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Se muestran los artículos pertenecientes a Agosto de 2008.

UN PERRO ANDALUZ. Las imágenes más perturbadoras del cine


Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz
.(Buñuel)

 

 

Extraído de http://www.bbc.co.uk/spanish/specials/images/202_dali/020729_01dali600x400.jpg

 

Como dice el propio Buñuel: “esta película nació de la confluencia de dos sueños. Dalí me invitó a pasar unos días en su casa y, al llegar a Figueras, yo le conté un sueño que había tenido en el que una nube desflecada por la luna y una cuchilla de afeitar hendía un ojo. Él, a su vez, me dijo que la noche anterior había visto en sueños una mano llena de hormigas... Escribimos el guión en menos de una semana siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir las puertas a lo irracional”. Dalí comenta de ella : “son hechos reales o parecidos a los reales y por tanto enigmáticos, incoherentes, irracionales, absurdos, desligados y sin explicación”.

 

La película responde perfectamente al espíritu surrealista pues, como ya se ha visto, parte del inconsciente, los sueños, negando cualquier tipo de lógica Por otra parte, y como también es típico del estilo, se intenta romper con los tabues e ideas preconcebidas. (El surrealismo tienen un fuerte carácter revolucionario, tanto en lo general, siguiendo ideas marxistas, como dentro de la propia persona y su forma de ver el mundo) 

 

Pero, ¿qué ocurre en esta famosa historia? En sus escasa media hora no aparece ni un solo perro ni, tampoco, un andaluz (aunque algunos, como Gibson hablan de una broma privada entre Buñuel y Dalí con la que insultaban a Lorca, desde hacía unos meses bastante alejado de ambos). Hay sin embargo, una sucesión de historias sin conexión lógica, con numerosos saltos de tema, escenario o tiempo, que impiden cualquier explicación lógica. No hay hilo narrativo e, igual que en los sueños, los temas se mezclan, aparecen y desaparecen, se entrecruzan, sin producirse ningún final cerrado. Es el esbozo de lo que Dalí llamará el método paranoico-crítico, que pretende pintar los sueños y los estados alucinatorios.

 

Extraído de http://www.eoran.com/unchienandalou/espanol  

 

Una de sus escenas más memorables es la que da comienzo a la película, cuando el propio Buñuel secciona el ojo de una modelo impasible (fue un ojo de cordero) uniendo el movimiento del filo de su navaja con el leve movimiento de una fina nube sobre la luna. La escena es de un realismo tremebundo, aún mayor al producirse sin ninguna explicación. Su falta de moral para causar un daño que duele al propio espectador, provocó unas críticas extraordinarias durante su extremo. Era su sadismo, la gratuidad de la acción, que hablaba del hombre como ser animal dominado por impulsos de destrucción que muy pocos años después el régimen nazi se encargaría de corroborar.

Ese animal oculto que llevamos dentro era el objetivo final del surrealismo. Quitarle todas sus cadenas para enfrentarlo contra el bus gusto o, simplemente, la educación o la ética; todo un conjunto de enseñanzas heredadas que simplemente nos cubren con un ligero barniz nuestros impulsos más destructivos. En el fondo de esta actitud latía un romanticismo radical y, si nos fuéramos más lejos, la concepción negativa del hombre (un lobo para el hombre) que ya había propuesto Hobbes en el XVIII.

¡Basta ya de hipocresía; en realidad somos así, por mucho que nos intenten cambiarnos!; parecía decir toda la escena ¡Daros cuenta, nuestra civilización es sólo un sistema de convicciones! ¿o es que no recordáis la matanza de la Primera Guerra Mundial que dejó que murieran millones de hombres por unas aspiraciones tradicionales? El mal existe, por mucho que queráis cerrar los ojos y no verlo 

 

Junto a ella aparecen numerosas escenas sexuales (muy explícitas para la mentalidad de la época) y, por supuesto, el mundo de los insectos.

 

Extraído de http://yorecomiendo.files.wordpress.com/2007/01/chien2.jpg

 

Al parecer el origen de la imágenes, como se decía unas líneas más arriba, provenía de Dalí, que sentía una fobia terrible ante los insectos (langostas, mariposas, hormigas…)

Su aparición en multitud de sus obras (y la de algunos de sus amigos, como Lorca) la debemos entender como una forma de enfrentarse con sus propias pulsiones y hacerlas presentes en una actitud ambigua de rechazo-fascinación. Aquello que nos aterroriza pero a la vez nos atrae sin remedio, como ya había señalado Freud relacionando el eros (sexo, vida) y el thanatos (muerte).

Cirlot (un especialista en el surrealismo y sus símbolos) relaciona la hormiga con lo negativo, los mundos subterráneos, y por tanto la muerte (de esta manera utilizará el símbolo Lorca en sus Casidas)

 

 Extraído de http://apo.cmaisonneuve.qc.ca/villanova/miel/images/ane.jpg

 

Por último os propongo esta imagen, también típica de la iconografía de Dalí: un asno podrido. Desde sus primeras obras esta idea de la putrefacción es constante, e incluso el pintor la dio nombre en sus numerosos escritos: el estilo Camembert. Son los objetos fluidos por el efecto de su descomposición, imágenes que exploran el asco, lo innombrable, lo escatológico. Dalí se inspiró en Bataille (otros de los grandes teóricos surrealistas) y su libro, la Estética del escupitajo, para volver a referirse a temas prohibidos por ser de mala educación

En la mesa no se habla de esas cosas, os habrán dicho más de una vez, pues nuestra cultura suele renegar de todo tipo de temas escatológicos, aunque sean tan naturales como otros. Pero nos escondemos ante nuestras buenas maneras y los cambiamos por eufemismos, los convertimos en chistes… (todas ellas acciones de desviación que nos permiten hablar de ellas sin afrontarlas verdaderamente, según Freud).

Sin embargo, y de nuevo en esta actitud provocativa y transgresora que siempre tuvo el surrealismo, Dalí se complace en escribir y pintar sobre la mierda, lo podrido, lo asqueroso que nos obligue a enfrentarnos con el tema tabú sin pantallas protectoras. En realidad, un claro precedente del mundo gore.

 

Y es que el surrealismo tuvo (entre otras tantas influencias posteriores) la ampliación de los temas, la agresión al espectador, dándole un mazazo en su buena conciencia, convirtiendo el arte no en un refugio de belleza, sino en un cuchillo, un arma de descuartizar nuestras certezas, haciéndolas tambalearse.

En el arte último esta actitud ha llegado a crear una verdadera corriente llamada arte abyecto con artistas como Serrano, los hermanos Chapman o Hirst

 

Serrano. La Morgue. 1992

Extraído de http://www.elangelcaido.org/libros/032libro.html

 

 

Pero además de estas tres imágenes elegidas la película está llena de escenas llenas de una poética extraña y fascinante en donde el sexo, la muerte, el arte, la violencia, las metamorfosis se suceden sin orden. Si queréis verla entera (apenas 15 minutos) podéis encontrarla AQUÍ

 


 

Recordad cuando la veáis que no os podéis enfrentar a ella de la forma habitual sino que debéis entrar en el juego ilógico y dejaros llevar por él, sin intentar comprender sino sentir, abandonaros a la imágenes y sentir (casi con las vísceras) lo que provocan en vuestro interior. La experiencia es fuerte, pero merece la pena, encontraréis imágenes de una potencia visual increíble ¡que se rodaron con los medios de los años 20!

Si quieres saber más de la película puedes consultar

http://www.eoran.com/unchienandalou/espanol

Os resultará también interesante volver el artículo de Mar: "Tres cuadros de Salvador Dalí"  

 

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE DALÍ


 Vicente Camarasa

 

 

 

 

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EL CONCEPTO DE BELLEZA EN EL HELENISMO. La Victoria de Samotracia

 

 

El concepto de BELLEZA es universal e innato al ser humano, sin embargo, éste ha ido cambiando con el paso del tiempo. Basta con recordar algunas obras del Barroco, por ejemplo Las Tres Gracias, donde Rubens pretende, a través de tres mujeres de canon opulento y piel muy blanca, mostrar un ideal de belleza que, posiblemente se encuentra muy alejado de nuestra sociedad actual y, desde luego de la que tenían los GRIEGOS

 

¿Recordáis lo que para ellos era lo bello?

Teniendo en cuenta que para ellos el hombre era el centro de la cultura y su RAZÓN la medida, lo bello era LO PROPORCIONADO, EQUILIBRADO Y ARMÓNICO (y de ahí la importancia que cobran LAS MATEMÁTICAS Y LA GEOMETRÍA, que garantizan la relación de las partes con el todo, CONSEGUIDO a través del módulo y el canon)

Aunque parece que todo lo anterior será una constante durante el arte griego, lo cierto es que seremos testigos de una evolución que abarca desde la fase arcaica, la fase clásica (con maestros como Mirón, Polícleto y Fidias, los cuales conseguirán la máxima armonía) hasta llegar a la etapa helenística donde primarán aspectos como la EXPRESIÓN y el DINAMISMO.

Esto se puede ver perfectamente a través de una OBRA ESPECTACULAR (ya no hecha a medida del hombre y su razón sino para crear sensaciones) que, aún con el tiempo transcurrido, sigue provocando la admiración de todos cuantos la contemplan (el propio Marinetti la definió como" la belleza de la velocidad"), LA VICTORIA DE SAMOTRACIA

 

 

La Victoria de Samotracia. Louvre

 

Elevada sobre la proa de un barco de piedra (y en un origen con una fuente a sus pies en la que se reflejaba), esta escultura de bulto redondo con una función puramente estética, parece estar dedicada a conmemorar una batalla naval en la cual se proclamaron vencedores los habitantes de Rodas quienes derrotaron a Antíoco III (de Siria). Con ello se simboliza EL TRIUNFO o LA VICTORIA


Una talla de grandes dimensiones para la que se ha empleado un material típico del arte clásico como es el mármol (en este caso de Paros) y cuya superficie no está del todo pulida gracias al excelente tratamiento que el autor hace de este material.

La composición es claramente abierta, a base de diagonales y curvas que no hacen sino generar un INTENCIONADO DESEQUILIBRIO, con un modelado que denota gran expresividad, donde juega un papel muy importante la luz para generar ese característico claroscuro (visible a través de los entrantes y salientes que genera el plegado de los paños)

 

 

La figura representa a una mujer alada que, con las ropas agitadas por el viento e impregnadas por la humedad, batiendo las alas se posa sobre la proa de un barco y se lanza a la conquista de los mares

 

Comentario

De esta obra tan sólo se conoce su lugar de procedencia (Santuario de Cabiros. Samotracia) pues existen diversas hipótesis acerca de su verdadero autor que hacen dudar entre un griego llamado Pithókritos o un habitante rodense. Sea como fuere, sus grandes dimensiones, la gran diagonal que genera su cuerpo (con la sensación de inestabilidad y consiguiente dinamismo) y el exquisito tratamiento de las telas que absolutamente nada tiene que envidiar a los "paños mojados" de Fidias nos hace encuadrarla en el ARTE GRIEGO y más concretamente en su última etapa o PERÍODO HELENÍSTICO (aproximadamente s. IV a.C), época caracterizada por el final de las guerras del Peloponeso y la posterior conquista de Roma.


Aunque ya desde la fase post.clásica o manierista se viniese anunciando una considerable pérdida de belleza y equilibrio a favor de lo anecdótico, con autores y obras como Hércules Farnesio (Lisipo) o Ménade ebria (Scopas), lo cierto es que será durante esta última etapa cuando se tienda a la barroquización , a un mayor dinamismo (tanto físico como espiritual) y a la visible ruptura de las proporciones (que anteriormente tanto habían preocupado y muy presente en la arquitectura a través de obras colosales como el Mausoleo de Halicarnaso o el altar de Zeus en Pérgamo que se alejan del clasicismo de la Acrópolis)

 

 

La gigantomaquia. Altar de Zeus en Pérgamo

 

También debemos destacar durante este momento la aparición de numerosas escuelas donde conviven el idealismo y el realismo, la belleza y la deformidad, temas dramáticos (como en la escuela de Pérgamo y sus famosos galos que representan el momento de mayor intensidad) y cotidianos (con magníficos ejemplos en las tanagras o esculturas de barro cocido que representan a mujeres ancianas en situaciones domésticas) hasta llegar a la Escuela de Rodas a la cual pertenece la obra que comentamos y algunas otras de suma importancia y que influirán en épocas posteriores como el Laocoonte (que representa claramente un tema trágico) o el Toro Farnesio. Junto a estas escuelas coexiste una tendencia algo más clasicista tal y como se observa en la Venus de Milo (con expresión melancólica) o el hermafrodita acostado donde no se observa esa barroquización y dinamismo propio de esta época.

 

En cuanto a sus influencias posteriores (además del ya citado futurismo), hay un cuadro capital del romanticismo que retoma la victoria para su personaje central, La Libertad guiando al pueblo, de Delacroix

 

 

La libertad guiando al pueblo

Extraído de wikipedia.

 

Actualmente la Niké de Samotracia se encuentra en el MUSEO DEL LOUVRE, pero si no queréis desplazaros hasta allí, existe una buena REPRODUCCIÓN realizada en RESINA DE POLIÉSTER y que se encuentra en la PLAZA DEL LABERINTO en Leganés (norte)

 

Mar San Segundo

 

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07/08/2008 19:38. sdelbiombo #. Arte griego Hay 2 comentarios.

EMPEZAREMOS POR EL FINAL. CHINA 8-8-2008

 

Con este artículo comenzamos un nuevo aspecto del arte que habitual no se estudia en Europa: el arte oriental. Una aventura verdaderamente fascinante que, como habéis visto, ha influido en gran parte del arte occidental contemporáneo (Manet, los impresionistas, Van Gogh, Klein, Rothko, Kandinsky…).

Pero en vez de hacerlo por el principio, aprovecharemos la ocasión de la inauguración de las Olimpiadas de Beijing, y comenzaremos desde hoy para poco a poco ir hacia atrás.

Si no habéis podido ver (ya en directo, ya en las miles de repeticiones) la ceremonia de inauguración la podéis encontrar entera en

http://www.rtve.es/deportes/pekin08

En ella se han unido la tecnología más sofisticada con su cultura milenaria, a veces con gran eficacia visual, otras veces no tan afortunadamente.

A mí en particular me han encantado varias cosas.

 

En primer lugar el estadio nuevo, el llamado Nido, construido por los mismos arquitectos del Caixa Fórum, Herzog y de Meuron.

 

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Stade_national_Pekin.jpg

 

Como en gran parte de sus obras, la supertecnología que utilizan queda en un segundo plano y, en vez de enseñarse con una cierta soberbia, sirve para crear imágenes de gran potencia. Grandes vigas se van entrecruzando hasta crear una estructura parecida a un nido de pájaro, con un techo ondulante y unas grandes posibilidades de utilizar las luces interiores para crear una imagen en negativo coloreado (como se ha visto en la ceremonia). Consta además de una gran pantalla en la parte superior que se ha utilizado en varias ocasiones, sobre todo en la imagen del encendido del pebetero, verdaderamente espectacular.

En cuanto a la propia ceremonia me ha fascinado una de sus primeras escenas: la creación de un paisaje por medio de bailarines. Se unía así lo más actual de las artes (al unir una danza, verdaderamente exquisita, con la pintura gigante y hecha en vivo) con una de las tradiciones más interesantes de la pintura oriental: el paisaje.

 

 

En oriente, y en relación con el taoísmo y el budismo, el paisaje y su relación con el hombre siempre han tenido gran importancia.  En occidente esto fue un descubrimiento del XVII en Holanda y después del XIX (los impresionistas influidos por la pintura japonesa). Sin embargo, en Oriente fue una tradición milenaria, con numerosos estilos, que buscan la esencia de la Naturaleza como la verdadera esencia de la divinidad.

 

Otros de los momentos espectaculares ha sido la creación de caracteres chinos (una forma de arte en sí mismo íntimamente relacionada con el zen y la pintura con tinta) por medio de una especie de vigas que subían y bajaban. Acostumbrados a la tecnología parecía una animación por ordenador cuando, al final, se mostró que estaba hecho por personas que estaban en su interior, coordinados a la perfección.

 

Sumamente oriental fue la floración de los melocotoneros que recuerda la importancia de las estaciones y el paso del tiempo en su cultura, que no se opone a lo natural (como ocurre habitualmente en occidente) sino que se adapta a él y su fluir, pues ante todo interesa la armonía con el resto del universo. (Eso ya lo comprendió Van Gogh al llegar a la Provenza y pintar con verdadera obsesión los almendros en flor, como una verdadera pintura japonesa, le escribiría a su hermano Theo)

 

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Vincent_Van_Gogh_0022.jpg

 

También me han fascinado los juegos ópticos de los miles de figurantes haciendo figuras así como los fuegos artificiales, como no podía ser menos en el país en donde se inventó la pólvora. Ambos insistían en el carácter de fugacidad que tiene una gran parte del arte oriental, menos obsesionado por fijar las cosas que nosotros, los occidentales. En su cultura se valorará mucho más lo que ocurre, como ya decíamos, desarrollando un modo de percepción diferente a la nuestra, mucho más atenta por lo efímero, las cosas diminutas, los pequeños cambios, los matices… Una forma más suave y sutil de relacionarse con el mundo, siempre en constante cambio.

 

  

 

Tomado de

http://www.diario.com.mx/nota.php?notaid=a9a5169f9ce03798dda5855e60557493

 

Asombraron también el uso del color, las luces y especialmente el vestuario, con un interés por las texturas y las posibilidades de movimiento de las distintas que recuerdan el gusto tradicional de lo oriental por los textiles (especialmente la seda, que fue durante siglos el gran secreto de estado) así como el fuerte sentido ceremonial que tienen todos los movimientos que evitan la dureza y buscan la sensación de fluidez y danza

 

 

En el lado negativo (siempre en mi opinión, por supuesto), habría que incluir el tiempo dedicado al taichi (al que se le habría podido sacar muchas más posibilidades), algunas figuraciones sobre ópera china (que fácilmente podía caer en lo kitsch)

 

 

Tomado de http://www.jjoo.clarin.com/diario/2008/08/08/01732885.html

 

En otro sentido, quizás menos artístico, durante toda la retransmisión tuve la extraña sensación de ver algo que era un simple simulacro, una bella mentira para impactar al mundo que era falsa en dos sentidos. Por una parte todo este ensalzamiento de la cultura tradicional chocaba con la actitud que el partido comunista (especialmente en tiempos de Mao y su Revolución Cultural) tuvo contra ella, intentándola eliminar a favor de las esencias comunistas. Por otra, todo aquel de espectáculo de luz y color estaba sirviendo de pantalla a uno de los regímenes más represivos que existen en la actualidad que encabeza la lista de penas de muertes ejecutadas e incumplimiento de libertades. (En concreto resultó bastante desagradable ver alguno de los fuegos artificiales desde la plaza de Tianamen, en donde se produjo la matanza de 1989 cuando estudiantes y obreros pedían más libertades).

En cuanto a la tecnología, lo ya supuesto, una gran fiesta de luz y color que aportaba poco a lo que ya hemos visto en otras ocasiones

 

Vicente Camarasa

 

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10/08/2008 00:55. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 3 comentarios.

HASTA FINALES DE AGOSTO

Como habéis visto he conseguido meter unos cuantos artículos en este pequeño intermedio que me he podido permitir. Ahora tengo que volver al trabajo, aunque ya os puedo anunciar que en Septiembre os puedo dar una buena noticia.

Por otra parte, si miráis los temas se han añadido varios apartados. Algunos son para organizar mejor el blog mientras otros (como el arte oriental, Sevilla, Alcalá de Henares, Colonia...) se han puesto por los comentarios que me habéis mandado al blog o el email. Si queréis alguno más no tenéis más que decirlo. (Por ahora mucho están vacíos, claro, pero ya se irán llenando).

Espero que según vayáis volviendo de vuestras vacaciones me envies nuevas sugerencias, fotos interesantes y, sobre todo, artículos... No quiero mirar a nadie pero más de uno se ha comprometido ¿eh? Recordad que el blog es, sobre todo, vuestro.

Os dejo una foto sobre el prmer artículo que se pondrá a finales de mes

Un abrazo/beso a todos/as .

 

10/08/2008 19:29. sdelbiombo #. sin tema Hay 4 comentarios.

PARA EMPEZAR A ENTENDER EL BARROCO: EL CONDE DE VILLAMEDIANA Y DOS LIBROS.

 

 

Muerte del conde de Villamediana  Manuel Castellano. 1868 

Tomada de http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/11023.htm

 

Ya sabéis que era Don Juan

 dado al juego y los placeres;

 amábanle las mujeres

 por discreto y por galán.

 Valiente como Roldán

 y más mordaz que valiente...

 más pulido que Medoro

 y en el vestir sin segundo,

 causaban asombro al mundo

 sus trajes bordados de oro...

 Muy diestro en rejonear,

 muy amigo de reñir,

 muy ganoso de servir,

 muy desprendido en el dar.

 Tal fama llegó a alcanzar

 en toda la Corte entera,

 que no hubo dentro ni fuera

 grande que le contrastara,

 mujer que no le adorara,

 hombre que no le temiera

 

Extraído de http://es.wikipedia.org/wiki/Conde_de_Villamediana

 

Así describía Antonio Hurtado de Mendoza al Juan de Tassis, el famoso Conde de Villamediana, uno de mis personajes históricos favoritos, como más de uno ya sabéis.

Si hoy lo incluyo en el blog no es por sus retratos (de los que ninguno se conserva), ni por su palacio (que se destruyó) sino por representar a la perfección el mundo barroco español, siempre tan sumamente contradictorio. Pues el conde aspiró al poder como si éste fuera una obra de arte, la más compleja y perfecta de todos (como probablemente bien supo Velázquez que no sólo pintó sino estuvo constantemente haciendo política para su rey, Felipe IV).

Pero aún fue más lejos y convirtió su vida en una larga y excesiva pieza de teatro, jugando a las mil maravillas con la palabra clave que nos definirá a los españoles de este Siglo de Oro, las apariencias. Y fue galán (casi un precursor de Don Juan Tenorio), pero también poeta de enrevesados versos, bebedor, jugador y, a la vez, poseedor de un gusto exquisito tanto el vestido como para las obras de arte. Lo fue todo a la vez, y bisexual (muy probablemente), amante de la reina Isabel y también de la propia amante del rey (doña Francisca de Tavara), poniéndole doblemente los cuernos al rey que pretendía acaparar a toda costa para convertirse en su valido, en contra del Conde Duque de Olivares.

Y fue amigo de Góngora y enemigo acérrimo de Lope y Quevedo y, cuando se enfadaba, se encerraba en las letrinas de su palacio o escribía un verso. Pues todo formaba parte de los complejos engranajes del siglo XVII, la brutalidad más descarnada y las más hermosas palabras, lo refinado y lo grotesco, el meticuloso protocolo de la corte y las peligrosas noches entre tabernas, prostíbulos y duelos en la penumbra.

Así es cómo debemos entender nuestro arte barroco, como una representación, una pura ficción (pensad, de nuevo en Velázquez) en donde se unen reyes y bufones, tabernas y escenas religiosas. Un lugar en donde los dioses acaso no son tan perfectos (la fragua de Vulcano) o las Venus desnudas son mujeres de carne y hueso que, sin embargo, al reflejarse en un espejo, se convierten en puras manchas.

 

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:VelazquezVenues.jpg

 

Mirad cómo definía el propio conde al estar enamorado

 

Determinarse y luego arrepentirse;

empezar a atreverse y acobardarse;

arder el pecho y la palabra helarse;

desengañarse y luego persuadirse.

Comenzar una cosa y advertirse;

querer decir su pena y no aclararse;

en medio del aliento desmayarse,

y entre el amor y el miedo consumirse.

En las resoluciones detenerse;

hallada la ocasión no aprovecharse,

y perdido de cólera encenderse.

Y sin saber por qué, desvanecerse;

efectos son de amor; no hay que espantarse,

que todo del amor puede creerse

 

Todo este mundo de puras contradicciones Cervantes ya lo supo ver en su Quijote que veía gigantes o princesas en donde Sancho veía molinos o puras campesinas; algo parecido a lo que sucedía en la vida real de podredumbre, vicios, hambre y fanatismo religioso que se convertía, sin sorpresa ni transición, en el lujo más desaforado de la corte, sus trajes negros, sus ademanes medidos en la interpretación de sus vidas. (Como diría De la Flor, un mundo que antepone el imago a la imagen)

 

 Ribera. El patizambo.

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Jos%C3%A9_de_Ribera_017.jpg

 

La vida es el gran teatro del mundo, diría Calderón, pero mucho antes el Conde de Villamediana ya lo había demostrado, interpretando una vida azarosa, siempre al filo de la navaja afilada que al final terminó por matarle, pues tenía tantos enemigos como versos escritos y aunque fuera un diestro rejoneador (como demostró en numerosas ocasiones en la Plaza Mayor), no pudo desviar su destino trágico, el mismo que vemos en los ojos de Felipe IV que heredó un Imperio que apenas si pudo dejar hecho añicos a un deficiente mental, su hijo Carlos II.

 

 

 Por todo esto, porque el arte del barroco es un espejo (deformado y a veces deformante) de la realidad de un siglo tan contradictorio, para empezar a entender las Meninas es necesario saber cómo vivían los pobres, escuchar sus lamentos sobre un rey al que, al mismo tiempo, odiaban y reverenciaban. Saber de la complejidad para entender el más simple de los bodegones de Zurbarán, pues en aquel momento todo estaba íntimamente unido y se vivía con una pasión que a nosotros (ciudadanos de un mundo políticamente correcto) nos dejaría espantados.


Así que os recomiendo que, si queréis comenzar a comprender la pintura o la arquitectura leáis a Lope o Calderón, pues en sus páginas se explican cosas que nunca encontraréis en los manuales de arte o de historia. Y si no queréis ir tan lejos intentad lo con algo más sencillo, como la serie del Capitán Alatriste de Pérez Reverte o (me da una cierto pudor citarme a mi mismo) con el Señor del Biombo.

Yo, este verano, he aprendido muchísimo de arte barroco leyendo dos novelas históricas. Ladrones de Tinta, de Mateo Sagasta, y el Pintor de Flandes de Rosa Ribas. La primera es fantástica para conocer al pueblo llano de Madrid y moverse por la ciudad como si ésta de verdad aún existiera. La segunda habla de un inventado discípulo de Rubens que es utilizado por el conde de Villamediana para trazar un ambicioso proyecto político. Las dos son lecturas fáciles y, sobre todo la primera, verdaderamente apasionante.

Pero ante todo, os recomiendo la obra de Néstor Luján Decidnos, ¿quién mató al Conde? de la que podréis saber mucho más aquí

 

EL CONDE DE VILLAMEDIANA EN NUESTROS BLOG

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Un poema de Góngora a la muerte de Villamediana

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Un Padrenuestro con moraleja política 

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También os recomiendo.

http://www.jornada.unam.mx/2000/11/19/sem-sarabia.html  (Sobre las sátiras de los escritores del Siglo de Oro)

http://www.filosofia.tk/versoados/articulos/articulo_villamediana.htm (Sobre algunas anécdotas del conde)

http://www.islaternura.com/APLAYA/NoEresElUnico/T/TA/TASSIS%20Juan%20de%20Julio%202007/Juan%20de%20Tassis%20Biografia.htm (Más biografía del conde)

Vicente Camarasa

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LA PRIMERA VISITA A ALCALÁ DE HENARES. EL HOSPITAL E IGLESIA DE ANTEZANA

 


 

Estoy seguro de que no es la construcción más bella de Alcalá, ni siquiera la más espectacular, pero confieso que siento una especial predilección por ella

Se encuentra en el mismo centro de la Calle Mayor, junto a la casa de Cervantes, en lo que antaño fuera la línea divisorio de los barrios judío y morisco.

A primera vista apenas si se la tendrá en cuenta, pues sólo se nos muestra por un gran portalón de madera semiabierto. Pero si se entra en él se llegará a una especie de callejón que, tras un brusco giro, conduce a un patio. Esta forma de entrada se llama puerta en codo y era ya típica en la arquitectura musulmana, pues evitaba las miradas indiscretas desde la calle, consiguiendo un alto grado de intimidad (y silencio) en el patio.

 

 Corredor de entrada

 

Éste está realizado a la manera castellana, con zapatas de madera sobre pilares, y tiene un viejo pozo, una hiedra y una escalera que conduce a la galería superior.

 

 Patio de Antezana

 

En ella hay doce habitaciones, tantas como apóstoles, que fueron de un hospital y ahora sirven de asilo de ancianas.

El origen del mismo viene de una fundación piadosa que los Antezana dejaron prescrita en su testamento.

En ella posiblemente trabajó (como cirujano y sangrador) el padre de Cervantes. También, all final del corredor todavía se conserva la cocina en donde trabajó San Ignacio de Loyola para así poderse costear sus estudios en la Universidad.

 

Volviendo a la calle se encuentra la iglesia del conjunto. Se trata de una construcción barroca sin demasiado mérito pero con una joya y una rareza.

La joya se encuentra en el altar. Aunque la mayoría no lo sepa se trata de una de las mejores obras de imaginería de España. Una Virgen con Niño de Juan de Mesa (el creador del Gran Poder) con una policromía exquisita y una belleza clásica tanto en los rostros como en el elegante juego de pliegues de sus ropajes.

 

 Juan de Mesa. Virgen con Niño. Siglo XVII

 

En cuanto a la rareza es una pequeña capilla a los pies con frescos y óleos sobre lienzo anónimos del barroco.

 


 

Entre ellos destaca el dedicado a San Ignacio de Loyola que, el buen párroco de la iglesia, buen conversador y restaurador amateur en sus ratos libres, cuida de las humedades y otros descuidos del tiempo que aquí se ha parado, como una astilla perdida en el mismísimo siglo XVII.

Y es que, incrustada en el centro de la ciudad histórica, esta iglesia y su patio sólo esperan a un visitante con la suficiente sensibilidad para moverle en el tiempo casi por embrujo y mostrarle este pequeño recinto en el que aún se respira el aire de nuestro Siglo de Oro. O por lo menos así es como lo siento yo.

 

PARA SABER MÁS DE ALCALÁ

 

Vicente Camarasa

 

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EL GRECO Y TOLEDO LOS ICONOS GENIALES DEL MÍSTICO DE LOS PINCELES

Retrato de un caballero anciano, (detalle) considerado autorretrato, (1595-1600

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco


A finales del año 1582 un mensaje del Rey Felipe II. llega a su destinatario en Toledo, la ciudad aristocrática en el corazón de Castilla que en 1560 había cedido la función de capital a la villa de Madrid. El mensaje contenía la respuesta a una "solicitud pintada". Era una negativa: a Su Majestad Felipe II. no le había gustado el cuadro monumental "Martirio de San Mauricio", encargado unos dos años antes, así que su autor ya no podía esperar más encargos por parte de la Casa Real. El nombre complicado del pintor extranjero, quien tenía que soportar aquella profunda decepción, era Kyriakos Theotokopoulos, pero en Toledo lo llamaron simplemente "El Greco." De su reacción inmediata no se sabe nada. ¿Arrojó los pinceles y contra la pared, lleno de rabia? De todas maneras, había esperado mucho más de ese encargo que iba a contribuir a la decoración del Escorial, la nueva residencia de Felipe II, pero sus esperanzas de iniciar una carrera como pintor de cámara de S.M. de repente se vieron frustadas.


Mirando su biografía, aquel fracaso inesperado se convierte en una feliz coincidencia – tanto para el pintor orgulloso como para la metrópoli aristocrática Toledo, la que tuvo más habitantes a finales del Siglo XVI que en la actualidad. Es que raras veces hubo una simbiosis tan estrecha entre un genio de las Bellas Artes y su patria elegida como en el caso de El Greco y Toledo. El pintor más genial que jamás vivió en Toledo había nacido con el nombre de Kyriakos Theotokopoulos en el año 1541 en Candia (hoy Heraklión) en la isla de Creta, cuando aquella perteneció al Imperio veneciano.

Allí recibió una formación como pintor de iconos de estilo bizantino, antes de emigrar a Venecia en 1567. En la metrópoli del Adriático se convirtió en discípulo de Tiziano y Tintoretto, desarrollando poco a poco un estilo conforme a los ideales del Renacimiento. Su estilo, a principios dominado por las influencias claramente bizantinas, sin perspectiva y con colores oscuros, empezó a imitar la riqueza del colorido de la pintura veneciana del XVI, introduciendo especialmente matices de rojo luminoso, celeste y amarillo intenso, así como profundidad de perspectiva y escenarios llenos de dinamismo dramático. Aunque pronto llegó a tener cierta fama (en Italia se llamó "Domenico"), resultaba muy difícil conseguir un exitazo decisivo en Venecia, la metrópoli de la pintura renacentista. La competencia parecía demasiado genial y sobre todo muy firmemente establecida en el gran mercado del arte: Tiziano, Tintoretto, Veronese, Bassano. Quizás era ésa una de las razones que motivaron El Greco a abandonar "La Serenissima" en 1569 e intentar su suerte en Roma, donde, no obstante, la situación resultó parecida. También en la ciudad eterna logró algún y otro notable éxito – p. ej. al presentar una magnífica "Anunciación", pero los imitadores de Miguel Ángel y Rafael siguieron dominando las Bellas Artes en la ciudad donde residen los Papas.

El Greco no destacó exactamente por una falta de orgullo: propuso remplazar los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina por nuevas obras suyas que serían más "decentes". Aquella propuesta, como era de esperar, provocó el rechazo indignado de muchos pintores romanos y contribuyó a su convicción que tampoco en Roma iba a encontrar la suerte deseada. Cuando en el año de su muerte 1576 el gran Tiziano le dió una carta de recomendación al Greco, dirigida al Rey Felipe II., el que estaba buscando muchos artistas para decorar las más de mil habitaciones de su nueva residencia, el Palacio del Escorial (antaño la obra más grande de Europa), el pintor de Creta decidió intentar a su edad de 35 años un nuevo comienzo en España.


Toledo convierte a un Extranjero en un Genio del Siglo

Durante su estancia en Roma, El Greco ya había conocido a unos intelectuales procedentes de Toledo, los que luego le ayudaron a establecerse en su ciudad. Por ello, no fue a asentarse en Madrid, sino en la antigua capital Toledo. El retablo mayor para el convento toledano Santo Domingo el Antiguo con los lienzos de la Asunción y la Trinidad en el centro fue la primera obra del Greco para su nueva patria (lo concluyó en 1577, hoy el original de la Trinidad se encuentra en el Museo del Prado). Una riqueza de colores muy llamativos y una escenificación espectacular dominan esas pinturas, las que muestran las influencias de Tiziano y Tintoretto, pero a la vez demuestran como el maestro obstinado había encontrado ya su propio estilo, más radical aún en emplear un colorido atrevido.

Esos colores luminosos llaman la atención: los ropajes y velos de los ángeles de rosa purpúrea, verde amarillento y celeste intenso, así como el extraño amarillo del manto de Dios Padre. El cuerpo del Salvador muerto, de color márfil y de postura retorcida, aparece como un gran signo de interrogación en los brazos de Dios Padre, coronado por el Espíritu Santo en su aparición habitual como paloma, la que está volando como si quisiera salir del cuadro, y arrastrando una radiante cabellera de cometa


 

 

Trinidad.

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El año de las primeras obras del antiguo pintor de iconos, Theotokopoulos, para su nueva patria Toledo se podría calificar como "el Año Místico" en las crónicas de España, ya que en el mismo año 1577 los dos místicos españoles más importantes, Santa Teresa de Jesús y San Juan de la Cruz, escribieron sus obras principales: Santa Teresa concluyó las "Siete Moradas" y San Juan escribió en la cárcel de la Inquisición en Toledo (!) la primera parte del "Cántico" y su poema genial "La Noche Oscura". No se sabe si El Greco, como lo mantienen algunos historiadores del arte, llegó a conocer personalmente a los dos carmelitas místicos en Toledo. Un encuentro directo es más bien improbable. Sin embargo, es muy probable que estudió las obras exitosas de Santa Teresa, dejándose inspirar por su "Castillo Interior" cristalino y por sus "arrobamientos extáticos" detalladamente descritos, sobre todo durante de su última fase de creatividad después de 1600.

Desde el principio, todas las creaciones toledanas del Greco están hondamente marcadas por un fervor místico que en Toledo encontró el ambiente y público adecuados. Cuando entregó en 1579 su cuadro monumental de temática pasionista, pintado para la Sacristía de la Catedral  ("El Expolio"), se podía observar todo tipo de reacciones entre entusiasmo y rechazo total. El Cabildo de la Catedral, la institución que había encargado aquella obra, criticó muchos detalles técnicos de la pintura y se mostró irritado de que algunas personas (en el fondo) del cuadro sobresalen la figura del Cristo por su altura. Al final los del Cabildo sólo querían pagar la mitad del precio contratado de 3500 Reales e incluso le amenazaron al pintor con llevarlo al tribunal de la Inquisición por posibles "huellas de herejía" en su lienzo.

 

El Expolio

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En efecto, aquel cuadro revolucionario debía inquietar a muchos espectadores contemporáneos: el manto de púrpura, llevado por Cristo no es de color púrpura, sino parece pintado de sangre, y la figura del Salvador ilumina el centro de la escena como si fuera una llama, y está rodeado de sus atormentadores pintados como caricaturas de colores grises y oscuros. El Greco ha construído un círculo de caras crueles llenas de odio alrededor del Cristo, soberano de la luz, a quien parecen atacar desde todos los rincones. La violencia de las torturas, aunque no mostrada directamente, se insinúa aquí de manera muy sútil.

Mediante ese rasgo de ingenio, el maestro de Creta nos quiere presentar a Jesús con el rostro glorioso (ya antes de la resurrección) y como personificación del Amor cristiano incondicional y del espíritu de sacrificio – perseguido y torturado por los esclavos de un odio desalmado y fanático. No es de asombrar, pues, que una interpretación tan fundamentalmente cristiana de la Pasión de Jesús no fue comprendida (y hasta considerada "peligrosa") por una Iglesia que, parecida a los fariseos judíos, empleó la persecución y la tortura (mandadas por el "Santo Oficio") como medidas para defender su poder en la sociedad. Finalmente,  la disputa entre el pintor y sus comitentes eclesiásticos se resolvió por una comisión que elaboró una nueva calculación para fijar el precio de la pintura que había desatado la polémica. El portavoz de aquella comisión expresó la opinión de la mayoría de los habitantes de  Toledo - tanto antaño como hoy día -  y calificó el valor del cuadro "El Expolio" como incalculable. El proceso escandaloso incluso se convirtió en una ventaja para El Greco, ya que traía consigo una publicidad considerable, haciendo popular su nombre en toda España, lo que le aseguró muchos nuevos encargos.

Entre 1586 y 1588 pinta su obra más famosa, que le garantiza fama inmortal: "El Entierro del Conde de Orgaz". Ese cuadro, encargado por el párroco de la Iglesia de Santo Tomé, ya destaca por sus dimensiones gigantescas: casi 5 metros de altura y 3,60 de anchura. La composición pomposa está dominada por el contraste entre la realidad terrenal y las esferas celestiales.

Mientras que la escena terrenal del entierro del Conde se caracteriza por un naturalismo detallado que muestra personajes reales de la nobleza toledana con sus rasgos individuales, en el escenario del Cielo todo parece envuelto en una niebla misteriosa de nubes iluminados de luz celestial.

 

El Entierro del Conde Orgaz

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En la mitad inferior del cuadro, los contornos de las figuras son claros y concretos hasta en los detalles más pequeños (p. ej. los bordados de los mantos de San Agustín y San Esteban), sus miradas expresivas, y los colores que predominan son el negro (los ropajes de los nobles y la armadura del Conde) y el blanco (las gorgueras y caras de los Grandes). En la mitad superior, El Greco desata toda una magia de colores extraños, casi alucinógenos. También se pueden descubrir algunos símbolos convencionales, como las llaves de San Pedro. Pero en general, la niebla mística hace aparecer muchas siluetas y las caras de los ángeles como difusas y borrosas. Y las figuras que salen de esa niebla de luz son pintadas de colores raros y artificiales: la piel del Bautista es verdosa, la aureola que rodea la figura del Cristo es de un amarillo radiante y el manto y velo de la Virgen María muestran dos colores que iban a ser característicos para el arte del Greco: un rojo y azul que parecen "deslavados",  desmaterializados son colores metafísicos llenos de matices trasparentes. En el centro de ese cuadro monumental, el maestro nos presenta el detalle más atrevido: el vuelo del alma. Un ángel vestido de una túnica dorada y con las alas desplegadas está llevando una membrana transparente e iluminada de luz – el alma del conde difunto – de la tierra a la vida eterna del Cielo. Ningún pintor se había atrevido antes a mostrar ese misterio más profundo del tránsito del alma a esferas eternas de manera tan explícita. Esa obra del Greco es uno de los diez cuadros más importantes de la historia del arte e incluso en el Siglo XXI hay visitantes que sólo vienen a Toledo para contemplar esa creación tan singular. Así ya lo pronosticó su creador después de entregar el "Conde Orgaz"– tan arrogante como acertado, diciendo que futuras generaciones descubrirían su valor y lo considerarían como uno de los genios más grandes de la pintura.

Retratos realistas y Visiones místicas

Aunque las obras más típicas y conocidas del antiguo pintor de iconos muestran visiones religiosas que destacan por su monumentalidad y su misticismo patético, también se dedicó a la creación de retratos íntimos y muy realistas, llenos de naturalismo expresivo, parecido a las obras posteriores de su admirador Velázquez. Un buen ejemplo constituye el retrato de Antonio de Covarrubias (pintado en el 1601), un canónigo de la Catedral de Toledo.

 

Antonio de Covarrubias

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Se presenta ese clérigo vestido como aristócrata, lleno de elegancia y grandeza, pero a la vez con cabello ya blanco y con la mirada cansada, deprimida por la vejez y quizás la soledad, y llena de fatalidad.

Podría ser casi una personificación del Imperio español que empezaba a mirar en aquella época su propio ocaso lento, desde una posición de orgullo, pero ajeno a la realidad. Ese cuadro impresionante muestra gran semejanza con el famoso autorretrato del Greco pintado hacia 1595, en el que el maestro se caracteriza también por una postura y vestiduras aristocráticas, pero con una mirada muy melancólica. Más de una vez, El Greco demuestra, tanto en su vida como en su obra, que ha conseguido adoptar dos cualidades típicamente españolas: orgullo frente a los hombres y humildad ante Dios.

 

A su hijo Jorge Manuel, pintor como su padre, lo ha retratado ejerciendo su profesión. Y no lo ha pintado con un traje de trabajo lleno de manchas, sino como un príncipe sereno, con jubón negro elegante y la blanca gorguera, típica de la nobleza española – y también un símbolo del orgullo del Greco y su hijo que como inmigrantes consiguieron conquistar el respeto de la aristocracia toledana. Ese retrato de su hijo se encuentra hoy en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Su bella pareja (¿esposa?) Jerónima de las Cuevas fue retratada muchas veces por El Greco como Virgen María, p. ej. representando la Mater Dolorosa, en un cuadro concluído entre 1590 y 1595 (hoy en el Museo de Estrasburgo). Ese retrato convence por su magnífica sencillez, el genio griego renuncia aquí totalmente a la pompa habitual que domina otras escenas religiosas creadas por él. Esa Virgen vestida de blanco y azul, llena de austeridad y profunda tristeza, no necesita mantos o velos preciosos, porque la mujer del Greco le presta a Ella su rostro bellísimo de grandes ojos negros.

 

Sagrada Familia

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En el año 1606 llegó a pintar el más copiado de sus retratos de Cristo, otro cuadro sagrado destinado a la íntima oración, como un retablo portátil. El Salvador tiene claros rasgos de iconos bizantinos por su posición de majestad y la postura de la mano derecha, levantada en el gesto de bendición, tan típico de un "Pantocrátor" griego. Los colores, de nuevo el rojo y azul casi descoloridos y metafísicos, paracen ser iluminados para sugerir la Transfiguración del Señor. Sobre todo atrae la atención esa mirada hipnotizante de los ojos oscuros del Salvador que emana un carisma tan sagrado e intenso que de vez en cuando un visitante que contempla la pintura en la Sacristía de la Catedral de Toledo se arrodilla como durante una misa.

El Salvador

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En sus retratos de santos (pintó al menos 25 versiones de San Francisco) y sus famosas series de los ápostoles, El Greco consigue combinar una representación realista de los personajes con una expresión de emociones extáticas, p. ej. en su presentación de San Pedro con la mirada lacrimosa en el momento antes de echar a llorar por su traición. Especialmente en sus cuadros de temática religiosa de la última fase de creatividad después de 1600 se puede observar una "explosión de emociones" . El Greco parece abandonarse al goce de visiones surrealistas, pinta sus figuras cada vez más alargadas, a veces extrañamente desfiguradas, sobre todo con las manos inmensas, personajes pintados como si fueran llamas del Espíritu Santo, ángeles que parecen mariposas con sus inmensas alas multicolores y cuerpos frágiles y casi trasparentes como si emanaran una luz interior. Colores y contornos y algunos detalles parecen pintados como  en un delirio fébril o bajo influencia de drogas – no es de asombrar que también la generación del 1968 redescubrió El Greco con entusiasmo. Sin embargo, hubo historiadores del arte que criticaron sus últimas creaciones como "desviaciones extáticas" o incluso buscaron la explicación de su técnica tan extravagante en interpretarla como síntoma de una creciente locura. Carl Justi, un experto alemán del arte de Velázquez, calificó El Greco como "...un visionario...un problema patológico, un caso para un médico."

Apertura del Séptimo sello

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

¿Fue realmente un loco o el gran "Místico de los lienzos", profeta con pinceles y la paleta, llevado por devoción fervorosa? En la vida real hay bastantes testimonios que demuestran que no era para nada ajeno al mundo, al contrario, se mostraba como gozador inclinado a la vida lujosa, y para permitirse ese lujo tenía que endeudarse más de una vez. Como ser humano, El Greco quiso ocupar una posición privilegiada en la sociedad aristocrática de su querida ciudad elegida Toledo.

 

Toledo como "paisaje del alma" del Greco
Hoy día, Toledo se presenta como una ciudad-museo y como baluarte de una Iglesia Española ultraconservadora , antaño, a finales del Siglo XVI fue una ciudad muy viva e innovadora, centro de la humanística y punto de partida de reformas religiosas y de movimientos místicos apoyados por amplias partes del pueblo (como los Carmelitas Descalzos, pero también "heterodoxos" como los Alumbrados). Hubo un auténtico fervor para descubrir lo divino de manera individual, como lo hizo El Greco en sus visiones pintadas.

Pocos años antes de su muerte, hacia 1610, El Greco llega a pintar  un paisaje que incluso ha sido admirado por los aficionados del arte moderno, los que normalmente suelen rechazar sus cuadros religiosos: "Vista de Toledo" (también llamado "Toledo en la tormenta").

 


Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:El_Greco_View_of_Toledo.jpg

 

 En una época en la que casi ningún cliente compró un paisaje pintado, El Greco creó esa imagen que destaca por su técnica casi impresionista probablemente sólo para sí mismo. Es como un homenaje pintado para expresar su agradecimiento a Toledo por todas las inspiraciones que su patria elegida le ha dado. No obstante, sería muy superficial interpretar aquel cuadro como paisaje normal o simple panorama urbana. Para todos los conocedores de la obra del Greco, queda obvio que tenga una significación metafísica, un mensaje religioso. "Toledo en la tormenta"  se presenta como un sueño alucinógeno. Podríamos calificarlo como un "paisaje extático". Los frentes de las tinieblas y de la luz están luchando en ese inquietante panorama, parecen estar en continuo movimiento, como durante una tormenta real, cuyos relámpagos iluminan de repente algún detalle para dejarlo caer en la oscuridad en el próximo momento. Sí, se puede reconocer la ciudad real de Toledo: el barranco del Tajo con el puente de Alcántara, la colina del Alcázar y la torre alta de la Catedral, las murallas. Pero las siluetas parecen a la vez estilizadas para ser simbólicas, los colores son raros, ultramundanos, están dominando un verde que tiene matices de amarillo de azufre, contrastando con tonos azules fríos que cambian de grisáceo al morado profundo de las nubarrones.

Muy pocos negarán que "Toledo en la tormenta" sea no tanto un panorama real, sino que más bien represente un paisaje del alma, donde tiene lugar la batalla apocalíptica entre bien y mal, entre los poderes de la luz y las tinieblas. Los edificios soberbios de esa ciudad soñada contrastan mucho con el fondo tenebroso del cuadro.

 

 

 

Y no sólo es un relámpago que los inunda de luz, es que la Catedral, el Alcázar, el puente de Alcántara y las murallas y otros edificios parecen estar iluminados desde dentro.

El Greco ha pintado Toledo como Civitas Dei de San Agustín, como la "nueva Jerusalén" del Apocalípsis. Su estilo característico formado en Toledo es absolutamente único, ni renacentista ni barroco. El monje y poeta Hortensio Félix Paravicino, también magistralmente retratado por el genio cretense, escribió en un Soneto dedicado al Greco: "Creta le dio la vida, y los pinceles - Toledo mejor patria, donde empieza - a lograr con la muerte eternidades."

Texto + Foto 1:
Berthold Volberg

Fotos: wikimedia commons

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31/08/2008 18:56. sdelbiombo #. Renac. España Hay 1 comentario.


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