TIZIANO Y LA NUEVA IMAGEN DEL PODER. CARLOS V EN LA BATALLA DE MULBERG
Carlos V en la batalla de Mülberg
Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Tizian_082.jpg
EL ARTÍCULO, CON TEXTO REVISADO Y MÁS FOTOS SE ENCUENTRA ALOJADO AQUÍ
LE CORBUSIER. LA UNIDAD DE HABITACIÓN EN MARSELLA
Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...
Le Corbusier fue el Picasso de la arquitectura y esta Unité una de sus obras más complejas y ricas de significados, en donde podemos ver gran parte de sus dos grandes periodos artísticos, así como sus ideas sobre el urbanismo y la ciudad
Encargada por el gobierno francés como viviendas sociales tras las destrucciones de la II Guerra Mundial, Le Corbusier intenta crear en ella una verdadera ciudad autosuficiente (un lejano eco de las famosas ciudades jardín decimonónicas de Howard pero también de los falansterios de Fourier), que concentrara en vertical la población para poder planificar el espacio circundante para grandes vías de circulación y zonas verdes, segregando las funciones urbanas para dar más importancia tanto a la movilidad como a la luz natural para las zonas de residencia.
Tomado de juanantoniochamorro.wordpress.
El edificio proyectado para 1,600 habitantes 58 apartamentos en dúplex, con galerías comerciales en sus corredores interiores
Calle para servicios
Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...
"Si se hacen conjuntos de 350 casitas situadas en jardines, no se logrará la síntesis y el sincronismo de las tareas cotidianas. Pero si se reúnen 350 casas, unas sobre otras, de cierto modo inteligente y organizado, se quiebran las distancias, se las anula."
"Así, se pueden realizar funciones que se ejecutan sin interrupción en la vida cotidiana. Primero, las compras se hacen en una cooperativa ubicada en el centro del edificio. En tanto, la unidad de habitación agrupada permite tener sol para cada vivienda; espacio, algo que todos buscan lejos, y pone la vegetación al alcance de todos, alrededor de la casa."
Tomado dearquitectura.com
Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...
En cuanto a la pura construcción es un perfecto ejemplo de sus famosos cinco puntos de la nueva arquitectura (1926)
El edificio se apoya en gigantescos pilotis que eliminan las humedades y dan un espacio interno utilizable para numerosos usos.
Tomado de http://unidadmarsella.blogspot.com.es/
La estructura de hormigón de grandes pilares permite tanto la planta libre (que puede ser distinta en cada planta) y la fachada-cortina, con tantas ventanas como se quiera, pues tanto los muros interiores como exteriores no son sustentantes (Lo puedes ver explicados en el artículo dedicado a la Escuela de Chicago
Tomado de etsamtaller10madrigalbeatriz.blogspot.com/
Planos
Tomado de http://unidadmarsella.blogspot.com.es/
Las ventanas apaisadas y corridas proveen una máxima luminosidad, reservando la intimidad.
La terraza-jardín. Los nuevos sistemas de cubrición permiten prescindir de los tejados clásicos para crear una terraza plana verdaderamente ejemplar, que incluía una piscina una pista del atletismo de 300 metros, un gimnasio cubierto, un club, enfermería, guardería y, espacio social.
Terraza
Tomado de juanantoniochamorro.wordpress.
A todo esto se añade la utilización del hormigón armado en crudo, sin tratamiento ni pintura
(Todos estos puntos pueden verse ejemplificados en la Casa Saboya en
http://www.hiru.com/es/artea/artea_03520.html
Sin embargo, la Unité va algo más allá del puro funcionalismo de la primera época de Le Corbusier, y ya está anunciando lo que será su obra madura.
Por una parte es sumamente interesante el propio uso del material, que como ya dijimos no se encubre ni pinta. Sus colores grisáceos, sus texturas, su pasividad dan una fuerte expresión a la obra (más allá de lo puramente utilitario) y anuncian lo que el propio Le Corbusier denominará como brutalismo.
De la misma manera tanto la colocación de vanos (que supera la regularización seriada), como sus profundos balcones que juegan con el sol y la sombra (antecedente de los futuros brise-soleil),
Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...
y sobre todo alguna de las estructuras de su terraza que la convierte en un verdadero paseo arquitectónico, juegan con formas masivas, elípticas, curvilíneas y en revolución que hacen recordar mucho a Gaudí y su famosa Pedrera.
Tomado de es.wikiarquitectura.com/index.php?title=Unite...
Es el triunfo del sentimiento y la forma sobre la estricta utilidad y raciocinio que abrirá las puertas al neoexpresionismo posterior de Notre Dame de Rochard o Chardigart
Nuestra Señora de Haut. Le Corbusier
En resumen: una verdadera máquina para vivir en donde se une el maquinismo (su silueta se inspira en un gran barco), la modernidad de sus materiales pero sin descuidar el aspecto humano en todas sus facetas, incluso en sus propias dimensiones, basadas en su famoso modulor (un sistema de medidas casi renacentista, pues se basa en el número aúreo, para la modernidad)
Sus imitaciones han sido incontables en las grandes ciudades, aunque muy a menudo superficiales, como estas que podéis ver del barrio de la Concepción en Madrid, verdadero ejemplo de antiurbanismo que habría escandalizado a Le Corbusier
.
Para saber más os recomiendo este vídeo
http://www.youtube.com/watch?v=Tyr4KJuIgjI
Vicente Camarasa
LA BIBLIA EN PIEDRA. SANTO DOMINGO DE SORIA
Si el arte románico es una forma de dominación sobre las clases más bajas (como asegura Sureda y nosotros hemos intentado explicar en el Miedo Románico), evidentemente las imágenes eran fundamentales para una sociedad casi por completo analfabeta. Esta es la idea de la Biblia en piedra: la iglesia románica se convierte en el lugar en donde la escultura explica los libros sagrados y sirve para crear el sistema moral que deben de cumplir las personas.
EL RESTO DEL ARTÍCUO SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG
HOLBEIN. LOS EMBAJADORES. Una vanitas escondida pero también muchas otras cosas
Os quiero presentar un cuadro que me ha fascinado desde hace ya tiempo
La denominación tradicional son los embajadores, os los presento
Jean de Dinteville a la izquierda, era embajador de Francia en Inglaterra en la fecha del cuadro. A la derecha encontraréis a su amigo, Georges de Selve, obispo de Lavaur, que fue ocasionalmente embajador de la Santa Sede:
Ambos se habían reunido precisamente en Londres para unas conversaciones secretas y espinosas: las de mediar entre Inglaterra y Francia para evitar una ruptura entre ambos países (por culpa del famoso matrimonio de Enrique VIII con Ana Bolena) y crear así (junto a la Santa Sede) una fuerza compacta contra el emperador Carlos V.
Os cuento todo esto para que valoréis un aspecto poco tenido en cuenta en el Renacimiento: el renacer de la política. Figuras como Maquiavelo, Tomas Moro o Castilglione, y basándose en autores clásicos como Tito Livio, darán fuerza a esta nueva actividad en donde hay que combinar la razón renacentista, su idea de armonía y equilibrio, la discreción… hasta convertirla en una verdadera obra de arte (como ya la denominara Burckhardt). Un verdadero triunfo de lo humano que pretende (nada menos) llegar a controlar el destino por medio de la razón.
Otro de sus rasgos típicamente renacentistas es toda la amplia recapitulación que hace del mundo en la mesa y estantería trasera. En ella podemos ver desde la ciencia hasta la música (Alberti hablaba constantemente de la armonía musical como el máximo representante de la belleza, por su componente matemático y a la vez sensitivo que permite al hombre conocer más allá de sus sentidos).
En cuanto a la ciencia es especialmente geográfica (con sus astrolabios, mapas…) que nos recuerdan la importancia de los descubrimientos científicos a la hora de hacer un nuevo mundo por completo distinto a lo medieval. Una ciencia que, una vez más, se une al control político (precisamente el del emperador Carlos V que controla el Nuevo Mundo, siendo sus riquezas el motor último de su poder)
Pero el cuadro, además de una loa a la política, la música o la ciencia, es también un perfecto ejemplo del mundo manierista y sus contradicciones. Como muchas obras de la época, su mensaje es sumamente oscuro, pues estaba destinado para una élite (incluso, a veces, para una sóla persona) y está lleno, por tanto, de simbolismos pocos conocidos.
Hay sin embargo un detalle sumamente relevante. El libro que se encuentra junto al laúd
Éste, en la página de la izquierda, muestra la traducción del primer versículo del himno Veni sancte Spiritus de Lutero y la de la derecha la introducción a la Versión abreviada de los Diez Mandamientos del mismo Lutero al que Holbein conocería en Basilea antes de su traslado definitivo a Inglaterra.
Nos sitúa, por tanto, la reforma dentro del panorama internacional de los dos embajadores. De nuevo la política, aunque sea disfrazada de formas religiosas; y de nuevo un ataque a Carlos V, el paladín de la religión Católica.
Por cierto, y ya antes de entrar en el último tema, ¿alguien había visto el crucifijo en la parte izquierda del cuadro, casi oculto por el cortinaje?
Todo esto siempre me ha parecido fascinante, pero lo que siempre me llamó la atención fue siempre esa mancha que ocupa toda la zona central. Un hueso de sepia, han dicho, aunque realmente es una calavera pero hecha de una forma particular.
En realidad se trata de una anamarfosis, una peculiar perspectiva que ya explicamos en otra ocasión. Una figuración deformada por medio de un sistema que desconozco (¡Ana, socorro!) que necesita ser vista de forma lateral, como podéis ver en esta fotografía.
Y es que el cuadro se encontraba en la pared del fondo de una sala, y no sería verdaderamente visto hasta que el espectador saliera por una puerta lateral que se encontraba a su lado. Como veis una verdadera sorpresa manierista que juega con el espectador poco avisado (justo lo contrario de lo que hará el barroco, que conducirá siempre de la mano a este espectador para que vea lo que se quiere transmitir, sin pedirle ningún otro esfuerzo que el asombro)
Con esta calavera de pronto todo el cuadro cambia de mensaje y se convierte en una vanitas, una reflexión sobre la muerte y la fugacidad de las cosas mundanas, como la política, la ciencia, la música, la propia belleza. Un mensaje que niega todo lo anterior y que es reafirmado por la cuerda rota del laúd y que, una vez más, nos lleva a la contradicción manierista de un arte sin sentido final o cerrado. Un gran rompecabezas que una y otra vez hay que componer para deleite intelectual del espectador educado.
Para saber más
http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/h/holbein/hans_y/1535a/index.html (imágenes en gran tamaño)
http://yo-y-el-arte.blogspot.com/2006/12/holbein-y-los-embajadores-2.html
Todas las fotos tomadas de http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Embajadores
Vicente Camarasa
SOBRE LA PERSPECTIVA LINEAL Y AEREA
Ana ha publicado en su blog un espectacular (y muy didáctico) post de la perspectiva que hace un repaso, especialmente, a los dos grandes modelos renacentistas: la lineal y la aérea
Sencillamente genial
LA IDEOLOGÍA NOBILIARIA EN EL ROMÁNICO
Tal vez David y Goliat. Vezelay
Hoy hemos estado hablando en clase de los nobles y su manera de pensar aprovechando unos fragmentos de la Chanson De Roldán. La importancia que tiene para ellos la valentía, la victoria, la fuerza física o el honor, unas ideas que habían heredado desde muy lejos (son las de los pueblos bárbaros que conquistaron el imperio romano) e hicieron del feudalismo una sociedad violenta. Lo puedes ver con numerosas fotos en el Tapiz de Bayeu y su enlace al blog de JV.
Tomado de http://ojosoria.blogspot.com/2008/10/san-miguel-de-gormaz.html
Junto a estas ideas típicas de las sociedades que hacen de la guerra una de sus principales actividades, la importancia que fue teniendo la iglesia hizo que muchas de estas características se fueron cristianizando, como la Tregua de Dios (que impedía luchar en días sagrados) o reconvirtiendo la guerra en una guerra santa, una yihad como la que practicaban los islámicos.
El noble se convierte así en la espada de Dios. Utiliza su violencia para derrotar al mal que acecha en todos los lugares, como podéis ver en este capitel segoviano (San Juan de Caballeros)
Vezelay. Mira el demonio en el centro
Vezelay. Recuerda que el arte románico es muy simbólico. En este caso el león sería el pecado.
Aparecen además continuos santos-guerreros, como San Miguel, con los que se puede identificar perfectamente el noble
Estella. Iglesia de San Miguel
Pero a esos nobles les podemos ver también en otras representaciones del arte románico. Cuando un campesino observaba los famosos pantocrator de portadas y ábsides no sólo estaba viendo al Dios Justiciero, sino a un poder más cercano, el del señor feudal que, igual que la divinidad, tiene el poder de la justicia sobre sus siervos. Su imagen es toda una advertencia a esos campesinos analfabetos sobre la mirada del noble que todo lo ve y castiga por ello, antes incluso de la muerte.
Portada de Conques. Francia
Pero además los nobles tienen otra función. Una parte de las riquezas que generan sus feudos y conquistas terminan pasando a la iglesia. El miedo al infierno, el interés por una iglesia que reza por ellos pero también les controla a sus siervos con el miedo, les hace donar terrenos, pagar construcciones… Para que a nadie se le olvide de este acto los vemos aparecer en capiteles y pinturas ofreciendo una iglesia, como vemos en este capitel
San Lázaro de Autum
Imágenes y texto: Vicente Camarasa
LOS COLORES MANIERISTAS CON EL GRECO COMO EJEMPLO
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco
El manierismo (especialmente el denominado frío frente al cálido de un Miguel Ángel o sus seguidores) es un estilo aristocrático, dirigido a personas de cultura, refinadas, un tanto hartas de la perfección formal del Renacimiento clasicista. Por ello se buscará lo artificioso, aquello que nunca se haya hecho, lo sorprendente, lo imaginativo.
Partiendo de esta idea es lógico que nos encontremos de un estilo que huya tanto del naturalismo como del idealismo. Se trata de una búsqueda (individual) por la sorpresa, el artificio…
Esto lo podemos ver perfectamente en los colores. Esos tonos metálicos, tornasolados o (y) ácidos que invadieron todas las grandes obras del momento.
Los tonos metálicos son aquellos que se vuelven blancos al darles directamente la luz, como ocurre con el metal, produciendo reflejos. Los podéis ver perfectamente en este cuadro de su apostolado (también en la imagen que abre el artículo)
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco
En cuanto a los tornasolados (en el fondo una evolución fantasiosa de los metalizados) son aquellos que cambian de tono con la luz, pudiendo pasar del verde al amarillento, como vemos en muchas ocasiones en los cuadros del Greco
Fijaros en la capa del ángel
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco
Lo de colores ácidos es más complejo de resumir, pues en el fondo nos encontramos con una metáfora sinestésica (es decir, que pasa un adjetivo de un sentido, en este caso el gusto, a otro, la mirada). Estos colores (muy típico el amarillo verdoso) es un color tan chirriante en el ojo como chupar un limón (¿No lo percibís? Es esa misma sensación). Colores inestables y muy difícilmente representables en la memoria, vociferantes, llenos de aristas.
Lo mejor para comprenderlos es verlos.
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco
Vicente Camarasa
CHEMA COBO Out of frame.
Panorámica
Pude ver esta exposición en el CAC de Málaga, un museo verdaderamente arriesgado en sus producciones, con un criterio amplio pero riguroso que tanta envidia da cuando uno lo lee en los culturales.
Yo no conocía al autor más que por alguna obra suelta y me fascinó su evolución y coherencia.
La promesa
Me gustó su posmodernidad tan lúcida que es capaz de jugar con nosotros y contarnos dos discursos a la vez. Uno visual, sosegado, de citas culturales evidentes (desde el impresionismo hasta las piscinas de Harvey o la Última Cena de Leonardo despojada de todo más que de su caja espacial, por otra parte girada) que de pronto se interrumpe, se disloca cuando leemos sus títulos. (si lo vaís haciendo lo comprenderéis)
La última Cena
Es la contaminación de los géneros de la posmodernidad, en donde la obra se fracciona (en realidad lo hace el espectador ante ella) con mensajes contradictorios entre texto e imagen que nos obligan a repensar la imagen tras leer el título y darnos cuenta de lo frágil que puede ser nuestra percepción, de cuán fácil es engañarnos (como insiste Ana en sus artículos sobre publicidad)
Capitalismo popular
Por eso acaso no sea nada frívolo su Caverna de las ideas (el mito de la luz y la oscuridad pero también del conocimiento y la ignorancia dado la vuelta, pues ¿la bola de la discoteca es la luz, el saber, o su simple tergiversación, su salida trasera?)
La caverna de las ideas
Vexation
Y es que los cuadros de Cobos juegan con numerosas tensiones, también puramente estilísticas. ¿Son abstractos, juegos de color que lejanamente se asemejan a la realidad, o son imágenes desvaídas, sin cuerpo, como lejanos recuerdos? Algo a lo que tan bien juega Barceló
Detalle de Capitalismo popular
No cruce la escena
Posibilidad
Una obra en principio fácil y decorativa que se contradice a sí misma y deja, al final de la observación, al espectador más perplejo. Pues más que certezas nos genera dudas sobre la realidad y sobre el mismo hecho de pintar, un recuerdo que va más allá de lo visual para ingresar en el terreno de las ideas o, peor quizás, el de los espejos, siempre tan peligrosos, como ya nos advirtió el gran posmoderno antes de la posmodernidad, que fue Borges en donde todo es tan verdad (o mentira) como el lector quiera penetrar en sus fantásticos laberintos para ver la Últimas noticias
Últimas noticias
Imágenes y texto: Vicente Camarasa