en la nota que se publicó en la prensa para hacer publicidad de sus grabados

 

Colección de estampas de asuntos caprichosos, inventadas y grabadas al aguafuerte por Don Francisco de Goya. Persuadido el autor de que la censura de los errores y vicios humanos  puede también ser objeto de la pintura: ha escogido como asuntos proporcionados para su obra, entre la multitud de extravagancias y desaciertos que son comunes en toda sociedad civil, y entre las preocupaciones y embustes vulgares, autorizados por la costumbre, la ignorancia o el interés, aquellos que ha creído más aptos a suministrar materia para el ridículo, y ejercitar al mismo tiempo la fantasía del artífice.

Diario de Madrid (6 de Febrero de 1799)

 

Así, con una mirada ácida y crítica, nos habla de los matrimonios por interés (en donde los padres buscaban un beneficio económico, no dudando para ello sacrificar la felicidad de sus hijas)

 


 

Qué sacrificio (Los títulos los puso el propio Goya)

Tomado de  

 

Sobre la coquetería femenina.

 


 

Hasta la muerte

Tomado de goya.unizar.es


Sobre un clero que, amparado por las clases altas, se queda con el dinero

 


 

¿Por qué esconderlos? (las bolsas de dinero)

Tomado de http://goya.unizar.es

 

O la propia Inquisición, con la que llegó a tener ciertos problemas

 


No hubo remedio. Fijaros en los guardianes que acompañan a este condenado por la inquisición o el pueblo, embrutecido, que lo insulta.

Tomado de http://goya.unizar.es

 

También critica a los médicos

 


De qué mal morirá. Observa las sombras de la muerte que se acercan al enfermo.

Tomado de http://goya.unizar.es

 

O la sociedad estamental (el clero y la nobleza representados como burros, que son sostenidos por los no privilegiados, los únicos que pagaban impuestos)

 


Tú que no puedes

Tomado de http://goya.unizar.es

 

Según esta forma de interpretar la realidad, el más famoso de sus grabados, el Sueño de la razón, produce monstruos, tendría una clara interpretación. Cuando la razón duerme, cuando no estamos lo suficientemente despiertos y alertas para analizar el mundo, enseguida aparecen los miedos, los monstruos terribles que se alimentan de nuestra ignorancia, de nuestros temores, de nuestras emociones más terribles. Cuando no hay razón (Ilustración) comienza el reino de las pesadillas (de la Inquisición, las desigualdades, la violencia, el odio…)

 


 

El sueño de la razón produce monstruos.

Tomado de http://goya.unizar.es

 

Sin embargo, tal vez las cosas no sean tan sencillas… Tal vez haya una segunda interpretación

Que muy pronto veremos. (Segunda parte)

 

 

 

 

Vicente Camarasa

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12/12/2008 20:14. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA. FRANCISCO DE GOYA

 

Los Fusilamientos del 3 de mayo. Goya

Tomado de wikimedia.org

 

Cuadro de grandes dimensiones realizado por de Goya en 1814. Museo del Prado.

El tema es histórico, representando los fusilamientos que la madrugada del día 3 de mayo hicieron los soldados franceses sobre aquellos españoles que se habían levantado en la Puerta del Sol el día 2. Temáticamente, forma pareja con la Carga de los Mamelucos, acaso pensados ambos para ser expuestos juntos en un gran arco del triunfo que se hizo con motivo de la entrada de Fernando VII, tras el fin de la guerra.


 

La carga de los Mamelucos. Goya

Tomado de wikimedia.org

 

 

En general, ambos cuadros (y los grabados contemporáneos de Los Desastres de la Guerra) tienen una misma visión negativa de la guerra, entendiéndola más como un fracaso de la razón que como una solución a los problemas. Esta posición crítica contra la violencia tiene su origen en la postura ilustrada que mantenía Goya desde hacía años, gracias a los contactos que mantenía con prestigiosos políticos e intelectuales de la época (Jovellanos). En sí misma, esta actitud crítica resulta bastante moderna, alejándose de la visión heroica típica de la etapa anterior (Barroco) y más  comprometida y cercana a nuestra sensibilidad (Si queréis saber más de esto pulsar aquí)


 

La técnica utilizada es la pincelada suelta (predominio del color sobre la línea), tal y como Goya ya había utilizado desde su periodo de pintor del rey (Familia de Carlos IV). Gracias a ella, los detalles se pierden en favor de una mayor sensación de conjunto, dejando zonas casi abocetadas (sin definir, casi inacabadas), realizando sólo sus masas y líneas fundamentales.

La composición. Todos los elementos (luz, color, líneas) nos colocan al hombre con los brazos en alto como el eje de la composición, siendo ésta asimétrica y volcada hacia la izquierda. En torno a este personaje se amontonan el grupo de los españoles que se relacionan con el otro grupo (pelotón de soldados franceses) a través de las líneas de los fusiles.

El color también es diferenciado. En la zona francesa, predominan los colores oscuros y de un tono neutro (verdes, ocres) que unifican toda la zona, restándole importancia visual.

Frente a ello, en la española, Goya utiliza tonos fuertes y vibrantes entre los que destaca, por encima de todos, la mancha amarilla y blanca del personaje central. Estos colores hacen pareja con los del farol, siendo puros y brillantes. Junto al rojo de la sangre, su potencia atrae la mirada del espectador hacia el grupo, al igual que ocurría con la luz, convirtiéndolo en el motivo principal.

 

 

fusilamiento detalle

wikimedia.org

 

 

La luz tiene un importante papel a la hora de definir la escena, nocturna por motivos históricos, pero también estéticos, potenciando el ambiente dramático de toda la composición. Goya recurre a un gran farol que se encuentra entre ambos grupos, generando un espacio entre ellos. Su posición crea dos ambientes bien diferenciados, uno luminoso, el de los españoles sobre el fondo del montículo, mientras los franceses quedan a contraluz, como una especie de pantalla oscura que vuelve impersonales a los que matan. El resto de la escena se encuentra en penumbra y sin apenas detalles.

La perspectiva no es un tema prioritario en el cuadro, interesándole a Goya mucho más los primeros planos en donde se desarrolla toda la tragedia..

Así,  los fondos son utilizados para potenciar el primer término. En la zona ocupada por los españoles adelanta el paisaje a través de un montículo que concentra la luz y cierra visualmente el grupo, creando una zona homogénea. La parte de los franceses es mucho más amplia, con un lejano y borroso paisaje con una iglesia y casas de fondo, todo convenientemente difuminado para no restar importancia a la escena principal (Igual técnica de acercamiento de la escena, dando un tratamiento secundario al entorno, sucede en la Carga de los Mamelucos)

Los personajes son tratados sin ningún tipo de idealización. En el grupo de los españoles, Goya busca tipos populares que incidieran en el mensaje de guerra como algo anónimo, sin grandes héroes, popular. En sus distintos gestos, el pintor hace un recorrido por las múltiples posiciones del hombre frente a la muerte (miedo, resignación, valentía, rezos y oraciones…) que culminan en la figura central que, con una postura que recuerda a un crucificado, mira con resignación la muerte que se le avecina, como si nada tuviera remedio y el poder de la destrucción no tuviera freno alguno.

En el bando contrario, Goya nos coloca a los soldados franceses de espaldas, sin rostros, con una postura repetida que los convierte, más que en individuos (como ocurre entre los españoles), en una verdadera máquina de matar sin sentimientos.

 

Comentario.

La Guerra de Independencia contra los franceses (1808-1814) resultó para Goya una piedra de toque esencial a la hora de hacer evolucionar su estilo e ideología, poco a poco más pesimista y crítica contra todo aquel lado oscuro del ser humano que ya empezaba a estar presente en obras anteriores como los Caprichos o los cuadros de Gabinete. Lejano quedaba ya ese sentido festivo y en mucho rococó de los Cartones para Tapices. Primero la sordera que le alejó del mundo y luego la barbarie de la guerra conducirían al pintor hacia un mundo dramático y pesimista que engendraría las posteriores pinturas negras de la Quinta del Sordo (u otras, en este momento cuestionadas en su autoría, como el Coloso)


  

El coloso

wikimedia.org

 

 

Esta fuerte evolución convierten a Goya, en sus últimos años, en un verdadero revolucionario del arte, precursor de técnicas e ideologías (Romanticismo, expresionismo, surrealismo incluso) que se desarrollarán muchos años después de su muerte.

 En este sentido, podríamos hablar de Goya como el primer gran artista moderno, crítico con su momento gracias a su voluntad de libertad e independencia. Consciente del nuevo papel del arte como difusor de ideas, utilizará todo tipo de recursos técnicos para conseguir transmitir su mensaje, tal y como luego harían en el XIX románticos o realistas que, de la pura complacencia pasan a la crítica de la sociedad y sus aspectos más negativos. Con Goya comienza, en gran parte, la idea del arte como visión subjetiva del mundo. Se pasaría del artista que celebra al que opina.

En cuanto a la estela dejada por el cuadro es necesario citar, sobre todo, dos nombres. El primero de ellos fue Manet, padre del impresionismo y gran enamorado de la pintura española, que además de recoger la herencia técnica de su pincelada suelta y abocetada, utilizará a Goya como pretexto para muchos de sus cuadros (Majas en el balcón o la Olimpia, cuya inspiración estaría en la Maja desnuda), utilizando los fusilamientos como modelo de su fusilamiento del emperador Maximiliano.

 

Manet. Fusilamiento del Emperador Maximiliano

Tomado de http://depoetasytallarines.blogspot.com/2008/05/apuntes-sobre-el-2-de-mayo.html

 

Por otra parte, los fusilamientos tendrán una continuación en ciertos cuadros de Picasso. En cuanto a recuerdos formales habría que citar el cuadro de la Matanza de Corea en donde ese carácter impersonal de los soldados franceses los termina convirtiendo en verdaderos robots que matan sin ningún tipo de sentimiento.

 

Picasso. Matanza de Corea

Tomado de depoetasytallarines.blogspot.com

 

También dependiente de Goya, aunque ya sin ningún tipo de copia formal, se encontraría el Guernica  en donde se vuelve a explicar la guerra desde un punto de vista antiheroico, tan sólo la destrucción y el horror de las víctimas, la terrible comprobación de su inutilidad.


 

Picasso. Guernica

Tomado de  http://elasticosmos.wordpress.com/2008/06

 

Para saber más

http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/anlisis-de-una-obra-de-goya-los.html

 

GOYA BÁSICO

 

 Vicente Camarasa

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10/12/2008 18:00. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

LOS TIEMPOS DE CARLOS IV VISTOS POR GOYA

 

Familia de Carlos IV. Goya

Tomado de

 

Decía Rosenblunt que este cuadro es la mejor representación del Antiguo Régimen en sus últimos estertores de muerte, la imagen de un mundo vacío a punto de derrumbarse. Siguiendo esta línea, otros autores no se llegan muy bien a explicarse cómo pudieron aceptar los propios reyes un retrato tan crítico, que les presentaba de forma tan cruel en sus propias miserias. Pues si lo observáis con un poco de atención podréis ver a Carlos IV (a la derecha, más adelantado) tan bonachón como poco inteligente y manejable. Muy cerca de él, ocupando el centro, se encuentra Maria Luisa, verdadero motor de la monarquía que no deja ninguna duda (tal y como agarra a sus hijos) sobre quien lleva los pantalones en la Corte. Podemos ver incluso el futuro carácter huraño y egoísta de Fernando VII (cerca del cuadro, vestido de azul).

 

Detalle

 

Junto a estos personajes aparecen otras figuras de la familia, el propio Goya escondido tras un cuadro o una curiosa mujer con la cara vuelta al fondo que no era más que un truco que nunca terminó de hacerse. En aquellos momentos Fernando (príncipe de Asturias y futuro sucesor) aún no tenía prometida oficial, y se le puso junto a él a una mujer sin cara visible que, con el tiempo habría de ser pintado cuando realmente existiese. Pero los acontecimientos históricos (La guerra de Independencia contra los franceses) y personales (la cada vez mayor enemistad entre Fernando VII y Goya) hizo que este cambio nunca se produjera quedando para la posteridad la imagen de una mujer sin rostro, perdida entre el claroscuro de la historia.

 

Sin embargo, el cuadro aún esconde otro secreto de estado. Pese a ser el retrato de la familia real, falta verdaderamente la figura que mantiene las riendas del poder a finales del siglo XVIII: Manuel de Godoy.

Como ya había ocurrido en el siglo XVII, Carlos IV, falto de carácter, tuvo también un valido, Godoy, un hombre de oscuro pasado que escaló los peldaños de la corte a una velocidad de vértigo desde simple guardia de corps (especie de guardaespalda) a valido. En esta carrera quizás tuviera mucho que ver las escandalosas relaciones que el pueblo siempre le atribuyó a Godoy con la Reina Maria Luisa, convirtiéndose en su favorito personal antes de ser el favorito del rey.

 

De carácter soberbio y despótico, dominó la escena española en uno de los momentos críticos del siglo, con la Revolución instalada en Francia y la posterior alianza franco-española contra Inglaterra firmada en San Idelfonso.

Fruto de ella será la famosa guerra de las Naranjas contra Portugal (aliada de Inglaterra), que recibe este nombre del ramo de naranjas que Godoy hizo llegar a la reina desde Olivenza (la única plaza que se tomó de Portugal).

Como forma de glorificación, Godoy encargó a Goya este retrato en donde el pintor demostró, una vez más, su crítica implacable ante los modelos. Una actitud valiente que arrancaba de Velásquez y Rembrandt

En la que el pintor no sólo refleja la realidad sino su propia visión de la misma, subjetiva, cargada de cariño o ironía, que le convierten en el primer retratista moderno que ya no se deshace en elogios ante su mecenas, sino que lo plasma con toda su verdad, esta vez bastante terrible. Miradlo sino por vosotros mismos

 

Godoy como vencedor de la Guerra de las Naranjas. Goya

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Manuel_Godoy_Spain.jpg

 

En un próximo artículo analizaremos técnicamente el cuadro de la Familia de Carlos IV.

 

Vicente Camarasa

09/12/2008 12:50. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

LAS PINTURAS NEGRAS DE GOYA. UN MUNDO DE SOMBRAS Y DELIRIOS

 

Estaba solo, sordo y enfermo, mirando Madrid desde el otro lado del río, con un palacio al fondo en donde Fernando VII le odiaba con un sentimiento mutuo.

Vivía en un mundo de silencio perpetuo en el que las voces internas se oían con nitidez

 

 

Dos viejos.

Tomado dewikimedia.org

 

Eran ya muchos años sobre sus espaldas, pero aún más de desengaños. Las cicatrices del tiempo seguían vivas y el pesimismo se había instalado en su alma desde hacía unos años, cuando la Guerra de independencia le puso ante los ojos la barbarie que lleva dentro el hombre


 

Duelo a garrotazos

 

Y había miedo, además, un miedo íntimo y continuo ante los grupos mandados por le propio Fernando VII frente a su casa. Las pedradas a los cristales, dos conatos de incendio.

Miedo a las represalias de un rey ególatra y miserable que nunca aceptó que Goya fuera un ilustrado, alguien que pensara por sí mismo. Miedo

 

 

Fernando VII

 

Mucho miedo, a la vida que se le escurría por los dedos. Miedo a un tiempo como Saturno, que va devorando suavemente a los hombres

  

Saturno devorando a sus hijos

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Pinturas_Negras

 

Y el mundo doloroso de su eterno silencio se volvió a llenar de monstruos. Aquellos seres de Capricho que comenzaron a hacerse realidad sobre las propias paredes de su casa.


 

Aquelarre (lo tenéis comentado aquí)

Tomado de wikimedia.org

 

Llegaron ellos y las masas vociferantes que recordaban cuánto de bestias tenemos los hombres.


  

La romería de San Isidro

Tomado de wikimedia.org

 

La estupidez humana

 

 

Dos mujeres riendo.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Pinturas_Negras

 

La violencia

 

 Judit y Holofernes.

Tomado de wikimedia.org

 

 

La pobreza y la miseria de aquél que se encuentra mirando fijamente a la nada


 

 

Dos viejos comiendo sopa.

Tomado de wikimedia.org

 

¿Qué hacer ante todo aquello? Acaso lo único que puede hacer un pintor. Llenar las paredes de su casa como un diario de sus monstruos, oscureciendo y llenando de pesadilla unos paisajes anteriores (que acaso no eran suyos) de los que aún quedan restos


  

Asmodea

Tomado de wikimedia.org


Pintar con los colores sucios llenos de pasta (a menudo extendiéndolos con una espátula o con los propios dedos) y las formas deformadas para contarse a sí mismo y hacer los dos autorretratos más terribles de la historia


  

Leocadia (su pareja del momento) vestida de luto sobre un extraño túmulo (¿la tumba de Goya?)

Tomado de wikimedia.org

 

 

Perro semihundido (el comentario lo tenéis aquí) Yo siempre he visto en esa terrible mirada hacia arriba del animal el sentimiento de impotencia de Goya que se hunde en arenas movedizas

Tomado de wikimedia.org


 Un mundo terrible, entre la pesadilla y la realidad, que sería la lección perfecta para que un siglo después los expresionistas aprendieran a representar el lado oscuro de la vida, que nos persigue sin fin


 

El Grito. Munch. Principios del XX

Tomado de wikipedia


  

El abrazo. Egon Schiele

 

 

 

Bacon. Autorretrato. 1971

Tomado de http://www.leninimports.com/francis_bacon_gallery_5.html

 

GOYA BÁSICO

 

Vicente Camarasa.

 

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09/12/2008 12:43. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

GOYA EL PRIMER ARTISTA MODERNO I. CÓMO MIRAR LO INNOMBRABLE. LA NUEVA IMAGEN DE LA GUERRA

AVISO. ALGUNAS IMÁGENES PUEDEN HERIR LA SENSIBILIDAD DEL LECTOR 

Queremos irle dedicando a Goya una serie de artículos que nos vayan descubriendo la figura de Goya más allá de sus puras obras. Se tratará, por el contrario, de ir analizando la nueva capacidad de mirar (de enseñarlo a hacerlo) con el que el artista aragonés inaugura la modernidad.

Es, por tanto, un recorrido temático que, tomándolo como punto de referencia, nos sirva para darnos cuenta cómo ha cambiado nuestra percepción de la guerra, el cuerpo humano o el propio hombre.

Su arte será una excusa (el arte siempre lo es) para ver nuestro pasado y, sobre todo, comprendernos a nosotros mismos.

 

El primer tema que he elegido es el de la guerra. Su forma de sentirla. Para que podáis ver cuánto cambió Goya su iconografía podemos empezar por un ejemplo clásico:

Tanto en Italia, Flandes o España abundó el género de batallas (con gran consideración), y hubo numerosos pintores que se especializaron en él. En él se intentaba glorificar uno de los pilares ideológicos del sistema: el ejército y su capacidad de lucha y sacrificio, siguiendo las ideas que había desarrollado Ucello en el Renacimiento

 

LA BATALLA DE ORAN-AÑO 1698-LIENZO 145X205 CM Obra de PALOMINO Y VELASCO ANTONIO 1655/1726

MADRID BANCO CENTRAL-HISPANO

 

Ya Velázquez realiza la primera reconversión del tema en sus famosas Las lanzas. Como ya sabéis el cuadro fue encargado por Felipe IV para adornar su salón de reinos en donde se recogían todas las batalla ganadas en su primera parte del reinado. Velázquez en concreto, además de dirigir todo el conjunto, realizó la toma de Breda. En ella apenas se desarrolla la guerra (sólo en los planos más lejanos) y todo el cuadro habla de la generosidad del vencedor. Su doble valor como victorioso y, a la vez, honorable, que no deja a Nasau arrodillarse para entregarle las llaves de la ciudad. Su mano puesta en el hombro es el gran rango de la victoria: no humillar al enemigo.

 

 

Frente a todo esto, fijaros en Goya y sus famosísimos fusilamientos. La violencia que tan lejana (visual y emocionalmente) quedaba en los cuadros anteriores, nos la ha llevado al primer plano. No tenemos otro remedio que mirar. Ya no queda paisaje, anécdotas, ni siquiera la compasión y honor de Velázquez. Goya se ha esforzado en obligarnos a enfrentarnos con el horror de la muerte, la que ya ha sucedido, la que está a punto de ocurrir. El ejército contrario se ha convertido en una pura máquina de matar y el pintor sólo le concede espacio y expresión a las víctimas.

 

 

Esta elección no la olvidarán los autores modernos y tanto Delacroix en su matanza de Squíos, como Picasso en su Guernica, renunciarán a lo anecdótico para centrarse en una idea de la guerra como sufrimiento, no como valentía o patriotismo, que ya será una constante en la imagen de la guerra en el XX.

 

Matanza de Squíos (Grecia). Delacroix

 

Picasso. Dertalle del Guernica

 

Con la llegada de la fotografía de guerra (y con un gran momento culminante en la Guerra de Vietnam) seguirá utilizándose esta línea de denuncia, poniendo la mirada en las víctimas, como en la ya famosa imagen en donde unos vietnamitas corren y, en el centro, una niña desnuda y totalmente abrasada por los efectos del napalm, refleja todo el dolor de los inocentes.

 

 

Sin embargo, la posición de Goya frente a la guerra aún es más explícita si revisamos sus Grabados. El título es ya de por sí elocuente: Los desastres de la Guerra, toda una enorme y alargada pesadilla en donde la violencia (frente a los ideales) se hace dueña de la imagen. Un Violencia ciega y, lo que es más importante, sin bandos. Vemos así las atrocidades de ambos bandos, que en el fondo se desintegran en un clima de horror en donde el ser humano saca lo peor de sí mismo.

Es, en el fondo, la imagen pesimista que tenía Goya sobre el hombre. Aquel hombre educado y cortés que, una vez rotos los nudos creados por la civilización, se convierte en un verdadero monstruo. ¿Dónde quedó la cortesía de Velázquez? En realidad no existe y miles de fotografía de guerra nos lo demuestran. Los más elevados motivos con los que suele justificarse el conflicto se olvidan en medio de conflicto y todo vale o, acaso (y esto sería verdaderamente terrible) la ocasión es perfecta para que el hombre pueda por fin sacar todos sus odios y miedos acumulados.

Compara estas dos imágenes (la primera de los Desastres) y la segunda, dos siglos después, ¿Qué han cambiado además de los vestidos)

 

 

La foto es de Eddie Adams y ganó el premio Pulitzer.

 

Lo que queda tras ella no es el triunfo, como era habitual en la pintura barroca. El militar recibido por el rey en olor de multitudes. No. Desde Goya y hasta hoy en nuestra memoria visual quedará la tragedia, la muerte masiva, los sufrimientos. En eso se convertirá todo. Usando una frase del propio Goya en los desastres: Murió la Verdad

 

 

 

En los últimos años, el progresivo control de las naciones participantes en la difusión de la imagen ha intentado esconder todo este horror, filtrando fotografías y videos, pero sólo hace falta que recordéis esta imagen para ver que Goya, lamentablemente, tenía razón. Se tratan de las famosas torturas que los norteamericanos realizaron  (¿realizan aún?) en la guerra de Irak, en su famosa cárcel de Abu Graib

 

 

 

Goya ya había hablado de esto en los Desastres

 

 

Había comprendido que la guerra es el peor escenario de lo posible. El lugar de la bestialidad que en nuestra vida cotidiana reprimimos. ¿Qué hay más brutal y paradójico que matar a alguien en tiempo de paz sea asesinato y en tiempos de guerra, un deber? Los humanos, a veces somos tan racionales, que sabemos, incluso, justificar lo más irracional.

Fue tan lejos que algunas imágenes suyas no tienen parangón con las que filtran los medios de comunicación. ¿Os imagináis fotografías de esto?

 

 

 

 

Ningún periódico posiblemente las publicaría, y no sólo por un posible respeto a la intimidad a las víctimas, sino porque es políticamente incorrecto, una idea que se inició en EE UU y que, bajo la excusa de evitar ofender la sensibilidad, nos obligan a una autocensura.

Frente a todo esto, algunos artistas han apostado por recurrir a imágenes sumamente agresivas en lo visual o moral, es el llamado abyect art.

 

 

(Mc Carty)

 

(Hermanos Chapman. Sobre los desastres de guerra).

 

Golub

 

Wikipedia

 

Golub

 

Frente a ellos nos queda una pregunta: ¿provocar al espectador para hacerle consciente de la violencia o como simple forma de publicidad basada en nuestra propia morbosidad?

Y es que en la posmodernidad hemos llegado a comprender el carácter polisémico de la imagen, sus múltiples interpretaciones y utilizaciones que nos tienen que hacer pensar en la moralidad de la imagen y del arte. ¿Vale todo? ¿Vale en función de tener un buen fin?

O al revés, ¿debemos esconder lo que retrata nuestro lado más oscuro?

Goya lo tuvo claro y apostó por no autocensurarse, pero ¿deberíamos seguir su ejemplo en la actualidad?

Espero vuestras opiniones.

 

GOYA BÁSICO

 

 Vicente Camarasa

 

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23/07/2008 10:05. sdelbiombo #. GOYA Hay 3 comentarios.

GOYA. ALGO MÁS QUE UN SIMPLE RETRATO

Francisco de Goya nace en Fuendetodos y pasa sus primeros años en el taller de José Luján. Transcurrido algún tiempo (y habiendo pintado algunos cuadros para la cartuja del Aula Dei) se traslada a Madrid donde contrae matrimonio con Josefa Bayeu, lo que le facilita la entrada a los talleres reales. Comenzará entonces sus famosos cartones para tapices basados en temas populares, con los que obtiene un gran éxito.

Sin embargo, las desavenencias con los Bayeu, le obligan a ir abriéndose un camino propio. Primero con el conde de Floridablanca y más tarde con la duquesa de Alba o la de Osuna (cuyo primogénito aparece aquí retratado), Goya buscará lo más granado de la sociedad, retratándola por encargo.

 

 

(Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga. Goya)

 

Realizado en óleo (sobre tabla), esta obra contiene un significado algo más complejo de lo que en un principio podríamos pensar. Algunos afirman que se trata de un anticipo de la crisis que sacudirá a la nobleza española (debido a la actitud tan seria del niño) aunque, en mi opinión, parece una advertencia o reflexión sobre la propia vida, pues no en vano, esa pájaro (en cuyo pico porta una tarjeta con una paleta y un pincel) que mantiene el niño atada con un lazo o los propio pajaritos enjaulados, corren un serio peligro ante esos gatos que los observan con los ojos muy abiertos. ¿No son acaso esos mismos gatos la muerte o la desgracia que puede sobrevenirnos en cualquier momento?

No obstante, al margen del significado, no debemos obviar la calidad con la que Goya trata los colores y las texturas (el rojo intenso del traje o la faja de seda que cubre la cintura del niño) sin olvidar tampoco su capacidad para captar la psicología de los personajes (como en la duquesa de Chinchón) o el carácter simbólico de todos los animales que aparecen en sus obras (los perros en El quitasol o la Mujer leyendo una carta, los gatos como lo demoníaco en los Caprichos).

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Mar San Segundo.

 

GOYA BÁSICO

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09/07/2008 21:30. sdelbiombo #. GOYA Hay 6 comentarios.


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