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Se muestran los artículos pertenecientes a Diciembre de 2008.

PARA ENCONTRAR MÁS COSAS DE ROMÁNICO

Sobre el románico y su conexión con los artes preclásicos (egipcio) y los iconos bizantinos

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Sobre el origen egipcio (Juicio de Osiris) de la Psicostasis

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Sobre Silos y su entorno

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Sobre la influencia de la Cúpula de la Roca islámica sobre las iglesias templarias españolas (Eunate, Vera Cruz de Segovia)

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Unas pinturas murales románicas en Valdilecha

Las iglesias románicas de Colonia  (Alemania)

 

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01/12/2008 15:31. sdelbiombo #. ROMÁNICO No hay comentarios. Comentar.

EL NUEVO BAZTAN Y JUAN DE GOYENECHE. UNA IGLESIA-PALACIO-NAVE INDUSTRIAL DE HACE 300 AÑOS

 

 

 “… Don Juan de Goyeneche, Señor de la Villa de la Olmeda de este Arzobispado, ha fundado a sus propias expensas un Lugar en un despoblado en el término y jurisdicción de la referida Villa de la Olmeda, llamado Nuevo Baztán, que tendrá ochenta casas, y más de quinientas personas, donde ha puesto fábricas de Cristales, Sombreros, pieles, y telares de seda, y lana, conduciendo Maestros Estrangeros, que enseñen a los Naturales, con notable utilidad de aquella tierra, y con crecidas expensas suyas, plantando en sus cercanías Olivas, y Viñas, y haziendo fructuoso el campo, que antes era inútil…...” Informe del Arzobispo de Toledo, 1722.

Tomado de http://www.eurovillasmadrid.com/histrico.htm

 

EL RESTO DEL ARTÍCULO, CON NUEVAS FOTOS, SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 


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02/12/2008 19:40. sdelbiombo #. Alcalá de Henares y sureste Madrid No hay comentarios. Comentar.


LAS SALESAS REALES O EL MUNDO ROCOCÓ DE FERNANDO VI Y BÁRBARA DE BRAGANZA

Muy cerca de Alonso Martínez, dando la espalda al actual Tribunal Supremo, se encuentra unas de las pocas iglesias rococó madrileñas. Las Salesas Reales. Su portada es magnífica, sobre todo porque ha logrado conservar el característico compás (la zona de entrada) característico de la arquitectura madrileña. Con una gran escalinata (aunque sea ya del XX), este espacio nos permite una visión en perspectiva

 

 

Tomado de

 http://www.madripedia.es/wiki/Convento_de_las_Salesas_Reales

 

Toda la estructura  tiene un aire romano de gran fuerza, con grandes pilastras de orden gigante que atraviesan los dos pisos para encontrarse con el frontón roto. Pero si nos fijamos más en los detalles veremos como, bajo esta estructura general, hay ya una suavidad típicamente rococó (las pilastras se multiplican una detrás de otras creando consecutivas zonas de luz y sombra en la zona central, todos los huecos se cubren de una decoración menuda…). Esto es más evidente en el medallón central y los ángeles laterales entre nubes, típicamente rococós.

 

 

Medallón central

 

Ángeles

 

Realizada por el arquitecto Francois Carlier, fue encargada por Bárbara de Braganza, la esposa de Fernando VI. En su origen formaba parte de todo un conjunto monástico y estaba pensada como lugar de enterramiento de los reyes, rompiendo así la tradición de hacerlo en el Escorial

 

Y es que, si hacemos caso a los pasquines que florecieron en la época, la reina dominó por completo a Fernando VI e impuso siempre su voluntad, haciéndole incluso enfrentarse con su madre, Maria Luisa de Parma Se cuenta que, su maestro de clave, el famoso Doménico Scarlatti, fue algo más que su profesor de música.

Cotilleos aparte, lo cierto es que Fernando VI y Bárbara de Braganza fueron grandes mecenas del arte e hicieron venir a nuestro país al famoso castrado Farinelli, cantante de ópera.

 

El castrato Farinelli por Corrado Giaquinto.

 

También desterraron la influencia francesa de Van Loo y volvieron a un rococó de gusto italiano, nombrando a Corrado Giaquinto como pintor de Cámara. Éste fue el inicio de las grandes decoraciones murales del Palacio Real que luego continuaría Tiépolo, y algo de su estilo se encuentra en el primer Goya, pintor de cartones para tapices.

Su estilo hereda las grandes composiciones murales de trampantojos del siglo anterior a las que une la sensibilidad rococó, sus colores pastel, una visión sumamente idealizada de la realidad, un escaso protagonismo de las sombras. Su obra se encuentra en el Palacio Real y también fueron suyos los cartones preparatorios para las pinturas murales de las Salesas

 

Corrado Giaquinto. Palacio Real deMadrid

Tomado de http://www.archimadrid.es/sanhermenegildo/02-Historia%20y%20arte/Iconograf%EDa%20San%20Hermenegildo.htm

 

Para saber más

http://www.geocities.com/parroquiasantabarbara/historia1.htm

 

Vicente Camarasa

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04/12/2008 13:58. sdelbiombo #. Madrid No hay comentarios. Comentar.

CARLOS III. EL MONARCA ILUSTRADO… A RATOS

 

 

 

 

Carlos III. Goya

Tomado de wikimedia.org

 Siempre que se piensa en Carlos III nos viene a la memoria sus rasgos ilustrados. De hecho, los profesores de historia lo solemos poner como ejemplo de monarca del despotismo ilustrado (todo para el pueblo pero sin el pueblo) que, sin abandonar su poder absoluto, inició novedosas políticas a favor de la población (alcantarillado o iluminación de Madrid), la mejora de la agricultura (desecación de pantanos, creación de regadíos…), industria y comercio (eliminación del monopolio de Cádiz para el comercio con las Indias, mejora de los caminos para el transporte, apoyo a la creación de Sociedades, creación de un banco central, el de San Carlos…). Incluso su política contra la iglesia (expulsión de los jesuitas) era típica de estos monarcas modernos.

 En el propio terreno artístico apostó también por el estilo ilustrado (racional) por excelencia: el Neoclasicismo. Con Mengs como pintor de Cámara y Juan de Villanueva como arquitecto estrella, ideó el gran Salón del Prado en el que se unían los aspectos estéticos con claras referencias a la mitología clásica (fuentes de Cibeles, Apolo o Neptuno) con todo un programa científico (Real Observatorio, Jardín Botánico, Museo de Ciencias que medio siglo después se convertirá en el Museo del Prado, Hospital de San Carlos que es el actual Museo Reina Sofía…)

Como se puede observar en las siguientes fotos de Villanueva, este estilo neoclásico renunciará al movimiento y decoración barroca, buscando una imagen mucho más solemne y clásica, sin adornos, con la columna clásica convertida en el principal protagonista. Se trata de una vuelta a Grecia y a Roma pero también al Renacimiento (Bramante, Palladio) que además de sus formas sobrias buscan (en sus nuevas funciones ya no religiosas) ser la imagen de los nuevos tiempos iluminados por las luces de la razón.


 Museo del prado. Villanueva

 

  

Jardín Botánico. Villanueva

 

  Sin embargo existe otro Carlos III mucho más tradicional y cercano al rococó. Es el rey privado que no puede evitar sus inclinaciones y pide al gran pintor rococó italiano, Tiépolo, la decoración de las salas interiores del Palacio Real. En ellas los colores pastel (muy suaves), las figuras idealizadas, la luz difuminada son típicos de esta estética rococó que había nacido en Francia y extendido por toda Europa. Un estilo un tanto frívolo, exquisito hasta el extremo que ya se analizó en el artículo dedicado a Felipe V


 

Decoración interior del palacio real de Madrid por Tiépolo.

 Tomado de wikimedia.org


 De igual manera, Carlos III recogió la tradición rococó napolitana de los belenes (pues él fue rey de Nápoles antes de serlo de España), una representación (otra vez idealizada, sumamente estamental y aristocrática) del mundo que ya hemos analizado aquí.


Belén napolitano

 

Será incluso durante su reinado cuando la Real Fábrica de Santa Bárbara cambie los temas tradicionales de los tapices (normalmente cacerías) por los que tanto conocemos por la obra de Goya (que empezó a trabajar en la Fábrica durante su reinado).


La gallinita ciega

 

Estos tapices recrean el mundo feliz y maravilloso de una nobleza que (rizando el rizo) se disfraza de pobre y juega a entretenimientos populares (la cucaña, la gallinita ciega, el pelele), imitando así lo que se hacía en el círculo privado de María Antonieta en París. Unos pobres falsos, que visten los trajes populares (majos), pero no están sucios o requemados por el sol como los pobres verdaderos.

 

 

El Pelele. Goya. Cartones para tapices.

Tomado de wikimedia.org


   

Goya.  Baile a la orilla del Manzanares (cartón para tapiz)

Tomado de wikimedia.org

 Pues es todavía el mundo del Antiguo Régimen, de la sociedad estamental que habla de privilegios y de una clase ociosa, elegante y exquisita que no tiene otros problemas verdaderos que el elegir la peluca o el maquillaje cada mañana.

La pradera de San Isidro

Tomada de wikipedia

Si queréis saber más de este mundo y su ideología podéis ver el artículo sobre el paisaje pintoresco

 

 

 

Vicente Camarasa

 

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04/12/2008 14:07. sdelbiombo #. Siglo XVIII. ROCOCÓ Y NEOCLASICISMO No hay comentarios. Comentar.

EL BELÉN NAVIDEÑO. NO TODO FUE TAN FÁCIL COMO AHORA PARECE

 

Aunque ahora la imagen del belén nos parece a todos de lo más natural, no apareció en las festividades cristianas hasta bastante tarde. De hecho, la primera vez que se celebró oficialmente la Navidad fue en el 320, cuando el papa decidió una festividad que escondiese otra pagana, la del solsticio de invierno, cuando el sol alcanza su altura mínima sobre el horizonte, iniciándose a partir de entonces la regeneración del ciclo que nos llevará al renacer de la primavera.

 

 

Según la tradición el primer belén (viviente), lo hizo San Francisco en el siglo XIII  (Greccio, 1223). Con él pretendía acercar el hecho religioso al pueblo de la forma más fácil posible, haciéndoles entender así la importancia de lo sucedido. Deberemos esperar a 1252 para encontrar documentos (que no piezas) en el monasterio alemán de Füsser.

 

Giotto (Trecento). San Francisco instituyendo la costumbre del belén en Greccio. Asís.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Basilica_di_San_Francesco

 

Por otra parte, muchos de los elementos que ahora consideramos normales dentro del belén no aparecen en los evangelios, y están sacados de tradiciones populares y de los evangelios apócrifos (aquellos que la iglesia actual no considera verdaderos). Fijaros en estos ejemplos

La cueva surgió de un Diálogo de Justino (quien citó una profecía bíblica: "Vivirá de cueva en cueva, de piedra dura") y de una descripción de san Jerónimo que en el año 404 hablo de "specus Salvatoris", cueva del Salvador. En la "Ascensión de Isaías", las lavanderas eran las nodrizas que lavaron los vestidos después del parto de la Virgen. Este texto incluso menciona el nombre de una de ellas, Salomé. El buey y la mula surgieron del Protoevangelio de Santiago, confirmando una visión de Isaías de Habacuc. En el siglo V un decreto papal, citado en una homilía de san León Magno, fijó definitivamente el número de los magos, que hasta aquel momento oscilaba entre dos y doce. La atribución del oficio de carpintero a José, que durante siglos fue no fue completamente aceptada, se impuso en el siglo VI a través de las representaciones de los marfiles bizantinos...

Vicente Camarasa

 

05/12/2008 08:20. sdelbiombo #. Belenes No hay comentarios. Comentar.

HOY, DÍA DE LA CONSTITUVIÓN: LIBERTAD SIN IRA, LIBERTAD

Soy un niño de la transición. Crecí y maduré al mismo tiempo que nuestra democracia. Lanzo la mirada hacia atrás y me gusta recordar a aquellos cirujanos de la libertad que fueron extirpando con precisión el régimen franquista. Fue una época excitante en la que los niños aprendíamos al mismo tiempo que nuestros padres el funcionamiento de ese nuevo juguete que era la democracia. Los pueblos que no conocen su historia están condenados a repetir sus errores, y de la transición debemos valorar el enorme trabajo que costó que los españoles no nos volviéramos a matar unos a otros como había pasado  apenas hacia cuarenta años en nuestra última guerra civil. Al contrario que en otros países en donde se pasó de la dictadura a la democracia tras un baño de sangre, en España se cambió el modelo revanchista por el consenso. Era una nueva forma de hacer las cosas, las nuevas normas no podían ser impuestas, ni siquiera por la mayoría, tenían que ser aceptadas por todos. Muchos pensaban que era un mecanismo lento, y débil, y existía cierta desconfianza que se acrecentaba bajo la mirada de un niño, que como yo, no tenia referencias ni criterio, pero eso mismo le pasaba a todos los españoles que tenían menos de cuarenta años y que no habían conocido otro sistema político que no fuera el ordeno y mando. Poco a poco, golpe a golpe, verso a verso, nos fuimos acostumbrando a un nuevo sistema, venciendo a los miedos, a la desconfianza, a los viejos fantasmas, a los rencores. Ahora, a todos esos años que van desde mi infancia a mi adolescencia, se les llama la Transición española, y los recuerdo con añoranza pero sobre todo con orgullo. Con el orgullo de haber asistido al renacer de la libertad en España, por que ya hay libertad Y SI NO LA HAY SIN DUDA LA HABRÁ.

 

Pero mejor casi las palabras son las imágenes, una pequeña colección de ellas que es, en el fondo, una parte de nuestra propia e intrasferible vida

 

Suárez y el rey, dos de los grandes artífices

Tomado de http://www.elmundo.es/elmundo/hemeroteca/blogs/escorpion/2007/25.html

 

Cuando los políticos hacían verdaderamente política y más que enfrentar, unían. Fraga y Carrillo, derecha e izquierda.

Tomado de http://mencey-al-mo.blogspot.com/2007_09_01_archive.html

 

Y la Iglesia también ayudó y luchó por las libertades

Tomado de http://www.kalipedia.com/kalipediamedia/penrelcul/media/200707/18/relycult/20070718klpprcryc_713.Ies.SCO.jpg

 

Aunque algunos intentaron impedirlo…

Tomado de http://www.laguia2000.com/espana/el-golpe-del-23-de-febrero-de-1981

 

 

Pero al fin triunfó un pequeño libro, el que nos deja ser libres y elegir nuestro propio destino

Tomado de http://web.educastur.princast.es/cursos/cursowqp/aplic/angeles%20marron/pagina1.htm

 

 

Juan José Lucas

06/12/2008 08:18. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 3 comentarios.

ALGUNOS HISTORIADORES DEL ARTE, CREADORES DE HERRAMIENTAS

 Giorgio Vasari fue un artista italiano del siglo XVI que, sin embargo, es más conocido por ser el autor de la Vitae (Vidas de artistas), una fuente fundamental para el arte del Renacimiento.

 

 

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Giorgio_Vasari

 

Las biografías de artistas no son historia del arte, pero Vasari, al hacer grupos de artistas y separar periodos dentro del Renacimiento, llega a caracterizar lo que es un estilo, una manera de hacer, al margen de los artistas concretos. Lo hace basándose en características formales y viene a desarrollar lo que sería un fragmento de la historia de los estilos, de la historia del arte.

 

Johann Joachim Winckelmann fue un estudioso alemán del siglo XVIII, amante del mundo clásico, que fue llamado a Roma por el Papa  para que ordenara y clasificara las colecciones de arte antiguo que hoy están en el Museo Pío Clementino.

 

 

Winckelmann por Mengs.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Johann_Joachim_Winckelmann

 Winckelmann dio muestras de una gran capacidad de observación, clasificando las estatuas a partir de sus características comunes, estableciendo una cronología y dejando clara la noción de estilo.

 

Heinrich Wölfflin es el más grande de los formalistas. Alemán y hegeliano, a principios del siglo XX publicó Conceptos fundamentales en la historia del arte, una comparación estrictamente formalista entre el Renacimiento y el Barroco, mediante cinco pares de conceptos:

 

Tomado de http://www.wissen.de/wde/generator/wissen/ressorts/unterhaltung/index,page=1275452.html

 1 Lo lineal y lo pictórico

2 Lo superficial y lo profundo

3 La forma cerrada y la forma abierta

4 Lo múltiple y lo unitario

5 La claridad absoluta y la claridad relativa

 Estos conceptos no siempre se cumplen pero constituyen un valioso instrumento de análisis formalista. Entre los estudios formalistas, también son interesantes las aportaciones de Focillon, autor de La Vida de las formas, y de Arnheim, autor de Arte y percepción visual. Focillón estudia la evolución arcaico - clásico – manierista – barroco, que se repite en distintas etapas de la Historia del arte. Arnnheim estudia el procesamiento que el cerebro hace de lo que ven los ojos y da mucha importancia a la composición.

 Erwin Panofsky, alemán que pasó a Estados Unidos, se ocupó, no de las formas, sino del significado de las obras de arte.

 

Tomado de

 http://www.gerda-henkel-stiftung.de/en_home.php?nav_id=15&language=en

 En un artículo titulado El significado en las artes visuales, establece tres niveles de significado:

- Nivel primario o elemental: Simple reconocimiento de los objetos.

- Nivel secundario o iconográfico: Identificación de los personajes y del asunto o argumento de la escena.

- Nivel terciario o iconológico: Es más profundo y el menos claro; trata de descubrir el significado último, la intención, los valores ocultos que la obra transmite.

 Para las obras abstractas, Simón Marchán propone un cuarto nivel (nivel del eje sintagmático) que se refiere a las ideas, sensaciones o valores que transmiten las obras no figurativas a partir de su tamaño, forma, textura, etc.

 

Otro iconólogo importante es Gombrich.

  

Tomado de http://www.nndb.com/people/468/000060288

 Recordemos algunas de sus advertencias.

- Hay veces que no se pude llegar al primer nivel de Panofsky, en el caso de no conocer los objetos que se representan.

- A veces no es posible saber el verdadero significado de una obra que ha tenido muchos diferentes.

- El significado de un objeto depende del contexto en el que se encuentre.

- La iconología es más insegura y más arriesgada.

 

Arnold Hauser, nacido en Hungría, revolucionó la historia del arte al aplicar los métodos de análisis del Materialismo Histórico, relacionando sociedad y arte, siendo mucho más elástico en su última obra: Sociología del arte.

 

 

Tomado de http://www.filomusica.com/filo54/hauser.html

 

Jesús Mazariegos

06/12/2008 20:46. sdelbiombo #. Sobre arte y estética No hay comentarios. Comentar.

LA ESCULTORA DE CÁMARA DE CARLOS II Y SU ARCÁNGEL FEMENINO:LA ROLDANA (PRIMERA PARTE)

El público está cuchicheando e incluso el Rey Carlos II, el último de los habsburgos en el trono español, ya bastante degenerado y cuyo razonamiento siempre solía funcionar algo más que lentamente, empezó a asombrarse. La escena tiene lugar a principios de octubre del año 1692 en una fría sala del Palacio del Escorial. Ante el Rey perplejo y los espectadores ilustres han colocado lo que él había encargado: la escultura “El Arcángel San Miguel aplastando al Diablo“. ¿Pero por qué el Arcángel parece tener cara de mujer que algunos creen reconocerla?. Este guerrero de Dios lleva la cara de su creadora, y el diablo es… ¡el rostro de su marido!

 

La Roldada. San Miguel y el diablo.

Tomada de

http://www.artecreha.com/index.php?option=com_content&task=view&id=1130&Itemid=159

 

Así pudo haber sucedido la escena de la entrega de la obra maestra de la escultora sevillana Luisa Roldán (1652 – 1704), la que con este “Arcángel femenino logró un doble triunfo: tratar sus conflictos matrimoniales mediante su arte y conquistar el puesto de escultora de cámara de Carlos II. Pues, al Rey le parecía gustar tanto ese San Miguel misterioso, que a su autora le otorgó este título, resultado de años de duro trabajo de la hija del famoso maestro Pedro Roldán.

 

La Influencia y el Esplendor de la Escuela Sevillana

Durante mucho tiempo, se creyó que el 1654 fue el año de nacimiento de Luisa Roldán, hasta que en 1984 se encontró su partida de bautismo, fechada del 8 de septiembre de 1652 en la Iglesia sevillana de Santa Marina. No hay que olvidar que su vida comenzó sólo tres años después de la catástrofe apocalíptica

La gran peste de 1649 había caído como un manto de tinieblas a la llanura bética, oscureciendo la ciudad más esplendorosa del imperio español y exterminando la vida de la mitad de sus 160.000 habitantes. Barrios enteros de Sevilla fueron despoblados y se convirtieron en ciudades fantasmales. La peste también causó estragos en el ambiente de las Bellas Artes, porque entre sus víctimas se encontraron cientos de los artistas más importantes de Sevilla, ante todos Juan Martínez Montañés (1568 – 1649), el Miguel Ángel español“. Ese genial maestro había definido los principios del arte y de la estética para la Escuela Sevillana como ningún otro en su época y sus esculturas-modelos se copiaron en gran parte del imperio español.

 

 

El Hospital de la Sandre (actual Parlamento de Andalucía) durante la peste.

Tomado de

http://sevillatequiero.blogspot.com/2008/09/la-epidemia-de-peste-de-1649.html

 

En la segunda mitad del Siglo XVI, siendo el centro y la bolsa del „comercio de Indias, Sevilla fue la ciudad más rica de Europa durante breve tiempo. En el siguiente Siglo XVII ya comenzó el declive económico, pero al mismo tiempo, la urbe más cosmopolita de la España de los habsburgos entró en la época áurea de su vida cultural.

Después de Roma, Sevilla llegó a ser la metrópoli más importante del arte barroco. Exceptuando a Ribera, todos los genios de la pintura barroca española pertenecieron a la Escuela Sevillana: Velázquez, Murillo, Zurbarán, Valdés Leal, Francisco de Herrera el Mozo. Simultáneamente, en el ámbito de la escultura sevillana surgieron muchos maestros geniales (aunque en algunos casos apenas conocidos a nivel internacional). Aquéllos se dedicaron casi exclusivamente al arte sacro para proveer a cientos de conventos y cofradías de Sevilla y muchas ciudades en los virreinatos ultramarinos de Cristos y Vírgenes. Por ello, hasta hoy día encontramos en las catedrales e iglesias de Lima, México, Puebla, Habana y Quito, numerosas esculturas y a veces retablos enteros de artistas sevillanos como Martínez Montañés, Juan de Mesa, Felipe de Ribas, Francisco de Ocampo. En la segunda mitad del Siglo XVII, les siguieron el maestro Pedro Roldán, su hija Luisa y toda la dinastía de artistas Roldán – Duque Cornejo.

Durante las décadas después de la catástrofe de la peste de 1649 se podía observar un deseo de recuperar la antigua grandeza y experimentar a la vez con nuevas formas de expresión artística. A pesar de que la ciudad había perdido la mitad de su población y se enfrentó a una grave crisis económica, los artistas que habían sobrevivido la peste, reunieron todas sus fuerzas e inspiraciones para demostrar que podían referirse a las creaciones de la generación de Martínez Montañés y al mismo tiempo andar por caminos ultrabarrocos

Una onda nueva de creatividad entró en los talleres de Sevilla. Mediante una acción concertada, los maestros del Barroco Sevillano diseñaron y trabajaron conjuntamente en las nuevas obras magnas de la ciudad como por ejemplo en el Hospital de la Caridad y en el de los Venerables, luego en el Palacio de San Telmo y en las grandes iglesias como La Magdalena y El Salvador. De esta manera, nacieron conjuntos espectaculares de pintura, escultura y arquitectura y por última vez, Sevilla pudo reconquistar su posición de metrópli de las Bellas Artes de España. (Todos estos monumentos los puedes ver comentados en esta página del blog)

En ese ambiente inspirador, Luisa Roldán llegó a conocer personalmente a muchos colegas de su padre y fue testigo de la creación de las obras maestras que su padre terminó en los años sesenta y setenta del Siglo XVII ( el magnífico Santo Entierro del Retablo del Hospital de la Caridad) y posiblemente, ya llegó a asistirle en aquella época. Pedro Roldán reconoció pronto el talento extraordinario de su hija Luisa, la favoreció como alumna entre todos sus hijos. Aparte de la influencia paterna, en las primeras obras de Luisa aún se nota la influencia de la generación de Martínez Montañés con la reproducción realista de detalles anatómicos. Pero pronto, Luisa Roldán empezó a buscar su propia expresión artística, aumentando el barroquismo movido de sus figuras a nuevas cumbres.

 

Pedro Roldán. Santo entierro iglesia de la Caridad. Sevilla

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/obrmaestras/obras/16386.htm

 

Una Boda por Amor

También en su vida privada, se independizó pronto. A los 19 años se casó con un joven escultor, alumno de su padre. Las particularidades de la boda de Luisa Roldán y Luis Antonio de los Arcos causaron cierto escándalo en la ciudad. Todo comenzó con la negación de Pedro Roldán que de ningún modo quería aceptar esa boda. No se sabe con exactitud, por qué el padre de Luisa se opuso a ese casamiento. Probablemente, ya preveía que el elegido de su hija talentosa no le igualaba a ella, que era inferior en todas sus dotes. Pero Luisa y su novio, resueltos de casarse por amor y también sin la bendición del padre, decidieron organizar un casamiento “clandestino”. El día 17 de diciembre de 1671, a petición de Luisa, el arzobispo de Sevilla mandó “secuestrarla” de su casa paterna para que la pareja pudiera manifestar su libre deseo de casarse ante un juez de la Iglesia e independientes de sus familias. Su deseo se cumplió como un “regalo de Navidad”, porque el 25 de diciembre de 1671, a pesar de que el famoso padre todavía estaba protestando, Luisa y Luis Antonio celebraron su boda en la Iglesia de San Marcos.

¿Cuántas veces Luisa Roldán se habrá arrepentido más tarde de haber contraído ese matrimonio en vez de darle la razón a su padre? Es que su marido no sólo demostró cada vez más claramente su falta de talento como escultor, como marido tampoco valía nada: apenas contribuyó al sustento de la vida de su familia y dedicó mucho tiempo a ocio y vicios.

 

Catástrofes privadas y triunfos profesionales

Desde la primera década, el matrimonio de Luisa y Luis Antonio parecía maldito por el destino. En los ocho años entre 1675 y 1683, cuatro de sus seis hijos murieron, la mayoría apenas alcanzó el segundo año de vida. Esas desgracias debían ser traumáticas para Luisa.

Al mismo tiempo, eran cada vez más frecuentes los conflictos con su marido. Pero en aquella fase oscura de su vida, la reconciliación con su padre influyente constituyó un rayo de esperanza para Luisa. Por su prestigio, abrió alguna y otra puerta para su hija y pronto, después de haber realizado varias obras importantes por mediación de su padre, Luisa obtuvo el nombre La Roldana.

La reconciliación entre padre e hija también se manifestó en una obra común, ya alabada por sus contemporáneos: el „Paso monumental de la cofradía La Exaltación (el que hasta hoy día procesiona cada Jueves Santo por la tarde por las calles de Sevilla).  Pedro Roldán era el autor del Cristo de la Exaltación, Luisa talló los cuatro ángeles pasionarios y el ladrón bueno, así como el ladrón malo.

 

La exaltación (Los caballos)

Tomada de http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=6248

 

 

Detalle ángel de la exaltación realizado por la Roldada

 

En los años ochenta del Siglo XVII, Luisa recibió numerosos encargos de las cofradías sevillanas que organizan las grandiosas procesiones de la Semana Santa. Lamentablemente, pocas de las obras atribuídas están documentadas, en la mayoría de los casos se trata de atribuciones mantenidas por historiadores del arte que se basan en comparaciones con obras seguras de La Roldana, a veces con fundamento, a veces sin ninguno.

Todavía sigue actualmente la discusión entre los expertos, si Luisa Roldán puede ser considerada la autora de la más bella Virgen de España, la Esperanza Macarena.

 

La Esperanza Macarena

 

No hay – hasta ahora – ningún documento que lo compruebe, pero en caso de que se encuentre, „La Roldana“ obtendrá fama inmortal, ya que la Macarena, misteriosa „Mona Lisa entre las Vírgenes“, es una de las obras de arte más populares de la hispanidad, con un sinfín de reproducciones repartidas por muchos países latinoamericanos, aparte de España.

Pero a pesar de sus éxitos en Sevilla y la fama que obtuvo La Roldana en poco tiempo, la situación de competencia en la metrópoli del Barroco español era apretada. No es que hubiera faltado la demanda – que al contrario era inmensa – pero abundaban los escultores prestigiosos en la capital andaluza.

Este hecho también podía haber motivado la mudanza de Luisa a Cádiz (¿1685?), y luego, en el año 1689 a Madrid.

 

VIRGEN DE LA SOLEDAD. Puerto Real. 1688

Tomado de http://latrabajadera.mforos.com/561486/5187175-de-la-roldana

 Puedes ver aquí la segunda parte

Berthold Volberg

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DOS BELENES DEL SIGLO XVII EN MADRID

 Belén de las Carboneras. Siglo XVI-XVII

 

Con la llegada de la Navidad Madrid se convierte en un verdadero museo de excelentes belenes. Entre los más antiguos que se suelen exponer cada año hay dos que a mi me gustan especialmente.

En la iglesia San Ginés (calle Arenal) se muestra uno con  figuras de mitad de tamaño de un hombre (las llamadas academias), de madera policromada y vestideras (igual que las Vírgenes barrocas). Aunque con ciertas dudas se data en el siglo XVII y resulta bellísimo

 

Sin embargo la joya más espectacular (y no por su tamaño sino por su calidad y su ubicación) es el belén quiteño de las Carboneras (muy cerca de la Plaza Mayor).

La iglesia ya vale en sí misma una visita, pues es un pedacito de historia en medio de la capital, un entrar a principio del siglo XVII al que le dedicaremos un artículo futuro.

El belén se encuentra instalado en la parte baja del coro y representa muy bien cómo serían los belenes barrocos antes de la entrada de los modelos napolitanos. Uno parecido tendría (según su testamento) Lope de Vega, tal vez hecho por Martínez Montañés.

Hay dos detalles en él verdaderamente singulares. Por una parte aparecen en varios puntos granadas (fruta que, en los ambientes conventuales, significaría la resurrección). Por otro, al lado izquierdo de la imagen, se encuentra un jinete que porta la estrella de los reyes y junto a él un heraldo que toca la trompeta anunciando la llegada del Mesías. Ambas iconografías desaparecerán en el XVIII y ya no se recuperarán jamás. Son otro de los pedacitos de historia que guarda este convento, un belén que bien pudo mirar Velázquez, pues lleva én este mismo sitio desde 1604.

 


 

 

 

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Las fotos pertenecen a distintos años (2008-2009 y 2010)

Vicente Camarasa

07/12/2008 22:31. sdelbiombo #. Belenes Hay 2 comentarios.

LAS PINTURAS NEGRAS DE GOYA. UN MUNDO DE SOMBRAS Y DELIRIOS

 

Estaba solo, sordo y enfermo, mirando Madrid desde el otro lado del río, con un palacio al fondo en donde Fernando VII le odiaba con un sentimiento mutuo.

Vivía en un mundo de silencio perpetuo en el que las voces internas se oían con nitidez

 

 

Dos viejos.

Tomado dewikimedia.org

 

Eran ya muchos años sobre sus espaldas, pero aún más de desengaños. Las cicatrices del tiempo seguían vivas y el pesimismo se había instalado en su alma desde hacía unos años, cuando la Guerra de independencia le puso ante los ojos la barbarie que lleva dentro el hombre


 

Duelo a garrotazos

 

Y había miedo, además, un miedo íntimo y continuo ante los grupos mandados por le propio Fernando VII frente a su casa. Las pedradas a los cristales, dos conatos de incendio.

Miedo a las represalias de un rey ególatra y miserable que nunca aceptó que Goya fuera un ilustrado, alguien que pensara por sí mismo. Miedo

 

 

Fernando VII

 

Mucho miedo, a la vida que se le escurría por los dedos. Miedo a un tiempo como Saturno, que va devorando suavemente a los hombres

  

Saturno devorando a sus hijos

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Pinturas_Negras

 

Y el mundo doloroso de su eterno silencio se volvió a llenar de monstruos. Aquellos seres de Capricho que comenzaron a hacerse realidad sobre las propias paredes de su casa.


 

Aquelarre (lo tenéis comentado aquí)

Tomado de wikimedia.org

 

Llegaron ellos y las masas vociferantes que recordaban cuánto de bestias tenemos los hombres.


  

La romería de San Isidro

Tomado de wikimedia.org

 

La estupidez humana

 

 

Dos mujeres riendo.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Pinturas_Negras

 

La violencia

 

 Judit y Holofernes.

Tomado de wikimedia.org

 

 

La pobreza y la miseria de aquél que se encuentra mirando fijamente a la nada


 

 

Dos viejos comiendo sopa.

Tomado de wikimedia.org

 

¿Qué hacer ante todo aquello? Acaso lo único que puede hacer un pintor. Llenar las paredes de su casa como un diario de sus monstruos, oscureciendo y llenando de pesadilla unos paisajes anteriores (que acaso no eran suyos) de los que aún quedan restos


  

Asmodea

Tomado de wikimedia.org


Pintar con los colores sucios llenos de pasta (a menudo extendiéndolos con una espátula o con los propios dedos) y las formas deformadas para contarse a sí mismo y hacer los dos autorretratos más terribles de la historia


  

Leocadia (su pareja del momento) vestida de luto sobre un extraño túmulo (¿la tumba de Goya?)

Tomado de wikimedia.org

 

 

Perro semihundido (el comentario lo tenéis aquí) Yo siempre he visto en esa terrible mirada hacia arriba del animal el sentimiento de impotencia de Goya que se hunde en arenas movedizas

Tomado de wikimedia.org


 Un mundo terrible, entre la pesadilla y la realidad, que sería la lección perfecta para que un siglo después los expresionistas aprendieran a representar el lado oscuro de la vida, que nos persigue sin fin


 

El Grito. Munch. Principios del XX

Tomado de wikipedia


  

El abrazo. Egon Schiele

 

 

 

Bacon. Autorretrato. 1971

Tomado de http://www.leninimports.com/francis_bacon_gallery_5.html

 

GOYA BÁSICO

 

Vicente Camarasa.

 

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09/12/2008 12:43. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

LOS TIEMPOS DE CARLOS IV VISTOS POR GOYA

 

Familia de Carlos IV. Goya

Tomado de

 

Decía Rosenblunt que este cuadro es la mejor representación del Antiguo Régimen en sus últimos estertores de muerte, la imagen de un mundo vacío a punto de derrumbarse. Siguiendo esta línea, otros autores no se llegan muy bien a explicarse cómo pudieron aceptar los propios reyes un retrato tan crítico, que les presentaba de forma tan cruel en sus propias miserias. Pues si lo observáis con un poco de atención podréis ver a Carlos IV (a la derecha, más adelantado) tan bonachón como poco inteligente y manejable. Muy cerca de él, ocupando el centro, se encuentra Maria Luisa, verdadero motor de la monarquía que no deja ninguna duda (tal y como agarra a sus hijos) sobre quien lleva los pantalones en la Corte. Podemos ver incluso el futuro carácter huraño y egoísta de Fernando VII (cerca del cuadro, vestido de azul).

 

Detalle

 

Junto a estos personajes aparecen otras figuras de la familia, el propio Goya escondido tras un cuadro o una curiosa mujer con la cara vuelta al fondo que no era más que un truco que nunca terminó de hacerse. En aquellos momentos Fernando (príncipe de Asturias y futuro sucesor) aún no tenía prometida oficial, y se le puso junto a él a una mujer sin cara visible que, con el tiempo habría de ser pintado cuando realmente existiese. Pero los acontecimientos históricos (La guerra de Independencia contra los franceses) y personales (la cada vez mayor enemistad entre Fernando VII y Goya) hizo que este cambio nunca se produjera quedando para la posteridad la imagen de una mujer sin rostro, perdida entre el claroscuro de la historia.

 

Sin embargo, el cuadro aún esconde otro secreto de estado. Pese a ser el retrato de la familia real, falta verdaderamente la figura que mantiene las riendas del poder a finales del siglo XVIII: Manuel de Godoy.

Como ya había ocurrido en el siglo XVII, Carlos IV, falto de carácter, tuvo también un valido, Godoy, un hombre de oscuro pasado que escaló los peldaños de la corte a una velocidad de vértigo desde simple guardia de corps (especie de guardaespalda) a valido. En esta carrera quizás tuviera mucho que ver las escandalosas relaciones que el pueblo siempre le atribuyó a Godoy con la Reina Maria Luisa, convirtiéndose en su favorito personal antes de ser el favorito del rey.

 

De carácter soberbio y despótico, dominó la escena española en uno de los momentos críticos del siglo, con la Revolución instalada en Francia y la posterior alianza franco-española contra Inglaterra firmada en San Idelfonso.

Fruto de ella será la famosa guerra de las Naranjas contra Portugal (aliada de Inglaterra), que recibe este nombre del ramo de naranjas que Godoy hizo llegar a la reina desde Olivenza (la única plaza que se tomó de Portugal).

Como forma de glorificación, Godoy encargó a Goya este retrato en donde el pintor demostró, una vez más, su crítica implacable ante los modelos. Una actitud valiente que arrancaba de Velásquez y Rembrandt

En la que el pintor no sólo refleja la realidad sino su propia visión de la misma, subjetiva, cargada de cariño o ironía, que le convierten en el primer retratista moderno que ya no se deshace en elogios ante su mecenas, sino que lo plasma con toda su verdad, esta vez bastante terrible. Miradlo sino por vosotros mismos

 

Godoy como vencedor de la Guerra de las Naranjas. Goya

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Manuel_Godoy_Spain.jpg

 

En un próximo artículo analizaremos técnicamente el cuadro de la Familia de Carlos IV.

 

Vicente Camarasa

09/12/2008 12:50. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

FUSILAMIENTOS DE LA MONCLOA. FRANCISCO DE GOYA

 

Los Fusilamientos del 3 de mayo. Goya

Tomado de wikimedia.org

 

Cuadro de grandes dimensiones realizado por de Goya en 1814. Museo del Prado.

El tema es histórico, representando los fusilamientos que la madrugada del día 3 de mayo hicieron los soldados franceses sobre aquellos españoles que se habían levantado en la Puerta del Sol el día 2. Temáticamente, forma pareja con la Carga de los Mamelucos, acaso pensados ambos para ser expuestos juntos en un gran arco del triunfo que se hizo con motivo de la entrada de Fernando VII, tras el fin de la guerra.


 

La carga de los Mamelucos. Goya

Tomado de wikimedia.org

 

 

En general, ambos cuadros (y los grabados contemporáneos de Los Desastres de la Guerra) tienen una misma visión negativa de la guerra, entendiéndola más como un fracaso de la razón que como una solución a los problemas. Esta posición crítica contra la violencia tiene su origen en la postura ilustrada que mantenía Goya desde hacía años, gracias a los contactos que mantenía con prestigiosos políticos e intelectuales de la época (Jovellanos). En sí misma, esta actitud crítica resulta bastante moderna, alejándose de la visión heroica típica de la etapa anterior (Barroco) y más  comprometida y cercana a nuestra sensibilidad (Si queréis saber más de esto pulsar aquí)


 

La técnica utilizada es la pincelada suelta (predominio del color sobre la línea), tal y como Goya ya había utilizado desde su periodo de pintor del rey (Familia de Carlos IV). Gracias a ella, los detalles se pierden en favor de una mayor sensación de conjunto, dejando zonas casi abocetadas (sin definir, casi inacabadas), realizando sólo sus masas y líneas fundamentales.

La composición. Todos los elementos (luz, color, líneas) nos colocan al hombre con los brazos en alto como el eje de la composición, siendo ésta asimétrica y volcada hacia la izquierda. En torno a este personaje se amontonan el grupo de los españoles que se relacionan con el otro grupo (pelotón de soldados franceses) a través de las líneas de los fusiles.

El color también es diferenciado. En la zona francesa, predominan los colores oscuros y de un tono neutro (verdes, ocres) que unifican toda la zona, restándole importancia visual.

Frente a ello, en la española, Goya utiliza tonos fuertes y vibrantes entre los que destaca, por encima de todos, la mancha amarilla y blanca del personaje central. Estos colores hacen pareja con los del farol, siendo puros y brillantes. Junto al rojo de la sangre, su potencia atrae la mirada del espectador hacia el grupo, al igual que ocurría con la luz, convirtiéndolo en el motivo principal.

 

 

fusilamiento detalle

wikimedia.org

 

 

La luz tiene un importante papel a la hora de definir la escena, nocturna por motivos históricos, pero también estéticos, potenciando el ambiente dramático de toda la composición. Goya recurre a un gran farol que se encuentra entre ambos grupos, generando un espacio entre ellos. Su posición crea dos ambientes bien diferenciados, uno luminoso, el de los españoles sobre el fondo del montículo, mientras los franceses quedan a contraluz, como una especie de pantalla oscura que vuelve impersonales a los que matan. El resto de la escena se encuentra en penumbra y sin apenas detalles.

La perspectiva no es un tema prioritario en el cuadro, interesándole a Goya mucho más los primeros planos en donde se desarrolla toda la tragedia..

Así,  los fondos son utilizados para potenciar el primer término. En la zona ocupada por los españoles adelanta el paisaje a través de un montículo que concentra la luz y cierra visualmente el grupo, creando una zona homogénea. La parte de los franceses es mucho más amplia, con un lejano y borroso paisaje con una iglesia y casas de fondo, todo convenientemente difuminado para no restar importancia a la escena principal (Igual técnica de acercamiento de la escena, dando un tratamiento secundario al entorno, sucede en la Carga de los Mamelucos)

Los personajes son tratados sin ningún tipo de idealización. En el grupo de los españoles, Goya busca tipos populares que incidieran en el mensaje de guerra como algo anónimo, sin grandes héroes, popular. En sus distintos gestos, el pintor hace un recorrido por las múltiples posiciones del hombre frente a la muerte (miedo, resignación, valentía, rezos y oraciones…) que culminan en la figura central que, con una postura que recuerda a un crucificado, mira con resignación la muerte que se le avecina, como si nada tuviera remedio y el poder de la destrucción no tuviera freno alguno.

En el bando contrario, Goya nos coloca a los soldados franceses de espaldas, sin rostros, con una postura repetida que los convierte, más que en individuos (como ocurre entre los españoles), en una verdadera máquina de matar sin sentimientos.

 

Comentario.

La Guerra de Independencia contra los franceses (1808-1814) resultó para Goya una piedra de toque esencial a la hora de hacer evolucionar su estilo e ideología, poco a poco más pesimista y crítica contra todo aquel lado oscuro del ser humano que ya empezaba a estar presente en obras anteriores como los Caprichos o los cuadros de Gabinete. Lejano quedaba ya ese sentido festivo y en mucho rococó de los Cartones para Tapices. Primero la sordera que le alejó del mundo y luego la barbarie de la guerra conducirían al pintor hacia un mundo dramático y pesimista que engendraría las posteriores pinturas negras de la Quinta del Sordo (u otras, en este momento cuestionadas en su autoría, como el Coloso)


  

El coloso

wikimedia.org

 

 

Esta fuerte evolución convierten a Goya, en sus últimos años, en un verdadero revolucionario del arte, precursor de técnicas e ideologías (Romanticismo, expresionismo, surrealismo incluso) que se desarrollarán muchos años después de su muerte.

 En este sentido, podríamos hablar de Goya como el primer gran artista moderno, crítico con su momento gracias a su voluntad de libertad e independencia. Consciente del nuevo papel del arte como difusor de ideas, utilizará todo tipo de recursos técnicos para conseguir transmitir su mensaje, tal y como luego harían en el XIX románticos o realistas que, de la pura complacencia pasan a la crítica de la sociedad y sus aspectos más negativos. Con Goya comienza, en gran parte, la idea del arte como visión subjetiva del mundo. Se pasaría del artista que celebra al que opina.

En cuanto a la estela dejada por el cuadro es necesario citar, sobre todo, dos nombres. El primero de ellos fue Manet, padre del impresionismo y gran enamorado de la pintura española, que además de recoger la herencia técnica de su pincelada suelta y abocetada, utilizará a Goya como pretexto para muchos de sus cuadros (Majas en el balcón o la Olimpia, cuya inspiración estaría en la Maja desnuda), utilizando los fusilamientos como modelo de su fusilamiento del emperador Maximiliano.

 

Manet. Fusilamiento del Emperador Maximiliano

Tomado de http://depoetasytallarines.blogspot.com/2008/05/apuntes-sobre-el-2-de-mayo.html

 

Por otra parte, los fusilamientos tendrán una continuación en ciertos cuadros de Picasso. En cuanto a recuerdos formales habría que citar el cuadro de la Matanza de Corea en donde ese carácter impersonal de los soldados franceses los termina convirtiendo en verdaderos robots que matan sin ningún tipo de sentimiento.

 

Picasso. Matanza de Corea

Tomado de depoetasytallarines.blogspot.com

 

También dependiente de Goya, aunque ya sin ningún tipo de copia formal, se encontraría el Guernica  en donde se vuelve a explicar la guerra desde un punto de vista antiheroico, tan sólo la destrucción y el horror de las víctimas, la terrible comprobación de su inutilidad.


 

Picasso. Guernica

Tomado de  http://elasticosmos.wordpress.com/2008/06

 

Para saber más

http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/anlisis-de-una-obra-de-goya-los.html

 

GOYA BÁSICO

 

 Vicente Camarasa

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10/12/2008 18:00. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

LA ROLDANA (SEGUNDA PARTE)

 Puedes encontrar aquí la primera parte

 

 Las Obras Maestras y el Nombramiento a Escultora de Cámara

A mediados de los años ochenta del Siglo XVII, Luisa Roldán encontró su propio estilo como escultora, barroquizando aún más la expresión artística que había aprendido en el taller de su padre. Se caracterizó por formas de expresión sentimental, a veces tierna, siempre marcadas por un barroquismo dinámico, logrado por melenas de cabello y ropajes ondeando, como si fueran movidos por imaginarias ráfagas de viento.

En el año 1684, para el Convento de los Carmelitas en Cádiz, La Roldana creó su primera obra maestra documentada: un Ecce Homo (hoy se encuentra en la catedral de Cádiz). Esa escultura casi „expresionista“ nos muestra Cristo como víctima de torturas y criatura humana que está sufriendo, con las facciones del rostro descompuestas y la boca abierta para lanzar un grito desesperado de dolor, las manos atadas agarran el manto de púrpura. Es una representación conmovedora e intemporal de angustia y desesperación humana, una muda condena de la violencia.

 

El Ecce Homo en la catedral de la Cádiz

Tomada de http://www.homines.com/arte/la_roldana/index.htm

 

Después de hacerse famosa y triunfar también en Cádiz, la ambición de La Roldana se busca un nuevo destino: el Palacio Real en Madrid. Era su deseo conseguir lo que ninguna mujer hasta entonces había logrado: ser nombrada „escultora de cámara“ por el Rey. La mudanza de Luisa y su familia a Madrid tuvo lugar en el año 1689, pero la realización de ese objetivo tardó tres años en cumplirse. En aquella época hubo un lobby de artistas sevillanos en la Corte de Madrid que desde el triunfo del genio Velázquez se había establecido allí. La Roldana habrá intentado de aprovechar los contactos de esos artistas sevillanos, pero tenía una desventaja decisiva: era mujer. Esperando en vano el gran éxito durante tres años, tuvo que fabricar pequeñas obras de barro cocido, especialmente belenes, para aristócratas caprichosos y conventos

 

Pieza de Belén (Atribuida)

Tomado de http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=6248

 

En 1692 logró el triunfo con su versión dramática del Arcángel San Miguel aplastando al Diablo. El Rey Carlos II quien había pedido esa escultura para decorar una sala del Escorial, se mostró muy contento con la obra, y el día 15 de octubre de 1692, nombró a la creadora de la misma “real escultora de cámara”. Con su obra maestra, La Roldana había logrado su objetivo.

 

El Arcángel femenino – ¿un Monumento del Feminismo?

Ese „Arcángel femenino es bien distinto de otras obras de Luisa Roldán que talló en la misma época madrileña. Quien conoce algunas de los pequeños belenes portátiles fabricados para las mesitas de noche de marquesas solteronas, notará en seguida la diferencia. Lo primero que salta a la vista es el tamaño (casi lo doble del natural) de ese San Miguel. La segunda diferencia es el material: no es de barro cocido, sino de madera. Lo tercero que destaca es la expresión de dinámica agresividad que tanto contrasta con los dulces y tiernos belenes de figuras graciosas. Actualmente, nos asombraríamos de tener una decoración de salón tan inquietante como es ése guerrero de Dios. Pero en su día, esa ilustración dramática del concepto dualista del mundo estaba de moda.

 

El Arcángel Miguel venciendo al Diablo

Tomado de http://amigosdelforo.es/LaRoldana.htm

 

El Arcángel, las alas majestuosamente desplegadas, vestido de una capa de color rojo sangre movida por el viento, está aplastando al Diablo, empujándolo con el pie izquierdo y arrojando el cuerpo desnudo del demonio al infierno. El Diablo, cornudo y atado con cadenas, alza los brazos desde el fuego llameante, lanza un grito desesperado de dolor y mira con los ojos torcidos a la espada de fuego del Ángel. Parece decidido el destino del mal (masculino) y está triunfando la figura de luz del Ángel (femenino) que parece bailar una danza de triunfo encima del cuerpo moribundo del demonio.

 

Detalle del demonio ¿de su marido?

Tomada de  http://amigosdelforo.es/LaRoldana.htm

 

Pero Luisa Roldán también podía aprovechar esa obra maestra para un análisis despiadado de su crisis matrimonial, presentando el Diablo con la cara de su marido vicioso y prestando su propio rostro al Àngel que lucha valientemente por la victoria de la luz y de la vida. Sólo se puede especular sobre los detalles de los conflictos entre Luisa y su esposo, el que no sólo en esta obra de arte, sino también en la vida real, siempre se mantuvo en su sombra. Pero sin duda, con esa escultura, La Roldana, queriéndolo conscientemente o no, ha creado uno de los monumentos más originales del feminismo.

Víctima de la crisis económica

El triunfo profesional no le trajo riqueza, ni siquiera una existencia garantizada a Luisa Roldán. Pues, los pagos de la Corte real se efectuaron de manera muy irregular, ya que la Casa Real estuvo prácticamente en quiebra. Las numerosas guerras de Carlos II. y de sus antecesores y la pompa desmesurada habían vaciado las cajas del último monarca habsburgo en el trono español y los ríos de metales preciosos procedentes de los virreinatos americanos estaban agotándose. Unas cartas de Luisa dirigidas a la Reina Marianne von Neuburg, dan testimonio de la pobreza que sufrió la familia De los Arcos – Roldán en Madrid a pesar del éxito profesional de Luisa.

La crisis económica que se extendió por toda España y que también afectó a la Casa Real, llegó a tener dimensiones dramáticas durante los últimos años del reino de Carlos II. Incluso existen cartas de embajadores extranjeros que se quejan de sufrir hambre en la Corte. En la ciudad de Madrid, la situación era aún más catastrófica, así que en el año de 1699 hubo rebeliones en las calles de Madrid.

La situación personal de La Roldana se mejoró transitoriamente, porque en el mismo año heredó parte de la fortuna de su padre quien había muerto en Sevilla. Y el Rey le concedió un gran honor a su escultora de cámara: encargó una estatua de Cristo destinada a ser un regalo para el Papa Inocencio IX. Pero el Papa murió poco antes de la conclusión de la obra. Entonces el Rey pidió a la Roldana que le diera el Cristo para el Escorial. Pero esa escultura de Cristo no parecía traer suerte a ninguno de sus futuros dueños, porque antes de que llegara al Escorial, murió también el Rey, a principios de noviembre de 1700. Así que Luisa decidió quedarse con su misterioso Cristo con la cruz a cuestas que hoy día se encuentra en el Convento de Sisante en la provincia de Cuenca.

 

Se puede ver con bastante detalle este cristo en esta página http://www.lahornacina.com/articulossisante.htm  

La triste muerte de la Escultora de Cámara

En octubre del año 1701, el nuevo Rey Felipe V. de la Casa de Borbón otorgó de nuevo el puesto de Escultora de Cámara a La Roldana, como lo había solicitado. Este segundo nombramiento constituyó un gran éxito de prestigio para ella, pero todos los detalles indican que Felipe V. pagando sus cuentas a su famosa artista fue tan moroso como su antecesor. Muchos honores y pocos dineros – con ese lema se podría titular la última década de vida de Luisa Roldán. Pues, después de que la inflación haya robado gran parte de la herencia de su padre, la situación de la familia de Luisa empeoraba cada vez más. De nuevo, la escultora sevillana escribió cartas a la Casa Real, pidiendo el pago de obras de arte que ya habían sido entregadas. Una situación grotesca: siendo La Roldana uno de las grandes escultoras de su época, famosa en España, apenas podía garantizar la supervivencia de su familia. Durante la profunda crisis económica en la que cayó España alrededor del año 1700, ella se convirtió en una figura trágica en el ámbito de la Corte que la honró con títulos, mientras que detrás de sus fachadas doradas ya estaba en quiebra.

En el año 1704 muere La Roldana en la pobreza, a pesar de su fama y éxitos, ni siquiera se sabe el día exacto de su muerte. Sin embargo, el prestigio e incluso la influencia estilística de la escultora más importante de España siguen vivos, por ejemplo en muchas esculturas neobarrocas que se crearon durante el Siglo XX para la Semana Santa de Sevilla. Y nos ha dejado tres obras maestras enigmáticas, que por sí solas ya ofrecen bastante razón para colocar su creadora en la galería de los maestros del Barroco: el Ecce Homo de mirada acusatoria en la catedral de Cádiz, el misterioso Cristo de Sisante, la belleza de la Virgen llamada la Peregrina o el Arcángel de rostro feminino en el Escorial.

 

La Peregrina

Tomado de

http://www.oronoz.com/muestrafotostitulos.php?pedido=VIRGEN%20PEREGRINA&tabla=Claves

 

Recomendaciones
El caiman recomienda fervorosamente la biografía magistral de la Dra. Maria Victoria Garcia Olloqui: "La Roldana", Guadalquivir Ediciones, Sevilla 2000

http://www.galeon.com/juliodominguez/2007/roldana.html Galeria de fotos

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=6248 (Galeria de fotos)

http://latrabajadera.mforos.com/561486/5187175-de-la-roldana  (Foro con galería de fotos, algunas pura atribución, muy dudosa)

http://amigosdelforo.es/LaRoldana.htm

 

Berthold Volberg

 

Tomado de http://www.caiman.de/spanien/roldana/la_roldanaes.shtml  con permiso del autor

 

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11/12/2008 10:43. sdelbiombo #. Barroco español XVII No hay comentarios. Comentar.

INVITACIÓN A UN CONCIERTO

Estimados compañeros y sin embargo amigos:


El día 1 de enero, como cada año desde hace no sé cuantos, se celebra en Viena el tradicional concierto de año nuevo en la sociedad de amigos de la música de dicha ciudad a cargo de la poco conocida filarmónica de viena. Ese día, no creo que dejéis de acostaros por ver tan bello evento (y de programa tan vanguardista) por lo que os propongo una alternativa

 

El día 20, sábado, a hora menos intempestiva (12.00) en el auditorio Ramón y Cajal (facultad de medicina de la Complutense) tendrá lugar el concierto de diciembre de la orquesta Iuventas (que algunos de vosotros seguís con fervor) en la que servidor es colaborador (casi permanente ya). El programa, muy rico:

 

-Noches en los jardines de España (un concierto para piano y orquesta cañí), de M. Falla

-Mi madre la Oca (obra inspirada en cuentos infantiles, para revivir infancia), de M. Ravel

 

El programa es cortito (en duración) y la idea es hacer un concierto pedagógico, así que además de escuchar música aprenderéis algo de utilidad para el día de mañana. En ese sentido, habrá una pequeña sorpresa, que no puedo desvelar aquí y que será revelada a quienes acudan.

 

Podéis degustar algo del programa aquí:

 

http://es.youtube.com/watch?v=v8ycNsWQBDY
 
http://es.youtube.com/watch?v=u_bgsdOe9PE
 
http://es.youtube.com/watch?v=Mxs9dXqzzxA&feature=related
 
Precio de la entrada, 4 o 5 euros de nada. La totalidad de la recaudación será destinada a Fundismun. En la página web de la orquesta tenéis más información

 

http://www.orquestaiuventas.com/index.php

Sin más me despido. Os recuerdo que venir al concierto no es venir a verme a mí únicamente. Es escuchar en DIRECTO a una joven orquesta en la que participo. No somos profesionales peo ganas no nos faltan. Además, como os he dicho, es una buena ocasión para aprender a disfrutar un poquito de la música clásica.

 

Saludos

 

Rafael Gordillo

PACO SANCHIDRIÁN

 En 1951, en el número 35 de la calle 8 de Nueva York, tenía lugar una reunión de artistas en la que Hans Hoffmann comparaba la pintura francesa y la americana. "Los franceses", decía, "tienen un pasado cultural. Lo tienen más fácil". Entonces intervino Willem de Kooning y dijo: "Los cuadros de los franceses tienen un 'toque' que les hace parecer como cuadros terminados. Un 'toque' que me complazco en no tener".

Tomado de http://juanat.wordpress.com/2008/04

 

 Paco Sanchidrián, como De Kooning, sabe muy bien que la gran batalla de la pintura moderna consiste en destruir la fortaleza del ilusionismo renacentista, en desenmascarar el artificio de la tercera dimensión y en devolver a la pintura su carácter plano. Consiste en poder volver a ver la pintura.

 Por eso cuando miras sus cuadros podrás imaginar un lugar con objetos amontonados en el suelo y un espacio detrás. Tu cerebro se empeña tercamente en recordar las contingencias del mundo.

 

Tomado de http://juanat.wordpress.com/2008/04

 

Pero tus ojos saben que no hay suelo ni fondo ni objeto alguno. Tu mirada limpia sólo ve el color extendido sobre la superficie plana y una serie de formas más o menos rectangulares que han de entenderse como la proclamación de que el único mundo que hay en las obras de Paco Sanchidrián es el propio cuadro, es la pintura sin 'toque' mágico, como quería De Kooning, la pintura que se complace en sí misma.

 

Jesús Mazariegos

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12/12/2008 19:20. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

LOS CAPRICHOS DE GOYA. DOS MUNDOS POR EL PRECIO DE UNO (PRIMERA PARTE)

 


 

Lo que puede un sastre

 

 

 

 Según Bozal estos grabados de Goya se inician en una serie de dibujos (Álbum de Sanlúcar) que el pintor realiza en su larga convalecencia en la casa de la duquesa de Alba, cuando una enfermedad (acaso sífilis) le lleva a las mismas puertas de la muerte, dejándolo por completo sordo.

En este momento (1792) los analistas de Goya fijan la fecha en la que su arte cambiará de raíz y de la vida alegre, desenfada y opulenta de sus carones para tapices o su primera etapa de retratista (en donde sólo le interesa el dinero o la posición social) pasará a otra mucho más crítica y en ocasiones trágicas.

 

En este momento vemos al Goya ilustrado, que aplica la razón para criticar todo tipo de supersticiones y costumbres sociales, como él mismo comenta en la nota que se publicó en la prensa para hacer publicidad de sus grabados

 

Colección de estampas de asuntos caprichosos, inventadas y grabadas al aguafuerte por Don Francisco de Goya. Persuadido el autor de que la censura de los errores y vicios humanos  puede también ser objeto de la pintura: ha escogido como asuntos proporcionados para su obra, entre la multitud de extravagancias y desaciertos que son comunes en toda sociedad civil, y entre las preocupaciones y embustes vulgares, autorizados por la costumbre, la ignorancia o el interés, aquellos que ha creído más aptos a suministrar materia para el ridículo, y ejercitar al mismo tiempo la fantasía del artífice.

Diario de Madrid (6 de Febrero de 1799)

 

Así, con una mirada ácida y crítica, nos habla de los matrimonios por interés (en donde los padres buscaban un beneficio económico, no dudando para ello sacrificar la felicidad de sus hijas)

 


 

Qué sacrificio (Los títulos los puso el propio Goya)

Tomado de  

 

Sobre la coquetería femenina.

 


 

Hasta la muerte

Tomado de goya.unizar.es


Sobre un clero que, amparado por las clases altas, se queda con el dinero

 


 

¿Por qué esconderlos? (las bolsas de dinero)

Tomado de http://goya.unizar.es

 

O la propia Inquisición, con la que llegó a tener ciertos problemas

 


No hubo remedio. Fijaros en los guardianes que acompañan a este condenado por la inquisición o el pueblo, embrutecido, que lo insulta.

Tomado de http://goya.unizar.es

 

También critica a los médicos

 


De qué mal morirá. Observa las sombras de la muerte que se acercan al enfermo.

Tomado de http://goya.unizar.es

 

O la sociedad estamental (el clero y la nobleza representados como burros, que son sostenidos por los no privilegiados, los únicos que pagaban impuestos)

 


Tú que no puedes

Tomado de http://goya.unizar.es

 

Según esta forma de interpretar la realidad, el más famoso de sus grabados, el Sueño de la razón, produce monstruos, tendría una clara interpretación. Cuando la razón duerme, cuando no estamos lo suficientemente despiertos y alertas para analizar el mundo, enseguida aparecen los miedos, los monstruos terribles que se alimentan de nuestra ignorancia, de nuestros temores, de nuestras emociones más terribles. Cuando no hay razón (Ilustración) comienza el reino de las pesadillas (de la Inquisición, las desigualdades, la violencia, el odio…)

 


 

El sueño de la razón produce monstruos.

Tomado de http://goya.unizar.es

 

Sin embargo, tal vez las cosas no sean tan sencillas… Tal vez haya una segunda interpretación

Que muy pronto veremos. (Segunda parte)

 

 

 

 

Vicente Camarasa

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12/12/2008 20:14. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

BELENES. EL MONTE SACRO

 

 

En el siglo XVI, en Piamonte, aparece el modelo de un belén muy peculiar: el Monte Sacro. Se trata de una singular ciudadela en la montaña circundada por un camino que recorre una serie de capillas en donde aparecen las grandes escenas del Nuevo Testamento (incluyendo también el Ciclo de la Pasión). Se conserva el realizado por Gaudenzio Ferrari, il Tabacchetti (1475?-1546), que él mismo realizó en todos sus pasos, hasta pintando sus fondos.

 Recogiendo esta tradición, hace muy pocos años Mayo, uno de los grandes belenistas actuales, ha vuelto a recrear el Monte Sacro en el que se cuenta la historia sagrada de una forma didáctica (lo que en realidad siempre ha pretendido el belén; enseñar al pueblo por medio de la imagen).

Así, en una sola composición une la Expulsión de Paraíso de Adán y Eva (fruto del Pecado Original), las típicas escenas del Nacimiento, con la Pasión y Resurrección de Cristo, que según el cristianismo cierra el ciclo antiguo y abre uno nuevo, el de la salvación a través del hijo de Dios.

Mirad la imagen del principio (que no es de gran calidad, pero qué se le va a hacer) e intentad buscar algunos de estos episodios. La tomé en el 2006 en la Iglesia de San Miguel de Madrid, la última vez que lo vi expuesto

 Vicente Camarasa

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14/12/2008 08:03. sdelbiombo #. Belenes No hay comentarios. Comentar.

LA VIDA SECRETA DE LOS PITUFOS

Alejandra en su blog de francés ha escrito (pero en español) un artículo sobre el origen de los pitufos los podéis encontrar aquí

LOS CAPRICHOS DE GOYA. DOS MUNDOS POR EL PRECIO DE UNO (SEGUNDA PARTE)

 


Ya es hora

Tomado de wikimedia

 

En la primera parte de este artículo planteábamos la interpretación ilustrada de los Caprichos. Una visión crítica de los vicios de su tiempo anclados todavía en la superstición y las mentiras heredadas desde hacía siglos.

Sin embargo, ¿qué está criticando Goya en este Capricho?

 

Allá va eso.

 

¿Y en éste?

 


 Miren qué graves.

 

Pues resulta que dentro de los Caprichos existen numerosos grabados  que más que criticar, hablan del mundo de la brujería, de lo demoniaco.

Esto no es una excepción en la obra de Goya, pues desde muy pronto Goya pintó Aquelarres (reuniones de Brujas) o sus propias pinturas negras se encuentran llenas de monstruos.

  

Aquelarre. 1789

Tomado de wikipedia

 

 

Pero esto no es Ilustrado, sino todo lo contrario. Este mundo monstruoso, siniestro y oscuro es lo contrario de las Luces de la Ilustración y tiene que ver con un movimiento artístico y literario que ya comenzaba a desarrollarse: el Romanticismo.

Aunque ya lo analizaremos en otra ocasión, debemos entender el Romanticismo como un movimiento cultural que, al contrario de la Ilustración, intenta expresar sus sentimientos y emociones, eliminando así el poder de la razón. Tanto en literatura (Frankenstein, Drácula) como pintura, sus temas más habituales son la aventura, el miedo, lo irracional, el horror, lo sexual

Goya coincide en el tiempo (pero acaso sin conocerlos) con los primeros representantes del prerromanticismo inglés como Fuseli, Blake o Flaxman. Echad un vistazo a alguno de sus cuadros para poder comprender lo que hemos dicho

 

Flaxman. Odisea

Tomado de www.mlahanas.de

 

 

Fuseli. Íncubo (Demonio masculino)

Tomado de wikimedia


 

Blake. Abel

Tomado de wikimedia.org

 

Como véis estos pintores se apartan de lo racional, incluso del mundo real para llenar sus cuadros de seres de fantasía, de fantasmas y emociones, tal como está haciendo Goya en alguno de sus Caprichos.

 


 

Hay mucho que chupar

Tomado de wikimedia


Buen viaje

Tomado de wikimedia

 

Siguiendo esta forma de interpretación, el grabado del sueño de la razón que analizábamos antes, ¿no tendrá otra explicación? ¿No será, como dice Calvo Serraller, que el sueño de la razón es la razón llevada a sus extremos, demasiada razón que termina creando monstruos?

 


 El sueño de la razón produce monstruos.

Tomado de wikimedia

 

Como véis Goya es tan sumamente importante en la historia del arte por sus posibilidades de interpretación, por la cantidad de estilos con los que puede jugar, por adelantarse al futuro. Incluso en estos Caprichos y como si quisiera reírse de todos nuestros planteamientos y, en medio de horror, es capaz de una gran carcajada, dejándonos un poco en ridículo

 


¿Dónde va mamá?

Tomado de wikimedia.

 

 

GOYA BÁSICO

 

 Vicente Camarasa

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15/12/2008 11:31. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

LUZ DE GAS

Hoy quisiera hacer una pequeñísima reseña de cine, algo especial, porque cuando hablamos de manipulación, mensajes subliminales o intenciones oscuras sobre la realidad que se nos ofrece, a veces algo en nuestro interior nos alerta y decimos: ¿Me estáis haciendo luz de gas?.

Todos hemos oído esta expresión, es curioso su significado. Éste nace con el título de una película de 1944 de George Cukor, e interpretada por Charles Boyer, Ingrid Bergman y Joseph Cotten. En inglés se titulaba Gaslight pero aquí en España se tituló Luz que Agoniza. Una peli romántica-de misterio que la interpretación siempre genial de la Bergman la convierte en muy recomendable.

Narra cómo un marido (con oscuro pasado y más oscuras intenciones) trata de volver loca a su mujer manipulando elementos de la casa, aparentando no ser ciertos los acontecimientos, declarando no percibir la misma realidad que ella y por tanto presentándola como una histérica.

 

Tomado de http://www.canaltcm.com/contenido/2008/11/14/luz-agoniza

 

Me gusta cómo el escritor Javier Marías nos explica que hacer luz de gas a alguien hoy por hoy significa persuadir a una persona de que su percepción de la realidad, de los hechos y de las relaciones personales está equivocada y es engañosa.

Y ahora que tenemos clara la expresión, ¿no creéis que deberíamos utilizarla muy a menudo mientras vemos la televisión o consultamos internet?

 

Susana

PARA ENCONTRAR MÁS INFORMACIÓN DE GOYA

 

GOYA BÁSICO

 

CARTONES PARA TAPICES

 

Sobre el paisaje pintoresco en sus cartones para tapices  

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Carlos III y el gusto rococó (cartones para tapices)

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 Sobre el rococó

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GOYA Y REMBRANDT 

 

Goya y Rembrandt, general

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 Goya y la vida de Rembrandt. Pinturas negras 

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OTROS

Imágenes inquisitoriales de Goya

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Goya y los duques de Osuna

16/12/2008 18:04. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

REMBRANDT (V) EL PODER DEL GESTO

Por favor, fijaros en este cuadro

 

Betsabé

Tomado de

 http://www.elpais.com/fotogaleria/Prado/salda/deuda/Rembrandt/5800-2

 

Se trata de Betsabé, esposa de Urías, un soldado judío. Está desnuda pero una vieja sirviente la está calzando mientras en la mano sostiene un papel y tiene en el rostro un gesto de lejana tristeza. ¿Qué le ocurre?

El rey David se ha fijado en ella mientras se bañaba  y la ha mandado llamar con fines poco honestos. Esto es lo que pone el papel. La orden de acudir a la llamada de su rey, aunque eso signifique deshonrar a su marido.

Pero Rembrandt va más allá. En el rostro de Betsabé quiere contar la historia entera, cuando ella se quede embarazada, su marido Urías niegue la paternidad y el rey David le sitúe en primera línea de combate en el sitio de Rabbá Amon, en donde morirá. La tristeza de Betsabé es el triste presagio de estos males y de la posterior maldición divina que le hará abortar este primer hijo, aunque más tarde será madre, esta vez de Salomón.

 

Rembrandt ha utilizado todos sus recursos  para embaucarnos, aunque en el siglo XVII no hacía falta contar toda la historia, pues todo el mundo la conocía de sus numerosas lecturas de la Biblia. Ha jugado con el destino terrible que se refleja en la cara de Betsabé a la vez que nos muestra toda la sensualidad del desnudo (lo que en realidad siente David) potenciado por el suntuoso dorado del fondo, hecho con una pincelada sumamente suelta.

 

Pongo este ejemplo para explicar la capacidad que tenía el pintor holandés para mostrar los sentimientos, lo que habitualmente llamamos retrato psicológico (al que fue tan aficionado Goya, por cierto)

Esta facilidad para sugerir los sentimientos Rembrandt la utilizará tanto en la pintura de historia (ya fueran mitológicas o religiosas, el género mejor considerado en su época) como en los retratos.

Entre los primeros la exposición del Prado tiene varios ejemplos, como esta obra de juventud de Judas devolviendo las monedas

 

 

Las 30 monedas

Tomada de http://www.rembrandtpainting.net/rmbrndt_1636-1654/flight_into_egypt.htm

 

Fijaros en la imagen de Judas arrodillado, retorcido, presa del arrepentimiento, y también en la figura a contraluz a la izquierda, un recurso de Caravaggio que Rembrandt reutilizó para crear un mayor espacio a toda la escena que se continúa en la lado derecho con unas tenebrosas escaleras.

 

En cuanto los retratos, sobre todo los de grupo o doelen (corporaciones, gremios, tan típicos del mundo burgués holandés) no se encuentran representados en la exposición.

Una de sus obras más conocidas en este género es la lección de Anatomía. Aunque quizás alguno de los personajes superiores sean adiciones posteriores, si os fijáis en la actitud de los distintos asistentes a la disección del doctor Tulp, veréis las distintas formas de atención, sorpresa, indiferencia, aburrimiento… como si Rembrandt hubiera estado toda su vida dando clase y observando a los alumnos.

 

Lección de anatomía 1632

 

Vicente Camarasa

 

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16/12/2008 19:27. sdelbiombo #. Rembrandt Hay 1 comentario.

COMENTARIO DE LA FAMILIA DE CARLOS IV. GOYA

El tema es un típico retrato de grupo en el que aparecen los reyes (Carlos IV y Maria Luisa), su sucesor (futuro Fernando VII, de azul, a la izquierda) junto a otros miembros de la familia real y (siguiendo así a Velázquez en las Meninas) Goya junto a su lienzo (a la izquierda). Aunque la atención la tenga Maria Luisa, Goya cumple todo el protocolo, colocando los personajes más cerca del espectador cuanto más importante sean.

Esto, a la altura de las cabezas apenas se nota, pero deberíais mirar el cuadro de abajo a arriba y la colocación de los pies os dará la posición social de cada uno de ellos.


  

Familia de Carlos IV. Goya

Tomado de wikimedia.org

 

La técnica es óleo sobre lienzo.

La composición resulta a la vez fácil de ver pero compleja de realizar (ésta es precisamente la maestría). En principio, y aunque el cuadro parezca simétrico, no lo es. El centro de la composición lo crea el niño de rojo (como ya sabéis el color que más atrae la mirada) que junto al marco del cuadro crea una gran línea vertical que separa ambas partes. Si os fijáis en ellas la izquierda es mayor que la derecha en una proporcionalidad conocida desde muy antiguo llamada número aúreo (número de oro), muy utilizado en el Renacimiento

 

 

Sobre este esquema general el propio tema genera un esquema bastante monótono, lleno de verticales formadas por las propias figuras

 

 

Sin embargo Goya evita la monotonía tomando de nuevo a Velázquez. Para comprenderlo es mejor que vierais primero las Meninas y fijaros lo que hace con las cabezas y los pies de los personajes.

 

 

De una forma parecida trabajará Goya en la Familia de Carlos IV

 

 

De esta forma conseguirá una gran movilidad en un cuadro de personajes quietos, pues el ojo se desplaza por él tal y como os he ido pintando, primero por las cabezas y luego por los pies.

 

En cuanto a la relación línea-color, predomina el segundo. Es la llamada pincelada suelta que realiza las formas a través de pequeños manchones, al igual que hacía ya Velázquez.

  

Pincelada suelta.

Tomado de http://www.tienearte.com/h.arte/Francisco%20Goya%20pinturas%204.htm

 

Los colores predominantes son los cálidos, en especial los dorados (herencia de Tiziano). Sobre este fondo Goya vuelve a recurrir a Velázquez y anima el cuadro con estallidos de rojos, como ya se hacía en las Meninas. Os señalo estos puntos, poco importantes en tamaño pero muy atrayentes para el ojo (pesando así mucho más en la composición y la percepción)

  

 La luz (aunque representativa) juega varias funciones en el cuadro. Por una parte dará una mayor importancia a Maria Luisa que relumbra con su vestido (recordad que era el verdadero poder del reino, junto a Godoy).

 

Su otra función tiene que ver con la creación del espacio.

En este punto Goya se encuentra con un grave problema. Tiene que meter demasiadas figuras en un espacio bastante pequeño, lo cual puede llegar a crear una sensación de asfixia en el espectador. Por eso necesita crear por medio de trucos más espacio, y para ello vuelve a recurrir a Velázquez y sus Meninas.

Por una parte coloca en el fondo cuadros que abran una mayor perspectiva, sobre todo el de la derecha.

Por otra juega a crear bandas horizontales de luz y sombra de forma consecutiva, igual que ocurre en las Meninas, creando así como una serie de peldaños en donde el ojo se va parando, avanzando más lentamente hacia el fondo y dando una impresión de mayor espacio.

Por último, volveros a fijar en las Meninas e intentad ser conscientes de cómo están colocados los personajes. Si avanzáis de derecha a izquierda podréis daros cuenta que la colocación de los mismos hace que entremos y salgamos del espacio del cuadro al colocárnoslos más lejos o más cerca de nosotros.

 

 

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Velazquez-Meninas.jpg

 

Haced lo mismo con el cuadro de Goya y veréis que sucede lo mismo (especialmente si lo miráis de abajo a arriba.

 

Por último, el tratamiento de las figuras es realista, acaso excesivamente realista para su tiempo, pues la capacidad de penetración psicológica del pintor es tan grande que casi nos va desnudando a toda la familia real, que vemos con todos sus vicios y miserias, como ya veíamos en un artículo anterior.

 

 

COMENTARIO

Como es evidente por todo lo dicho nos encontramos en la etapa más creativa de Goya, ya sordo y que ha iniciado un camino cada vez más subjetivo, ácido y crítico contra la realidad que le llevará hacia los Fusilamientos y más tarde a las pinturas Negras.

Atrás ya ha quedado su etapa rococó  de los cartones para los tapices y ha eliminado los colores pastel, las poses aristocráticas, la luz suave o ese carácter aristocrático.

 

Este cambio, además de la propia evolución personal, se lo debe al estudio de la obra de Velázquez que se encontraba en palacio. Como hemos podido comprobar  le debe mucho más a él que a otros pintores reales más cercanos en el tiempo, como Van Loo.

 

Llama especialmente (por su modernidad) la sinceridad de sus retratos que, aún siendo reyes, se muestran con todas sus debilidades, algo que Velázquez sólo se había atrevido a hacer en escasas ocasiones y sin la brutalidad de Goya, que se convierte ya no en un siervo más sino en una persona que da su propia visión del mundo, de alguna forma parecida a lo que hizo Rembrandt en sus últimos años.

Y es que con este cuadro la monarquía está perdiendo todo su carácter divino. Ya no son seres elegidos por la divinidad, sino simples hombres, más o menos abrumados por el papel que les ha tocado hacer en la historia y en la vida, bastante ridículo, por otra parte.

 

GOYA BÁSICO

 

Vicente Camarasa

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17/12/2008 19:52. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

EL COMENTARIO DE LA OBRA DE ARTE (UN MODELO)

 

Tu objetivo es que, al colocarte delante de una obra de arte, seas capaz de comprenderla y también de explicarla con claridad y corrección.

El primer paso debe ser mirar, dejar que las formas y los colores se reflejen en tu retina de una forma lo menos condicionada posible pero inevitablemente selectiva.

El segundo paso es ir de lo que ves a lo que sabes, de las percepciones de los ojos y del cerebro a algunas de las cosas que tienes en la cabeza. De todo lo que sabes, debes recordar y seleccionar aquellos conocimientos pertinentes y útiles para poder comprender lo que ves, y relacionarlos con las cosas que ves.

El tercer paso es ordenar lo que ves y lo que sabes de forma coherente.

El cuarto paso es contarlo, expresarlo con corrección, siguiendo un determinado orden y utilizando

términos específicos adecuados.                               

 

De modo que los cuatro pasos se pueden resumir en:

1. VER

2. RECORDAR, SELECCIONAR Y RELACIONAR

3. ORDENAR

4. EXPRESAR.

 

1. VER la forma, los aspectos formales: tamaño, líneas, colores, luz, planos, volúmenes, formas de representación del espacio, composición, la iconicidad también llamada referencialidad o grado de realismo... También los aspectos materiales y técnicos, los cuales deben tratarse en primer lugar.

VER el contenido, los temas, identificar el argumento y los personajes, sólo identificarlos.

 

Lo que ves puedes expresarlo en una breve descripción en la que ya te irás fijando en lo que realmente interesa, no en lo curioso o marginal. Ello te servirá para sacar más tarde conclusiones.

 

2. RECORDAR aquellas cosas que sabes y RELACIONARLAS con lo que estás viendo. Si recuerdas las cosas suscitadas por lo que has visto, establecerás una relación entre lo que ves y lo que recuerdas, entre las características del estilo o del autor, y la obra objeto de tu atención. Al recordar debes ir SELECCIONANDO aquellas características determinantes que te van a permitir deducir el estilo, la fecha o el autor, desechando aquellas que sean irrelevantes.

 

Recuerda los instrumentos de análisis formal que conoces (Wölfflin, Focillon, Arnheim) por si pueden aplicarse a la obra.

Recuerda los instrumentos de análisis iconográfico e iconológico (Panofsky) y las cautelas que hay que tener en este campo (Gombrich). Busca posibles símbolos conocidos o un posible sentido simbólico general de la obra, en relación con el autor, con el contexto socio-religioso o con la persona que pudo encargarla.

Recuerda las características del estilo, periodo o autor con los que parece que la obra se relaciona; muchas de esas características, probablemente no todas, se encontrarán en la obra concreta.

Recuerda el ambiente social, cultural y religioso en el que se da la obra y establece relaciones entre

ésta y su época. Mira la obra como reflejo de su sociedad y si es o no crítica con ella. Descubre los valores que la obra defiende o contra los que lucha.

Y mucho ojo con lo que sigue:

- No hay que confundir influencias con coincidencias. Para que exista una influencia debe existir la posibilidad de un contacto entre la causa y el efecto. Es obvio que una obra no puede estar influida por obras o autores posteriores.

- Algunas cosas que sepas sobre el estilo, el autor, el tema, la sociedad, etc., si no tienen una relación suficiente con la obra, debes pasarlas por alto.

- Si afirmas algo sobre una forma, una característica estilística o del autor, un símbolo, etc, no lo harás sin dejar claro en qué detalle o en qué aspecto concreto de la obra te estás basando.

- Cada cosa que digas de la obra, debe poder verse, estar ahí. Entre la obra y tu comentario, siempre debe de existir un hilo de contacto, aunque sea indirecto, pero que sea explícito. Si afirmas algo sobre una forma, una característica estilística o del autor, un símbolo, etc., no lo harás sobre el vacío sino sobre algún detalle o aspecto concreto de la obra que tienes delante. (Por ejemplo: La luz es tenebrista, como vemos en el lado derecho del rostro de San Pedro sumido en la penumbra.  O bien: El realismo propio de la tendencia barroca encarnada por Caravaggio, puede apreciarse en el curtido rostro de campesino del santo y de los demás personajes, así como en los ropajes sucios y rotos.

- Sin embargo, tampoco debes ceñirte sólo a lo que ves con los ojos. Puedes cerrarlos un rato y pensar en las cosas que sabes y que pueden dar juego en este caso. Recuerda lo que dijo el profesor cuando explicó esta obra o cuando la puso como ejemplo. Pero, sobre todo, recuerda las introducciones a los temas generales, lo que el profesor explicó entonces, y ahora encaja con la obra.

- El tema, si no se está seguro, no debe aventurarse.

- La explicación sociológica no suele partir de las puras formas y no se refiere a la sociedad representada en el cuadro sino a la sociedad en la que el cuadro fue pintado.

 

3. ORDENAR, estructurar el cúmulo de conocimientos relacionados con lo que ves, en un conjunto de ideas claras y simples, estableciendo relaciones entre unas y otras. Lo más recomendable es

empezar por los aspectos materiales y formales, seguir con los iconográficos e iconológicos y enlazar con los sociológicos.

Y no olvides que el que lee tiene que saber en todo momento cuándo te estás refiriendo a lo que tienes delante y cuándo te refieres a lo que sabes pero que no está ahí en la obra.

 

4. EXPRESAR por escrito, con corrección, claridad, orden y terminología específica, las relaciones que hayas establecido entre lo que ves y lo que recuerdas, entre la obra y lo que sabes.

Y no olvides las siguientes recomendaciones:

- Es mejor escribir con un estilo sobrio y conciso, evitando las frases demasiado largas.

- Hay que cuidarse de escribir correctamente los nombres extranjeros.

- Deben evitarse las paráfrasis, así como extenderse injustificadamente.

- Ante la duda, sugerir; ante la certeza, asegurar. Si es una obra muy conocida, puede decirse su nombre antes de entrar en razonamientos, evitando presentarlo al final como un descubrimiento (Sería absurdo decir: «Por lo tanto, se trata de Las Meninas, cuyo autor deducimos que es Velázquez»).

- En cronología, si se conoce con precisión, debe afinarse al máximo; si se .duda mucho, es mejor no poner nada.

- Evitar las contradicciones, especialmente las cronológicas. Si se plantean, debe suprimirse el elemento menos seguro.

- Ante la presencia. de elementos o características inequívocas de dos estilos, la obra será del más moderno.

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RESUMIENDO, el comentario de la obra de arte responde a los siguientes puntos:

 

a) Presentación. Estamos ante una obra arquitectónica, escultórica... (Si es muy conocida, se dice

cuál).                                                               .                                                 .

b) Referencia a los materiales y técnicas, en la medida de lo posible, puesto que estamos ante una

reproducción.                                                                                                            .

e) Breve descripción.

d) Aspectos formales, siguiendo todo el proceso mental de los puntos 1, 2 y 3 y expresándolo con el 4.

e) Aspectos iconográficos e iconológicos, con el consiguiente recorrido mental

f) Aspectos sociológicos, haciendo el mismo proceso reflexivo que en los dos puntos anteriores.

g) Conclusión. Cuando se ignora desde el principio la identidad de la obra o del autor, puede descubrirse ahora. También se puede hacer una pequeña valoración crítica de la obra, por ejemplo: Estamos ante uno de los ejemplos más excepcionales de tal momento, en caso de que sea verdad, o cualquier otra forma apropiada de colofón.

 

Jesús Mazariegos

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19/12/2008 18:38. sdelbiombo #. Sobre arte y estética No hay comentarios. Comentar.

CAMPAÑA EN APOYO A NUESTROS QUERIDOS REYES MAGOS, MARGINADOS Y OLVIDADOS GRACIAS A UN INVASOR GORDO PRODUCTO DEL CONSUMISMO COMPULSIVO

Me envía Susana un correo que creo que muchos de vosotros ya habréis visto pues lleva bastante tiempo moviéndose por la red. Sin embargo me parece que este anónimo autor de este manifiesto marecería quedar en algún lugar más fijo que el simple envío de correos, y lo incluimos aquí 

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Estos tres pobres venerables ancianos llevan dos mil años con su PYME, atendiendo únicamente al mercado español y sin intención de expandirse y están sufriendo una agresión que amenaza con destruirlos Reivindicamos la figura de los Reyes Magos porque:

1. Los Reyes Magos son un símbolo de la multirracialidad y nunca han  tenido problemas de inmigración.

2. Los Reyes Magos son fashion total, su elegancia en el vestir no ha pasado de moda en dos milenios.

3. Si no existiesen los Reyes Magos, las vacaciones se acabarían el 2 de Enero.

 4. Los Reyes Magos son ecológicos, utilizan vehículos de tracción animal que con su estiércol contribuyen a fertilizar el suelo patrio (nada de trineos volando ni gilipolleces que no existen?)

5. Los Reyes Magos generan un montón de puestos de trabajo entre pajecillos, carteros reales y multitud de gente que va en la cabalgata.

6. De Papá Noel puede hacer cualquier pelagatos, pero para hacer de Reyes Magos se necesitan al menos tres.

7. Los Reyes Magos fomentan la industria del calzado y enseñan a los niños que las botas se deben limpiar al menos una vez al año. Por contra, el gordinflas exige que se deje un calcetín, prenda proclive a servir de acomodo de la mugre, cuando no de indecorosos tomates.

8. Los Reyes Magos planifican concienzudamente su trabajo y se retiran discretamente cuando acaban la función.

9. Santa Claus vive en el Polo norte y por eso es un amargado, los Magos son de Oriente, cuna de la civilización y por ello de una elegancia no decadente.

10. Los Reyes Magos tuvieron un papel destacado en la Navidad, Santa Claus es un trepa que trata de aprovecharse del negocio y que no participó en nada en los acontecimientos de la Navidad.

11. Los Reyes Magos son de los poquísimos usuarios que mantienen en pie la minería del carbón en Asturias. No lo han cambiado por gas natural ni por bombillitas horteras.

12. Los Reyes Magos lo saben todo. Santa Claus no sabe otra cosa que agitar estúpidamente una campanita.

13. Santa Claus es un zoquete que no respeta los sentimientos de los renos de nariz colorada. No hay documentado ningún caso de maltrato psicológico por parte de los Reyes Magos hacia sus camellos.

14. Los Reyes Magos son agradecidos, siempre se zampan las golosinas que les dejamos en el plato.

15. Sin los Reyes Magos no se habría inventado el Roscón de Reyes.

16. Finalmente, Santa Claus se pasa la vida diciendo ?¡Jo, jo, jo!?.Risa forzada y sin sentido. Señal de estupidez.

 

Empecemos la campaña en PRO DE NUESTROS QUERIDÍSIMOS Y ANTIQUÍSIMOS REYES MAGOS, QUE VUELVAN A AFLORAR LAS TRADICIONES CON ARRAIGO CENTENARIO?

 

Todos los años por estas fechas sufrimos una agresión globalizadota en  forma de tipo gordinflón, una manipulación de las mentes de los niños de España y del resto del universo. Ese adefesio carente del más mínimo sentido de la elegancia en el vestir, con aspecto de dipsómano avejentado y multirreincidente en el allanamiento de morada por el método del escalo, es un invento de la multinacional más multinacional de todas las multinacionales, Coca-Cola.

En los años 30, cogieron al San Nicolás de la tradición Nórdica, que originalmente se paseaba vestido de obispo o de duende un tanto zarrapastroso y lo enfundaron en un atuendo con los colores corporativos (rojo y blanco).Desde entonces, generaciones de tiernos infantes de medio mundo han sido machacadas por la publicidad, alienándose hasta tal punto que piensan que un mamarracho publicitario representa todo lo bueno del ser humano. ¡Basta ya!, ¡reivindiquemos nuestras señas de identidad! ¡Abajo Santa Claus y vivan los Reyes Magos!

 

 

 

¿PODEMOS?

¿Qué me estás contando?

Puede que sea una expresión que me delate como hija del "Foro", osease,  de ciertos barrios de mi Madrid. Pero tengo ese defecto, cuando oigo  algo raro me paro a escuchar y a preguntarme quién me habla y cuál es  el mensaje verdadero. Os lo recomiendo; es bastante sano y, a veces, entretenido.

Pero voy al grano.

Todo empezó por Junio. Comenzaba la Eurocopa de fútbol y la cadena de tv. Cuatro desarrolló una exitosa campaña de apoyo a la Selección tomando como lema "Podemos". Creo que llegué a confesar que me gustaba y me apunté.  Después, una entidad bancaria, en su anuncio de obra social, vuelvo a oírlo "Nosotros podemos"; y una marca de coches termina su anuncio con  un "I can do it" (Yo puedo hacerlo)¨.

 Entras en los grandes almacenes, y librerías y en la torre de mejor vendidos te encuentras con un misterioso libro "El secreto". Te interesas por su contenido, y no es narrativa, es un método de una llamada "Ley de Atracción" que te promete que tus deseos se cumplirán si sabes hacerlo, pues son ordenes para el universo, !que no es magia, que es "Metafísica"!

 

Tomada de http://conectandonos.tripod.com/id11.html

 

Luego llegó el mismísimo futuro presidente de USA, el señor Obama, con  su "Podemos". Y por último uno de los colaboradores del blog que admiro muchísimo, Berthold, concluyó su articulo con un nuevo "Podemos"

 

Tomado de http://unapolillaalrededordelaluz.blogspot.com/2008/11/obama-el-renacer-del-sueo-americano.html

 

Me puse a buscar por internet, y ¡bingo!. Tropecientas páginas sobre el  secreto, una película, entrenadores personales (Coachs) en todos los  rincones del mundo sobre técnicas de liberación emocional, programación neurolingüística, autoayuda,....

 

Creo, sospecho, haber encontrado qué me están contando, y lo que es mas importante, Quién.

El dato del  Sr. Obama es más interesante de lo que parece, y encontrar en estos  sitios afirmaciones como "pide y se te dará", "no es por obras es por  fe", que las herramientas son gratitud, amor… En resumen, que no es malo desear la prosperidad y la abundancia, algo que me ha traído recuerdos de apuntes de Historia de mi juventud…

 

Aquí lo dejo. Me encantaría me ayudárais a saber más, o simplemente me  convenciérais de que me encuentro en una paranoia sin sentido.

 

¿Podéis?

 

Susana

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21/12/2008 07:28. sdelbiombo #. CUIDADO, TELEVISIÓN No hay comentarios. Comentar.

LOS PRESEPI NAPOLITANOS ORIGEN, FIGURAS Y ESCENARIOS

Presepi en Santa María in Via Latta. Roma

 

En Nápoles, hacia la mitad del Quinientos, con el abandono del simbolismo medieval, nace el Belén moderno. La tradición atribuye el mérito a San Cayetano de Thinee, que construyó en 1534 en el oratorio de Santa Maria de la Stalletta, en el Hospital de los Incurables, un gran Nacimiento con figuras de madera fijas vestidas según la costumbre de la época. Bajo esta huella a lo largo del Quinientos se realizaron numerosos belenes en las iglesias y monasterios, pero habrá que esperar hasta el siguiente siglo para afirmarse en los belenes móviles con figuras articuladas, cuyo primer ejemplo fue el realizado por los padres Escolapios en la navidad de 1627.

Ya en el siglo XVIII cuando se popularicen en el Reino de Nápoles.(Presepi)

Primero serán las iglesias y muy pronto los palacios en donde los nobles llegarán a rivalizar por la riqueza de sus presepi, encargando a afamados artistas su creación (Guiseppe Sanmartino, Francesco Celebrano, Lorenzo Mosca o los hermanos Vasallo), llegándose a arruinar incluso.


En el setecientos se produce una verdadera fiebre del belén en Nápoles que contagiara a todos.

El mismo Carlos III (por entonces rey de las Dos Sicilias) , apasionado de la mecánica y hábil en los trabajos manuales, realizará personalmente ayudado por arquitectos y escenógrafos de la corte, el aparato escénico del Nacimiento en los salones reales mientras que la reina María Amalia, realizara las figuras con telas con diseños minúsculos tejidas en exclusiva para este fin en las fabricas reales de S. Leucio. Los nobles y ricos burgueses no quieren ser menos y realizan también en sus palacios belenes fastuosos. Los belenes más bonitos reciben la visita del Rey y también el pueblo es admitido dentro de las casas patricias para admirar estos nacimientos.

 

Las figuras (pastori)

 

 

Terciana. Belén del Príncipe

 

Solían tener un tamaño de 30-35 cm (terciana), aunque existían cambios en su escala según la cercanía o lejanía del espectador. Se elaboraban por medio de un armazón de alambre forrado de estopa al que se acoplaban las extremidades (habitualmente articuladas) 

 

 

Armazón figura. Belén del principe

 

Las testinas en madera o terracota (testinas: cabezas, cuello y pecho) se policromaban y se colocaban postizos de cristal (es habitual en los belenes unitarios encontrar la posición de las manos repetidas en un mismo gesto que pueda adecuarse a distintas acciones: señalar, coger objetos, hacer gestos elocuentes...).

 

 

Estas figuras se vestían y se adornaban con numerosos accesorios (finimenti: pendientes, sombreros, báculos, pequeños objetos en miniatura...).

 

 

Finimenti. Belén del príncipe


 

Los animales más grandes son todos de terracota, madera o cera, siendo también de este último material policromado los alimentos. (El gusto por todos estos elementos podría relacionarse con la cada vez más importante pintura de género, especialmente de naturaleza muerta)

 

 

Belén del príncipe

 

Los escenarios.

En relación con la estética del barroco efímero, las escenografías teatrales y los cuadros de paisajes (en especial de las ruinas recién descubiertas de Pompeya y Herculano), el presepe tiene muy en cuenta la escenografía.

Presepe en El Carmine. Nápoles

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Ésta actúa de una doble manera. Por un lado se crea una imagen unitaria y de visión frontal de todo el conjunto, mientras que dentro de ella se generan espacios concretos que han de ser observados desde diferentes puntos de vista, obligando al espectador al desplazamiento. Suelen ser estos últimos perspectivas en diagonal, en general bastante aceleradas a base del tamaño de casas y figuras que provocan fuertes líneas de fuga, y que culminan en paneles pintados.


  

Entre los escenarios se encuentran los de carácter natural (cuevas, montículos, ríos y cascadas, golfo de Nápoles, el eterno Vesubio que suele aparecer en el fondo...Al contrario de lo que será el siciliano, abundarán los paisajes tormentosos), junto a otros arquitectónicos por completo alejados de la época histórica y artística de Belén en el I siglo d C. (curiosamente, y al contrario del belén popular español, no aparecerá nunca la arquitectura de casa cúbicas y encaladas típicas de la zona, como tampoco se recreará el paisaje desértico ni siquiera el clima de invierno apareciendo a menudo flores, árboles con hojas en pleno invierno).

Presepe Museo de Artes Decorativas. Madrid


En un culto a la ruina (típico del rococó) se funden restos de arquitecturas de distintos periodos (desde la ruina griega o romana, al románico, el gótico o el barroco dieciochesco, pasando por la típica arquitectura popular de casas apiñadas y en pendiente de los antiguos burgos medievales, llenas escalinatas, callejuelas, porches y terrazas con flores, gatos...).

 

Su material suele ser madera policromada a la que pueden unirse elementos naturales (parras, ramas de árboles...), utilizando la pintura para crear fondos y falsas perspectivas (ríos y cascadas, Vesubio, mar, interior de las casas....), en una unión de artes tan típicamente barroca.

Es habitual la aparición del escaparate (como era también típico en el ámbito conventual hispano) que convierte al belén en una escena fija y transportable

 

 

Para ver la segunda parte: temas y estética

 

Vicente Camarasa

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22/12/2008 09:33. sdelbiombo #. Belenes No hay comentarios. Comentar.

ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA BOLSA DE PAÑUELOS DE PAPEL

Cuando me envió esta análisis comprendí (aunque ya estaba claro desde mucho antes) la genialidad de Jesús. Genialidad al menos en dos aspectos, en su capacidad para saber ver el mundo e interpretarlo pero también genialidad a la hora de conseguir enseñar cuán es importante la mirada entrenada, la inteligencia lúcida, la razón crítica.

Pues quien sabe analizar una bolsa de pañuelos de papel con esta claridad qué no será capaz de enseñarnos, cuánto podemos aprender con él.

Por todo eso, porque en sí mismo este artículo (sus enseñanzas que pueden llegar tras una sonrisa) son el perfecto ejemplo de lo que queremos conseguir en este blog (aprender a mirar nuestro mundo de una forma sensible y crítica) lo incluyo no en la sección de HUMOR sino en uno propio y primero a todos, pues debería ser el ejercicio obligatorio que todos deberíamos hacer antes de intentar enfrentarnos con un cuadro, con un programa de televisión o un paisaje. Cómo mirarlo, luego pensarlo y por fin sentirlo.

Muchas gracias Jesús por tus clases en línea, tus palabras son como pequeños faros en la noche. Chispas de inteligencia y sensibilidad.

 

Vicente Camarasa

 

LA BOLSA DE PAÑUELOS DE PAPEL

Aspectos materiales y formales.

Vamos a analizar y comentar un pañuelo de papel metido en una bolsa de plástico o, más bien, una bolsa de pañuelos de papel con un pañuelo usado en su interior.

La bolsa es de plástico fino y blando, transparente, con algunas zonas de color y letras impresas. El pañuelo es de celulosa. Es de suponer que la celulosa encierre algún resto procedente de la nariz de la persona que lo ha utilizado.

La forma del conjunto, dado el carácter maleable de sus materiales, está sujeta a cambios como consecuencia de las presiones que se ejerzan sobre él. La forma del pañuelo es redondeada, parecida a la de un huevo, pero aplastada por dos de sus lados. Su superficie y sus bordes son más o menos ondulados. Es de color blanco, mate, blando, más o menos sedoso u ligero. Mide unos 4x3x1,5 cm. La forma de la bolsa que lo contiene está más sujeta a cambios, pero su forma original, cuando se presenta conteniendo diez pañuelos doblados y nuevos, es la de un prisma de 11x 5,5 x2 cm. A nosotros se nos ofrece conservando en cierta medida las dimensiones de largo y ancho, pero más aplastada, perdiendo, sobre todo en los bordes, la profundidad, es decir, la medida de los dos cm de fondo.

En la parte superior dispone de una abertura en forma de solapa, para poder sacar los pañuelos, en cuyo extremo hay un papel adhesivo, redondeado, de color azul. Su función es poder cerrar de nuevo la bolsa aunque en la actualidad ha perdido su adherencia. Dicho papel tiene en medio una flecha esquemática señalando hacia arriba, indicando la dirección hacia la que hay que tirar para abrir la bolsa. Excepto por el detalle de la solapa, las dos caras mayores de la bolsa son iguales.

Ambas caras presentan, un poco más arriba de la mitad, una banda horizontal ancha, de color rosa fuerte, del que llaman fucsia, sobre la que están escritas la palabras "PAÑUELOS DE BOLSILLO". Las letras son mayúsculas, blancas y con bordes negros a modo de sombra, lo que les confiere cierto relieve.

Debajo de la banda rosa aparecen las letras "m&k", minúsculas, al menos la "M", en el mismo color fucsia y bordeadas por una línea verde. A la izquierda de estas letras aparece un logotipo de aspecto geométrico, consistente en un cuadrado rosa con las esquinas redondeadas y rodeado por una línea verde. Inscrito en el cuadrado, hay un círculo de color verde con una especie de flecha incolora en su parte inferior. A ambos lados de grupo formado por el logotipo y las letras, hay tres pequeños rectángulos colocados en forma de torre, de color rosa el superior, naranja el del medio y verde el inferior. Más abajo, en letras cursivas de color azul aparece la frase "10 pañuelos extrasuaves", siendo el número "10" de mayor tamaño que las letras. Ya en la zona inferior de la bolsa, una banda horizontal de color verde lleva escrito en caracteres blancos: "4 capas", en letras mayúsculas.

En una de las caras laterales, en su zona inferior, en letras pequeñas de color azul, pone: "M&K. Campezo, 7. Pol. Ind. Las Mercedes. 28022 Madrid. Fabricado por laboratorios INIBSA".

Así pues, los elementos plásticos más destacables que aparecen en esta bolsa son: las bandas de color, el logotipo y los pequeños rectángulos. De los tres, el único con una posible función referencial hacia la realidad o con un posible simbolismo es el logotipo. Sin perjuicio de que tenga un significado concreto, su aspecto puede recordar el de un árbol. Los rectángulos, aparte de enmarcar lateralmente a los otros elementos, parecen tener un sentido de transición desde el fucsia de la banda superior hasta el verde de la banda inferior.

Todo el envoltorio está pensado para dejar ver la suave blancura de los pañuelos en su interior, uniformemente doblados, sobre los que destacan los colores vivos de las bandas y las letras. El tercio superior de la bolsa carece de decoración.

 

Aspectos relacionados con el significado.

El mensaje escrito no necesita explicación. Únicamente señalar el cambio de tipo de letra, cursiva, más cercana e íntima, para el mensaje "10 pañuelos extrasuaves", a fin de sugerir ese sentido de cercanía necesario para sentir la suavidad.

El significado del logotipo, cuya forma recuerda algo la de un árbol, aunque no quiera sugerir expresamente este elemento de la naturaleza, no cabe duda que a muchas personas, por asociación con el árbol, les transmitirá un inarticulado mensaje ecologista, precisamente en un producto nada ecologista como éste que se fabrica a partir de la madera y que no es reciclable.

Los colores que aparecen no dejan de llevar una cierta carga de contenidos; el verde relacionado con la naturaleza, con el aire libre, con la libertad. El fucsia es un color muy utilizado por los jóvenes, las prendas deportivas, etc. Por otro lado, al no ser la marca muy conocida, aparece en segundo término, dando preeminencia al letrero en el que figura "PAÑUELOS DE BOLSILLO". La marca pasa casi desapercibida. En relación con esto conviene comentar que el nombre coloquial que se da a este tipo de pañuelos es el de clines (de Kleenex), ya que fueron los de esta marca los primeros que salieron al mercado cuando su uso aún no era general. Ocurre algo así como con el danone, el colacao o la casera, palabras utilizadas para denominar al yogurt, al cacao o a la gaseosa. En el caso de nuestra bolsa, parece haber una afirmación del nombre genérico del producto frente al de la marca.

En realidad, no sólo son pañuelos de bolsillo (esto también lo son los de tela), sino que son pañuelos de papel o de celulosa, información que no figura en ningún lugar de la bolsa. Por el tamaño de la bolsa es evidente que han de ser pañuelos de bolsillo y no de cabeza o de cuello, por ejemplo. Lo que no es tan evidente a primera vista, es que sean de papel, cualidad difícil de percibir sin abrir la bolsa. Sin duda hay una suposición de información general a este respecto que hace que estas contradicciones no generen confusión.

 

Aspectos sociológicos.

La función fundamental de estos pañuelos es servir para que su usuario se limpie la nariz con ellos. Pero también pueden ser útiles para limpiarse las gafas, matar una araña y otros usos menos nobles.

El uso de este tipo de pañuelos está muy relacionado con la vida moderna y con la emancipación de la mujer. Su carácter desechable y su supuesta mayor garantía sanitaria, son factores secundarios al lado de lo que significa el hecho de que sustituyan al tradicional pañuelo de tela evitando así una buena parte de la colada y de la plancha a las amas de casa, sobre todo en época de resfriados.

Sin embargo, como todo conlleva significados y mensajes, hay que decir que hay un cierto tipo de gente que utiliza este tipo de pañuelos. En realidad, en nuestro entorno, los utiliza un amplísimo sector de la sociedad que excluye parcialmente a sus extremos tanto por arriba como por abajo. Las personas situadas en el umbral de la miseria sin duda los usan menos que los que no están en esa situación. En el otro extremo, entre las personas que ocupan altos cargos, su utilización sería considerada como un detalle de poca elegancia. Los ministros, los jueces, los obispos, prefieren blancos y planchados pañuelos de algodón que se pueden desplegar amplia y ostentosamente, exhibiendo tal vez una bella inicial bordada. Cuántos pañuelos amorosamente bordados han sido desplazados por los clines a la ociosidad del fondo del cajón!.

Pero esta bolsa concreta que estamos comentando, aunque sea exactamente, mecánicamente igual que otros muchos miles de ellas, ésta tiene una historia concreta parcialmente conocida. Había pasado silenciosamente por los complicados procesos de fabricación, por el transporte y la distribución. Procedía desde quien sabe qué bosque boreal para el caso de la celulosa y desde quien sabe qué sima petrolífera para el caso del plástico. Más difícil es aún adivinar el origen de los componentes de las tintas o del pegamento de la etiqueta. Había, digo, pasado anónimamente tales procesos hasta que, por esas vueltas que da la fortuna, llegó a las manos de Diana

. En su cálida compañía, la familia de pañuelos pasó un corto número de días, disminuyendo su número a medida que Diana los desechaba sin contemplaciones después de aprovecharse de sus servicios. Todos ellos gozaron del calor de su bolsillo, se movieron a su ritmo, tuvieron el privilegio de rozar sus labios y enjugaron complacidos sus fluidos nasales. Uno de ellos, ya en fase terminal, se salvó, junto con la bolsa, del fatal destino de sus compañeros. Pañuelo y bolsa fueron fotografiados en diversas poses, como si de Claudia Scheafer se tratara, incluso un profesor escribió tres páginas sobre ellos, en realidad para alimentar su insaciable vanidad. En este momento están siendo objeto de atención por un grupo de alumnos de COU. Gracias al gesto salvador de Diana ese grupo de alumnos puede reflexionar sobre el hecho de que los objetos, las cosas, incluso un apelmazado pañuelo de papel en una arrugada bolsa, tienen una historia, unas huellas indelebles, infinitos mensajes y un pequeño corazón. Diana los humedeció sin piedad pero los sacó de su anónima vulgaridad, los convirtió en especiales. No seré yo quien se atreva a tirarlos a la basura.

 

Jesús Mazariegos

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VILLAREJO DE SALVANÉS, COLMENAR DE OREJA Y CHINCHÓN. UN REENCUENTRO CON EL PASADO SANTIAGUISTA

En el blog de JV (A solas con Clío) tenéis un magnífico artículo sobre estos pueblos y su pasado íntimamente relacionado con la Orden militar de Santiago, tema del que JV es un verdadero experto. Merece mucho la pena

 

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23/12/2008 07:53. sdelbiombo #. Alcalá de Henares y sureste Madrid No hay comentarios. Comentar.

LOS PRESEPI NAPOLITANOS. TEMAS y ESTÉTICA

Tras analizar las figuras y los escenarios, pasemos ahora a ver los temas y la estética

 

El Misterio suele aparecer en una cueva natural o una arquitectura ruinosa en donde es habitual la presencia de columnas y otros elementos clásicos, siendo el centro de los movimientos de todo el conjunto (Reyes Magos, músicos, otros personajes...).


Junto a la Sagrada Familia (idealizada y de riquísimas telas) suelen aparecer una corona de ángeles suspendidos de vaporosas y pasteles vestiduras. A veces, bajo el portal, aparece la cueva en donde habita el Diablo, de fuerte expresividad, que da a la escena un fuerte carácter teológico al Nacimiento.

 Los Reyes Magos. Los fastuosos cortejos de los Reyes Magos con sus pajes, sus riquezas sin cuento, su exotismo casi oriental (como debía ser Nápoles), sus cortejos de músicos..., forman una clara dirección hacia el portal o ya en adoración. Existe un fuerte interés por resaltar el lujo uniéndolo a lo oriental (elefantes, vestiduras y turbantes, camellos...), pues en la memoria napolitana aún estaban vivos los ataques corsarios. Teológicamente significarían la aceptación por parte de los tres continentes (o las tres edades) de la divinidad de Cristo.


 Presepe de El Carmine. Nápoles

 

 Presepre. San Nicolá alla Caritá. Nápoles

 

Belén napolitano de la Estrella. Sevilla


Otros temas evangélicos: Anunciación a los Pastores. Matanza de los Inocentes..., con especial atención a este último por las posibilidades expresivas, a menudo casi terroríficas, al recrearse la acción de forma dramática e intensa.

 

Belén del Príncipe

 

 

Belén del Príncipe

 

La taberna (que recuerda el local en el que se les negó el alojamiento a María y José, y en donde suele aparecer el Diablo Belfagar disfrazado, herencia de la antigua Cantata dei Pastori teatral) en donde las clases sociales se juntan pero no se confunden, distinguiéndose por su vestimenta. En ella aparecen temas cotidianos como la comida y bebida, las riñas, los jugadores de cartas...

 

 Presepe de El Carmine. Nápoles

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El mercado, sus bancos con toda clase de géneros alimentarios, verdadera explosión de formas y colores que, en una ciudad pobre como era la Nápoles de este tiempo, adquiere la forma como de un desquite del pueblo, una fantasía sobre un improbable mundo de sueño sin hambre. Como si, al menos una vez al año, el pueblo napolitano pudiera sentirse saciado ante el nacimiento. Es la gran zona de los fimimenti realizados en cera con frutas, pescados, carnes, verduras, calderos y demás cacharrería, aves...


 

Pesepri San Paolo Maggiore. Nápoles 

 

presepre Santa María in Via Latta. Roma

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La vida napolitana. El protagonista es la multitud napolitana que se agolpa en torno a la escena casi sofocándola en una profusión de colores e imágenes: miseria y novelas, figuras cómicas y dramáticas, animales locales y exóticos y una procesión de lisiados, ciegos, deformes que se contraponen al fasto oriental del cortejo de los Reyes Magos. El evento de la Navidad pasa a un segundo plano. Lo que cuenta es el espectáculo que se representa en torno al mismo, farsa y drama juntos.

  

 Presepre San Nicolá alla Caritá. Nápoles

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 Son los desocupados que charlan, las mujeres que se asoman a terrazas y cuchichean con las vecinas o chillan a los de abajo, los que duermen, hilan, venden, pescan...

Entre ellos suelen aparecer tipos grotescos, las distintas clases sociales, los tullidos y mendigos que tanto abundarían, la famosa figura de la Pulcinella (símbolo de lo napolitano, siempre hambriento pero digno, viviendo una vida teatral y de apariencias, y por qué no decirlo, de una cierta idealización del matonismo)

 

 

La vendedora de limonella, la hacedora de quesos (que representa el paso del año, la nueva vida tras la resurrección a través de la humilde ricotta)...

También es muy habitual (pues en el fondo es su origen iconográfico como ya vimos aquí) la figura durmiente del pastor Benino

 

Otros temas recurrentes: la torre sarracena, el molino (símbolo de la muerte con el molido del grano, y de la resurrección con la fabricación del pan), la fuente y la aguadora (símbolo de la virginidad de María), el pozo (asociado en Nápoles a María, existiendo numerosas iglesias de la Virgen del Pozo) 

 

Estética

Se unen en la estética del pesebre las dos corrientes que dieron forma al barroco. Dos tendencias en apariencia irreconciliables que, en el fondo, representaban a la perfección la sociedad bipolar (privilegiados-no privilegiados sin apenas clase media) típica del Antiguo Régimen y que es aún más evidente en las zonas agrícolas del sur de Europa.

 

 

 

Angel y hombre en camisón

Belén Museo de Escultura de Valladolid

 

Así tenemos un realismo crítico, casi sarcástico, que coincidiría con los ideales barrocos de acercamiento al pueblo, haciéndole partícipe del evento religioso a través de la identificación con el paisaje y el paisanaje, llegando a menudo a la caricatura.


 

 

Por otra parte, utiliza también otro típico recurso barroco, el de contraste, el de la pobreza y terrible realidad de la vida cotidiana frente a la idealización y riqueza de magos y Misterio (ya casi rococó).

 

 Se trata de una visión a la vez crítica e idealizada de la pobreza, muy emparentada con las escenas de género que ya se habían comenzado a desarrollar en el XVII con Caravaggio y sus seguidores. Un sutil instrumento del poder que se impone de una forma blanda (De la Flor) marcando claramente las diferencias interclases, criticando a la clase más pobre pero permitiéndola participar en el acontecimiento religioso.

 

Presepe de El Carmine. Nápoles

 

Hay junto a ello un gusto por lo anecdótico y también por lo exótico (que según Maravall es un truco constante para producir una sensación de extremosidad, de clausura de la normalidad para entrar en los reinos de la fantasía)

Músico. Presepre San Nicolá alla Caritá. Nápoles

 

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Para ver origen, figuras y escenarios

 

Para ver muchos belenes napolitanos

 

 

Vicente Camarasa

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24/12/2008 08:02. sdelbiombo #. Belenes Hay 4 comentarios.

FELIZ NAVIDAD DE PARTE DE BIOMBITO

 

24/12/2008 17:40. sdelbiombo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

CANTATA DEI PASTORI. EL BELÉN NAPOLITANO MÁS BELLO DE MADRID

Tomado de http://www.belennapolitano.blogspot.com

 

Hace unos años ya se expuso en el instituto de Cultura Italiana y, tras una estancia en Málaga, este año 2008 vuelve a Madrid, a la sede de la Casa de la Rioja, en Serrano 25 (muy cerca de Colón)

 

Tomado de http://www.belennapolitano.blogspot.com

 

Se trata de un belén Napolitano de carácter popular al que se le van añadiendo poco a poco nuevas escenas. Su personaje principal, colocado esta vez en el extremo más lejano de la puerta, el pastor Benigno, es una derivación de la Cantata dei Pastori que en 1698 compuso Andrea Perucci.

A este pastor se le representa como un durmiente al que se le aparece un ángel anunciándole el nacimiento de un Niño extraordinario. El pastor se levanta casi en sueños atravesando un mundo lleno de abundancia (el mercado) en donde las clases sociales se juntan y son solidarias entre ellas. El pastor, al final de su viaje, casi onírico, llega hasta el Niño y se queda con el gesto de abrir la boca para gritar el sonido mudo de lo maravilloso.

 

Tomado de http://www.belennapolitano.blogspot.com

 

Los escenarios, las figuras, los cientos de finimenti son extraordinarios y hay que dedicarles tiempo para fijarse en todas las maravillas que nos podemos encontrar. Yo os lo recomiendo, desde la primera vez que lo vi me quedé alucinado.

 

 

Tomado de http://www.belennapolitano.blogspot.com

 

Centro Riojano de Madrid, en la calle Serrano, 25.

Del 5 de Diciembre de 2008 al 11 de Enero de 2009.

Cerrado los Domingos, el 25 de Diciembre de 2008 y el 1 y 6 de Enero de 2009.

De Lunes a Sábado de 11 a 21. (24, 31 de Diciembre de 2008 y 5 de Enero de 2009 se abrirá de 11 a 14h).

Entrada: 2€ (Niños hasta 12 años gratis).

 

Para saber más

http://cantatadeipastori.blogspot.com

http://11870.com/pro/cantata/media (PARA VER MÁS FOTOS)

 

Vicente Camarasa

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25/12/2008 11:50. sdelbiombo #. Belenes Hay 2 comentarios.

EL ART BRUT DE DUBUFFET

 

 

Tomada de http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/12340.htm

 

 

 Este original pintor y escultor nacido en Le Havre en 1901, considerado UNO DE LOS MÁS INNOVADORES DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX y cuya forma de arte supone una gran revolución en aquella época.

Al igual que Dalí, DUBUFFET ya mostraba desde muy pequeño sus grandes dotes para la pintura (con tan sólo 8 años ya contaba con algunos cuadros pintados) y fue con 15 cuando ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre para más tarde continuar en la Académie Julian.

Es un hombre gran conocedor de mundo al que una trayectoria irregular acompañará durante toda su vida. Realiza varios trabajos (vendedor de vinos entre otros) pero decide dedicarse fundamentalmente a la pintura a partir de los años 40. Sin embargo, rebelde por naturaleza, pronto comienza a dudar del VALOR DEL ARTE TRADICIONAL, decantándose más por uno cuyas reglas están FUERA DE LO HABITUAL Y ESTÉTICO.

 

Tomada de http://elhijobastardo.wordpress.com/2008/10/page/2

 

Será entonces Dubuffet quien acuñe el término ART BRUT (arte en bruto) para referirse a todo el arte producido que se ALEJA POR COMPLETO DE LOS LÍMITES DE LA CULTURA y qué mejor ejemplo que el ARTE DE LOS NIÑOS, los PRISONEROS y muy especialmente el de los ENFERMOS MENTALES para desarrollar un ESTILO muy PERSONAL y PECULIAR en el que priman la IMAGINACIÓN y la ESPONTANEIDAD (cerca de lo inconsciente) sobre la razón, quedando relegadas a un segundo plano la belleza y la coherencia del arte.

  

Tomada de http://www.circulobellasartes.com/ag_expo.php?ele=67

 

 

 

 

Seguro que algo de esto ya os suena, y es que el art brut buscará influencias en el SURREALISMO y en el EXPRESIONISMO ABSTRACTO de Pollock (dibujo automático y subconsciente); en el INFORMALISMO o pintura matérica (que representan muy bien autores como Tapiès y Millares) y que busca la expresión con materiales tan variopintos como la tierra o el barniz a los que Dubuffet añade trozos de madera, arena, alquitrán, paja o incluso alas de mariposa que harán de sus pinturas una prolongación de la pared y no la típica "ventana" abierta al mundo; en el DADAÍSMO (como una actitud de burla) y también la ABSTRACCIÓN.

 

 

Tomado de http://www.ebsqart.com/ArtMagazine/za_195.htm

 

Aunque sólo hemos mencionado su faceta como pintor, tampoco debemos olvidar que durante sus últimos años realizó algunas ESCULTURAS y MONTAJES( uno de las más famosos es la serie L´Hourloupe) a los que dotó de un nuevo sentido sirviéndose de materiales de desecho.

Tomada de http://www.enfocarte.com/4.24/dubuffet.html

 

En definitiva, un ARTE PROVOCADOR y LIBRE DE LAS ATADURAS MORALES, que como él mismo decía " debía de dar siempre algo de risa y algo de miedo" y el cual, casi al final de su vida, otorgó lo que en un principio la sociedad le negó: UNA CONSIDERACIÓN A NIVEL MUNDIAL.

 

Tomado de http://topographies.canalblog.com

 Mar San Segundo

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26/12/2008 08:35. sdelbiombo #. Después del 1945 Hay 1 comentario.

NAVIDAD COMO PAISAJE DE LUZ. Madrid 2008-2009

Calle Goya

 En 1879, Thomas Edison inventó la primera bombilla en 1879. Algunos años más tarde, en la Navidad de 1882, Edward Jonson, asociado suyo, puso el primer árbol iluminado en su casa de Nueva York.

Sin embargo la tradición era mucho más antigua, tanto en las saturnales romanas como otros ritos de religiones anteriores celebraban fiestas con luces (los judíos a mediados de diciembre; los teutones y escandinavos el solsticio de invierno, en Persia, el 25 de diciembre era el Dies natalis invicti Solis (el día del natalicio del sol invicto), fiesta principal de Atys, cumpleaños de Mitra.

 

Entre Cibeles y Puerta de Alcalá

 Y es que la Navidad está íntimamente unida a la luz artificial en forma de velas, hogueras o modernas bombillas, ya que se encuentra en el momento del año en donde la relación noche/día es la más extrema a favor de las sombras y los hombres, desde sus inicios, intentaron iluminar las tinieblas

  

 Plaza de Chueca

 Esta costumbre (mal de los tiempos) se ha rediseñado por medio de propuestas más o menos felices de arquitectos, modistos o gente de ralea incierta. En Madrid en concreto (tan modernos con nuestro alcalde que a menudo confunde novedad con validez y tradición con obsoleto) estas últimas navidades se ha iniciado una verdadera campaña de iluminación al que este año (a veces el marketing supera la realidad, pero somos así los posmodernos) se ha denominado pomposamente Ciudad Navidad

  

Calle Preciados

 Hay cosas verdaderamente interesantes en esta tipo de arte efímero, ingeniosas o simplemente bellas, aunque otras merecerían que les cortaran la cabeza a sus diseñadores, como las supuestas montañas de la Calle Mayor, los ovnis de la Plaza Mayor…

  

 Los Ovnis de la Plaza Mayor

 Os muestro algunas de las que más me han gustado y he podido fotografiar estos días. Si no está vuestra iluminación favorita, mandadme la foto y la incluiré

  

Puente de Ventas

 

 

Plaza de Chueca

 

 

Desde Cibeles

 

 

Velázquez

 

Puerta de Alcalá

 

 

Junto al Retiro

 

Vicente Camarasa

 

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27/12/2008 09:20. sdelbiombo #. Arte urbano Hay 1 comentario.

DOS OBRAS COMENTADAS DE GOYA: LA GALLINITA CIEGA Y EL PERRO SEMIHUNDIDO

La gallinita ciega:


 

Tomado de wikimedia.org

 

El tema representa a las clases altas disfrazadas al modo popular, haciéndose pasar por majas y majos, y jugando al aire libre, en concreto a la gallinita ciega, otro juego típico del pueblo bajo.

 

La composición es simétrica debido a que los personajes están representados en forma de óvalo. El centro de la composición lo crea la mujer vestida de rojo y blanco, ya que son los colores que mas llaman la atención a nuestra mirada.

Goya toma influencias de Velázquez jugando con los personajes a crear curvas. También en la posición de los pies ya que normalmente los representaba en forma de V (como bien se ve en la mujer representada a la izquierda) y con la altura de los personajes creando al igual movimiento, ya que algunas cabezas están mas altas que otras.

 

Línea y color: predominan los colores claros, como amarillo gris y blanco, denominados tonos pastel. El cuadro esta creado a través de la pincelada suelta (otra de las influencia procedente de Velázquez) que se crea a partir de pequeñas manchas del pincel.

 

La luz utilizada es representativa, ya que ilumina todas las partes del cuadro, con mínimos claroscuros.

 

Utiliza la perspectiva aérea, ya que los objetos están más borrosos y azulados según su distancia, creando un espacio vaporoso. Goya juega con la colocación de sus personajes creando más amplitud en el cuadro, como ya hacia Velázquez.

 

Las figuras se muestran completamente idealizadas, con gestos aristocráticos y una expresividad muy contenida (que no rompa los modales cortesanos)

 

Comentario del cuadro:

La gallina ciega (1789) pertenece a la etapa de cartones para tapices que servían como modelo para las manufacturas de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara.

Estos tapices estaban destinados a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo. Fue realizado poco después de que accediera al trono de España el rey Carlos IV.

El cuadro es un exponente decantado del estilo Rococó ya que consta de dichas características, como por ejemplo los gestos aristocráticos, tonos pastel, ambiente vaporoso, temas referente a la nobleza,…

 

 

 

 

Perro semihundido:

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Francisco_de_Goya

 

Tema: Goya, ya viejo y sordo, retrata en sus cuadros sus sentimientos de soledad, de miedo a la vejez y a la muerte. En este cuadro se ve representado a un perro hundiéndose en arenas sin que nadie le ayude a salir,  con la mirada perdida hacia arriba. Desde ese momento sus pinturas dejan de ser una representación directa de la realidad, para pasar a ser una forma de visualizar sus sentimientos y su forma de pensar hacia todo lo que le rodea.

 

Composición es asimétrica, con el elemento mínimo de una cabeza de un animal. La única figura del cuadro no esta repartida por todo el espacio por lo que está descompensado ya que las dos terceras partes están vacías. Es una escena en vertical, regida por una diagonal. 

 

Línea y color: el cuadro esta realizado con una paleta sucia, mezclando colores con negro, con fuertes claroscuros,… La figura está definida con trazos negros, blancos y grises con tonos ocres, todos ellos realizados con pinceladas muy pastosas.

 

Luz: es representativa, ya que se ve claramente cada una de las partes del cuadro. Aunque por algunas zonas crea oscuridad debido a los tonos que utilizo Goya para representar la soledad.

 

Respecto a la perspectiva, apenas si le interesa el fondo para concentrar nuestra mirada en la figura.

 

La figura tiene una fuerte expresividad, miedo, tristeza, desconsuelo.

 

Comentario del cuadro

 El perro semihundido (1820) pertenece a la época de las pinturas negras de Goya, donde dicho autor se encuentra en uno de sus peores momentos morales y físicos, ya que esta viejo, enfermo y retirado del centro en una pequeña casa junto al Manzanares.

A diferencia del primer cuadro, ya no se ven las típicas características del rococó de los cartones para tapices, como el ambiente vaporoso, colores pastel, temas aristocráticos,…

Por el contrario, intenta darnos una visión mucho más angustiosa del mundo, llena de emociones intensas y mucho más subjetiva

 

Itziar López. 4º ESO A

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GOYA BÁSICO

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27/12/2008 09:31. sdelbiombo #. GOYA No hay comentarios. Comentar.

PARAMOS POR UNOS DÍAS DESPUÉS DE AVANZAR TANTO

 Ya han pasado casi seis meses desde aquel (para mi) lejanísimo día de junio en el que me escribí el primer artículo de este blog. Entonces había tantas dudas…

Pero el tiempo ha pasado, he conocido a gente maravillosa a la vez que he reconocido a otros muchos que estaban junto a mi, esperándome con paciencia infinita a que yo me atreviera a dar el salto y volver a vivir.

Y este fue uno de los primeros pasos del nuevo camino. Un paso que no sabría muy bien hacia donde me dirigía. Sólo sabía que quería que los demás pudieran disfrutar del arte tanto como yo. Sabía también, aunque aún sin saberlo, que este blog tenía que ser un punto de encuentro en donde poder coincidir con los antiguos alumnos y los nuevos, con los amigos de siempre y con otros nuevos. Poco más tenía claro cuando escribí el primer artículo.

 

Sin embargo el tiempo nos ha sido benévolo y los deseos se han superado con creces. En apenas medio año hemos conseguido llegar a más de 35.000 visitas y, lo que es más importante, ya han colaborado más de treinta personas con sus artículo. De un proyecto hemos pasado a una realidad, un blog colectivo que tiene desde un alumno de 12 años a un profesor segoviano que sólo demuestra los años que tiene en su sensibilidad y sus conocimientos.

Entre ambos, antiguos y nuevos alumnos, amigos especialistas en arte pero también en saber mirar con ojos sabios el mundo, compañeros con la misma pasión por educar… Un verdadero mundo pequeño puesto a favor de la libertad, del conocimiento y la sensibilidad. ¡Qué más podemos pedir! Que sigan entrando nuevas personas que esperamos con los brazos abiertos para que nos ensanchen la mirada y nos enseñen, pues si algo está dejando claro en este blog es que no importa la edad o los conocimientos para poder aportar algo a los demás, que todos somos profesores y alumnos de nosotros mismos y de los demás; sólo es necesario no seguir la corriente única y atreverse a pensar, a mirar pensando, a preguntarse mientras miramos.

Eso son los deseos para el año nuevo, seguir aprendiendo y, si es posible, enseñar a los demás.

 

Y ya me dejo de trascendencias y simplemente os dejo con las últimas (y nuevas) aportaciones que me han llegado para el blog y os recomiendo también un artículo de JV, que por fin ha decidido comenzar a contarnos todo lo que sabe, y nos habla de las mujeres en la edad Media

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Hasta el año que viene. Volveremos con los Reyes Magos.

 

Vicente

 

27/12/2008 10:25. sdelbiombo #. sin tema Hay 3 comentarios.


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