FOTOS PARA REPASAR EL NEOLÍTICO Y LAS EDADES DEL COBRE (CALCOLÍTICO Y DEL BRONCE)

Como ya sabéis una de las grandes características que definirá el neolítico es la aparición de la agriculltura y la ganadería. Por ello en algunos yacimientos es posible encontrar algunos instrumentos relacionados con ellos.

 

 

Hoz neolítica (Museo de San Isidro)

 

 

Molino neolítico (Museo de San Isidro)

 

La producción de excedentes generará la necesidad de recipientes para guardarlos. El mejor de ellos será la cerámica, que se encontrará en los yacimientos del Neolítico avanzado. Se la suele denominar cerámica cardial, pues en ella aparecen pequeñas incisiones (cuando el barro estaba húmedo) realizadas por una concha llamada cardium

 

Cerámica cardial (Cueva d l' Or)

 

Durante el Calcolítico se iniciará la metalurgia, se inventarán nuevas formas de cultivo (regadío) y aparecerá la llamada cultura megalítica que puedes ver si pinchas aquí.

Junto a algunos de estos megalitos han aparecido ídolos de forma humana muy esquemática y dos grandes ojos radiados (tienen como rayos de sol)

 

 

Ídolo placa (Museo Arqueológico de Madrid)

 

Durante el Bronce, en España se desarrollará una potente civilización denominada el Argar (Almería) que mantendrá contactos comerciales por el Mediterráneo, creará sus pequeñas aldeas en zonas altas y rodeadas de murallas.

Uno de sus principales actividades será la metalurgia de bronce (aleación de cobre y estaño, más resistente).

 

 

 

Moldes para armas de bronce. Argar (Museo Arqueológico de Madrid)

 

Sus enterramientos ya no serán colectivos, sino individuales (signo de una mayor diferenciación social, que se puede ver en sus ajuares funerarios). Una de sus formas de enterramiento típicas son las grandes cerámicas en donde el cadáver se colocaba en posición fetal

 

 

Enterramiento Argar (Museo Arqueológico de Madrid)

 

También elaborarán una singular cerámica de color negro y formas globulares que es bruñida tras ser cocida.

 

 

Cerámica argárica (Guadix)

 

En el bronce tardío, en numerosas zonas aparecerá una cultura llamada del Vaso campaniforme (en forma de campana).

 

 

Vaso campaniforme (Museo de San Isidro)

 

Muy cerca de nosotros, en Ciempozuelos, han aparecido numerosos restos de esta cerámica campaniforme a la que se añaden dibujos geométricos hechos con pasta blanca

 

 

 

Vaso campaniforme (Museo Arqueológico de Madrid)

 

Vicente Camarasa

NUESTRO PRIMER PREMIO

 

 

 

 

Gonzalo Durán, desde su blog línea serpentinata

http://lineaserpentinata.blogspot.com

nos ha concedido nuestro primer premio: "Olha que blog Maneiro!", que viene a traducirse así como "Mira qué blog tan bonito" o tan creativo.

El orgullo es doble, pues no se trata sólo un premio a nuestra labor, sino que está concedido por un profesor de Geografía e Historia de sólidos conocimientos de arte y una sensibilidad probada una y otra vez en sus post.

La aceptación del regalo, conlleva la aceptación de UNAS NORMAS 

  

En cuanto a la elección de los blogs, nuestro modelo de trabajo en equipo me impide ser el único responsable de dar los diez premios, por lo que propongo a los colaboradores del blog que manden por correo o directamente a los comentario los blogs que queráis poner para volver a editar este artículo una vez hecha la lista

 

1. http://francale.wordpress.com
2. http://pepetoideas.blogspot.com
3. http://arelarte.blogspot.com
4. http://artetuyo.blogspot.com
5. http://www.futuropasado.com/
6. http://www.letra.org/spip/sommaire.php
7. http://nannysusi.wordpress.com
8. http://davidprofesociales.wordpress.com
9. http://artescontemporaneos.com
10. http://www.floresenelatico.es/index.htm

Vicente Camarasa

 

LA HISTORIA DE LA VERA CRUZ

 

 

Monte Calvario o Gólgota. Primitivo enterramiento de Adán y lugar de la crucifixión y entierro de Cristo

 

Tomada de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Golgotha_hill2.jpg

 

Según tradiciones judaicas, al morir Adán fue enterrado en el Monte Calvario (en donde luego crucificarían y enterrarían a Cristo), llamado Gólgota por los hebreos. Sin embargo, antes de expirar, Adán mandó a su tercer hijo, Set, al Paraíso. Le envió con la petición de recoger el aceite de la misericordia que Dios le había prometido cuando le expulsó del Paraíso.

 

 Muerte de Adán. Piero della Francesca. Arezzo. Quattrocento

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca_036.jpg

 

Set siguió el camino marcado por sus padres en donde no había vuelto a crecer la hierba y llegó a las Puertas del Paraíso. Se entrevistó allí con su ángel guardián que le negó el aceite pero le dio tres semillas del Arbol del Bien y del Mal (el de las famosas manzanas).

Al regresar encontró a su padre a punto de morir, y cuando le enterraron depositó las tres semillas bajo su lengua.

Noé recogió este sepulcro para salvarlo del diluvio y ordenó a su hijo llevarlo a un alto monte. Fue allí cuando germinaron las tres semillas en un solo árbol que era un ciprés, una palmera y un cedro.

Muchísimos años después Moisés fabricó su famosa cayado con una de sus ramas, y Salomón cortó el árbol para hacer las columnas de su famoso templo. Sin embargo, la madera no fue adecuada para la construcción y fue convertida en maderos que sirvieron como puente para la entrada triunfal de la reina de Saba

 

 Salomón y la reina de Saba. Piero della Francesca. Arezzo. Cuattrocento

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca-_Legend_of_the_True_Cross_-_the_Queen_of_Sheba_Meeting_with_Solomon.JPG

 

Tras ello fueron abandonados en una zona en donde surgieron manantiales que muy pronto tuvieron fama de curativos. Se hicieron en ellos las piscinas probáticas,  a donde acudían ciegos, tullidos… en busca de un milagro que les librara de sus males, tradición que aún continuaba en tiempo de Jesús.

Esas mismas tablas fueron utilizadas para construir la cruz de Cristo, uniendo así Adán con Él para indicar simbólicamente que el Pecado original de Adán es borrado por el sacrificio de Cristo que, tras su muerte, abra las puertas del Limbo y lleva a los patriarcas del Antiguo Testamento al Cielo

 

Anastasio o Bajada de Cristo al Limbo, iconografía que será típica del arte bizantino. San Salvador in Chora (Estábul, siglo XIV)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Chora_Anastasis.jpg

 

Este el mensaje oculto del famoso Descendimiento de Van der Weyden, con una calavera (la de Adán) en la que termina la espectacular diagonal que une las manos de Cristo y la Virgen

 

Van der Weyden. Descendimiento

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-a8adc4500b1415c0bee0616f5a1f13e1.jpg

 

 

Pero la historia no acaba aquí, sino continúa 300 años después, cuando Constantino tiene un sueño antes de la batalla del Ponte Silvio sobre Majencio. En él un ángel le muestra la cruz mientras le dice: Con este símbolo vencerás.

 

El sueño de Constantino. Piero della Francesca. Arezzo. Quattrocento

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca_017.jpg

 

Constantino hace pintar el signo de la cruz en los escudos de sus soldados y, tras la victoria, se convierte al cristianismo, primero él y pocos años más tarde a todo el imperio, convirtiéndolo en religión oficial de Roma (Edicto de Milán, 330).

 

La victoria de Constantino en Ponte Silvio

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Piero_della_Francesca_038.jpg

 

Tras ello, su madre, Santa Helena, se traslada a Jerusalén en busca de la Cruz de Cristo y fatiga esas tierras calcinadas repartiendo oro a raudales en busca de una pista que le conduzca a ella. Ésta se la dio un tal Judas (siempre el mismo nombre para el traidor, pues era judío).

 

Judas, bajo tormento, revela el escondite de la cruz

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Piero_della_Francesca_018.jpg

 

Sin embargo, cuando comenzaron a excavar en el sitio adecuado encontraron tres cruces (la de Cristo y la de los dos ladrones). Santa Helena, que ante nada se arredraba, enseguida concibió un plan para saber cual de las tres era la divina, colocando sobre ellas a leprosos que, lógicamente, curaron en contacto con la cruz de Cristo

 

Encuentro de la Vera Cruz por Santa Helena. Piero della Francesca. Arezzo. Quattrocento

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca_017.jpg

 

Santa Helena mandaría realizar la Iglesia del Santo Sepulcro y dejará un gran trozo de cruz en la misma. El resto se mandará a Roma y se hirá haciendo astillas. Son los llamados lignum crucis. En España se exhiben varios aunque el de tamaño mayor se encuentra en San Toribio de Liébana (Cantabria)

 

La conocida importancia que tuvo la Edad Media por las reliquias hizo que se generara un comercio (y falsificación) de las mismas. El lignum crucis será una de las que más sufrió este proceso y, en la actualidad, si juntáramos todos los trozos de la cruz de Cristo crearíamos un bosque entero con el que sería posible construir tres grandes navíos de madera.

Por otra parte, y como recuerdo de toda esta historia, numerosas localidades celebran las fiestas de las cruces, que engalanan en patios y esquinas con flores y todo tipo de adornos (Aquí tienes las de Baeza)

 

Las Cruces de Mayo. Córdoba.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Cruz_de_mayo_bailio.jpg

 

 

Para saber más

http://www.herenciacristiana.com/museo/veratxt.html (Visión crítica)

http://yo-y-el-arte.blogspot.com/2007/05/la-leyenda-de-la-vera-cruz-1.html (Explicación de la leyenda sobre los frescos de Piero della Francesca)

 

Vicente Camarasa

EL PENSADOR DE RODIN. UN MODERNO MUY CLÁSICO (Cuarta parte y final)

 

Si, una vez más, nos fijamos en el Pensador, descubriremos la modernidad de su tema, sin conexión con la religión o la mitología. Rodin renuncia a ponerle ningún tipo de ropajes literarios para representar a un hombre, como Manet utilizará a unas prostitutas y unos simples burgueses en vez de dioses del Olimpo para su famoso Desayuno en la Hierba.

Sin embargo, fijaros en la postura de su mano sobre la cara. ¿No os suena de nada?

 

 

Éste es el famosísimo grabado de Durero, la Melancolía

 

 

 

Ya Panofsky puso en relación ambas obras en su obra Nacidos bajo el signo de Saturno. Hablaba de que esta postura era la forma iconográfica de expresar el temperamento melancólico, el que prefiere recordar a actuar, atrapado en un mundo neoplatónico donde la realidad es un puro espejismo y sólo existe una verdadera visión interior.

Esta interpretación se extendería a una obra que hace poco comparábamos con Rodín, el retrato de Lorenzo de Medici de Miguel Ángel.

 

 

Tomado de ataifores.blogspot.com.es

 

Sin embargo, otros autores han intentado otra explicación iconográfica. Quizás la más atrevida y sugerente ha sido la de Chastel (El gesto en el arte), el llamado signo harpocrático: la mano o el dedo sobre la boca para representar el silencio que debe mantener un sabio, no comunicando sus saberes más que a aquellos elegidos que sepan hacer buen uso de ellos.

Esta idea se origina en la doctrina gnóstica egipcia y muy pronto pasará al gnosticismo helenístico y cristiano que pretenderá una lectura simbólica de los evangelios.

 

 

Harpócrates egipcio

Tomado de http://www.davidicke.com/forum/showthread.php?t=24416&page=4

 

 

De ser cierta esta teoría habría que leer de otra manera la propia obra de Durero, Miguel Ángel y, por supuesto, Rodin. Ya no se trataría de una imagen arquetípica del hombre como razón sino de una verdadera advertencia sobre los peligros de la razón y su comunicación a los demás, lo cual no estaría realmente muy lejos de algunas obras maduras de Rodin, llenas de un profundo simbolismo, como las dos famosas manos llamadas La Catedral.

 

 

 

 

Menos mal que Rodin era moderno

 

 

OTROS ARTÍCULOS SOBRE EL PENSADOR

La composición

Las texturas

La expresión

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Vicente Camarasa

LA ARQUITECTURA DEL HIERRO Y DEL CRISTAL. UNA POLÉMICA REVOLUCIÓN

 

Palacio de Cristal. Madrid. Velázquez Bosco

 

El siglo XIX fue el de la expansión de la Revolución industrial por Europa Occidental y EE UU. Sus nuevas formas de producción (trabajo en cadena), sus materiales (especialmente el acero) y sus nuevas necesidades (estaciones de ferrocarril, puentes, mercados…) renovaron por completo la arquitectura del momento, iniciando la llamada arquitectura del hierro y cristal que es el antepasado directo de nuestros edificios actuales.

 

 

 Estación de Atocha. Madrid

 

Puente de Triana. Sevilla

 

Esta revolución arquitectónica se basó especialmente en un nuevo material, el acero. Sus cualidades le permitían una construcción más rápida y barata (las piezas ya llegaban hechas a la obra y sólo era necesario montarlas), a la vez que (gracias a su resistencia) conseguían eliminar los soportes internos, consiguiendo arquitecturas diáfanas (sin obstáculos visuales), con gran cantidad de generar un espacio interno muy amplio, adaptable a cualquier necesidad.

 

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Ambas imágenes pertenecen al Mercado Central de Valencia. Observa como no existen columnas intermedias lo que permite una visión diáfana (sin obstáculos visuales) que puede adaptarse a las necesidades prácticas.

 

 Mercado del Born. Barcelona

 

Mercado de San Miguel. Madrid

 

Junto al acero, otro material será protagonista: el cristal. Gracias a las nuevas tecnologías este cristal era mucho más resistente que el vidrio antiguo, pudiendo cubrir grandes espacios que permitían la iluminación natural de las arquitecturas a la vez que eliminaba peso muerto en las paredes de las obras.

 

 

 

Palacio de cristal en Madrid.

También fue utilizado como invernadero de la flora de Filipinas para una exposición Iberoamericana.

 

Sin embargo, y pese a todas estas ventajas, la nueva arquitectura tuvo serios problemas para imponerse. El principal de ellos era su falta de belleza (entendida en el sentido tradicional). Los arquitectos más clásicos sólo veían en estos edificios un puro amasijo de hierros.

El cable inglés. Almería

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Por ello, las primeras obras del estilo serán obras de ingenieros, no de arquitectos. Obras esencialmente práctica (utilitarias) como estaciones de ferrocarril, puentes… u otras simplemente efímeras (pensadas para ser utilizadas durante un cierto tiempo para luego ser desmontadas), siendo fundamental para su desarrollo las Exposiciones Universales.

Palacio de Velázquez. Madrid.

(Pabellón para la Exposición Nacional de la Minería de 1883)

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Quizás la obra más emblemática (y primeriza) de este nuevo estilo sea el Pabellón que Paxton realizó para la Exposición Universal de Londres.

 

 Paxton Pabellón Exposición Universal de Londres.(Cristal Palace, 18541)

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Joseph_Paxton

 

Su forma está inspirada en la estructura de los invernaderos (de los cuales era experto Pastón) y tenía las ventajas de su diafanidad, gran espacio interior e iluminación natural. Era, además, el perfecto lugar para exponer las últimas novedades generadas por la industria, precisamente en un marco arquitectónico puramente industrial.

 

Sin embargo, el gran éxito de la arquitectura del hierro y el cristal fue la famosa Torre Eiffel, también edificada para una Exposición Universal (la de 1889, primer centenario de la Revolución francesa).

 

Pensada de forma efímera se decidió mantener pese a no tener una clara utilidad. Ante esto hubo una gran polémica. Fijaros en la carta que escribieron artistas y personajes relevantes de la cultura francesa

 

Escritores, escultores, arquitectos, pintores y aficionados apasionados por la belleza hasta aquí intacta de París, queremos protestar con todas nuestras fuerzas, con toda nuestra indignación, en nombre del gusto francés mal apreciado, en nombre del arte y de la historia franceses amenazados, contra la erección, en pleno corazón de nuestra capital, de la inútil y monstruosa Torre Eiffel. ¿La ciudad de Paris será por más tiempo asociada a las barrocas y mercantiles imaginaciones de un constructor de maquinas para deshonrarse y afearse irreparablemente? Pues la Torre Eiffel, que ni la misma y comercial América querría, es, no lo duden, la deshonra de París. Todos lo sienten, todos lo dicen, todos se afligen profundamente, y no somos más que un débil eco de la opinión universal, tan legítimamente alarmada. Por último, cuando los extranjeros vengan a visitar nuestra Exposición, exclamaran sorprendidos:

“¿Cómo? ¿Éste es el horror que los franceses han encontrado para darnos una idea del gusto del que tanto presumen?

 

Tomada de http://habanemia.blogspot.com/2008/11/la-torre-eiffel.html

 

Realmente lo suyo no era la profecía, pues como todo el mundo sabe, la torre Eiffel muy pronto se convirtió en una de las imágenes más conocidas de París.

 

Se equivocaron por completo, pues el tiempo terminaría por demostrar que estos nuevos materiales (sin adornos) serían el gran futuro de la arquitectura. Primero en los rascacielos de la Escuela de Chicago, luego en toda la arquitectura del XX y XXI

 

 

Ciudad de las Ciencias y las Artes. Calatrava. Valencia. Aún en proceso de construcción en 2009

 

 

Frente a todo ello, es habitual que dentro de esta arquitectura, y pese a sus esqueletos y tectónicas radicalmente novedosas, exista toda una intención de recordar estilo anteriores (neos, historicismo, modernismo...) que dieran una máscara más clásica (y bella para el concepto de ese momento)

 

                  Mercado del Born. Barcelona

 

Mercado de San Miguel. Madrid

 

Galeria Humberto I, Nápoles

 

Pasaje Gutiérrez. Valladolid

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Y muy a menudo neo-orientalista

Estación del Orient Express (Estambul)

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OBRAS COMENTADAS

 

Torre Eifell (París)

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Mercado de San Miguel. Madrid

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Palacio de Velázquez (Madrid)

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Palacio de Crital (Madrid)

 

Mercado del Born. Barcelona

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Los tinglados del puerto. Valencia

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Puente de Triana, Sevilla

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Centro comercial Plaza de Armas. Sevilla

El cable inglés. Almería

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Galeria Humberto I, Nápoles

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Pasaje Gutiérrez. Valladolid

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Estación del Orient Express (Estambul)

 

 

Si quieres saber más

http://www.marcvidal.cat/pindoles/2007/07/el-proceso-cons.html (La Torre Eiffel)

http://es.wikipedia.org/wiki/Torre_Eiffel (Todo lo que quieras saber sobre la Torre Eiffel)

http://isg-cosasquehacenquelavidavalgalapena.blogspot.com/2008/10/arquitectura-del-hierro-y-el-cristal.html (Interesante artículo con muy buena selección fotográfica, tanto internacional como en España)

 

Vicente Camarasa

BREVÍSIMA HISTORIA DEL COLOR (Primera Parte)

 

Tomado de http://campodifiore.wordpress.com/2008/04/23/probar-colorantes-en-un-jabon

 

Si queremos descubrir el importante papel que juega el color en una obra de arte, primero tenemos que intentar aproximarnos a lo que entendemos por color.

Al igual que la música, nos sirve para expresarnos (puesto que con él habitualmente reflejamos nuestro estado de ánimo) y es que muchas veces a lo largo de la Historia los artistas lo han empleado como canal a través del cual “materializar” sus sentimientos y emociones, es algo más psicológico que físico y por ello resulta difícil establecer una teoría del color. Aún así, son diversos los autores que de una u otra manera han intentado acercarse. Josef Albers ( profesor de la Bauhaus) en su obra La interacción del color descarta la parte más científica del color y se centra en pruebas experimentales muy sugerentes para los artistas. Considera que un color tiene muchas lecturas y sólo se puede conocer de forma objetiva cómo es de verdad si lo situamos en un entorno, pues un mismo color puede parecer diferente por la(s) interferencia(s) de otros.

También Goethe que, de una forma mucho más intuitiva considera que las personas incultas, los niños y las naciones salvajes tienen predilección por los colores llamativos, mientras que la gente refinada busca colores más suaves. 

 Por su parte, el filósofo griego Aristóteles considera que todos los colores están formados por los denominados principales (correspondientes al fuego, agua, tierra y cielo); tiempo después Leonardo da Vinci (creador del sfumato) para quien la atmósfera no es transparente sino que tiene color, define éste como propio de la materia...

 

Hace ya algunos años desde que, en 1666 e interesado por las cuestiones relacionadas con la óptica, Isaac Newton hace pasar un haz de luz blanca por un prisma para demostrar que ésta se descompone en lo que conocemos como los 6 colores básicos: rojo, naranja, amarillo (“cálidos”) verde, azul y violeta (“fríos”)

 

 

Tomado de http://www.gusgsm.com/book/export/html/122

 

Los colores se miden por longitud de onda (nanómetros), es decir, a nuestros ojos llegan ondas y dependiendo de su longitud vemos un color u otro ( entre los 400 y los 570nm “los fríos” y entre 570- 700nm “los cálidos”)

Asimismo, tres aspectos importantes a tener en cuenta son la luminosidad / brillo (hace referencia a la cantidad de luz de un color como característica propia), la saturación ( nivel de pureza respecto al blanco) y la temperatura ( que expresamos a través de sensaciones corporales como calor y frío)

Los colores tienen una serie de características objetivas o denotativas ( como el hecho de que los cálidos y los que tienen mayor luminosidad parece que están más cerca), pero también connotativas o subjetivas, en función del significado que cada uno le otorgue.

Por ejemplo, el rojo es un color dentro de la gama de los cálidos con múltiples significados, puesto que bien puede representar la vitalidad, la sensualidad, la virilidad, la energía, el amor, el peligro, la sexualidad o el erotismo. A continuación, algunos ejemplos en los que este color no se utiliza por casualidad.

 

 

MATRIMONIO ARNOLFINI. Van Eyck

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Arnolfini

En este cuadro llama la atención la cama (relacionada con las clases altas y la continuidad del linaje) de un rojo vivo como color fundamental ligado al principio de la vida y símbolo de la pasión ardiente y desbordada.

 

 

PAPA PABLO III. Tiziano

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Farnesio_(papa)

 

En este retrato de aparato, Tiziano consigue unir la introspección psicológica del personaje con su cargo, como podemos ver en el rostro (cansado) del Papa que sin embargo se rodea de un aparatoso y sensual manto de terciopelo de un rojo intenso que da idea de su poder.

 

 

EL EXPOLIO. El Greco

Muy habitual en las obras de este pintor la presencia de tonos cálidos (influencia veneciana) aquí aparece Cristo en el centro de la composición con un color rojo encendido que hace de él la figura principal en la obra (un gran óvalo central)

 

 

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO. Delacroix

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_Libertad_guiando_al_pueblo

 Un magnífico ejemplo de pintura romántica donde a través de colores cálidos como el rojo (con el que simboliza la fuerza, la guerra y la sangre) y la composición, logra acercar al espectador a la acción, involucrándole.

 

Mar San Segundo

EL PENSADOR DE RODIN. UN MODERNO MUY CLÁSICO (tercera parte)

 

A menudo se ha calificado a Rodin como un escultor impresionista. El término es, por lo menos, discutible (como ya decía Rafa sobre Debussy).

 

 

Los que así hablan  se apoyan sobre todo en las superficies ondulantes con las que el autor remata sus esculturas. Una intencionada indefinición de los contornos que hace que la luz pueda ir jugando con ellos, cambiando la escultura según vaya variando la incidencia de la luz.

Sin embargo, esto tampoco es nuevo, Como ya podéis imaginar, de nuevo, se encuentra Miguel Ángel entre medias. Está su famoso non finito, que dejaba sin terminar las esculturas y que Rodin utilizará muy a menudo, creando extraños efectos de nacimientos de la escultura desde la cárcel de piedra.

 

Miguel Ángel. Prisionero (esclavo)

Tomado http://patrickmarini.wordpress.com/2006/07/19/la-forza-poetica-del-non-finito

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Rodin. Danae

Tomado de http://www.realmagick.com/articles/72/1972.html

 

También es cierto que esta técnica Rodín la llevará mucho más lejos, al crear muchas de sus grandes obras sobre un boceto de cera y arcilla, que le permitirá trabajar la piel de las mismas de una forma casi táctil, consiguiendo estos asombrosos (y tan criticados en su tiempo) juegos de luz, como podéis observar en una de sus obras sobre los Burgueses de Calais.

 

(Algo semejante podemos encontrar en Degas, pintor y escultor a ratos que trabajaría en esos mismos momentos, pero sobre todo en la de Rosso, cuyas esculturas verdaderamente se deshacen ante la mirada del espectador)

 

Degás. En la bañera

Tomado de

http://www.miguelangelbetancur.com/blog/index.php/2009/01/10/la-obra-escultorica-de-pintores

 

 

Medardo Rosso.

Tomado de http://www.canal-educatif.fr/Video/Arts/014-Porte-Enfer-Rodin/Anglais/Gates-Hell-Rodin.htm

 

Quizás fuera un signo de los tiempos, de la modernidad que comenzaba a afianzarse creando un mundo urbano y fugitivo, como ansiaba Baudelaire. Un mundo sin límites precisos, cada vez más falto de contornos que nos conduciría (quizás) a la modernidad líquida de Bauman.

 

 

 

OTROS ARTÍCULOS SOBRE EL PENSADOR

La composición.

La expresión

Una interpretación iconográfica

 

 

Vicente Camarasa

EL MONASTERIO CISTERCIENSE DE VERUELA

 

 

Tomado de http://analizarte.es/2008/04/01/hdr-con-mucho-arte

 

JV ha colgado en su blog una preciosa presentación sobre el Monasterio cisterciense de Veruela, uno de los menos conocidos del Císter español. Si quieres entrar pincha aquí, verdaderamente merece la pena (tanto las fotografías como las pequeñas explicaciones que separan lo que fue cisterciense de las adiciones posteriores)