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Se muestran los artículos pertenecientes a Julio de 2008.

HA NACIDO UN NUEVO LUGAR SIMBÓLICO

Las ciudades son algo más que casas y arquitectura, son especialmente la gente que habita en ellas y sus comportamientos públicos. Por ello una ciudad, por mucho que se planifique de antemano, será la propia sociedad la que termine por conformarla, no siendo extraño que planes urbanísticos muy pensados o simplemente copiados de otros lugares no tengan ningún éxito cuando se implantan sin tener en cuenta el pensamiento y comportamiento social local.

Por ello es tan importante pensar la ciudad, entenderla como algo orgánico y social. Benjamín, un intelectual de los años 20 y 30, fue uno de los primeros en plantearse este urbanismo social que luego en los 60 con Linch tuvo una amplia repercusión. A partir de entonces muchos sociólogos, psicólogos o simples pensadores han mirado a la ciudad intentando comprenderla, dando así pistas para una mejora de nuestro medio ambiente por excelencia.

Una de las mejores maneras de empezar a entender esta dimensión urbana sería estudiar lo que Linch llama los nodos, lugares en donde confluyen los principales recorridos de la ciudad y son, además, lugares cívicos. Esta cualidad les hace convertirse en lugares simbólicos en donde los ciudadanos se reconocen y celebran sus principales ritos. Así, en Madrid, la Cibeles sería el lugar simbólico del madridismo, Neptuno de los atléticos o la Puerta del Sol un lugar cívico que supera la ciudad y, gracias a las campanadas de Nochevieja, se convierte en algo nacional.

El origen de este simbolismo unas veces se enlaza con las costumbres (que por muy antiguas que las creamos, no suelen ir más allá del siglo XIX), y otras con algún acontecimiento concreto (el tomar las uvas en Nochevieja tiene como origen una extraordinaria cosecha de uvas a principio del XX que se dio salida creando una distribución gratuita que pronto se convirtió en un rito).

Ocurre, además, que en muchas ocasiones, estos lugares simbólicos no han de ser los más bellos de la ciudad (objetivamente la Puerta del Sol no lo es), pero tienen un fuerte contenido emocional que se relaciona con las experiencias vividas ya por uno mismo, ya por la colectividad.

 

Un ejemplo perfecto de todo esto es la creación de Colón como nuevo lugar simbólico relacionado con la selección de fútbol. Desde hace unas semanas la gente ha acudido a él hasta convertirlo hoy ya en el centro de la fiesta de bienvenida de los jugadores.

Sin embargo, y si se recuerda un poco (un mes es suficiente), Colón había sido un lugar sin personalidad dentro de la ciudad ¿Cuántos realmente lo conocían más que por la estación de metro? ¿A quién se le habría ocurrido quedar en él? De hecho, durante muchos años ha sido sometido a continuas reformas urbanísticas que no habían conseguido atraer a más gente que a los patinadores y fanáticos del monopatín. Por lo demás la plaza solía encontrarse vacía Sólo algunas manifestaciones (11 M o las convocadas por el PP) habían intentadocambiar esto sin conseguirlo.

Sin embargo la elección de una cadena privada (Cuatro) de este lugar para colocar un pantalla gigante y hacer un programa en directo, unido a lo excepcional de los resultados futbolísticos lo han convertido de la noche a la mañana en un lugar de referencia. Haced la prueba y pasaros cualquier día por él; seguro que encontraréis gente por la plaza antes vacía e incluso turistas que buscan, más que el lugar en sí mismo, las emociones que han visto en la televisión.

 

Así es como funciona la ciudad, a golpes de decisiones colectivas (o mediáticas), y los barrios lo hacen de la misma manera. ¿No existe en el vuestro algún lugar simbólico? O, mucho más allá, ¿no tiene vuestro grupo de amigos un lugar simbólico para celebrar los ritos, quedar…?

Vicente Camarasa

01/07/2008 00:07. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD Hay 2 comentarios.

CUANDO EL BARROCO REGRESA (SEGUNDA PARTE)

La noche del jueves ha caído y, aún sin luna, el aire ha comenzado a enfriarse hasta quedar en el punto exacto de una primavera perfecta. Al viajero que ya tanto ha conocido le aconsejaron un buen jersey, pues la noche es larga y puede ser traidora pero aún no hace frío mientras entra en Sevilla por el puente de Triana.

Frente a él se abre la imagen reflejada de la ciudad en un Guadalquivir tranquilo y, como un faro, la torre del oro anuncia los destinos de la noche. La Noche de Sevilla, aquella en la que la ciudad dará lo mejor de sí misma y se volcará a la calle. Entre la gente que se va encontrando se advierte un leve desasosiego, el que precede a los grandes momentos.

Su cámara digital lleva pilas nuevas y la memoria descargada pero no le hará falta, pues el corazón le servirá para todo. Él aún no lo sabe. Ha escuchado cosas, ha preguntado lugares y horarios para no perderse nada, pero cada uno le ha contado una cosa distinta, pues Sevilla tiene mil caras y cada una tiene que encontrar la suya en esa noche. Planificar los recorridos para luego romperlos por un gentío no previsto, por un encuentro inesperado.

Mientras piensa en todo esto el viajero toma algo en una taberna, pues ha comenzado a entender que una manzanilla y una buena tapa no contraviene ninguna de las cientos de leyes secretas que tiene el Sur, nunca escritas pero siempre presentes. Luego se dirige hacia la Magdalena y entre la gente busca un sitio, un rincón en medio de aquella luz amarillenta que enfoca la entrada del templo del que saldrá uno de los pasos mayores de la Semana: la Quinta Angustia con un Cristo a punto de ser descolgado que se balancea con un ruido quebradizo de madera vieja. Sólo eso en medio de un silencio que sólo se sabe hacer en Sevilla.

Pero la noche aún sólo está empezando y el primer escalofrío de ese Cristo muerto y pesado bajo los paños que lo sujetan. Nada apenas mientras pasa el tiempo y en la medianoche la plaza de San Salvador llega Pasión, la escultura que talló Martínez Montañés como si fuera su propio Moisés. Madera hecha sangre y músculos como nadie supo hacer, que lleva su cruz en la plaza oscura, el aliento pesado de la expectación y las pisadas de los costaleros resonando sobre la rampa de madera que le lleva hasta la puerta de la iglesia. Su cara se esconde y se desvela tras los naranjos florecidos y, como si fuera un milagro premeditado, por detrás de las casas, colocándose como una corona de luz sobre su cabeza tallada, aparece la luna triunfante, la más brillante de primavera, que hace sombras en los árboles y alarga el resto oscuro de su cruz más allá de lo posible. Pero sólo será eso, un pequeño milagro de los tantos que verá el viajero. Cómo no aplaudir cuando entra al fin en su templo. Aplaudir al esfuerzo de los costaleros y a sí mismo.

 

            A partir de entonces el tiempo se acelera, y las horas comenzarán a perderse entre esperas y minutos de emociones sin tregua. El reloj quedará escondido en la muñeca y sólo habrá un ansia de verlo todo, de empaparse como una esponja de minutos de Gloria que quedan grabados sin olvido posible. El de la Giralda iluminada y con una luna colgada en su costado mientras pasa El Silencio, la alegría de los Gitanos, la larguísima fila de nazarenos de negro riguroso que allanan el suelo con su cera para que el Señor de Sevilla llegue hasta la misma muralla árabe.

Venga, le dijo alguien, póngase aquí para verlo. Muy lejos, donde casi comienza la curva. Y primero será una avalancha de flases contra la pared de la catedral y luego, andando con el paso de aquel que está a punto de caerse, ver avanzar al Gran Poder como si andara sobre las cabezas. Levitando sobre ellas, en un suelo propio de aire.

El viajero ya no encuentra palabras ante todo lo que ocurre. El silencio que duele en las sienes, sin música, y sólo, cuando ya está muy cerca, el rasguear de las zapatillas de los costaleros sobre la piedra y aquella inmensa figura que no puede con su cruz, su cara perdida, ausente, como si ya no viera y sólo siguiera andando en una chicotá inmensa.

De verdad que anda, se dice el viajero. El milagro consumado de un barroco que aún engaña a aquellos que ya han visto Matrix y viven en Internet. Una figura de madera reconvertida y una angustia muy honda en el pecho, limpia como un paño blanco que se agranda mientras Él se acerca y pasa a su lado. El Señor de Sevilla que una vez al año toma posesión de sus calles para recordar el poder de su presencia.

 

Quisiera el viajero que el tiempo se congelara pero no es posible; no se podría aguantar todo su peso más que unos pocos segundos que se siguen recreando en la memoria mientras toma algo para reponerse y se pierde en el laberinto de calles hasta buscar una esquina en la calle Cuna.

Para entonces ya llevan mucho tiempo pasando los nazarenos de la Macarena, y entre ellos, entremezclados, costaleros que salieron de su turno que se colocan a su lado, esperando a la Virgen.. Ella es la más guapa, la más elegante de una ciudad cuyo pecado capital es la vanidad. Pero Ella supera todo y cuando se acerca el viajero, que ya comprende tanto, le parece imposible que un palio pueda llevarse con esa belleza de algodones dorados. Las bambalinas se mueven como si estuvieran medidas, ni un centímetro más, y toda la candelería de cirios ilumina su cara de niña, sacan luces de su largo manto de un verde puro y terciopelo.

Llega. Con su luz propia y una marcha triunfal tras de ella, girando una curva inacabable que sostiene en vilo las miradas, las imanta con sus ojos tristes, sus manos finas y delicadas. Cómo puede ser entonces la vida tan maravillosa. Cómo pueden existir angustias si en una calle estrecha la belleza de una simple mascarilla que tal vez hiciera una mujer, la famosa Roldada, rompe el aire y un grito salido desde las mismas entrañas llena el espacio en donde ya no cabe nadie

¡¡¡Macarena!!!!

Pues no hay ningún contrasentido; todo encaja. Tal vez unos días antes el viajero se hubiera tomado aquello como una broma, algo fuera de lugar. Y en vez de eso, él también devuelve el grito, junto a todo el gentío.

¡¡¡¡Guapa, guapa y guapa!!!

 

Ya por entonces, traicionera, la noche se acaba y el cielo se va volviendo claro por el este. Es necesario darse prisa. Buscar entre el gentío un hueco y andar con paso largo para cruzar la carrera oficial. Pero la calle está repleta y el viajero tiene que parar, pues delante suyo pasa Las Tres Caídas. Es un encuentro no previsto que al principio le enoja pero muy pronto sabrá que el destino le tenía preparado aquel estorbo para que viera como un paso de casi una tonelada se mueve como las plumas que adornan a los romanos. Increíblemente, el largísimo trono pasa delante suyo balanceándose en su mar imaginario. Pasa, pasa y pasa, muy despacio, sin avanzar apenas, siguiendo el toque de una corneta huérfana que le guía entre la multitud. Una simple corneta que mueve miles de kilos al fluir de sus notas rotas que de pronto se paran, un pequeño suspiro y el trono comienza a moverse acunado hacia delante y atrás. Avanza unos pasos para luego volver hacia atrás, como si fuera una máquina guiada a distancia. Avanza y dos pasos atrás, balancearse y parecer que vuelve a arrancar mientras la multitud aplaude el arte que puede ser un simple movimiento. Arte en estado puro, flamenco con los pies y el sabor agrio de la corneta que dirige el mundo entero y no le deja pasar más allá de su mirada.

Atrás, hacia delante pero no, todavía no, un poco más, por favor. El viajero quiere seguir sintiendo en su pecho ese movimiento que le rige la respiración. La dulce cuna que se mueve con mano de madre. Pues sólo es una tonelada lo que se mece. Mil kilos parados en el viento del amanecer. Y así una y otra vez, amenazando un arranque definitivo para luego volverse atrás, caer a un lado, moverse sobre los pies y al final, con un paso tan largo que parece imposible que quepa dentro del paso, salir triunfante ante el delirio de los que han visto algo que aunque se repita, nunca volverá a sucederse igual, y años después aún se recordará en los bares. Pues yo estuve allí, viéndolo todo con el corazón perdido por un simple movimiento ¿Cómo explicárselo a aquello que nunca lo vieron? ¿Cómo decirles que el paso era yo y no recuerdo el suelo que tocaban mis pies?

 

Y ahora correr. Salir con el corazón aún amasado por la sensación para llegar hasta el Baratillo, junto a la plaza de la Maestranza. Allí está todo lleno. Cientos de personas llevan horas esperando, pero sus esfuerzos de toda la Semana se ven recompensados y un simple hueco, junto a la puerta de la capilla, está esperándole.

Allí ya amanecerá por completo, y volverá a ver a las Tres Caídas jugando con la gravedad como si fuera un juego liviano. Su corazón volverá a llenarse de espuma ante una levantada a pulso que hace elevarse las figuras como si no lo hicieran.

Luego volverá a pasar el tiempo, cientos de penitentes, conversaciones con unos y con otros que ofrecen un trago de agua, un caramelo, la memoria de otros años, cuando estuvieron allí y la contemplaron.

Así pasa la hora larga, o quizás más o menos, qué más da. Ya se escucha la banda. Mira, allí. La Esperanza de Triana entra en la plaza alargada a los sones de Esperanza coronada, con un andar que sólo es suyo, que no debe nada a nadie. Así avanza y el viajero intenta comparar pero no puede. No sabe por qué, pero su estómago se ha encogido, pues las emociones son traidoras y nada respetan. Pues acaso no será la más bella, la más elegante pero sus varales se mueven con la alegría más perfecta que cabe. Y no marchan al ritmo de la música, son ellos mismos los que la producen, y la banda simplemente le sigue.

Ella se para junto a la Capilla. Murmullos. El viajero puede ver su palio totalmente dorado por el sol naciente. Oro y sombras que se proyectan sobre su rostro mientras el capataz da el tercer golpe de martillo y la levantá hace saltar una cascada de pétalos de rosa que se acumulan sobre el palio. Llueven flores y comienza la música. Caridad del Baratillo. El palio de la Virgen comienza entonces a girarse en sentido a la capilla y allí, entre cientos de personas, de pronto, imposible pero cierto, el viajero comprende todo y ve a la señora de Triana cómo se gira, acaso sonríe y le mira solo a él con la mirada más tierna que se pueda entender.

Incomprensible pero cierto. Sólo un instante pero cuánto tiempo. La emoción le sube por el pecho, se le engancha en la garganta y, cuando todo sucede, una primera lágrima, un llanto que limpia las cosas por dentro se desborda desde sus ojos sin poder evitarlo, con la piel de gallina y recorrido todo su cuerpo por una energía sin miedo. El viajero no cree, pero ahora siente que algún podría hacerlo. Sólo por esa mirada, por la lluvia de pétalos, el olor a vela e incienso. Sólo esa música que le arranca el pasado más terrible, todos los sufrimientos, el sonido de las bambalinas, todos los que se encuentran a su lado y también son tocados por la gracia, retrocediendo casi trescientos años, a un mundo barroco que nunca morirá mientras exista Sevilla y su Semana de milagros, aquella en la que las figuras toman movimiento y tocan con sus miradas lo más profundo que tenemos.

Vicente Camarasa

Si queréis saber más de la Semana Santa de Sevilla os recomiendo:

http://www.caiman.de/semanaes.html

http://www.galeon.com/juliodominguez/sss1.htm

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01/07/2008 19:23. sdelbiombo #. Semana Santa Hay 2 comentarios.

LAS MARCAS DE CANTERÍA

Es relativamente frecuente encontrarse en los muros románicos extraños signos tallados en sus sillares (sus piedras regulares). Son las llamadas marcas de cantería. Sus diseños, por lo general geométricos, a menudo se repiten en un mismo edificio mezclados con otros o se encuentran en edificios cercanos o a lo largo de toda una zona.


 

 

EL ARTÍCULO, AMPLIADO TANTO EN TEXTOS COMO EN IMÁGENES SE ENCUENTRA LOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 


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02/07/2008 12:04. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 2 comentarios.

RENE MAGRITTE. EL DESTRUCTOR DE CERTEZAS

Tomado de xgfk10rlr.wordpress.com

Entre todos los pintores del grupo surrealista hubo uno que llevó hasta el final la máxima de su líder, Breton: desenmascarar el mundo burgués y racional, iniciando una verdadera revolución interna. Fue René Magritte, un belga siempre vestido con su eterno bombín, que supo enseñarnos un mundo nuevo, quizás muy parecido al nuestro en una primera mirada, pero profundamente perturbador cuando encontramos que las leyes han cambiado y nos encontramos en universo nuevo.

Sin una gran técnica pictórica, su obra sigue siendo recordada por esta profunda conmoción que provoca, la que hace que nuestros sentidos vean lo que nuestra razón dice que es imposible, pues no pueden llover miles de señores idénticos y con bombín (aunque sería magnífico).

 

Tomado de Transparente y opaco

 

En muchas de sus obras, sin embargo, el efecto no es tan inmediato, pues si nos fijamos en ellos de forma rápida todo parecerá conforme. Unas grandes montañas y un nido en el primer plano. Correcto; un paisaje más.

 


Tomado de Creatividad natural


Pero Magritte nos pide un segundo más de contemplación, el suficiente para darnos cuenta de que las montañas tienen forma de águila. Entonces nuestra razón se dispara ¿Tendrán que ver algo que ver esos huevos con el águila? ¿Es una montaña que parece un águila o un águila que se ha convertido en piedra? Comienza entonces su mundo imposible en donde las cosas pueden ser sometidas a metamorfosis y nuestros sentidos, nuestra razón, pierden sus tradicionales certezas.

Este es el método Magritte. Una estrategia inteligente y sutil que primero nos enseña una realidad para luego demostrarnos que es falsa, como en este paisaje con cuadro que…


 

Tomado de Elpieincompleto

 

¿De verdad vemos el paisaje?  Daros cuenta del trípode de abajo y descubriréis que es un cuadro sobre una ventana, pues una vez más nuestros deseos nos hacen ver lo que no existe o vemos o que queremos ver

Si no estáis convencidos, en este cuadro se ve mejor el truco

 

Tomado de Elpieincompleto

 

 

En alguna de sus obras va mucho más allá, como cuando el pintor no pinta la realidad, sino el futuro


 

Tomado de Creatividad natural


Sin embargo, su obra más conocida es la famosa Esto no es una pipa, que podríamos interpretar como una más de sus bromas visuales o, como afirma Foucault, toda una verdadera revolución en el arte, al plantearnos la mentira que todo cuadro es: una simple representación, no el propio objeto.

Algo tan evidente nunca se había considerado en el arte clásico en donde el cuadro se entendía como una ventana por la que el espectador imaginaba ver un fragmento del mundo. Para que el truco surtiera un efecto positivo se inventaría el claroscuro o la perspectiva.

Tomado de xgfk10rlr.wordpress.com


Pero todo esto ya se había acabado con el siglo XX cuando Picasso había pegado una tela sobre un cuadro cubista (su primer collage), demostrando su carácter de objeto, no de ventana. Con ese simple gesto había acabado con todas las ilusiones de la mirada, y Magritte, simplemente, habría repetido el mensaje de forma aún más evidente, como si es verdad nos dijera: ¿pero todavía os fiáis de vuestros sentidos y queréis ver el mundo en una tela pintada? ¿no veis que todo era una simple apariencia, un cuento para niños?

 

 

Tomado de Esto no es un blog

 

 


Si queréis ver más obras de Magritte y dejaros vacilar por él podéis consultar

esta página

 

 

 Vicente Camarasa

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03/07/2008 19:40. sdelbiombo #. Dada y Surrealismo No hay comentarios. Comentar.

MÁS SEMANA SANTA BARROCA. MÁLAGA

(Impresionante trono de Los Estudiantes. Málaga)

Todavía recuerdo la clase de Barroco español como una de las más bonitas del curso. Mientras explicaba cómo se vive la Semana Santa en Sevilla, parecía que estábamos allí, viendo pasar la Macarena.

Aunque en muchos sitios se sigue una tradición parecida (como Málaga), lo cierto es que en ese lugar se vive y se siente de forma diferente, con bastante más intensidad. Tal y como nos has enseñado en muchos casos sólo se trata de manos y rostros tallados, pero de tales características que generan en nosotros unas emociones y sentimientos (en mi caso unas ganas terribles de llorar) muy muy difíciles de explicar para alguien que no ha estado allí y no lo ha visto.

Supongo que todo esto debe ser por el olor a incienso...

 

(El Cristo de Mena. Málaga)

Por cierto, sabéis que se pone en duda "la paternidad" de Goya sobre su obra El Coloso (ahora se lo atribuyen a Asensio Julià, uno de sus discípulos.....qué fuerte!!!!)

Mar San Segundo

04/07/2008 21:29. sdelbiombo #. Semana Santa No hay comentarios. Comentar.

¿PARA QUÉ SIRVE EL ARTE? PARA LLEGAR LENTO A ÍTACA

En este momento, bien lo sabemos algunos, sólo se valora lo práctico, lo técnico, lo que sirve para hacer cosas concretas. Bajo esta perspectiva mucha gente te pregunta: ¿para qué sirve el arte? No se dan cuenta que, en la pregunta hay un enorme vacío personal, pues en el fondo sólo están diciendo: el arte no genera beneficios ni utilidades prácticas.

Yo, desde hace unos años, he decidido contestar a esta pregunta con un poema de Kavafis, aunque si el que te pregunta es demasiado torpe (o demasiado listo), nunca lo comprenderá. Pero qué le vamos a hacer, el problema es suyo, no nuestro.

 

El poema habla de Ulises y de su viaje a Ítaca

 

Cuando emprendas tu viaje hacia Ítaca

debes rogar que el viaje sea largo,

lleno de peripecias, lleno de experiencias (…)

Debes rogar que el viaje sea largo,

que sean muchos los días de verano;

que te vean arribar con gozo, alegremente,

a puertos que tú antes ignorabas.

Que puedas detenerte en los mercados de Fenicia,

y comprar unas bellas mercancías:

madreperlas, coral, ébano, y ámbar,

y perfumes placenteros de mil clases.

Acude a muchas ciudades del Egipto

para aprender, y aprender de quienes saben.

Conserva siempre en tu alma la idea de Ítaca:

llegar allí, he aquí tu destino.

Mas no hagas con prisas tu camino;

mejor será que dure muchos años,

y que llegues, ya viejo, a la pequeña isla,

rico de cuanto habrás ganado en el camino.

No has de esperar que Ítaca te enriquezca:

Ítaca te ha concedido ya un hermoso viaje.

Sin ellas, jamás habrías partido;

mas no tiene otra cosa que ofrecerte.

Y si la encuentras pobre, Ítaca no te ha engañado.

Y siendo ya tan viejo, con tanta experiencia,

sin duda sabrás ya qué significan las Ítacas

 

El viaje es una de las Ítacas que podemos tener, como la literatura, el buen cine… Sirve para hacernos más ricos y sabios en este viaje tan corto que es la vida. Nos ayudará a comprendernos, a ser más felices, más ricos por dentro, pues el viaje en sí mismo habrá valido la pena por todo lo que nos ha sucedido en él. Hemos disfrutado de la vida sin el ansia por llegar, sólo por vivir.

El cuadro que acompaña al texto es de Guillermo Pérez Villalta, un autor gaditano de la movida con unos cuadros que dejan mucho para pensar y saber quienes somos

Vicente Camarasa

 

SAN SEBASTIÁN. UN SANTO PATRÓN PARA LOS GAYS

Berruguete

 

Según cuenta la tradición, San Sebastián fue un soldado romano que fue condenado por Diocleciano por no querer abjurar del cristianismo. Su martirio se producirá por medio de una lluvia de flechas que se clavarán en su cuerpo, aunque no conseguirán matarlo, recogiéndole Santa Irene por la noche, curándole las heridas. Más tarde será decapitado.

Aunque no muera en ella, será la lluvia de flechas el momento elegido para su representación por su potencialidad dramática. Sin embargo, y como empieza ya a aparecer en Mantenga y es habitual ya en todo el siglo XVI. La representación comienza a tener unas características muy poco comunes. Frente al dolor que debería representar, el santo suele aparecer tranquilo o, aún más, con una cierta cara de placer, que (ortodoxamente) debería ser interpretada  como un éxtasis  o gozo supremo ante la visión ya cercana de Dios.

Mantegna

Tomado de wikipedia


Sin embargo, este éxtasis (como luego el de Santa Teresa) fue interpretado de otra manera y el santo (un hombre normalmente musculado, semidesnudo en donde el placer y el dolor se unen) terminó por ser el patrón  popular de los gays a partir de finales del XV y XVI.

La Iglesia (sobre todo en Trento) intentó combatir esta costumbre, introduciendo decretos que impidieran la realización de obras excesivamente sensuales para la iglesia, poniendo veedores (expertos que calificaban las obras antes de su exposición pública) en todas las diócesis importantes, aunque al fin la medida no tuvo demasiado éxito y San Sebastián siguió siendo una de las imágenes más repetidas a lo largo del arte clásico.

 

Perugino

Tomado de wikipedia

 

Y es que, fuera ya del mundo griego en donde la homosexualidad era una práctica común perfectamente asimilada entre las clases altas, en el Renacimiento hubo numerosos autores gays como Botticelli, Cellini, Donatello, Michelangelo, Rafael, Leonardo da Vinci, Caravaggio que gracias a sus vínculos con el poder pudieron más o menos seguir sus inclinaciones sin demasiados sobresaltos (aunque Leonardo, por la delación de un enemigo, llegó a ser encarcelado durante un año).

Tomado de wikipedia


Era el llamado pecado nefando, y en casi todos los países era causa de muerte en la hoguera, aunque como siempre ha ocurrido las clases poderosas tenían una mayor libertad de costumbres y menor control social.

En España la Inquisición actuó durante contra ellos, y el propio Conde de Villamediana fue asesinado acaso por sus inclinaciones sexuales (o tal vez por las contrarias, pues las relaciones entre él y la reina Isabel fueron algo más que amistosas)

Tomado de wikipedia

 

Como ya hemos hablado en otra ocasión su figura ensombreció otra de origen clásico en el imaginario gay, la Muerte de Jacimto


He encontrado una página en donde se encuentran (en inglés) miles de referencias a San Sebastián

 

Para saber más

 

 

Vicente Camarasa

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05/07/2008 17:31. sdelbiombo #. ICONOGRAFÍA Hay 4 comentarios.

DE SILOS A COVARRUBIAS. Del prerrománico al gótico

Unos de los viajes que más me gustan (tanto por sus distancias, que no son excesivas, como por todo lo que puede verse) es el de Silos-Covarrubias, en Burgos.

Se llega por la autopista de Burgos (cogiendo el desvío de Lerma dirección Silos-Covarrubias). Allí la carretera empeora eunque no son demasiados kilómetros hasta llegar a Silos.

EL ARTÍCUO, SUMAMENTE AMPLIADO CON NUEVAS REFERENCIAS DE LUGARES E IMÁGENES, SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 

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05/07/2008 19:58. sdelbiombo #. VIAJES Hay 1 comentario.

UN NUEVO CONCEPTO DE PARQUE: JUAN CARLOS I

 

Un parque urbano, junto al metro (línea 5, El Capricho; línea 8, Campo de las Naciones), el Palacio de Congresos y el Aeropuerto. Un antiguo olivar que aún tiene sus recuerdos en el plano. Un espacio sacado de la especulación de uno de los nuevos barrios representativos de Madrid. Un lugar con galápagos, posibilidad de pesca, alquiler de bicicletas, estufa fría y columpios de diseño. Un museo de escultura contemporánea al aire libre. Todo esto y mucho más es el Parque de Juan Carlos I.

 

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07/07/2008 10:17. sdelbiombo #. Madrid No hay comentarios. Comentar.

¿UN CUADRO AZUL? YVES KLEIN

En 1956, un artista un tanto peculiar, hizo su primer cuadro azul. Se llamaba Yves Klein y se iba a convertir junto a Beuys y Warhol, en uno de los grandes artistas de la segunda mitad del siglo.

Y es que el arte después de la segunda Guerra Mundial había tomado un rumbo imprevisto. Aunque Picasso y Mattisse siguieran produciendo durante mucho tiempo, se habían salido de la pura vanguardia más experimental, y sólo a partir de los 80 se les recuperaría con los Nuevos Salvajes alemanes y la Transvanguardia italiana. El nombre de moda era entonces Pollock y sus grandes cuadros pintados como una batalla contra el cuadro, y más tarde el Pop de Warhol que (más en lo ideológico que en lo material) terminó por darle un rumbo nuevo al arte actual.

Junto a ello, y de forma casi secreta, se estaba generando la gran revolución de la segunda mitad del siglo (y de la que aún vivimos en gran parte): el arte conceptual. Recuperando la idea de arte de Marcel Duchamp y sus famosos ready-made (recordad el urinario fuente), estos artistas comenzaron a plantear el arte en términos muy diferentes, dándole muchísimo más papel al espectador. En este arte el artista se limita a sugerir, a aplntear un problema que ha de continuar el espectador, poniendo una parte de sí mismo para la obra de arte, que ya no sería sólo el lienzo u objeto, sino toda esa interrelación entre espectador y obra.

 

Junto a ello el pensamiento oriental, presente desde el propio Manet, los impresionistas o los postimpresionistas, vuelve a cobrar una nueva importancia. Intentando resumir al máximo, esta filosofía pretende la unicidad de todo. En ella no caben las características contradicciones occidentales (blanco-negro, día-noche, hombre-mujer, bueno-malo…). Por el contrario, afirma que todo pertenece a todo y se relaciona con todo. (Verdaderamente es difícil explicar, con nuestro lenguaje occidental, siempre tan racional, una filosofía que es ante todo emocional).

Uno de los símbolos más conocidos de oriente, el famoso yin yang, quizás aclare mejor las cosas, pues además de ser un círculo (una rueda que gira, algo que fluye y nunca se detiene, como entiende el mundo el oriental), nos demuestra que en el más puro negro existe el blanco, como en cada hombre hay mucho de femenino o en la más absoluta maldad algo bueno o viceversa. Nos dice también que nada puede ser eliminado sin que todo el sistema quede dañado, pues la armonía de contrarios es en verdad la esencia de la vida, como cualquier biólogo podría decirnos sobre un sistema ecológico, en donde todo (desde la bacteria al león) tienen una unión tan íntima que si desaparece uno terminará por desaparecer el otro.

 

 

Ante esta idea desaparece el típico concepto occidental del hombre como rey absoluto de la creación, que la manipula (y extermina) en función de su ambición o placer. Por el contrario, en la filosofía oriental el hombre es parte integrante del todo y como tal debe comportarse. Debe conocerse a sí mismo para conocerlo todo, pues en el interior de cada ser está la Naturaleza entera (como mucho más tarde demostró el descubrimiento del ADN). Para ello debe, ante todo, no dejarse seducir por las puras apariencias (el samrasa), sino buscar la esencia (el famoso nirvana, numerosas veces tan mal interpretado).

Para conseguir llegar a este estado mental se han recurrido a numerosos métodos, desde el movimiento (las artes marciales, el taichi, el yoga), los mantras (canciones repetitivas, como la de los monjes lamaístas) o los mandalas (dibujos geométricos repetitivos, curiosamente muy parecidos a las lacerías islámicas).

Estos mandalas, por tanto, son simples medios para conseguir algo que le parece inconcebible al hombre occidental: dejar quieto el pensamiento, abolirlo y dejar la mente en blanco, sin un solo pensamiento o imagen (intentad comprobarlo, ya veréis lo difícil que os puede resultar).

 

 

Por último, y muy relacionado con lo anterior, ya habían existido artistas que antes de la II Guerra Mundial habían intentado llevar a la pintura a la abstracción. Muchos de ellos eran teósofos (una variante occidental del pensamiento oriental), como Kandinsky o Mondrian. En sus obras habían intentado eliminar todo lo que resultase anecdótico para buscar la armonía esencial que permitiera al espectador introducirse en uno mismo sin ningún tipo de distracción figurativa. Un paso más allá había llegado Malevich con su suprematismo. Su último cuadro, cuadrado blanco sobre blanco ya no era nada (en términos tradicionales), pero según el propio autor era una ventana abierta hacia el interior de cada uno de los espectadores.

 

En este sentido hay que entender el cuadro azul de Klein. Un cuadro que no es un cuadro tradicional, sino un mandala, un medio, un instrumento de búsqueda. Por ello, no intentéis buscar en él lo que podéis encontrar en la pintura tradicional, pues no lo encontraréis. De hecho tendréis que mirar de una forma por completo distinta, sin utilizar vuestra razón (nada de composición, ni iconografía, ni personajes, ni siquiera pincelada). En vez de analizarlo tendréis que sentirlo.

 

 

Decía Kandinsky que sus cuadros eran música. Quizás sea la mejor forma de entender todo esto. Tenéis que mirar el cuadro azul como escucháis música. Cogéis el MP3 y buscáis vuestra canción favorita. Si cerráis los ojos os podréis dejar arrastrar por ella hasta perder el sentido del tiempo y el espacio, a veces tanto, que cuando termina, uno siente que aterriza de nuevo en el mundo. Ésa es la idea, mirar sin ver, mirar hasta que se pierda de vista el propio cuadro. Su azul profundo os ha ido poco a poco atrayendo hasta confundiros por él y poder estar libres de las ataduras del mundo cotidiano. Estáis con vosotros mismos, con la esencia y no la apariencia, como diría Jesús Chaparro (al que debo, por cierto, casi todo lo que sé de filosofía oriental).

En el fondo es como encontraros con un espejo. Si lográis concentraros sentiréis cada uno de vosotros cosas distintas, pues os veréis a vosotros mismos; el cuadro sólo ha servido de medio.

Para que ocurriera todo esto Klein estuvo mucho tiempo un color lo suficientemente profundo y seductor a la vez. Cuando lo encontró lo llegó a patentar como IKB. También investigó la forma de aplicarlo para que no quedara ningún rastro de su individualidad (su pincelada), optando por el rodillo sobre una superficie levemente satinada. Incluso dio instrucciones para colgarlo (a qué distancia de la pared) para que el cuadro llegara a flotar sobre el blanco de la pared, pues la idea de ingravidez está muy relacionada con el mundo oriental que tan bien conocía Klein (cinturón negro de judo), pues es la forma de liberarnos de nuestro cuerpo accidental y dejar que nuestra esencia lo llene todo, como una especie de energía interna que se expandiría infinitamente hasta ser todo.

Si queréis en el propio Madrid podéis ver un Azul de Klein en la cuarta planta del Reina Sofía, aunque lamentablemente protegido con un cristal que rompe gran parte de su poder magnético, al reflejar todo el entorno (¡con qué poco se puede acabar con el arte bajo el pretexto de la protección!).

También podéis ir a la planta de entrada del Museo Thyssen en donde se expone un Rothko. Este pintor tiene muchas conexiones con Klein y hay que sentirlo de la misma forma, igual que como se mira el mar y, de repente, nuestros pensamientos se disparan sin lógica hasta que todo se va diluyendo y terminamos por no pensar en nada y hasta nuestra propia respiración se acompasa al ritmo de las olas, su ruido y movimiento sin pausa pero sin angustia. Un estado mental de verdadera placidez en el que conseguimos olvidar nuestras preocupaciones y angustias, pues el mundo que nos rodea desaparece y nos encontramos en plena soledad. Una soledad plena pero no triste, sino algo suave que nos da la sensación de flotar, de no ser nosotros mismos, sino el propio mar.

 

(Rothko)

 

Ya os advierto que la cosa no es fácil, pues estamos demasiado acostumbrados a tener miles de estímulos sensoriales en torno nuestro, a hacer, a movernos, al cambio. Pero si lo intentáis podéis conseguir sensaciones sumamente placenteras y estaríais más cerca de la verdad o la esencia o como queráis llamarlo.

 

Si queréis saber algo más del pintor (aunque le dedicaremos más artículos a su obra asombrosa) podéis entrar en alguno de los enlaces recomendados como   http://aprendersociales.blogspot.com/

Si os ha interesado Rothko mirad http://arteyartistas.wordpress.com/2007/11/17/mark-rothko

Si queréis saber más cosas de las filosofías orientales como introducción puede serviros

http://filosofiaoriental.idoneos.com/index.php/371977

En cuanto libros el más fácil para entrar en ellas es el de Borges ¿Qué es el budismo? O cualquier recopilación de poesía oriental (en especial haikú) como Hormigas sin sombra de Maurice Coyaud

Por cierto, si no se ven las fotos, por favor ponerme un comentario y las intento republicar, aunque el cuadro azul y un Rotthko lo cuelgo en el  http://www.flickr.com/photos/27852509@N05/sets  

Vicente Camarasa

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SHIRIN NESHAT. LA RESISTENCIA FEMENINA.

Iraní exiliada de su país (que sin embargo, visita con regularidad) esta artista utiliza tanto el vídeo como la fotografía retocada digitalmente para hablar de religión, mujer y violencia en el Islam contemporáneo. Formada en las tradiciones occidentales que dominaron en Irán antes de la revolución de Jomeini: sus fotografías son toda una denuncia de la involución que ha ido provocándose en el país, uno de los más rigurosos en la actualidad.

 

 

Sus imágenes, casi siempre en blanco y negro, retratan de una forma intimista la posición de la mujer en el contexto de la religión pero también de la violencia (Serie Mujeres sin Hombres. Mujeres de Allah). Para ello no recurre al dramatismo, sino por el contrario, se tratan de imágenes bellamente construidas en donde el desvelamiento de todos sus significados va apareciendo poco a poco.

En esta fotografía la imagen se construye por medio de tres motivos. Por una parte el propio retrato, sus ojos tristes que nos interrogan de forma muda. El espectador, ante el primer plano, no puede evitar esa mirada, en gran parte acusatoria. Si quiere apartarse de ella descubrirá algo mucho más terrible: lo que en una visión rápida podía parecer un pendientes de aros que, fijándose un poco, terminará por reconocer que es la doble boca de una pistola, entre la mujer y su velo.

La imagen se carga así con una nueva potencia a la que se añade la exquisita caligrafía árabe que ocupa en su letra apretada todo el rostro. Se trata  poemas sobre el amor y el deseo escritos por escritoras iraníes y citas religiosas que tratan sobre la posición de las mujeres en la fe islámica.

Se unen así las tres partes: fenimidad, religión y violencia para conseguir una imagen inolvidable, que grita silenciosamente ante la posición de la mujer en la cultura islámica actual. Todo un con una belleza serena que resulta paradójica ante lo que retrata, como si algo dentro suyo se negara a eliminarla como la última dignidad que le resta a la mujer.

 

Puedes encontrar más trabajos suyos en

http://lartpassion.blogspot.com/2008/03/shirin-neshat-lenguaje-extremo.html (Con una presentación tomada de You Tube sobre sus principales fotografías). Ya sabéis que si no se ve la foto la podéis encontrar en el flick  http://www.flickr.com/photos/27852509@N05/sets

Vicente Camarasa

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GOYA. ALGO MÁS QUE UN SIMPLE RETRATO

Francisco de Goya nace en Fuendetodos y pasa sus primeros años en el taller de José Luján. Transcurrido algún tiempo (y habiendo pintado algunos cuadros para la cartuja del Aula Dei) se traslada a Madrid donde contrae matrimonio con Josefa Bayeu, lo que le facilita la entrada a los talleres reales. Comenzará entonces sus famosos cartones para tapices basados en temas populares, con los que obtiene un gran éxito.

Sin embargo, las desavenencias con los Bayeu, le obligan a ir abriéndose un camino propio. Primero con el conde de Floridablanca y más tarde con la duquesa de Alba o la de Osuna (cuyo primogénito aparece aquí retratado), Goya buscará lo más granado de la sociedad, retratándola por encargo.

 

 

(Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga. Goya)

 

Realizado en óleo (sobre tabla), esta obra contiene un significado algo más complejo de lo que en un principio podríamos pensar. Algunos afirman que se trata de un anticipo de la crisis que sacudirá a la nobleza española (debido a la actitud tan seria del niño) aunque, en mi opinión, parece una advertencia o reflexión sobre la propia vida, pues no en vano, esa pájaro (en cuyo pico porta una tarjeta con una paleta y un pincel) que mantiene el niño atada con un lazo o los propio pajaritos enjaulados, corren un serio peligro ante esos gatos que los observan con los ojos muy abiertos. ¿No son acaso esos mismos gatos la muerte o la desgracia que puede sobrevenirnos en cualquier momento?

No obstante, al margen del significado, no debemos obviar la calidad con la que Goya trata los colores y las texturas (el rojo intenso del traje o la faja de seda que cubre la cintura del niño) sin olvidar tampoco su capacidad para captar la psicología de los personajes (como en la duquesa de Chinchón) o el carácter simbólico de todos los animales que aparecen en sus obras (los perros en El quitasol o la Mujer leyendo una carta, los gatos como lo demoníaco en los Caprichos).

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Mar San Segundo.

 

GOYA BÁSICO

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09/07/2008 21:30. sdelbiombo #. GOYA Hay 6 comentarios.

ALGUNOS SECRETOS DEL ÓLEO

Aunque ya se utilizara en el mundo clásico y la Edad Media, siempre había sido una técnica puramente auxiliar del fresco (sobre pared) o del temple (sobre tabla). Su utilización plena se dará en el siglo XV por los primitivos flamencos (probablemente los pioneros serían los hermanos Eyck). Esta técnica, en principio secreta, terminaría pasando a Italia por Mesina o por Castagno (al que ciertas leyendas acusan de haber asesinado un hombre para conseguirla). Ya en el Quattrocento se utilizó junto al temple, mientras que Leonardo y luego los venecianos (Tiziano) la convertirán en la técnica favorita hasta los colores sintéticos del XIX.

 

El aglutinante (el material graso y líquido en el que se mezclan los colores) fue el aceite de linaza, mejor cuanto más puro. Su utilización revolucionaría la pintura pues ofrecía una serie de ventajas impensables con el resto de técnicas: se puede pintar lentamente (pues el secado es lento), retocar e incluso cambiar lo pintado (dado que era una técnica de cualidades opacas), hacer veladuras (pintar encima con un color mucho más diluido en aceite de linaza y trementina creando un efecto de semitransparencia muy utilizados en los tules y gasas, así como dando un aspecto más vaporoso, como los cuadros maduros de Murillo), así como dar una mayor luminosidad y colorido más intenso a las escenas pintadas.

 

(Veladuras. Murillo. Inmaculada)

 

Sus problemas suelen ser dos. Por una parte, los barnices que se utilizan para proteger el cuadro suelen irse oscureciendo con el tiempo. A veces, incluso, se vuelven a barnizar repetidamente los cuadros a lo largo del tiempo para darles más brillo, lo que acentúa el problema y hace más complicadas las restauraciones, que tienen que ir eliminando con mucha prudencia estas capas de barniz sin llevarse la pintura original (como ocurrió en el caballero de la mano en el pecho del Greco, que quedó desfigurada tras la restauración pues con los barnices también se eliminaron ciertas veladuras del autor). Observa el antes y el después en estas dos fotografías.

 

(Antes restauración)

 

(Posterior restauración)

 

Por otra parte, si se corrige en el óleo, especialmente con colores oscuros, con el tiempo, las antiguas partes primitivas van saliendo poco a poco a la luz. Son los llamados arrepentimientos que se observan perfectamente en muchos de los cuadros de Velázquez. Intentad verlos en las patas del caballo de Felipe IV que antes se encontraban más adelantadas o en la calabaza que cambió de sitio (Bufón Calabacillas)

 

 

 

Por otra parte el soporte también sufrió alteraciones y de la tabla tradicional se pasó (XVI, pintores venecianos) al lienzo tensado en un bastidor. Este lienzo había que prepararlo. El proceso se llamaba imprimación y tenía suma importancia, pues los colores finales del cuadros se volverían más cálidos (con imprimación roja, como la tierra de Sevilla que utilizaba el primer Velázquez) o más luminosos (con imprimación blanca-azulada, como las obras maduras de Velázquez). Esto se podía forzar aún más haciendo una imprimación que se adaptara al cuadro La Venus del Espejo tiene una imprimación blanca-azulada en donde luego se pintara el cuerpo y sábanas, antes malvas, (haciendo así sus calidades más luminosas) y cálida para el fondo de cortinajes y pared (volviendo los colores más calidos y profundos)

 

 

 

Para saber más

http://mundoarte.portalmundos.com/al-oleo


Vicente Camarasa

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10/07/2008 18:17. sdelbiombo #. Técnicas Hay 4 comentarios.

ARCIMBOLDO Y RODOLFO II. EL MANIERISMO EN PRAGA

Quizás uno de las cortes más florecientes del Renacimiento, tanto en lo artístico y científico como en el plano de la leyenda, sea la Praga del siglo XVI, bajo el gobierno de Rodolfo II.

Nieto de Carlos V y sobrino de Felipe II (los múltiples enlaces entre primos hermanos consiguieron este portento dinástico) Rodolfo II  padecía una enfermedad psíquica que le hacía insoportable cualquier ruido, así como tener numerosos cambios de humor repentinos que sumían en la confusión a toda la corte.

Junto a ello hemos de reconocer que fue, junto a su tío Felipe II, el gran mecenas de la época, tanto en el terreno artístico (coleccionó cuadros de venecianos, Brueghel, apoyó a Arcimboldo) como en el científico (bajo su patronazgo trabajó Kepler), dando un clima de libertad inusitado para la época.

 

 

(Arcimboldo. Retrato de Rodolfo II)

 

Como buen gobernante manierista sus intereses eran muy variados y se asemejaban a los de Felipe II. Así, bajo su protección se practicó la alquimia (él mismo era alquimista) y la magia (Edward Kelley y John Dee,), como Felipe II que apoyaría ciertas investigaciones alquímicas de Juan de Herrera en el Escorial y de Juanelo en Toledo, que ya contaremos otro día.

Al igual que su tío también tenía un llamado gabinete de maravillas, amplísima colección de todo tipo de objetos raros, desde reliquias a fetos en formol, fósiles, piedras raras, vasos contra venenos (los llamados nautilus)… Bajo su mandato el rabino Jehuda Low ben Becaleluna creó su famoso Golem, especie de hombre artificial o antropoide, hecho en arcilla y que cobraba vida cuando se le introducía en la boca una tira de papel con el nombre de Jehová. El golem ejecutaba los más variados trabajos y se caracterizaba por una extraordinaria fuerza, pero un sábado, día del descanso semanal de los judíos, el rabino olvidó de sacar de la boca del Golem el papelito con el nombre mágico, y aquel ser se convirtió en una verdadera pesadilla (Por cierto, algo parecido habría hecho Juanelo en Toledo con su hombre de palo, que todos los días recorría la calle recogiendo las limosnas de la gente).

 

En esta corte tan particular se desarrolló uno de los pintores más originales de su tiempo: Arcimboldo. De orígenes italianos no sólo fue pintor sino que (como ya había hecho Leonardo da Vinci) realizó ingenios hidráulicos, diseñó disfraces, organizó fiestas…

En lo que se refiere a su pintura han pasado a la posteridad sus famosos retratos e imágenes dobles. Como buen manierista, su arte se había deslizado de lo clásico para buscar efectos cada vez más antinaturalistas (acordaros de la Virgen del cuello largo de Parmigianino o del propio Greco) y juegos visuales. Se trataba de una pintura sumamente intelectual y simbólica (como la de Broncino, con el descubrimiento de la Lujuria) que componía retratos a través de elementos naturales (frutas, hojas…) que permitían una doble visión: la de los objetos individuales y la de la figura completa que conseguían crear.

Una de sus obras más conocidas es el grupo de las cuatro estaciones, uno de cuyos cuadros, La primavera se encuentra en el museo de Bellas Artes de San Fernando (¡en Madrid, junto a la puerta del Sol!)

 

 

(Arcimboldo. La Primavera)

 

También realizó cuadros que, invertidos 180º generaban otra imagen distinta (Se pueden ver, junto a otras de sus obras y más información del pintor en http://www.theartwolf.com/arcimboldo_bio_es.htm )

 

Las extrañas obras de Arcimboldo fueron redescubiertas por  Salvador Dalí (que era un gran conocedor del arte clásico y había estudiado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando). Probablemente fueran el origen de sus famosas dobles imágenes (redescubiertas en el XX por la psicología de la percepción), como el enigma sin fin, que podéis consultar aquí

Buscar al menos en él un galgo, una cara, un caballo, un hombre recostado, una barca… Un gran juego de percepciones que quizás sea una de las principales aportaciones del pintor al surrealismo

 

(Por cierto, el Golem de Gustav Meyrink, escritor alemán, residente muchos años en Praga, cuenta toda la historia de este extraño ser)

 

Vicente Camarasa

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EL VALLADOLID DE GREGORIO FERNÁNDEZ

Ahora que el AVE nos pone Valladolid a menos de una hora sería el momento perfecto para volver a visitar la ciudad que llegó a ser corte con Felipe III.

Sin embargo hay varios valladolides, y en este artículo nos vamos a dedicar a dar las pistas para visitar el que forjó Gregorio Fernández, uno de los grandes imagineros de nuestro arte barroco que, ajustando los horarios, se podría visitar en un solo día, sin necesidad de hacer noche. (En realidad, y visto de esta manera, los cincuenta y tantos euros que vale el Ave se amortizan bien, pues no es necesario coger un hotel)

 

Alumno de un imaginero de segunda fila (Rincón) sus influencias serán múltiples, desde los paños duros flamencos que aprendería de los primitivos flamencos, a los imaginaros manieristas de la 2º generación (Berruguete y Juan de Juni) que habían recogido el nuevo lenguaje de Miguel Ángel y lo habían adaptado a la tradición hispana del trabajo en madera, creando las técnicas del encarnado (para la piel desnuda) y el estofado (con pan de oro y pintura para crear la sensación de tejidos bordados con oro). De todo ello saldrá una escultura elegante en sus cuerpos (acaso aún un poco alargados pero perfectamente definidos en lo anatómico) y de gran fuerza expresiva que contrasta con la mayor dulzura de lo  andaluz.


 

Quizás la primera parada sea el Museo Nacional de Escultura, aunque ahora se encuentre en un edificio anexo y tenga una gran parte de su colección guardada en almacenes. Sin embargo, lo que hay es suficiente para dejarse alucinar y ver sus más claros precedentes (Berruguete y Juan de Juni, con el Santo entierro como una de las cimas de su arte). El arte de Gregorio Fernández se encuentra representado por alguna de sus principales tallas, como la Piedad flanqueada por los dos ladrones. En ellas ya está toda su fuerza expresiva, sus paños de plegados flamencos o la maravillosa policromía realizada por  Valentín Díaz)

 

 

 

La segunda visita bien podría ser la Catedral, comenzada por Herrera en su típico estilo escurialense, y aún inacabada. En ella está el museo Diocesano y, de nuevo, Gregorio Fernández. Su famoso Ecce Homo, una de sus obras cumbres. A mi gusto es su mejor talla, un desnudo casi completo de Cristo con una anatomía espectacular y una mirada de suave desconsuelo que los postizos hacen aún más triste.

 

 

 

La tercera parada es una iglesia cercana a la plaza mayor (la que inspiraría la de Madrid). Es la Iglesia de la Vera Cruz y en ella tiene su sede la cofradía del mismo nombre que tiene un verdadero tesoro que cada Semana Santa sale a las calles (aunque en pasos ¡llevados sobre ruedas!). Un paso de varias figuras: el descendimiento, y dos tallas individuales: un nuevo Ecce Homo (sentado, un Cristo de la Paciencia, como le llaman en Andalucía) y un Cristo atado a la columna de una cara inolvidable

 

 

 

Si aún nos queda tiempo, deberíamos pasarnos (junto a la catedral) por la iglesia de de las Angustias, pues en ella se encuentra una talla (del mismo nombre) de Juan de Juni, en un camarín junto al altar. La cara y expresión son verdaderamente espectaculares.

 

 

 

Como se ve todo un festín de arte renacentista y barroco de la mejor calidad que sólo Sevilla puede igualar.

Eso más las tapas y los vinos de la Ribera del Duero que se pueden tomar por un precio asequible junto a la plaza mayor (Si os ponéis mirando al Ayuntamiento estas calles se encuentran a vuestra izquierda)

 

Para saber más de él en nuestro blog Palios

 

Vicente Camarasa


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12/07/2008 08:41. sdelbiombo #. VIAJES Hay 2 comentarios.

SANNDY SKOGLUND. LA MAGIA PREFABRICADA

 

 

¿Qué se debe sentir ante una imagen como ésta? ¿Fascinación, miedo? ¿Qué deberíamos pensar, es acaso el sueño del que aún está dormido y que se pasea por la habitación llenándola de peces de colores?

 

¿Y ante esta casa invadida por gatos verdes, radioactivos, que conviven con los dos ancianos, acechantes?

 

 

 

Parecen realmente trucos fotográficos que le deben mucho al surrealismo, pues son imágenes de la realidad cotidiana invadidas de repente por animales, hojas, árboles humanoides de unos colores irresistibles que nos dejan sumidos en la perplejidad y nos dicen (una vez más en el arte contemporáneo), que el mundo, acaso, no es como creíamos y queda una realidad detrás de cada puerta siempre que sepamos (y queramos) verla y abrirla. 

Su autora es Sandy Skoglund (1946) y comenzó a trabajar en el arte conceptual para luego llegar a la fotografía. Sin embargo, su posición ante esta técnica es bastante ambigua, pues lo que podríamos creer que se tratan de trucos fotográficos por ordenador son objetos reales. Esos gatos o los peces están hechos de forma verdadera, así como todo el decorado, mientras que las figuras son de carne y hueso. Es por tanto una verdadera instalación que, sin embargo, desaparece una vez hecha la fotografía.

Si queréis ver cómo se hace el proceso entrar en

 http://www.sandyskoglund.com 

Allí podéis consultar sus principales obras (pinchando en ARCHIVES) y ver también el proceso de montaje de alguna de ellas (WORKSHOPS).

 

Como curiosidad deberíais entrar en

http://www.gizmodo.es/2007/10/05/nuevo_anuncio_del_sony_bravia_es_flipante_es_la_leche_es_una_copia.html

Se trata de un anuncio famoso de no hace mucho tiempo. Según asegura la autora, aunque le pidieron algunos bocetos para él, luego no volvieron a contactar con ella para nada más. Si os fijáis un poco veréis que el plagio es total

 

Vicente Camarasa

 

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KANDINSKY. EL PINTOR MUSICAL

 

Hoy mismo he encontrado un blog fantástico (que ya lo he añadido a enlaces) que me ha traído muchos recuerdos. Recuerdos de hace unos años, con una clase de historia de arte que visitamos la Fundación Juan March de Madrid para disfrutar de uno de mis pintores favoritos, Kandinsky.

La exposición era difícil de explicar, pues nos encontrábamos a principio de curso y el autor es el primer gran abstracto del siglo XX. Sin embargo, al final fue todo un éxito, ya que muchos de vuestros antiguos compañeros llegaron a comprender este mundo fantástico de la abstracción en uno de sus mejores artistas.

Ahora voy a intentar que seáis vosotros quien empiecen a flipar con sus cuadros.

Ya explicamos en otro artículo todas las bases filosóficas y la evolción de su pintura; hoy nos dedicaremos a un aspecto clave de su obra, LA SINESTESIA

 

(Improvisación)

 

La idea no ea nueva y era ya un tópico en la pintura y literatura decimonónica (desde Delacroix a Gauguin o Cezanne en la pintura; Baudelaire o Rimbaud en la literatura).

Parte de una idea sencilla: intercambiar los sentidos a la hora de percibir y, así, tocar los colores o, como es el caso más habitual, escuchar la pintura.

De esta forma el color es una nota; el cuadro una melodía.

La composición ya no obedece a la realidad sino a lo que él llamaba una necesidad interna, la de expresar una sensación abstracta, como hace la música.

Si queréis comprender mejor esto que os digo probar a hacer el siguiente experimento.

Intentad hacer dos cuadros abstractos, sin tema. El primero tiene que realizarse oyendo las Cuatro Estaciones de Vivaldi (o cualquier música clásica, o chill out, Mar). El segundo tiene ser (Laura), cogiendo música heavy o bacalao.

Mientras hacéis ambos cuadros intentad no pensar; dejaros llevar por la música. Cuando terminéis observarlos y compararlos. Ya veréis las diferencias. (Por cierto AYUDA, si alguno de vosotros se atreviese a hacer este experimento, me lo podíais mandar por email y yo republicaría este artículo con estas obras. Así todos lo podrían comprender mejor. Yo os prometo que, si no queréis, no pongo vuestro nombre ni os analizo vuestra personalidad)

 

 

 

Mar (Vivaldi)

 

 Laura. (Heavy)

 

 Aurora. Vivaldi

Llegados a este punto las cosas, supongo, que estarán más claras.

El arte no tiene que copiar la realidad, tiene que interpretar el mundo de forma subjetiva y personal. Esto es lo que pretendía el propio Kandinsky, tan influido por la teosofía, buscar lo espiritual en el arte, título que dio a un libro básico en arte moderno. En él fue recogiendo las investigaciones sobre el color y la forma y su forma de percepción por el espectador. Así uniócolores y sonidos e instrumentos musicales. (el rojo como trompetas, amarillo como un clarín agudo, el verde como violines, el azul como flauta dulce o violoncelo). Luego haría lo mismo en Sobre punto y línea, pensando sobre estos aspectos dentro de un cuadro abstracto.

 

Fijaros en este magnífico vídeo de Artechachi y lo "veréis" mejor

 

Con todas estas investigaciones fue progresando en el arte hasta llegar a cuadros completamente abstractos que llamó Composiciones. En una primera etapa, la que corresponde al cuadro que os muestro al final, las formas y los colores eran orgánicos, sin apenas geometría, hecho de una forma libre, sólo jugando con ellos y sus relaciones hasta conseguir obras musicales

 

 

 

Fijaros ahora en el cuadro. Fijaros y miradlo despacio, andando por él. Kandinsky pretendía que los cuadros fuera paseables, que el espectador no los pudiera ver de un solo vistazo, sino que pudiera caminar por sus colores y sus formas como se hace con una música por la que vamos andando, corriendo o casi nos quedamos parados según vaya desarrollándose su melodía. En cada uno de los estados se irán encontrando distintos estados de ánimo, sensaciones, emociones ya vividas. Toda una excursión por vuestro interior. Si lo intentas, Cris, despacio, con fondo musical suave, seguro que lo consigues.

Veréis un gran óvalo de distintos colores calidos (amarillos y rojos) que girará lentamente hacia la derecha. Un óvalo que se va llenando poco a poco de cosas, con manchas verdes y rojas, que cada vez actuará más como un embudo, pues seguro que ese profundo azul del fondo os irá atrayendo cada vez más (¿No os recuerda nada este color? Exacto, se parece mucho al de YVES KLEIN)

Sin embargo, este azul tiene varias salidas visuales, y si buscáis veréis líneas que llegan a él desde el exterior del cuadro. Son como puentes. Salidas hacia el exterior para iniciar el proceso.

En cada vuelta que vayáis haciendo os iréis encontrando nuevos colores y líneas o grupos de líneas que no habíais visto antes. Son como pequeños instrumentos dentro de una gran orquesta, pequeños sonidos que irán completando el gran fondo musical del cuadro, dominado por la voz grave pero dulce del azul del fondo.

Evidentemente esto es una cuestión puramente personal, pero a mi me recuerda mucho el adagio de la 5º Sinfonía de Malher, una pieza bellísima en la que dan ganas de quedarse a vivir para siempre... Seguro que si lo pensáis, vosotros podréis llegar a conclusiones personales.

 

Y ahora que ya sabéis (no hace falta que comprendáis del todo, simplemente que tengáis una sensación del cuadro), ¿por qué no entráis en la página que os decía antes y buscáis los comentarios que ha hecho la gente?

http://ludovanguardia.blogspot.com/2008/03/nacimiento-del-cosmos.html

Tal vez vosotros también podáis hacer uno personal, comentando, poniendo en palabras, vuestras sensaciones. También podríais volveros a leer el artículo del cuadro azul de Klein ; le sacaréis más partido ahora, seguro.

 

Como veis este sí que es un artículo interactivo. Y más lo será si me mandáis vuestros dibujos o comentarios. Intentadlo. Os abrirá un mundo nuevo

 

Para saber más

http://mundoarte.portalmundos.com/la-sinestesia-musical

 

 Vicente Camarasa

 

 

 

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ELCAMINO DE SANTIAGO ES EL JUEGO DE LA OCA

Por favor, antes de seguir leyendo os pido que busquéis un juego de la oca; seguro que en casa hay alguno.

Cogedlo o buscarlo en Internet y fijaros un poco en él. ¿Qué veis? Seguro que un juego que os recordará vuestra más tierna infancia. Algo demasiado sencillo para seguir jugando cuando se tienen más años. Demasiado azaroso, ¿verdad? No se puede planificar ninguna estrategia y todo depende de la suerte de los dados.

Pero fijaros un poco más. Todas las casillas están dibujadas con distintos motivos, pero seguro que, sea el modelo que sea, habrá de cuando en cuando una oca pues, ya sabéis, de oca a oca y tiro porque me toca, ya que a veces caer en un cierto lugar (por puro azar) nos ayuda a comprender ciertas cosas que nos hacen avanzar en la vida.

También podréis encontrar en vuestro juego puentes que os llevan de uno a otro o dados, que hacen lo mismo. Ocurre que, a menudo, la vida no avanza en línea recta y unas veces avanzamos mucho de golpe y, otras (por miedos, por azares, por pura nostalgia), parece como si retrocediésemos.

¿Encontráis la posada? Si caíais allí perdiáis un turno, pues el descanso excesivo, la pereza o la falta de ganas nos hacen perder el ritmo de los demás. Tened cuidado.

Preocuparos también si caéis en la cárcel (se pierden tres turnos, casi una vida entera para aquel que intenta avanzar utilizando medios ilícitos), o en el laberinto, que no es otra cosa que vuestro propio interior, nuestros miedos,  complejos y comeduras de coco que nos hacen volver sobre nuestros pasos y retroceder hasta la casilla 30. Y si os toca la muerte, ya sabéis, no os eliminan, sino que os obligan a empezar desde el principio, como si la vida fuera un círculo eterno (¿os suena de algo eso del eterno retorno?)

Tras todas estas peripecias quizás lleguéis hasta la oca final, aunque recordad que hay que realizar la tirada justa, pues si os sobran puntos os tenéis que contar hacia atrás, ya que todo en la vida tiene que pasar en su momento justo y tan malo es pasarse como pecar por defecto y no llegar.

 

A estas alturas, los que aún sigan leyendo estarán pensando: Se le ha ido la olla… más de lo normal.

Puede que sí… o tal vez no, pues es una interpretación muchas veces repetida que el juego de la Oca fuera, simplemente, un juego simbólico que obligaría al jugador a ver la vida de un solo golpe, conociendo así todos los peligros (pero también las oportunidades). Un juego de la Vida que enseñaría a reflexiones como las que os acabo de hacer o, pensando sobre ellas, a conclusiones mucho más profundas.

 

Esto puede ser cierto o no, aunque por lo menos, como dicen los italianos, está bien contado, suena bien la teoría. Pero, ¿qué tiene que ver con el Camino de Santiago?

¿Recordáis las marcas de cantería que se ponían sobre los sillares románicos?

Pues fijaros en estas dos.

 

 

 

 

 

 

 

 

Como veis la primera recuerda a un caracol o a la propia estructura general (en forma espiral) del juego de la oca. La segunda parece clara: es la marca que dejan las patas de una oca, uno de los animales sagrados desde la Antigüedad.

Los dos símbolos son sumamente habituales en el Camino de Santiago, especialmente en las iglesias templarias de las que ya se hablará en otro artículo. Por el momento nos bastaría con saber que esta orden fue creada para guardar los Santos Lugares (especialmente Jerusalén), aunque resulta un tanto sospechoso que precisamente fuera en el Camino de Santiago en donde tuvieran grandes posesiones.

 

 

Castillo templario de Ponferrada. Camino de Santiago

 

Según algunas teorías estos templarios eran mucho más que simples monjes guerreros, y su permanencia durante años en Jerusalén les había ayudado a conocer gran cantidad de tradiciones y conocimientos que vendrían desde la más lejana antigüedad (el mundo egipcio, el mesopotámico, incluso el propio pensamiento islámico, aunque estos fueran sus enemigos)

Todo este conocimiento era su gran tesoro. Pues el conocer es, en el fondo, la gran fuente de poder, y ya sabéis cuánto daño puede hacer quien tiene el poder. Por tanto, tradicionalmente, el conocimiento se ha ocultado bajo símbolos y metáforas, para que sólo fuera descubierto por aquellos que se esfuerzan y lo merecen. El que quiera saber que investigue, piense, busque tanto en el mundo como en su propio interior.

Por eso esconder toda esta enseñanza de la vida en algo tan simple como un puro juego infantil. Una idea verdaderamente brillante de tan evidente. ¿Quién se va a fijar en un simple entretenimiento? Sólo loss iniciados que buscaban  algo más en la peregrinación que la simple indulgencia plenaria (el perdón total de los pecados).

Porque, y esto os lo dirá cualquiera que haya hecho el Camino de Santiago o, al menos una parte de él, el Camino es algo más que andar, ver iglesias y tener unas terribles ampollas en los pies. Es sobre todo un camino interior. El esfuerzo, el andar (tanto en soledad para poder pensar como en compañía de gente distinta a la habitual) te ayuda a comprender cosas de ti mismo. Por eso sigue siendo tan sumamente popular aún hoy, en donde la religión cada vez tiene menos espacio. No hace falta fe para hacerlo, pues en el fondo el Camino de Santiago es una experiencia, un reto, y ya sabéis que, cuando se sube una montaña, el esfuerzo sirve para (desde la cumbre) podamos ver cosas que no nos podíamos imaginar desde el pie de la montaña.

Este es el verdadero sentido que tiene el Camino, o al menos así lo piensan, entre otros tantos, Bernardo Atxaga en Obabakoak (un libro que os recomiendo no sólo por esto sino por su calidad), Sánchez Dragó en su mejor obra, que no es precisamente una novela (Gárgoris y Habidis) y sobre todo Matilde Asensi en una novela histórica fantástica y sumamente fácil de leer, Iacobus También podéis saber más cosas sobre el juego de la oca en

http://logiaitaca.bligoo.com/content/view/104068/La_Magia_del_Juego_de_la_Oca.htm l  

 Y antes de terminar, una pequeña observación.

¿No os habéis fijado que en este artículo he preguntado una y otra vez? ¿Sabéis por qué?

¿Os acordáis de Sócrates y su método? Cuando quería que sus alumnos aprendieran más que enseñarles les preguntaba, una y otra vez, pues muchas más veces de lo que creemos los conocimientos los llevamos dentro y sólo necesitamos que alguien nos plantee las preguntas correctas para que podamos sacarlos al exterior y, entonces, darnos cuenta verdaderamente de las cosas. Pensad en ello, por favor.

UNA FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL CAMINO DE SANTIAGO

Vicente Camarasa

 

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RESTAURACIÓN: ¿MEJORAR O FALSIFICAR?

Factores tales como la luz, la temperatura y la humedad del aire son decisivos en lo que a la conservación de los cuadros se refiere. De esta forma, el más leve cambio en alguno de éstos (unido al inevitable transcurso del tiempo) puede provocar una serie de daños que se distinguen en función de su gravedad.

Los más elementales consisten en unas líneas oscura que se intersectan y forman el denominado craquelé; el amarilleamieto y los ya conocidos arrepentimientos o cambios realizados por el propio autor visibles con el paso de los años y tan habituales en obras de Velázquez.

Sin embargo, lo que más afecta a un cuadro son los agrietamientos y las resquebrajaduras (provocadas habitualmente por cambios bruscos de temperatura ), consistentes en gránulos que al fracturarse conllevan pérdida de parte de la pintura. Así, no es de extrañar que tanto museos como galerías de arte se preocupen especialmente por estos aspectos, tratando de fomentar que sus cuadros se encuentren en una atmósfera lo más estable posible.

Agrietamientos

Pero, desgraciadamente, y a pesar de todos los cuidados, la aparición de algún desperfecto en las pinturas se hace inevitable y es en ese momento donde aparece el proceso de la RESTAURACIÓN, no obstante,¿en alguna ocasión nos hemos planteado en qué consiste realmente?

Se trata de un proceso complejo donde no sólo intervienen los propios restauradores sino también historiadores del arte y expertos de otras disciplinas como la arqueología.

Si bien a lo largo de la Historia se ha utilizado un proceso similar, será durante cierto periodo(siglos XIX y XX) cuando las ciencias cobren especial importancia en los métodos llevados a cabo, pudiendo citar como ejemplos significativos Pasteur y el laboratorio, la óptica( con el empleo de lupas y microscopios) y el descubrimiento( por Röntgen) de los rayos X y los rayos ultravioleta( descubiertos en 1913) muy útiles a la hora de conocer el proceso de elaboración del cuadro, estado del barniz, modificaciones realizadas...

 

Velázquez, Radiografía Santa Casilda. Se pueden ver, abajo, las distintas posiciones que tuvieron las manos

 

Tras un buen análisis (de daños, causas, pigmentos, aglutinante...) se puede comenzar con la restauración en sí, la cual incluirá procesos  como la eliminación del barniz( tan frecuente hasta el siglo XIX), reentelado (para el soporte) y por último los retoques del cuadro(rellenando los espacios vacíos con rayas o puntos para no confundir
con la parte original).

Aunque como he mencionado el proceso ha sido parecido durante toda la Historia (pues la preocupación por el mantenimiento de las obras data de Grecia y Roma) lo cierto es que los métodos (o las técnicas) sí han experimentado ligeras variaciones según la época y debido a motivos religiosos o socioculturales, cuestión que nos lleva a plantearnos

¿HASTA QUÉ PUNTO ES ÉTICO UNA RESTAURACIÓN?

Por un lado hay quienes afirman que el hecho de restaurar una obra no supone pérdida de identidad para el autor y la obra, y lo consideran una ventaja o beneficio para la comprensión de la obra. En el polo opuesto nos encontramos con aquellos que apuestan por ser fieles a la historia, optando por mantener el original (en el estado en que se encuentre) y adjuntar una copia con las modificaciones que se podría hacer en caso de una restauración.

En lo que a mí respecta, me resulta bastante complicado decantarme por una u otra postura ( pues hay argumentos tan válidos para defender tanto una postura como otra) y es que considero tan importantes tanto al autor de la obra como al espectador (éste es, diría yo, inclusive una parte esencial de la misma), además si no se hubiesen" arreglado" muchas de las obras no hubiesen podido llegar hasta nosotros, pero ¿para vosotros quién es más importante y, sobre todo, a quién debemos más respeto, siempre teniendo en cuenta que ya no podemos "ofender" el sentimiento del autor , o al que contempla la obra?

Espero vuestras respuestas y sugerencias....., y mientras os lo pensáis mirad estas dos fotos. La Capilla Sixtina de Miguel Ángel (su Juicio Final) antes y después de la restauración

 

 

 

Mar San Segundo

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15/07/2008 20:14. sdelbiombo #. Técnicas Hay 3 comentarios.

IGLESIA DE SAN PEDRO. ENTRE EL MUDÉJAR Y EL BARROCO, Y UN ICONO

Junto a la iglesia de San Nicolás (a la que ya dedicamos un artículo en MADRID), ésta es la iglesia más antigua de Madrid, pues aparece mencionada en el fuero de 1202.

Probablemente fue anteriormente mezquita, aunque nada queda de ella, sólo el recuerdo (ya mudéjar) de su esbelta torre, una de las más bellas estampas que se pueden ver en atardecer, desde la plaza de la Paja. Sus campanas mantuvieron durante mucho tiempo un extraño poder milagroso: su tañido alejaba las tormentas o atraían la lluvia, según se hicieran repicar.

 

 

En este mismo lado, en los pies, se encuentra una dañadísima portada renacentista (de Lorenzo Vázquez), en la actualidad clausurada.

Su interior fue reformado en el siglo XVII, creando tres naves cubiertas por las famosas bóvedas de cañón con lunetos que se iniciaron en el Gesú.

Sin embargo no es su arquitectura lo más sobresaliente, sino una de las tallas más impresionantes que conservamos en Madrid: el llamado Jesús el Pobre. Se trata de una figura tallada en cuerpo entero (aunque ahora sea vestida con una saya), con pelo natural y una expresión que cambia según se varía el punto de vista: de un orgulloso califa islámico a un Cristo de una suave tristeza.

 

 

 

Probablemente realizada en un taller sevillano de finales del XVIIII (cercano, por lo demás a la Roldada, la creadora de la Macarena), procesiona el jueves santo por la tarde-noche por las estrechas callejas de su barrio, siendo la mejor imagen que uno se puede llevar de la poco conocida pero hermosa Semana Santa madrileña.

Más allá de su valía artística, quizás sea (junto al de Medinaceli) una de las imágenes más populares y veneradas de Madrid, y su capilla siempre se encuentra llena de claveles frescos y rojos, con el pie destrozado por las constantes caricias de los fieles pidiéndole sus más escondidos anhelos.

 

En el altar se encuentra una copia francamente buena de uno de los iconos más populares en oriente: la Virgen del Perpetuo Socorro. Su fondo de pan de oro envuelve el dulce rostro de una Virgen que toma la mano de Niño Jesús, en una composición y colorido que trae a la memoria Bizancio y sus imágenes sagradas de las que derivaría el románico. Con qué maestría aplica los colores en la cara o pinta la mano del Niño entre las de su Madre para luego repudiar el claroscuro de la ropa, hecho con simples formas triangulares. Como era habitual en Bizancio, el icono tiene también realizado parte de él (coronas, anillo del dedo) con plata repujada y piedras preciosas que se engarzan sobre la propia madera, creando así un verdadero lujo de luces que las velas (lamentablemente eléctricas) hacen oscilar ante la luz del visitante, pues ante la misma divinidad se encuentran, según pensaban los bizantinos

 

 

 

La iglesia se encuentra junto a la calle Segovia, y si os asomáis a ella os encontraréis en uno de los lugares en donde se creó Madrid. Viendo su cuesta pronunciada que termina en el propio Manzanares seguro que podréis imaginar que éste era un arroyo que había creado un pequeño valle entre dos montículos. Si estáis mirando hacia abajo, a vuestra derecha se encontraría el Madrid del poder, el que primero ocuparon los musulmanes y más tarde los cristianos, mientras que a vuestra izquierda se encontró siempre el Madrid más marginado, el de los mozárabes en tiempos musulmanes (en aquellos tiempos y esos lugares nacería y trabajaría San Isidro, un mozárabe), el de los musulmanes tras la reconquista, y por último uno de la juderías de Madrid hasta su expulsión con los Reyes Católicos

 

 

Vicente Camarasa

 

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16/07/2008 23:29. sdelbiombo #. Madrid Hay 6 comentarios.

UNA MIRADA A TRAVÉS DE LA HISTORIA. ROBERT CAMPIN

El retrato pertenece a una época, comienzo de la época Moderna, en la que la burguesía ya se va asentando como clase y su riqueza y prestigio aumentan, debido al desarrollo del comercio y los avances de la agricultura. Son los llamados primitivos Flamencos, siendo Campin el origen de la escuela, durante mucho tiempo oculto bajo otros nombres (Maestro de la Flemade, como lo denomina el Prado o, según algunos autores, el propio Van der Weyden joven).

Como es Habitual en el estilo, aparece en tres cuartos, con un extremo realismo y minuciosidad en los detalles, con sus típicos pliegues acartonados.

 

 

En el retrato, la mirada de la dama transmite la serenidad de una fe no desgarrada, capaz de encarnar a Dios en la vida material. Desaparece la agonía medieval expresada hasta el s.XIII-XIV, entre la vida culpable y el Dios juez y verdad, como aún ocurría en el románico. Por el contrario, es la vida cotidiana es "bendecida" hasta en sus últimos detalles. Sin caer en el hieratismo, quizá sea ésta la época donde más abundan los retratos de la serenidad, de la aceptación.

Aún no ha ocurrido la crisis barroca que fragmentará al sujeto entre la vida y la salvación ( Lutero), la verdad y el dogma (Galileo), el sueño y la realidad (Calderón, Descartes, Velázquez) La mirada de la dama aún no está perdida bajo un "Dios engañador", ni en las ilusiones teatrales y claroscuros de los espacios pictóricos, arquitectónicos, metafísicos, religiosos.

Si continuásemos el viaje en su mirada, ésta reflejaría la progresiva deformación de la serenidad en abismo y soledad. En sus ojos se abriría la agonía de la finitud ante la realidad infinita e irredimible de la Naturaleza, pertenecerían al umbral donde se diluyen la individualidad y el Uno no trascendente ni capaz de una redención eterna, tal como aparece en la no-frontera entre el monje y el mar (Friedrich) Su figura, ya debe encarnar el descenso inevitable de un Dios hasta su huella absoluta, pero sólo de horror y absurdo.

 

Friedrich. Monje a la orilla del mar. Periodo romántico. Siglo XIX

 

En nuestra época, después de guerras mundiales, crisis económicas, revoluciones sociales, científicas y tecnológicas, la "Humanidad" de la dama desaparece. Queda su inconsciente sin razón de sueños y traumas (Dalí), el desgarro que provoca mirar al no-sentido de la existencia (F.Bacon), la presencia de los objetos extinguida en luz y planos de espacio y tiempo (Cézanne, Picasso)

 

Francis Bacon. Expresionismo de segunda mitad del XX

 

Su Dios, su mundo y su mirada han desaparecido en la nada blanca de un anti-icono (Malévitch)

 

Jesús Chaparro (profesor de filosofía)

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VAN GOGH. UN AUTORRETRATO

 

 

 

Sólo un pintor en la historia, Rembrandt, llegó a realizar tantos autorretratos como Van Gogh, una serie completa desde la juventud hasta la más absoluta vejez que nos ha servido para saber de sus anhelos y estados de ánimo durante casi medio siglo.

Sin embargo, los autorretratos de Van Gogh poseen algo sumamente especial, pues en realidad no son verdaderos cuadros, sino una elaborada estrategia: la de vigilarse a sí mismo y a los síntomas de su enfermedad mental que avanzaba en su interior.

Como es sabido, el pintor comenzó a experimentar sus primeros estragos cuando residía en Arlés, e incluso tuvo que ser internado en el hospital, hoy un maravilloso edificio entre jardines dedicado a su vida y obra.

Durante estos episodios perdía el control de sí mismo durante días y en una ocasión se intentó comer un bote de amarillo limón. Se volvía agresivo, como ya pudo comprobar el propio Gauguin (y también su oreja, que fue cortada y enviada a una prostituta de la que estaba secretamente enamorado) y durante horas era perseguido por terribles alucinaciones que, al terminar la crisis, le dejaban en un estado de postración extrema.

Muchos médicos han intentado diagnosticar la enfermedad de Van Gogh. Las conclusiones nunca han llegado a ser unánimes, aunque puede suponerse que su origen estuvo en una sífilis mal curada o simples crisis nerviosas acrecentadas por su ritmo de vida de trabajo extenuante, sus malas y escasas comidas, y el abuso del café, el alcohol y el tabaco.

Lo cierto es que Van Gogh no estaba loco, como es habitual oír aún delante de sus cuadros. Tenía episodios de, llamémosle, locura. Pero sólo eso, episodios puntuales que cada vez se fueron repitiendo más frecuentemente. Durante ellos no pintaba (realmente no tenía conciencia de nada). No es, por tanto, un pintor loco, sino un pintor amenazado por la locura, aterrorizado por la llegada siempre imprevista de la crisis.

Por ello la estrategia de vigilancia de los autorretratos. Una búsqueda (en el fondo inútil) de encontrar los orígenes de su mal, el tiempo que le quedaba aún hasta su siguiente recaída. Con su mirada, tensa, irritada, nos pregunta a gritos qué será lo que le depare el futuro. Pues dentro de toda esta imagen tan dura sólo está un profundo miedo, el niño que nunca llegó a comprenderse del todo que fue siempre Van Gogh.

 

Si nos fijamos bien en el cuadro hay dos aspectos que seguramente nos llamarán la atención. Por una parte su barba anaranjada, por otro, el fondo lleno de ondulaciones.

Van Gogh era pelirrojo (el signo del diablo, como se decía desde la Edad Media), pero no tanto. Podemos ver otros cuadros suyos y podremos ver como su pelo no tenía la intensidad de este cuadro, lo que nos lleva a comenzar a emprender cual fue una de las primeras aportaciones que tuvo su pintura para el futuro siglo XX. Como ya decía Gombrich, Van Gogh descubrió los poderosos efectos emocionales que tenía el color, tanto por saturación (dando tonos puros y llenos de tensión) como por contraposición (hasta el momento nadie se había atrevido a unir colores complementarios como el azul y el naranja con tal sinceridad, prescindiendo de los tonos intermedios). De esta forma los colores, en vez de armonizarse entre sí (como era habitual en la pintura clásica), luchan entre ellos, intentan imponerse en la retina del espectador que es incapaz de verlos a la vez y debe moverse de uno a otro, sin posibilidad de una síntesis (Este efecto debía ser aún más intenso en los años de vida de Van Gogh, pues su uso de colores de baja calidad  han hecho que el cromatismo de los Van Gogh se vaya apagando según pase el tiempo, haciéndolo más agradable pero perdiendo en intensidad).

Por otra parte nos habíamos fijado en el fondo. ¿Qué es lo que pasa con él, por qué nos atrae un tema tan sumamente secundario?

La clave se encuentra en lo que decíamos un poco más arriba. Van Gogh, cuando pintaba, no estaba loco. No, sólo aterrado, pero con la suficiente lucidez como para saber transmitir esta angustia por métodos puramente plásticos. O sea, que sabía muy bien lo que hacía, se daba cuenta de que, si quería contarle al espectador su angustia interna, debía utilizar ciertos trucos con los que estaba hiriendo de muerte el arte tradicional.

En este arte clásico el fondo servía para llamar la atención del retratado (como haría constantemente Rafael) o, de una forma casi inconsciente para el ojo del espectador, dirigir la mirada a algún punto de interés del autor. En este punto tanto Rembrandt como Velázquez fueron los grandes maestros. Si se observan sus fondos no son monócromos (aunque así podemos recordarlos) sino llenos de matices y luces que remarcan, como halos, la cabeza, un gesto…

 

Rembrandt. Autorretrato, 1660

 

Van Gogh, sin embargo, renunció a esta forma casi secreta de pintar (que conocía perfectamente, pues Rembrandt siempre fue uno de sus pintores favoritos) y se decidió a crear un fondo en completo movimiento que pugnara con la figura en la atención del espectador. Quería esta lucha, como ya había hecho con los colores, para que el cuadro se llenara de energía y comunicase su ánimo alborotado por la inquietud. Un truco más de su excelente oficio: llenar de formas espirales que se mueven con frenesí, penetrando en su propia chaqueta. Así ya lo había hecho en la famosa Noche estrellada en donde el movimiento del Universo es de tal magnitud que termina por dar vértigo.

 

 

Aún más, si nos fijamos en el cromatismo de este fondo, volveremos a encontrarnos que se vuelven a mezclar sin unirse, los tonos cálidos anaranjados sobre una forma esencialmente fría (verde azulada). Igual que puede verse en la cara, la pugna del naranja de la barba con las sombras verdosas bajo el ojo, la realidad ya no se copia como ven los ojos. Por el contrario. El mundo visual ha estallado en pedazos para reconvertirse en formas y colores imaginados por el autor. Recursos que utiliza en plena libertad para transmitir un mensaje

¿No os está recordando esto a alguien que vimos hace poco? ¿Qué hacía Kandinsky con la Naturaleza? ¿Por qué Van Gogh fue uno de sus autores favoritos? KANDINSKY. UN PINTOR MUSICAL en ARTE CONTEMPORÁNEO; JULIO)

Y es que el camino a la modernidad se inició mucho antes de lo que normalmente creemos, y sus primeros pasos lo dieron los postimpresionistas (Cezanne, Gauguin, Van Gogh…). Fueron ellos los que le dieron a la mirada, como dice Jesús Chaparro, una forma nueva. Fue el triunfo de la subjetividad, de la mirada personal que renuncia a un mundo de puras apariencias del que el hombre debe sospechar, pues la única verdad a la que nos podemos agarrar (como nos sigue ocurriendo en este momento) es la que tenemos nosotros. Un simple fragmento, una vista del mundo acaso deformada pero profundamente nuestra. La única que nos queda tras la muerte de Dios que predijo Nietzche. El hombre se ha quedado sólo, sin más certezas que las suyas propias y sólo puede intentar la reconstrucción de la realidad apelando a su corazón o a la geometría (como haría Picasso), a su subconsciente (los surrealistas) o a la música (Kandinsky)

 

Por todo ello Van Gogh nos sigue atrayendo. Por que en el fondo es uno de los primeros que nos muestra esta terrible fragilidad humana, su incapacidad ante un mundo que ya no tiene control y se mueve en espirales sin fin a nuestras espaldas, amenazándonos sin cesar.

¡Qué lúcido era Van Gogh, pese o quizás gracias, a sus episodios de locura! Volveremos a él de vez en cuando, pues así quizás nos sirva para comprendernos mejor.

 

Vicente Camarasa

 

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UN ARTÍCULO DE LUJO SOBRE SAMARCANDA

Un Embajador español en el País fabuloso Transoxania
Las aventuras de Ruy González de Clavijo en Samarcanda

22 de noviembre Anno Domini 1404

Por última vez, el embajador de Su Majestad Enrique III de Castilla y León está contemplando la ciudad de las maravillas donde ha visto cosas y vivido aventuras que en su patria española nadie creerá. La ciudad que allí se extiende delante sus ojos es en aquel entonces una de las más grandes del mundo y 1001 leyendas la envuelven: Samarcanda. Ayer cayó la primera nieve y todos los techos, el bazar y las madrasas están cubiertas de una blancura reluciente.

 

 

 

Sólo las inmensas cúpulas de color turquesa se erigen desde la nieve como si fueran bóvedas celestes bajadas a la tierra. Después de grabar profundamente esta imagen de bella grandiosidad en su memoria, aparta la vista y da de espuelas a su caballo para empezar el largo camino de regreso al oeste de Europa que durará más de un año.
Ruy González de Clavijo había pasado casi tres meses como embajador de Castilla en la corte del Gran Kan Timur (Tamorlán) en Samarcanda. ¿Cómo llegó un diplomático español, quien había nacido en el pueblo insignificante de Madrid, a entrar en la radiante y famosísima metrópoli del Oriente? ¿Por qué su Rey le había mandado a ese país tan increíblemente lejano que ya parecía de otro mundo, llamado en Europa "Transoxania" (hoy Uzbekistán)? ¿Cuál había sido la intención de aquella misión peligrosa?

El día 21 de mayo de 1403, Clavijo había salido del Puerto de Santa María cerca de Cádiz para abrir uno de los capítulos más aventureros e interesantes en la historia de la diplomacia del Occidente. Como le había pedido el Rey, Clavijo resumió todas sus impresiones durante el largo viaje al centro de la Gran Ruta de la Seda, escribiendo un diario que hoy constituye una de las fuentes más fidedignas y fascinantes de la historiografía de la Baja Edad Media. Hay pocas relaciones de viajes de aquella época que ofrecen descripciones tan detalladas y exactas y algunas de las observaciones de Clavijo parecen todavía acertadas hasta hoy día, para el actual país Uzbekistán.

Después de dejar atrás Constantinopla, el viaje, cada vez más penoso, les llevó a Clavijo y sus acompañantes por regiones solitarias y exóticas como el Imperio Trabizonda, Armenia, por donde pasaron con vistas al Monte sagrado Ararat, Persia, Afganistán y finalmente atravesaron el Hindukush, para acercarse a su destino. En algún lugar en Persia, los castellanos tuvieron un encuentro con una embajada del Sultán de Egipto, que también quería dirigirse mediante una misión diplomática al gran Amur Timur, Emperador del Oriente. Los embajadores procedentes de España y Egipto decidieron viajar el resto del camino juntos (también por razones de seguridad). Pero luego avanzaron aún más lentamente que antes, porque los egipcios llevaron todo un zoo consigo, destinado para servir de regalo para el Gran Kan: caballos árabes, 15 camellos, un cocodrilo y una jirafa.

El lector del Siglo XXI apenas podrá imaginarse las dificultades logísticas que ocurrieron durante el transporte o la búsqueda de alimentos para unos "regalos" tan extravagantes y vivos – en una época en la que coches de caballos eran el medio de transporte más rápido.
Es que esos regalos debían llegar vivos a Samarcanda, pero antes la extraña caravana tenía que cruzar desiertos y desfiladeros en las altas montañas. ¿Qué puede comer una jirafa en medio de un desierto sin árboles o cerca de glaciares? No lo sabemos, pero la jirafa, eso sí es cierto, llegó viva a la corte del Kan Timur para la gran alegría del mismo. El destino del pobre cocodrilo, por otra parte, quedó incierto en las nieblas de la historia.

A finales de agosto de 1404, Clavijo y sus bravos españoles y los egipcios llegaron a Samarcanda, pero tenían que esperar pacientemente casi una semana en un palacio delante de las murallas de la ciudad hasta que el todopoderoso Timur - quien hizo temblar a la mitad del mundo como antaño su lejano antecesor terrible Gengis Kan – les hiciera llevar a su residencia. El día 8 de septiembre de 1404, Clavijo entró en Samarcanda, la Perla de la Gran Ruta de la Seda. Era una ciudad que como ninguna otra avivaba la imaginación de los europeos: fundada hacia 600 años a.C. , en el año 330 a. C. la conquistó Alejandro el Magno, en el siglo VIII d. C. fue conquistada por los árabes, formando luego parte del Islam y convirtiéndose en una metrópoli de las Artes y ciencias. Pero en 1220, la estrella radiante de Samarcanda casi se habría apagado para siempre, porque delante de sus murallas apareció la amenaza más grande durante su larga historia: "el Sol de Satanás". Así contaron que Gengis Kan se denominó a sí mismo en un mensaje a los vencidos, antes de hacer matar a la mitad de todos los habitantes y construir pirámides de terror con sus calaveras y torres hechas de sus huesos.

Posiblemente, Clavijo pensó por momentos en esas sombras espantosas del pasado cuando estaba caminando al palacio de Amur Timur. Pero ahora, en 1404, Samarcanda estaba renaciendo de sus ruinas, mucho más grande y soberbia que jamás. Clavijo notó impresionado: "Samarcante... es más grande que la ciudad de Sevilla" estimando el número de habitantes con 150.000. Con frecuencia, a pesar de un lenguaje exacto y estilo más bien prosaico, su relación revela su asombro perplejo ante los grandiosos monumentos de la época de Timur, recién construídos o en proceso de construcción durante la visita del embajador castellano. Naturalmente, Clavijo había conocido los espectaculares monumentos árabes o mudéjares de su patria: el Palacio de la Aljafería en Zaragoza, la Gran Mezquita de Córdoba, el Alcázar en Sevilla o la Alhambra en la todavía islámica ciudad de Granada. Todos edificios únicos.

Sin embargo, al leer el diario del viaje de Clavijo, se transmite una fascinación que ya no encuentra palabras cuando intenta describir los palacios y mezquitas de Samarcanda: los numerosos mausoleos de cúpulas turquesas de la necrópolis Scha -i-Sinda, erigidos durante los Siglos XIII – XV, el pomposo mausoleo Gur-i-Emir con su imponente cúpula de azulejos y la inmensa Gran Mezquita de Bibi Hanim.


(Necrópolis de Scha-i-Sinda)


Clavijo siempre repite en su descripción detallada de esos edificios que la combinación dominante de colores es la de azul y oro (en los interiores) y a veces, incluso ese prosaico diplomático castellano interrumpe bruscamente su relación con las palabras sobrecogedoras: "y mucho más de hermosura había que no se podía describir
A veces se trata de una hermosura frágil. Como en el caso de la Gran Mezquita Bibi Hanim. Es una de las pocas mezquitas del Islam que lleva nombre de mujer: Timur la hizo edificar en honor de su esposa favorita. Ese templo se convirtió en un monumento de genial megalomanía con el que Timur quiso superar todas las mezquitas construídas hasta aquel momento. Hizo venir arquitectos de Persia e India para que construyeran aquí la mezquita más grande del mundo. El primer edificio de Bibi Hanim fue derrumbado por orden de Timur, ya que le parecía "demasiado pequeño". Luego, esa mezquita titánica se concluyó en el tiempo récord de tan sólo 5 años (1399 – 1404), pero ya inmediatamente después de la conclusión de las obras, el edificio empezó derrumbándose poco a poco – las bóvedas y cúpulas eran demasiado grandes y los frecuentes terremotos aceleraban el proceso de destrucción. Bibi Hanim, esa mezquita gigante que ahora están reconstruyendo lentamente, tuvo 500 columnas, una superficie de 130 x 102 metros y cuatro cúpulas inmensas y el portal de entrada tiene una altura de 35 metros.

 

 

 

Raras veces un hombre se siente tan pequeño e insignificante como en el momento cuando entra por ese portal, mirando tímidamente hacia arriba. Causar esa sensación era la plena intención de los constructores. Pues Timur, "la espada del Islam" (como fue llamado a veces), siempre dijo: "¡Los que cuestionan nuestro poder que contemplen nuestros edificios!".

Mezquitas como demostración del poder. Toda la pomposidad grandiosa que Clavijo vió a lo largo de su camino al palacio de Timur, debía intimidar a los visitantes del Gran Kan: una alameda sin fin, una cúpula turquesa después de la otra, cada vez más altas e impresionantes
Y al final el palacio de Timur, el temido y todopoderoso, casi semejante a Dios. Amur Timur, a veces llamado "El Cojo" por una herida en el pie, había nacido como lejano descendiente de Gengis Kan por el lado materno, y sus antepasados se habían convertido al Islam. Desde 1366 reinó en Samarcanda – ciudad en la que hizo reconstruir lo que el "Sol de Satanás" había destruído y la que convirtió en la capital más esplendorosa de su época. Como conquistador, sin embargo, fue cruel y obsesionado por el poder – un poco similar a su antepasado Gengis Kan. En tan sólo tres décadas y mediante conquistas rápidas y sorprendentes, logró fundar un imperio gigantesco que se extendió por el país actual de Uzbekistán y todas las regiones de la Asia Central desde el Cáucaso y el Sur de Siberia hasta Persia y Afganistán, conquistó también Delhi, Bagdad y Damasco, sometiendo Siria, la mitad norte de la península árabica, así como todo el norte de la India a su gobierno. Timur llegó a ser el soberano más poderoso en Asia, venció a Totamix, el Kan de la Horda Dorada y planificó un ataque contra el Emperador de China. Finalmente, venció a los otomanos en la batalla de Ankara. ¿Qué estaba sintiendo Clavijo al acercarse paso a paso al centro de poder de ese soberano global?

¿Estaba pensando en los cuentos espeluznantes en los que Timur – parecido a Gengis Kann – hizo construir pirámides de espanto con las calaveras de sus enemigos vencidos delante de las puertas de ciudades conquistadas? ¿O se trataba sólo de leyendas propagandísticas contadas por sus enemigos? Posiblemente, Clavijo estaba lleno de expectativa, esperando la pompa fabulosa de la corte, ya que Timur no sólo era un conquistador temido, sino también famoso por su generosidad como mecenas y convidador. Lo más probable era que el embajador español estuviera pensando en el éxito de su misión: lograr una alianza entre Castilla (o los reinos europeos en general) y el gran Timur contra los turcos otomanos para frenar el avance amenazante de aquellos en Europa.

Es que Timur fue el único gobernador quien había vencido al Imperio Otomano, una amenaza permanente para Europa. Siendo un buen diplomático, Clavijo naturalmente se calla con respecto a su misión, no nos cuenta nada explícitamente sobre el éxito o fracaso del plan político que le llevó a Samarcanda. Pero nos ofrece una descripción detallada del ceremonial de la corte.

Como todos los otros visitantes, se acercó al Gran Kan mediante un ceremonial complicado y lento, después de un sinfín de inclinaciones con los brazos cruzados, genuflexiones y otras muestras de reverencia. ¿Qué podría haber pensado Clavijo durante esos rituales de reverencia? Quizás estaba preocupado porque sus regalos para Timur eran más modestos que los de los egipcios.

Pues, en vez de un zoo con camellos y jirafa sólo podía ofrecer ricas telas y dos halcones. Cuando llega finalmente al trono del Kan, la primera impresión pudo haber sido decepcionante, porque el temido conquistador de la mitad del mundo conocido ya estaba viejo y enfermo, un par de meses más tarde iba a morir.

 Pero a pesar del reconocimiento un tanto tranquilizador que incluso los más poderosos de la tierra tienen que someterse a la ley de la transitoriedad de todo lo humano, el embajador castellano se habrá sentido muy inseguro durante ese primer encuentro. Primeramente, porque notando la enfermedad grave de Timur, tenía que dudar el éxito de su encargo. Pero también porque nadie le habrá explicado bien la etiqueta del palacio en "Transoxania". ¿Cómo pudo saber que en la corte de Timur no se besa la mano o el anillo del soberano al saludarlo? ¿Alguien le advirtió que en Samarcande se esperaba de los visitantes que tomaran un baño antes de ser recibidos en el palacio? Pues, los cristianos de la Edad Media no estaban acostumbrados a tanta higiene oriental y tomaron personas que se lavaban con frecuencia por " sospechosos ", ya que sólo judíos y musulmanes solían lavarse cada día. ¿Le habían dicho antes a Clavijo que tenía que acostumbrarse a comer carne de caballo y beber litros de leche de yeguas?

No obstante, a pesar de todos los posibles malentendidos que podían haber causado dificultades durante los primeros encuentros con el Kan, Clavijo pronto se siente muy mimado en Samarcanda. En la corte, le trataron muy bien, el gran Timur manda darles muchos regalos y vestiduras como para reyes a él y sus acompañantes, y casi cada día, los invita a banquetes. Mientras que el tiempo esté bueno, los españoles son invitados a un entoldado pomposo en el jardín. Clavijo menciona, no sin orgullo, en su diario que el Gran Kan dió la orden de dar un asiento elevado a los embajadores españoles de su "amigo Enrique" para destacarlos entre los visitantes, mientras que los embajadores del Emperador de China fueron humillados, ya que tenían tomar asiento en el lugar más bajo

Realmente divertidas en el diario de Clavijo resultan las descripciones de juegos organizados para los ilustres visitantes durante las fiestas. Especialmente entretenido es el espectáculo de la "carrera de elefantes". Primeramente, los chicos de Samarcanda juegan con los elefantes, vistiéndolos. Luego tiene lugar la carrera de esos elefantes de la India, adornados de ricas telas. Lleno de admiración, el embajador castellano nos habla de los bazares de Samarcanda, la seda y las especias exóticas que se encuentran allí, también le impresionan los baños públicos y las modernas instalaciones de riego que hacen florecer los "jardines del paraíso".

De hecho, Clavijo debe haberse sentido como en el paraíso, porque el segundo día, le invitaron a una gran fiesta con banquete y espectáculos. O se trataba de una fiesta oficial en su honor, o le invitaron a una de las numerosas bodas. Pues, cada tres o cuatro días se casó alguno de los hijos, hijas, nietos o sobrinos de Timur y la vida en Samarcanda parecía toda una fiesta. Y los temores de los europeos que en el imperio del protector del Islam debían echar de menos disfrutar del vino no eran nada acertados. Clavijo no sólo se asombró de las toneladas de asado de carneros que se comían durante aquellas fiestas, sino también quedó impresionado por las cantidades de vino que tomaron. Antaño como hoy día, Uzbekistán parece ser el país islámico donde más vino se bebe. A veces, Timur mismo mandó un "emborrachamiento colectivo" con algún motivo festivo. Todos los presentes, especialmente los embajadores extranjeros, brindaron por Timur y su familia y tuvieron que beber bastante.

Con la llegada del invierno se terminó de repente el tiempo paradisíaco de los banquetes, porque Amur Timur se ponía cada vez más enfermo, estaba ya moribundo. Su sepultura ya estaba preparada., ya que el mismo había mandado la construcción del pomposo mausoleo Gur-i-Emir, casi concluído. Clavijo observa que los obreros trabajan día y noche sin pausa para concluir la cúpula del mausoleo, así como la Mezquita Bibi Hanim, para terminar las obras lo más pronto posible.

 

 

Construída más tarde por sucesores de Timur: la Plaza Registan con las madrasas de Ulugh-Bek (izqa., 1420), Shir-Dor (dcha., 1636) y Tilla Kari (1660)

El soberano que hizo temblar a mitad del mundo, pero también construyó una ciudad fantástica que ya no parecía de este mundo, murió sólo dos meses después de la partida de Clavijo el día 14 de enero de 1405. Su sarcófago se encuentra hoy debajo de la cúpula dorada de Gur-i-Emir.

El día 22 de noviembre de 1404, Clavijo y su equipo se despidieron de Samarcanda. ¿Había tenido éxito su misión? Pensando en dimensiones políticas, habrá que decir que no, ya que no había ninguna guerra común de Timur o sus herederos y los reinos europeos contra los otomanos. La súbita muerte del Kan impidió una alianza oficial entre Toledo y Samarcanda. Sin embargo, ese contacto diplomático entre España y Transoxania (Uzbekistán) es uno de los más interesantes y poco conocidos episodios de la Baja Edad Media.

 

 

(Exterior e interior de la mezquita de Tilla Kali)

Sin duda, ya 600 años antes, Clavijo quedó fascinado por el pensamiento que también en el año 2004 domina las impresiones de cada visitante de Samarcanda - la periodista Ina Tkatsch lo resumió tan acertadamente: "Uno camina como un sonámbulo por tanta grandiosidad que puede ver en esta ciudad."

Texto + Fotos: Berthold Volberg

(Si quieres leer más de sus artículos  entra en

http://www.caiman.de/portpt.shtml (Artículos sobre Portugal), atento, Capi

http://www.caiman.de/espan.shtml (Artículos sobre España)

 

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19/07/2008 20:29. sdelbiombo #. ARTE ISLÁMICO Hay 5 comentarios.

LA HISPANIA FENICIA Y CARTAGINESA. Muchas leyendas y pocos monumentos

 

Ajuar de la necrópolis de Sidón

 

Biblos (la ciudad que dio nombre a los libros; biblioteca), Sidón o Tiro. Dioses como Melkart del que saldría el Hércules griego, Astarte o Tanit, diosa de la vida y de la muerte que exigiría en su honor molk o sacrificios de niños. Un pueblo comerciante; traficante de culturas y usurero al mismo tiempo. Aquel que inventó la escritura moderna y concretó el alfabeto y del que apenas, sin embargo, conservamos textos. El creador de Cartago que, mucho tiempo después de haber desaparecido Fenicia, quiso medirse con los romanos y, guiado por Aníbal, llevó su ejército de elefantes, atravesando los propios Alpes…

Todo lo que rodea a los Fenicios está envuelto en la bruma. Los conocemos a través de los textos griegos y bíblicos, con escasos restos materiales. Sabemos que su territorio original se encontraba en el actual Líbano. Organizados en polis independientes y con la sola riqueza de los cedros del Líbano, muy pronto buscaron en la navegación y el comercio su único futuro. Tan bien lo hicieron que sus colonias se extendieron más allá de las Columnas de Hércules (estrecho de Gibraltar) y llegaron (quizás) a rodear África por el sur, conectar con el estaño de las islas Casitérides (¿Islas Británicas?) y hay alguna teoría, incluso, que asegura su presencia en las costas de Brasil.

 

 

 

De todas sus colonias conocidas destacaron dos: Cartago y Gadir. La primera (en la actual Túnez) terminaría por independizarse cuando Nabucodonosor  conquistó las ciudades Fenicias. Pasó entonces a dominar las colonias occidentales y crear en Hispania dos grandes colonias, Eibissa y Cartago Nova.

Hubo, por tanto, dos Hispanias en este periodo. Una primera, dirigida por Gadir (y de la que nacería el reino de Tartessos, del que pronto hablaremos) y otra púnica o cartaginesa, con Ibiza y Cartago Nova como principales centros.

De la primera poco sabemos más que por textos, pero su templo de Melkart y su oráculo fueron famosos en todo el Mediterráneo antiguo. Lo que sí conocemos es que gracias a su influjo, los primeros españoles conocieron la vid y el olivo, el alfabeto, la almadraba para pescar atunes que aún se utiliza hoy, el descubrimiento de un pequeño molusco llamado múrex del que se extraía un color rojo intenso, el púrpura, color del poder durante toda la época antigua. Nos enseñaron también las técnicas de salazones y la elaboración del gárum, una exquisita pasta de tripas de pescado en salmuera que luego los romanos adorarían, como si fuera caviar. (Aún quedan restos de una fábrica en la propia Almuñécar, llamada entonces Sexi)

 

 

 

Ánforas fenicias para transportar aceite y vino

 

Toda esta civilización nos llegó unida a su religión, un extraño compendio de creencias que unían lo mesopotámico y lo egipcio, como demuestran los famosos sarcófagos de Cádiz

 

. En vez de templos como hicieron los griegos, sus lugares sagrados se encontraban al aire libre, rodeados de pórticos, con un altar en el centro para las ofrendas. Existían también lugares sagrados en montes y cuevas (como luego harán los íberos) y una curiosísima prostitución sagrada en donde mujeres del templo (hieródulas) se ofrecían al visitantes como una forma ritual de acercarse al dios y, de paso, llenar las arcas del templo. Numerosos sacerdotes de cabeza rapada cuidaban de los oficios, como éste que se encontró en la bahía de Cádiz y ahora conserva el Museo Arqueológico de Madrid.

 

 

 

 

Sus sucesores, los cartagineses o púnicos mantuvieron gran parte de la cultura fenicia, aunque dándole un carácter imperial y belicoso que le llevará a enfrentarse en tres ocasiones con la otra gran potencia del Mediterráneo occidental, Roma, en las famosas guerras púnicas.

Sus restos materiales son mucho más abundantes y, si se visita Ibiza, entre la playa y la discoteca, sería muy aconsejable visitar la necrópolis de Puig de Molins (en la misma capital). De ella se han rescatado numerosos trabajos de orfebrería y terracotas (barro cocido) que representaban a sus numerosos dioses, como Astarté (diosa de la vida y la muerte) o a Beel (dios de la gierra, pero también del comercio). Son pequeñas estatuillas llenas de decoración (se llamó a este estilo orientalizante) y de una total despreocupación por la armonía, tanto en las expresiones como en las proporciones.

 

 

 

 

 

 

En Cartago Nova se fundó uno de los grandes puertos del Mediterráneo. Un puerto doble, con un lado interior que servía para refugiarse en tiempos de guerra y servir como astilleros. (Una forma semejante debió existir en Cartago)

 

 

 

Toda la ciudad se encontraba amurallada y aún queda un pequeño recinto excavado de estas defensas, con un pequeño pero precioso museo. La muralla era doble, con habitaciones interiores, que de nada le valió cuando el imperio Romano decidió invadir España para cortarle la retirada a Aníbal. Comenzaría entonces una nueva historia de la que aún vivimos: La Hispania romana, cuya primera expresión será Tartessos

 

 

Si queréis saber más:

http://www.mgar.net/var/fenicia.htm

http://www.geocities.com/fenicios_puj/pagina_principal.htm

 

Existe una maravillosa página que recoge enlaces sobre el mundo fenicio

 

Vicente Camarasa

 

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NUEVAS FOTOS

He cambiado de flick y he intentado mejorar un poco el blog. Como me habéis dicho no se veían algunas fotos. Las he vuelto a incluir en

KANDINSKY (algunos de vuestros trabajos) en ARTE CONTEMPORÁNEO/JULIO

JAVIER PÉREZ en ARTE CONTEMPORÁNEO/JUNIO

CHEMA MADOZ en FOTOGRAFÍA/JUNIO

Si siguen sin verse por favor, ponerme un mensaje. Si hay otros artículos que arreglar comentádmelo

21/07/2008 09:28. sdelbiombo #. sin tema Hay 1 comentario.

EL ORIGEN DE MADRID: EL MAYRIT ISLÁMICO

 

Madrid en el XIV, ya cristiano pero con la muralla del alcázar  islámico.

Vista desde el Manzanares (actual M-30)


 

Según cuenta Ibn Hayyan (famoso historiador andalusí):

Durante su reinado (Mohamed I, hijo de Abderramán II) se deben hermosas obras, muchas gestas, grandes triunfos y total cuidado por el bienestar de los musulmanes, preocupándose por sus fronteras, guardando sus brechas, consolidando sus lugares extremos y atendiendo a sus necesidades. El fue quién ordenó construir el hisn (castillo) de Talamanca, y el hisn de Maytir y el de Peñafora. Con frecuencia recababa noticias de las marcas y atendía a lo que en ellas ocurría, enviando personas de su confianza para comprobar que se hallaban bien”

 

Los orígenes de Mayrit fueron, por tanto, bien modestos. Un simple Castillo (9) que formaba parte de una larga red defensiva que protegía los pasos del sistema central (junto a Alcalá, Talamanca, Medinaceli, Atienza…). Junto a él existía otro lugar también protegido o albacar, en donde se mantenían las caballerías y posiblemente se cultivara para evitar el hambre en los asedios (10)

 

 

Junto a este castillo, muy cerca del Palacio Real (9), pronto se creó una pequeña ciudad o medida, luego amurallada. Restos de esta muralla árabe se encuentran junto a los pies de la Almudena (1). En esta zona habría dedicado un pequeño espacio a la población judía, que tras la conquista cristiana pasaría a Lavapiés o la Morería.

 

Muralla árabe de Madrid

 

Algunos historiadores hablan de una supuesta segunda muralla árabe que englobaría a los arrabales de la Puerta de Guadalajara o San Nicolás, que ampliaría la ciudad, siempre pequeña, con muchos soldados y un puñado de agricultores, que sin embargo tuvo, al menos dos mezquitas. Una principal o de viernes (luego iglesia, Santa María, que fue finalmente derribada, muy cerca del cruce de Mayor y Bailén, 2, en torno a la cual se colocaría el zoco) y la de San Nicolas , más tarde reedificada sobre cimientos islámicos (3). Se especula con otra que sería la actual de Santiago.

Su referencia espacial era el arroyo Matrice (8) (actual calle Segovia que tenéis magníficamente dibujado en San Pedro). A su lado contrario (actual plaza de la plaza) se encontraba una escasa población mozárabe (cristianos dentro del Islam), con una pequeña ermita (actualmente San Isidro) y un cementerio musulmán

 

Sin embargo lo más interesante del Mayrit islámico fue un curioso sistema de abastecimiento de agua que, en la actual sólo persiste en Teherán y Marraquest. Fueron llamados canats (de origen mesopotámico) y en Madrid, viajes de agua: largos tramos subterráneos que llevaban el agua de manantiales periféricos hasta el centro de la medina

Para localizar el agua subterránea se recurría a un muqanni (ingeniero de conductos subterráneos) que observaba el terreno, normalmente junto a arroyos secos en verano (Calero, Abroñigal, actual M-30) o aprovechando la infiltración del agua de la lluvia. Una vez encontrado se excavaban pozos unidos con minas.

Los canats, de un metro de ancho y 1.80 de alto, se revestían de ladrillo rematados en forma de lomo de caballo o arco de medio punto en su interior, y de hasta 55 metros de profundidad. El agua se movía por caños de barro cocido sin vidriar engarzados por cemento y sebo de buey o aceite en las junturas interiores para endurecerlos (o directamente sobre un lecho de piedras de río), con andenes laterales para que pudieran andar los poceros

De una forma regular se realizaban pozos de aireación en donde había cigüeñales de origen egipcio que era un largo brazo de palanca apoyado en un palo vertical horquillado, con un cubo en el extremo y libre para su manejo el opuesto. Solían cubrirse con una losa de piedra con orificio.

 

 

Cada cien pasos existían una serie de depósitos subterráneos llamados arcas donde el agua reposaba para volverse cristalina, y otros denominados cambijas, para desviar el agua en ángulo recto de los que partían canillas o viajes secundarios.

 



El arca principal se encuentra aún hoy conservado. En la plaza cerrada, en una de las salidas de la Plaza Mayor, se encuentra un extraño cubo al que se colocó una cruz encima: éste era el arca, aun en funcionamiento. (5)

 

Existieron muchos canats, aunque el más largo de ellos arrancaba desde las fuentes de Canillejas (junto a la Junta de distrito) y, bajando por el subsuelo de la calle de Alcalá, pasaba Ventas, Goya y se encaminaba al arca de la Puerta Cerrada.

 

Y si todo esto os parece casi imposible de imaginar, intentad pensar cómo era el paisaje del momento.

La Plaza mayor (6) o la de Ópera (7) ya eran campo y estaban cubierta por lagunas estacionales en donde los primeros reyes cristianos de Madrid iban a cazar aves. El centro de Madrid estaba lleno de huertas regadas por los canats.

En la plaza de la Paja o en Atocha u Ópera había olivos y campos de trigo, y junto al actual viaducto se hacían unas magníficas cerámicas y estaban las tenerías (curtido de pieles) (3) que más tarde se trasladaron al Rastro. En torno a esta calle Segovia existirían varios baños árabes o hamman (4)

En la actualidad se ha rehabilitado un hamman (moderno) en la calle Atocha. Si alguna vez se realiza este recorrido, como veis más imaginario que real, sería el lugar perfecto para terminarlo. El aroma del agua perfumada, el ruido de sus caños, sus distintas temperaturas y, luego, una comida islámica y un té nos podrían terminar por sentirnos como aquellos madrileños de hace más de diez siglos. Mil años en una ciudad siempre asombrosa. Podéis saber algo más de él

http://www.medinamayrit.com/site/medina/video/en  

 

 

Entre sus personajes más famosos se encuentra el matemático Maslama de Mayrit, del que ya hablamos aquí

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LECTURAS INTERESANTES

 

Testimonios del Madrid medieval. El Madrid Musulmán

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Vicente Camarasa

 

Si queréis saber más de este periodo podéis consultar

http://elmadridmedieval.jmcastellanos.com 

 

 

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22/07/2008 10:15. sdelbiombo #. Madrid Hay 6 comentarios.

GOYA EL PRIMER ARTISTA MODERNO I. CÓMO MIRAR LO INNOMBRABLE. LA NUEVA IMAGEN DE LA GUERRA

AVISO. ALGUNAS IMÁGENES PUEDEN HERIR LA SENSIBILIDAD DEL LECTOR 

Queremos irle dedicando a Goya una serie de artículos que nos vayan descubriendo la figura de Goya más allá de sus puras obras. Se tratará, por el contrario, de ir analizando la nueva capacidad de mirar (de enseñarlo a hacerlo) con el que el artista aragonés inaugura la modernidad.

Es, por tanto, un recorrido temático que, tomándolo como punto de referencia, nos sirva para darnos cuenta cómo ha cambiado nuestra percepción de la guerra, el cuerpo humano o el propio hombre.

Su arte será una excusa (el arte siempre lo es) para ver nuestro pasado y, sobre todo, comprendernos a nosotros mismos.

 

El primer tema que he elegido es el de la guerra. Su forma de sentirla. Para que podáis ver cuánto cambió Goya su iconografía podemos empezar por un ejemplo clásico:

Tanto en Italia, Flandes o España abundó el género de batallas (con gran consideración), y hubo numerosos pintores que se especializaron en él. En él se intentaba glorificar uno de los pilares ideológicos del sistema: el ejército y su capacidad de lucha y sacrificio, siguiendo las ideas que había desarrollado Ucello en el Renacimiento

 

LA BATALLA DE ORAN-AÑO 1698-LIENZO 145X205 CM Obra de PALOMINO Y VELASCO ANTONIO 1655/1726

MADRID BANCO CENTRAL-HISPANO

 

Ya Velázquez realiza la primera reconversión del tema en sus famosas Las lanzas. Como ya sabéis el cuadro fue encargado por Felipe IV para adornar su salón de reinos en donde se recogían todas las batalla ganadas en su primera parte del reinado. Velázquez en concreto, además de dirigir todo el conjunto, realizó la toma de Breda. En ella apenas se desarrolla la guerra (sólo en los planos más lejanos) y todo el cuadro habla de la generosidad del vencedor. Su doble valor como victorioso y, a la vez, honorable, que no deja a Nasau arrodillarse para entregarle las llaves de la ciudad. Su mano puesta en el hombro es el gran rango de la victoria: no humillar al enemigo.

 

 

Frente a todo esto, fijaros en Goya y sus famosísimos fusilamientos. La violencia que tan lejana (visual y emocionalmente) quedaba en los cuadros anteriores, nos la ha llevado al primer plano. No tenemos otro remedio que mirar. Ya no queda paisaje, anécdotas, ni siquiera la compasión y honor de Velázquez. Goya se ha esforzado en obligarnos a enfrentarnos con el horror de la muerte, la que ya ha sucedido, la que está a punto de ocurrir. El ejército contrario se ha convertido en una pura máquina de matar y el pintor sólo le concede espacio y expresión a las víctimas.

 

 

Esta elección no la olvidarán los autores modernos y tanto Delacroix en su matanza de Squíos, como Picasso en su Guernica, renunciarán a lo anecdótico para centrarse en una idea de la guerra como sufrimiento, no como valentía o patriotismo, que ya será una constante en la imagen de la guerra en el XX.

 

Matanza de Squíos (Grecia). Delacroix

 

Picasso. Dertalle del Guernica

 

Con la llegada de la fotografía de guerra (y con un gran momento culminante en la Guerra de Vietnam) seguirá utilizándose esta línea de denuncia, poniendo la mirada en las víctimas, como en la ya famosa imagen en donde unos vietnamitas corren y, en el centro, una niña desnuda y totalmente abrasada por los efectos del napalm, refleja todo el dolor de los inocentes.

 

 

Sin embargo, la posición de Goya frente a la guerra aún es más explícita si revisamos sus Grabados. El título es ya de por sí elocuente: Los desastres de la Guerra, toda una enorme y alargada pesadilla en donde la violencia (frente a los ideales) se hace dueña de la imagen. Un Violencia ciega y, lo que es más importante, sin bandos. Vemos así las atrocidades de ambos bandos, que en el fondo se desintegran en un clima de horror en donde el ser humano saca lo peor de sí mismo.

Es, en el fondo, la imagen pesimista que tenía Goya sobre el hombre. Aquel hombre educado y cortés que, una vez rotos los nudos creados por la civilización, se convierte en un verdadero monstruo. ¿Dónde quedó la cortesía de Velázquez? En realidad no existe y miles de fotografía de guerra nos lo demuestran. Los más elevados motivos con los que suele justificarse el conflicto se olvidan en medio de conflicto y todo vale o, acaso (y esto sería verdaderamente terrible) la ocasión es perfecta para que el hombre pueda por fin sacar todos sus odios y miedos acumulados.

Compara estas dos imágenes (la primera de los Desastres) y la segunda, dos siglos después, ¿Qué han cambiado además de los vestidos)

 

 

La foto es de Eddie Adams y ganó el premio Pulitzer.

 

Lo que queda tras ella no es el triunfo, como era habitual en la pintura barroca. El militar recibido por el rey en olor de multitudes. No. Desde Goya y hasta hoy en nuestra memoria visual quedará la tragedia, la muerte masiva, los sufrimientos. En eso se convertirá todo. Usando una frase del propio Goya en los desastres: Murió la Verdad

 

 

 

En los últimos años, el progresivo control de las naciones participantes en la difusión de la imagen ha intentado esconder todo este horror, filtrando fotografías y videos, pero sólo hace falta que recordéis esta imagen para ver que Goya, lamentablemente, tenía razón. Se tratan de las famosas torturas que los norteamericanos realizaron  (¿realizan aún?) en la guerra de Irak, en su famosa cárcel de Abu Graib

 

 

 

Goya ya había hablado de esto en los Desastres

 

 

Había comprendido que la guerra es el peor escenario de lo posible. El lugar de la bestialidad que en nuestra vida cotidiana reprimimos. ¿Qué hay más brutal y paradójico que matar a alguien en tiempo de paz sea asesinato y en tiempos de guerra, un deber? Los humanos, a veces somos tan racionales, que sabemos, incluso, justificar lo más irracional.

Fue tan lejos que algunas imágenes suyas no tienen parangón con las que filtran los medios de comunicación. ¿Os imagináis fotografías de esto?

 

 

 

 

Ningún periódico posiblemente las publicaría, y no sólo por un posible respeto a la intimidad a las víctimas, sino porque es políticamente incorrecto, una idea que se inició en EE UU y que, bajo la excusa de evitar ofender la sensibilidad, nos obligan a una autocensura.

Frente a todo esto, algunos artistas han apostado por recurrir a imágenes sumamente agresivas en lo visual o moral, es el llamado abyect art.

 

 

(Mc Carty)

 

(Hermanos Chapman. Sobre los desastres de guerra).

 

Golub

 

Wikipedia

 

Golub

 

Frente a ellos nos queda una pregunta: ¿provocar al espectador para hacerle consciente de la violencia o como simple forma de publicidad basada en nuestra propia morbosidad?

Y es que en la posmodernidad hemos llegado a comprender el carácter polisémico de la imagen, sus múltiples interpretaciones y utilizaciones que nos tienen que hacer pensar en la moralidad de la imagen y del arte. ¿Vale todo? ¿Vale en función de tener un buen fin?

O al revés, ¿debemos esconder lo que retrata nuestro lado más oscuro?

Goya lo tuvo claro y apostó por no autocensurarse, pero ¿deberíamos seguir su ejemplo en la actualidad?

Espero vuestras opiniones.

 

GOYA BÁSICO

 

 Vicente Camarasa

 

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23/07/2008 10:05. sdelbiombo #. GOYA Hay 3 comentarios.

SAN CRISTÓBAL. EL SANTO QUE YA NO LO ES

Seguro que muchos de vosotros lo habréis visto en forma de imán, en el salpicadero de algún coche, pues se supone que es el patrón de los conductores. Sin embargo, su protección ya no es oficial, pues hace bastante años que el Concilio Vaticano II lo eliminó del santoral, considerándolo una pura leyenda medieval

Según Santiago de la Vorágine (el redactor de la leyenda dorada, obra que inspiró gran parte de la iconografía gótica) se trataba de un verdadero gigante que un día salió de su pueblo natal para buscar a un señor digno de él

Cristóbal sirvió primero a un rey, aparente señor de la tierra, pero al verle temblar ante la mención del diablo, lo abandonó. Cristóbal entonces decidió ponerse al servicio del diablo, pero también supo que éste tenía una debilidad, tenía temor a un tal Jesucristo.

Sin saber muy bien por donde empezar comenzó a recorrer los caminos en su búsqueda hasta que llegó a un río sin puente, con un vado tan peligroso que muchos se habían ahogado, intentando pasarlo. Cristóbal se quedó entonces allí, pasando sobre sus hombros a los viajeros, ayudado de un gran bastón que se había hecho con un árbol caído

En eso estaba cuando un nuño de pocos años le pidió pasar. El gigantón lo puso sobre sus hombros y, según atravesaba el vado, fue hundiéndose cada vez más. ¿Cómo podía pesar tanto un niño tan pequeño?

- Pues yo llevo encima todos los pecados del mundo – le dijo el Niño que apareció reluciente .

El gigante le miró con sorpresa; había encontrado a Cristo.

-  A partir de ahora te llamarás Cristófono (Cristóbal), el portador de Cristo. A cualquiera que ayudes a pasar el río, me ayudas a mi – le dijo Cristo

Y en aquel mismo momento el gran tronco que llevaba como bastón floreció en la forma de una enorme palmera

Aunque se ha eliminado del santoral la iglesia autoriza su culto, así como la preservación de los modelos históricos, como este fresco gigante que os mostramos, en uno de los brazos de la catedral de Toledo

 

 

Vicente Camarasa

 

 

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24/07/2008 01:16. sdelbiombo #. ICONOGRAFÍA Hay 2 comentarios.

CUANDO SE INVENTARON EL CAMINO. LAS TRES VIDAS DE SANTIAGO

 

 Santiago. Santa María de Tera (Zamora)

Es la imagen más temprana de Santiago como peregrino

 

La propia Iglesia actual reconoce que Santiago no estuvo aquí. Sin embargo permite su culto, así como su nombramiento como patrón oficial de España. Por eso, precisamente hoy, que es fiesta gracias a él, vamos a contar su historia, una de las más fascinantes de todo el santoral cristiano, tan falsa históricamente como bella y, sobre todo, muy aleccionadora para entender ciertos sucesos que ocurren en la vida.

 

Santiago, el menor, aquel que Cristo prefería entre todos sus discípulos (pues sería su hermano pequeño, según los Apócrifos) y en las representaciones de la Última Cena aparece dormido junto al Señor (no es Magdalena, no os dejéis engañar por El Código Da Vinci), vino a Península y durante casi tres años predicó en nuestras tierras sin demasiado éxito, pues sólo consiguió 7 adeptos, aunque se le apareció, en Zaragoza, la Virgen sobre un Pilar (origen de esta advocación), consolándole con una frase un tanto misteriosa: Lo que no conseguiste en vida, lo harás tras la muerte.

Tras ello volvió a Palestina en donde se enfrentó con un famoso mago de la zona, al que consiguió convertir. Tras varias peripecias más, en el año 44, Herodes Agripa lo mandó prender y ordenó que le cortaran la cabeza.

 

 Ribalta. Martirio de Santiago.

 

Aquí comenzó la segunda vida de Santiago. Unos discípulos le embarcaron en una barca de piedra que sin remos ni vela, pero empujado por los ángeles que, con sus solas fuerzas celestiales, afrontaron la arriesgada travesía de todo el Mediterráneo hasta las columnas de Hércules (Estrecho de Gibraltar), remontar el Atlántico y llegar al fin a un rincón escondido de una ría gallega, anudando la barca a un gran pedron (Padrón, donde los pimientos).

Se encontraron entonces con un terrible personaje, la reina Lupa, que les ofreció un carro tirado por toros salvajes que, milagrosamente y ante el signo de la cruz que les hicieron en la testa, se volvieron mansos como bueyes.

Anduvieron con su santa carga hasta el mismo centro del palacio, de donde nadie fue capaz de moverlos. Allí mismo lo enterraron ante la reina que había quedado enmudecida por el prodigio.

 

 

Tumba actual de Santiago

 

Después la historia descansó nueve siglos, sin que nadie supiera de aquellos sagrados restos, hasta que una noche de verano del año 813 el eremita Pelayo observó resplandores (ahora las llamamos estrellas fugaces, y pedimos un deseo) y cánticos celestiales en el lugar. (De ahí los de Campo setellae o Compostela).

Aquí comenzó la tercera vida del santo, su verdadera reinvención. Los hechos se sucedieron muy deprisa, apoyados en la mentalidad religiosa medieval pero también los cálculos políticos y económicos de los reyes españoles y la orden de Cluny, íntimamente unida al papado

El eremita advirtió al obispo de Iria Flavia, Teodomiro, quien después de apartar la maleza descubrió los restos y ¡los atribuyó sin duda alguna al apóstol que llevaba 800 años en silencio!

Tras ello fue informado el Rey Alfonso II, el Casto, aconsejado por el famoso Beato de Liébana que, curiosamente, unos años antes había dedicado sus horas a creación de himno en honor a Santiago

Toda una amplia comitiva acudió entonces al lugar y proclamó al apóstol Santiago patrono del reino, edificando allí un santuario que más tarde llegaría a ser la Catedral.

 

 Ribalta. Descubrimiento (invención) del cuerpo de Santiago

Por favor observad la cara del rey Alfonso II

 

Era entonces los finales del siglo IX, y el reino Astur se encontraba empeñado en una guerra contra los musulmanes que luego llamarían Reconquista. Los islámicos tenían ya su concepto de guerra santa y un lugar de peregrinación: La Meca.

Pero a veces ocurren cosas (o simplemente se inventan) que cambian las situaciones más torcidas, y Ramiro I se enfrentaba con bastante poco éxito a los musulmanes de Abderramán II en la batalla de Clavijo cuando un jinete sobre un caballo blanco hizo virar el rumbo de la batalla. Al terminar ésta con la victoria cristiana, todos los vencedores quedaron estupefactos al ver a aquel misterioso caballero levitando por los cielos. ¡Era Santiago, desde entonces apodado el Matamoros!

 

 Ribalta. Santiago Matamoros

 

A partir del siglo XI el Camino tuvo un fuerte impulso regio. Los reyes navarros (Sancho III el Mayor) y luego castellanos y leoneses (Fernando I, Alfonso VI) vieron los beneficios tanto económicos (el camino se convirtió en una gran vía de comercio que fue acabando con el feudalismo anterior) como ideológico (tanto en su acercamiento a Europa como para su lucha contra los cristianos, que en el fondo era lo mismo). Aparecerán así numerosos barrios francos (aunque no fueran exclusivamente franceses)

El otro gran interesado por el Camino será la orden de Cluny, que vio en él el lugar perfecto para expandir la nueva reforma del Papa Gregorio (reforma gregoriana, que se desarrolló a la vez que el románico). Desde su sede central en Francia la orden de Cluny comenzó a crear monasterios, hospederías, hospitales y todo tipo de infraestructuras para los peregrinos mientras el papado daba indulgencia plenaria (el perdón de todos los pecados) a los mismos. Si a esto le añadimos el culto a la reliquias (huesos y recuerdos divinos y de santos) de los que estará plagado el Camino, podemos entender su auge extraordinario de verdaderas multitudes hacia Santiago que tanto influyó en nuestro arte como en nuestra economía

 

Reliquia (obviamente falsa) de las herraduras del caballo de Santiago en las batallas de las Navas de Tolosa (1212)

 

Y, como dicen los cuentos, colorín, colorado, aunque este cuento no se ha acabado y todavía volveremos al tema con miles de cosas más, desde los celtas al camino de las estrellas, las reliquias falsas y verdaderas, la primera guía de viaje de la historia, los milagros de una gallina que canta tras ser cocida, los templarios, la picaresca o el propio nieto de Noé, Túbal.

 

Para saber más de su iconografía

 

Vicente Camarasa

 

Si os habéis fijado muchos de los cuadros pertenecen al mismo autor, Ribalta. Es un pintor valenciano de principio del siglo XVII (acaso el maestro de Ribera) que introduce las formas de Caravaggio. Todas pertenecen al retablo de Santiago de la iglesia parroquial de Algemesí (Valencia), sumamente importante por su calidad artística, pero mucho más por ser el lugar en donde nació mi padre, pues eso está por encima de cualquier arte.

 

UNA FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL CAMINO DE SANTIAGO

 

 

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TRES CUADROS DE SALVADOR DALÍ

Tomado de upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/...

 

Subversivo, estrafalario, tremendamente narcisista y con una imaginación desbordante. Así es como muchos definen al genio de la pintura, nacido en Figueras en 1904, llamado Salvador Dalí. Ya desde temprana edad muestra tener un inusitado talento para la pintura tal y como se observa en sus primeras obras en las cuales, con una preocupación por la luz y el color, aparecen representadas casas que recuerdan a las del sur o Desnudo en un paisaje (con una muchacha similar a la maja desnuda de Goya) y cuya técnica a base de pequeños puntos se asemeja a la utilizada por el postimpresionista Seurat. Durante su etapa en Madrid conoce al Lorca (colabora con él en el montaje de Mariana Pineda) y a Buñuel ( participa junto con éste último y Pepín Bello en la llamada "Orden de Toledo") ayudando además en el rodaje de películas como La edad de oro y Un perro andaluz junto a Buñuel, donde sólo se permite lo irracional y las imágenes no se atienen a ninguna lógica, algo que cobrará un mayor sentido cuando André Breton las califique de surrealistas.

 

La llegada de Dalí a París supone un descubrimiento del Surrealismo que, como hemos estudiado, intenta expresar las emociones sin seguir un razonamiento lógico. Esto nos conduce hacia las teorías de Sigmund Freud (en especial las que tratan del desarrollo de la personalidad de acuerdo con las etapas psicosexuales) las cuales junto con la mayor aportación de Dalí, el MÉTODO PARANOICO-CRÍTICO (basado en la asociación interpretativo-crítica de los fenómenos delirantes, esto es, las interpretaciones de sus sueños y las deformaciones que le proporcionan los trastornos psicológicos) tienen un destacado papel. Todo lo anterior junto con numerosas técnicas surrelistas como las dobles imágenes (habitación de Mae West), temas oníricos, formas geológicas de extrañas erosiones (si os acordáis Gaudí lo hacía de una forma similar a través de las sugestiones. Casa Batló), las obsesiones de su subconsciente (SIMBOLOGÍA ERÓTICA Y SEXUAL, LO PUTREFACTO, LOS INSECTOS, LO ESCATOLÓGICO, LA OBSESIÓN POR LA COMIDA..) y su inseparable mujer Helena Deluvina Diakonoff ( más conocida como GALA) serán una constante en su producción.

 Cabe destacar, además de sus propias aportaciones estéticas, una ejecución pictórica minuciosa con un gran cuidado del dibujo y la forma (no en vano en su mente estaban autores como Velázquez, Vermeer, Botticelli, Millet o Leonardo).

Su lista de pinturas es interminable pero me voy a centrar en tres que especialmente me gustan.

 

EL  ENIGMA DE GUILLERMO TELL

 

 

Una obra muy peculiar donde está presente el rechazo del padre de Dalí hacia su relación con Gala (por ser una mujer casada). Aquí representa a Lenin con un sombrero que se prolonga hasta apoyarse en una muleta (muy utilizada por Dalí en sus obras para sostener estructuras blandas) y sin calzoncillos. También un " reloj blando" (inspirado en la visión que tuvo de un queso Camembert derritiéndose), unas nueces que parecen estar a punto de ser aplastadas por el pie de Lenin (con ello podría representar la posición de su padre con respecto a su relación amorosa) y unos pájaros picoteando unas migas (adelantando su futura colaboración con Hitchcock y su famosa película Los Pájaros). Esta obra supone la ruptura con los surrealistas que intentan sin éxito destrozarla.

 

SUEÑO CAUSADO POR EL VUELO DE UNA ABEJA EN TORNO A UNA GRANADA, UN INSTANTE ANTES DE DESPERTAR,

 

 

Gala, desnuda y levitando, se despierta por el zumbido de una abeja y esto le evoca la imagen de un arma que parece a punto de herirla. Con esto pretendía plasmar en imágenes el descubrimiento de Freud de un sueño en el que por un ruido en un instante se provoca el despertar (algo que seguramente nos habrá ocurrido a todos alguna vez)

 

EL ÁNGELUS DE MILLET

 

 

Obra a la cual nosotros daríamos un sentido religioso (que parece el más evidente) pero qué el relaciona con LA CASTRACIÓN Y LA MUERTE,  y es que siguiendo las teorías de Freud identifica a la campesina con la mantis religiosa que devora al macho tras el acto sexual y a la carretilla como una imagen de sumisión sexual.

Todo en un paisaje extrano y fascinante que se basa en el de Port Lliigart y Cap de Creus


Si quieres saber algo más de este cuadro al que Dalí dedicó un libro completo busca en:

 http://aquileana.wordpress.com/2008/04/02/jean-francois-millet-el-angelus-salvador-dali-reminiscencia-arqueologica-de-el-angelus-de-millet/

 

Como podéis ver la pintura de un hombre considerado precursor de Andy Warhol y apasionado reconocido del dinero (André Breton lo llamará "Avida Dollars"), ingeniosa y muy ocurrente de la que a veces podemos desconocer(o no conocer totalmente) su significado pero como él mismo decía " el hecho de que yo en el momento de pintar no comprenda el significado de mi cuadro, no quiere decir que no lo tenga".

Para saber más sobre los temas recurrentes de Dalí se puede consultar Un perro andaluz 

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE DALÍ

 

 Mar San Segundo

 

 

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EL NUEVO SKYLINE DE MADRID

Los primeros rascacielos surgieron a finales del siglo XIX en Chicago, después de un gran incendio que devoró gran parte de la ciudad. Fue un simple motivo económico (aprovechar el suelo) apoyado por las nuevas técnicas del hierro y cristal que alejaban los futuros peligros de incendio.

Sin embargo, ya en el siglo XX, estos rascacielos poco a poco fueron adquiriendo un fuerte valor simbólico: el del poder económico del país emergente que era entonces EE UU. Como dice Kotkin, los rascacielos fueron la respuesta americana a las catedrales góticas europeas, su fe en el progreso y el capitalismo frente a la antigua Europa.

Así, la zona central de la ciudad americana se fue llenando de ellos y creó el modelo del paisaje de la modernidad: Manhattan.

 

 

Los geógrafos comenzaron a llamar a este tipo de barrios verticales como CBD (distrito de negocios), el centro financiero de la misma, dedicado al sector terciario y tan abarrotado durante el día como vacío y silencioso durante la noche.

Su progresivo prestigio hizo que las principales firmas comerciales intentaran establecerse en este distrito, aumentando los precios del suelo y obligando a los arquitectos a realizar proezas mayores para conseguir altura, tanto para proporcionar más espacios a las oficinas como por puros motivos simbólicos: hacer sobresalir el nuevo edificio frente a los demás.

Junto a ello se unen ventajas de tipo económico, al abaratar el precio del suelo, mejorar las condiciones económicas al acercar empresas y departamentos, disminuyendo las dificultades de comunicación, y creando edificios inteligentes de menor gasto energético, adaptado a las nuevas tecnologías de la información.

Todo este proceso termina por crear un nuevo perfil de la ciudad (su skyline) que se convierte en imagen de la misma. ¿Cuántas películas han utilizado el de Manhattan para colocar sus escenas más intensas?

Pero este simbolismo tiene su reverso tenebroso, tanto en lo psicológico (el trabajo en estas torres de clima artificial puede provocar ciertas enfermedades profesionales) como en lo puramente funcional (problemas de congestión de tráfico, de seguridad…) que muy pronto hicieron del rascacielos un objeto ambivalente tan fascinante como llenos de peligros que ya retrató el cine (El Coloso en llamas que inició la serie de películas de catástrofes como la novela, magnífica, de Rascacielos de    )Tan evidente fue su fuerte simbolismo que el primer gran ataque terrorista del siglo XXI se hizo sobre ellos. Pues no sólo se iban a contar muertos sino que se iban a convertir en el icono visual del inicio de esta ¿Tercera Guerra Mundial?

 

 

FOTO TORRES GEMELAS

 

Ya fuera de EEUU, otros países siguieron su ejemplo: unir crecimiento económico con la retórica del rascacielos, y nuevos países emergentes en Asia (Torres Petronas en Taiwan; nueva imagen de Dubait…) reconvirtieron la ciudades horizontales de pequeñas casas en grandes urbes verticales que han variado por completo su imagen global.

 

Torres Petronas del arquitecto Pelli

 

(Dubait. En construcción)

 

En Europa, sin embargo, el rascacielos ha tenido una historia más difícil, y no por falta de técnica, sino por motivos mucho más sociales. El tipo de ciudad europea, tan cargada de historia, resulta muy complejo para crear en ellos altos edificios, pues su sola presencia altera por completo la imagen de la ciudad.

Madrid construyó su primer rascacielos en la gran reforma urbana del XX, la Gran Vía. Calle que rompía el tejido antiguo para comunicar los ensanches de Madrid. Fue el edificio de telefónica, aún adornado en su parte baja con motivos barrocos (y que serviría como punto de mira para bombardear la ciudad por parte de las tropas franquista desde el cerro de las Garabitas, en la casa de Campo)

 

Edificio Telefónica. Gran Vía

 

Sin embargo, el gran impulso se produjo en los años 80 del XX con la creación de una pequeña CBD al modo americano: Azca. En ella se levantaron en muy poco tiempo la Torre Europa (actual caja Madrid), la torre Windsor, abrasada por las llamas como un irónico comentario de la historia que empezábamos en Chicago, la torre BBVA, de Saínz de Oteiza (quizás la mejor de todas) y el edificio más alto del momento, la Torre Picasso, creada por el mismo creador de las torres gemelas (Yamasaki). Al conjunto se añadió las torres Kío (1996), consideradas como los primeros rascacielos inclinados del mundo

 

(Torre Europa)

 

Complejo Azca. En la derecha el BBVA y tras él, tan blanco, la Torre Picasso

 

A partir de 2006 se inició la por el momento última reforma del skayline madrileño. En los antiguos terrenos del Real Madrid se están construyendo cuatro altas torres que formarán las Cuatro Torres de Business Area. La torre Caja Madrid (el más alto de España, con 250 metros), obra de Norman Foster, uno de los arquitectos más prestigiosos de la actualidad; la torre de Cristal, de César Pelli, el creador de las Torres Petronas;  Torre SacryVallermoso, Carlos Rubio Carvajal y Enrique Álvarez-Sala Walter; y la Torre Espacio, de Ming Pei, a mi juicio la más elegante de las cuatro con su perfil curvo y cambiante según  el movimiento del espectador.

 

De izquierda a derecha los rascacielos tal y como los describe el texto anterior)

 

De izquierda a derecha: Torre SacryVallermoso y Torre Espacio.

 

La casi ya conclusión de las mismas ha cambiado por completo el skyline de la ciudad, antes sumamente horizontal y rojizo. Si habéis tenido la oportunidad de entrar en coche en Madrid desde la carretera de la Coruña o la de Colmenar, su silueta es visible a más de 50 Km de distancia, dejando enanas a la torre Picasso o las de Kio y rompiendo la unidad anterior. Su construcción casi contigua descompensa el resto de la imagen y más que crear un nuevo perfil, anula el resto de la ciudad y la convierte en un poblachón plano en medio de la llanura.

 

 

 

Dos vistas del nuevo skyline de Madrid

 

Quizás esta sensación sea momentánea, y con el tiempo nos vayamos acostumbrando, aunque el cambio de escala con el resto de Azca y su situación periférica en el conjunto va a hacer difícil que ésta se convierta en la imagen simbólica de una ciudad que, en líneas generales, no tiene nada que ver con esta macrociudad vertical y ultramoderna.

Quien sabe. A veces los contemporáneos no sabemos valorar. Recordad las críticas terribles que recibió la torre Eiffel y cómo ahora es el verdadero icono de la ciudad de París.

 

Escritores, escultores, pintores y amantes apasionados de la belleza hasta ahora intacta en París, venimos a protestar con todas nuestras fuerzas y con toda nuestra indignación en nombre del gusto francés despreciado y en el nombre del arte y la historia francesa amenazados, en contra de la erección en pleno corazón de nuestra capital de la inútil y monstruosa torre Eiffel. ¿Hasta cuándo la ciudad de París se asociará a las barrocas y mercantiles imaginaciones de un constructor de máquinas para deshonrarse y afearse inseparablemente? Pues la torre Eiffel, que ni siquiera la comercial América querría, es, no lo dudéis, la deshonra de París. Todos lo sienten, todos lo dicen y todos lo lamentan profundamente, y no somos más que un débil eco de la opinión universal, tan legítimamente alarmada...

Documento público de los artistas ante la creación de la torre Eiffel

 

Por tanto deberemos de esperar y adaptar nuestras percepciones, pues el hecho es irremediable y, quizás, con el tiempo, simbólico. Quien sabe lo que pensaremos dentro de unos años. Si queréis ver una opinión más optimista que la mía y magníficas fotos, consultad; http://www.soitu.es/soitu/2008/07/08/disenoyarquitectura/1215508542_123054.html

 

Vicente Camarasa

 

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28/07/2008 08:55. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD Hay 5 comentarios.

DUANE HANSON. El engaño a la mirada y algo más del hiperrealismo.

 

¿Quién es la persona real y cuál la obra de arte? Si queréis saberlo podéis ir a la exposición Duane Hanson, el sueño Americano, en la Fundación Canal (en la plaza de Castilla, junto al antiguo depósito de Agua, hasta el 24 de agosto)

Para entonces tal vez os convendría saber quién fue Duane Hanson y en qué consistió el hiperrealismo. Para ello deberíamos empezar en el famoso Andy Warhol, el gran creador del Pop art. Seguro que habéis visto alguna de sus famosas imágenes de Elvis, la lata de Sopa Cambells o sus cajas de Brillo (un famoso detergente americano).

 

Elvis doble. Extraído de http://elvisvive.wordpress.com/2007/10/02/andy-warhol-elvis

 

En todas ellas había una radical ruptura con el arte anterior, dominado por el expresionismo abstracto tipo Pollock. Frente a él, Warhol planteaba el retorno a la realidad, la más simple de las realidades, la de la sociedad de consumo.

Por ello llenó sus obras de rostros y marcas conocidos por todos, ampliando el campo del arte de una forma nunca conocida. Ya no había grandes temas, su actitud había conseguido destrozar cualquier tipo de jerarquía.

Junto a esta revolución, Warhol protagonizó un retorno hacia lo realista. En ello también fue brutal su forma de trabajar, pues rompiendo la idea tradicional del dibujo o la pintura, Warhol recurrió a la fotografía (más o menos retocada) o a los propios objetos reales que exponía en la sala de exposiciones.

 

 

Caja de Brillo. Extraído de

 http://www.fotos.org/galeria/showphoto.php/photo/128/sort/1/cat/518/page/10

 

Como veis Warhol fue mucho más allá de hacer imágenes famosas, y como ya hiciera Duchamp, renovó por completo el concepto de arte, incluso en la propia figura del artista como un producto vendible (que como ya comentaba Mar en el artículo de Dalí, tenía en el pintor español un claro antecedente).

 

Desde esta nueva tradición artística surgieron multitud de tendencias, siendo una de las más conocidas el hiperrealismo. Este nuevo estilo se basaba en dos ideas de Warhol: la importancia de lo cotidiano y banal (sin importancia), y la vuelta al realismo cada vez más extremo (de lo que sacaría su nombre, hiperrealismo).

Muchos artistas optaron por una pintura tan sumamente realista que el espectador tiene verdaderas dificultades para saber si es o no una fotografía.

 

Estes. Extraído de  http://lachispadecuada.wordpress.com/category/arte

 

Otros, como Hanson o De Andrea, se inclinaron por la escultura, utilizando nuevos materiales como resinas, poliéster, postizos, vestidos y objetos reales para conseguir esta ambigüedad entre lo real y lo fabricado con la que comenzábamos el artículo.

Cuando uno entra en la exposición (y especialmente desde lejos o en las figuras vistas por detrás) se produce un fuerte desasosiego ante las esculturas, pues las percepciones son complejas y el policía o la pareja de ancianos sentados en el banco son … parecen unos visitantes más en la sala.

El equívoco se rompe cuando nos acercamos. Se descubre el truco y las figuras vuelven a ser esculturas muy realistas, pero esculturas al fin y al cabo.

Si queréis verlo con vuestros propios ojos y sin salir de casa mirad el vídeo de la exposición que podéis encontrar en la página de la fundación canal

http://www.fundacioncanal.com/videos/hanson  

 

Pero junto a esta primera impresión que genera la hiperrealidad, la obra de Hanson tiene otros méritos que, habitualmente, suelen quedar en un segundo plano, siendo acaso lo más importante (y duradero) de su obra. Está, sobre todo, una visión crítica de la América moderna. Mirad esta foto:

 

Hanson. Turistas.

Extraído de http://www.bluemag.es/2007/10/26/esculturas-hiperrealistas-de-duane-hanson

 

Más allá del parecido con lo real, ¿qué más nos provoca?

Son guiris, ¿verdad? Turistas en su mayor y más negativa expresión. Sus calcetines blancos, la bolsa de la mujer, la gorra o la terrible camisa del hombre nos hablan de  unos verdaderos profesionales del viaje-expresss, con su cámara de fotos para recordar lo que apenas se vio un segundo.

¿Cuántos creéis que aguantarían delante de un cuadro? O, mejor incluso, ¿de qué les servirá el viaje, qué comprenderán o aprenderán de él? Seguramente nada, ¿verdad? Pasarán de una ciudad a otra como una colección de cromos que enseñarán a sus amigos, agotándoles con larguísimas sesiones de fotos en las que seguro que se oirá… Esto es BarcelonaNo, no, Barcelona fue al día siguiente. Esto es París, cuando nos dejaron diez minutos para ver la Torre de Pisa

Como veis hay un mensaje crítico más allá del puro impacto visual, y en su obra desfila toda esa América menos glamorosa de la clase media estadounidense de vidas vacías, alienada, monótona… La cara contraria a la imagen que pretende proyectar Hollywood con sus grandes producciones. En la obra de Hanson no hay espacio para las grandes estrellas ni sus vidas de cuento, sólo una realidad dura, sin estilismo, peluquería ni maquillaje.

 

Éste es el valor de sus imágenes, la pura realidad también en lo iconográfico. La realidad sin belleza que se encuentra en el extremo contrario de lo que haría Botticelli si viviera en el XX, pero quizás no tan lejos de un imposible Velázquez contemporáneo (pensad simplemente en sus bufones).

Sin embargo, y aunque ya hablaremos más delante de ellos, a mi, personalmente, me interesa más en este estilo Antonio López o el canadiense Penny, no tanto por su realismo sino por su forma poética de ver el mundo (el primero) y las esculturas gigantes que juegan con el espectador y sus percepciones en el segundo

 

Antonio López. Gran Vía.

Tomado de http://manudeop.blogia.com/temas/otros-artistas-hiperrealistas.php

 

 

Penny. Arco 2008

 

Si quieres saber más del autor o del estilo puedes consultar

http://www.bluemag.es/2007/10/26/esculturas-hiperrealistas-de-duane-hanson

 http://manudeop.blogia.com/temas/otros-artistas-hiperrealistas.php

 

Vicente Camarasa

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LOS HORRORES FLORIDOS. Koons y yo mismo

Por favor, mira estas dos fotos

 

Extraída de http://realestalker.blogspot.com/2008/03/update-michael-jackson_28.html

 

 

Son obra de un autor norteamericano llamado Jett Koons, un artista sumamente polémico desde hace años tanto por sus obras como por su vida privada (casado con una famosa actriz porno italiana que le sirve en muchas ocasiones como modelos). Una de sus grandes líneas de trabajo son las esculturas de objetos cotidianos hiperestetizados, es decir, de objetos en los que el tema no se corresponde con la ejecución, tan detallista, tan pretendidamente bella que llega a los límites del ridículo.

En estética calificaríamos a estos objetos como Kitsch. La palabra deriva del alemán y significaría de prisa, lo que decían los turistas ante la necesidad imperiosa de comprar algo referente a la obra de arte. Algo parecido, al menos semejante, pero que no es obra de arte por su serialización (las obras se producen en serie sin ningún interés artístico sino simplemente para calmar este impulso consumista de poseer la obra de arte) y también por su falta de gusto.

Más apariencia que esencia. Una pura y burda copia de aquello que nos produjo una emoción y que en la actualidad se ha popularizado hasta el extremo en el mercado del souvenir.

Porque, ¿Quién que no haya estado en París se ha podido resistir a comprar una torre Eiffel de plástico plateado que termina encima de la televisión? ¿Quién no tiene una caja de conchas comprada en un veraneo, una giralda de plástico? ¿No habéis visto comprar compulsivamente a los turistas extranjeros toros, bailadoras o carteles de toros con su nombre puesto?

Y lo peor, cuando se vuelve a casa y se mira el objeto adquirido, ¿quién no ha pensado pero esto qué hace aquí, como pude comprar una cosa tan hortera?.

 

¿Por qué nos pasa esto? ¿Qué extraña enfermedad nos aqueja durante nuestros viajes?

Benjamín decía por los años 20 del siglo XX que la reproductivilidad mecánica había acabado con la obra de arte, le había quitado ese aura indefinible que tenía al objeto único, toda su carga de historia, su poder magnético… Sin conocerlos todavía estaba definiendo por completo este mundo del souvenir, del recuerdo falso, carente de belleza.

 

Esto es lo que llamamos kitsch, aquello que se parece al arte pero es claramente falso. Kitsch sería el Chikilicuatre, las flores de plástico o ciertas figuritas de las tiendas a tofo un euro… Una horterada, como diríamos en lenguaje vulgar. Una horterada que los demás detectan (y acaso nosotros mismos también) como una corrupción del gusto estético, un querer pero no poder, la belleza que nunca pudo ser pero ante la cual nos sentimos, en el fondo, fascinados.

Es algo que nos ocurre a todos por mucha educación estética que tengamos, y así debemos asumirlo, pues es normal en esta cuestión ver la paja en el ojo ajeno y no la viga en el nuestro. Todos somos un poco horteras en el fondo de nosotros mismos.

 

Sin embargo, la nueva estética de la posmodernidad (el movimiento cultural iniciado en los años 80 y en el que aún vivimos) nos puede consolar, y mucho. Una crítica de gran relevancia, Susan Sontag, se refirió a lo camp, y gracias a ello nos podemos salvar. Lo camp viene a decir que no son los objetos sino la mirada o la actitud de la persona la que puede caer o no en las horterada. Así, una cosa kitsch puede ser utilizada por alguien elegante si sabe que es kitsch (estos juegos de palabras son muy típicos de la posmodernidad, lo intentaremos aclarar un poco)

La idea es sencilla. Mientras yo sepa lo que es kistch no hay problema, pues podré mirarlo e incluso disfrutarlo con una cierta mirada irónica. Sí, sé que me gustan cosas horteras pero tengo también buen gusto, que quede claro, ¿eh? Sólo lo hago para distinguirme de los demás, ser diferente a esa plebe que sí se cree su falsa belleza. Yo soy culto, y por eso puedo jugar, porque sé realmente dónde están las reglas y sólo me las salto cuando quiero, como una pequeña maldad

Éste sería, más o menos, el pensamiento camp. Una forma elitista de enfrentarse al mundo de la cultura y (según algunos) justificar al hortera que todos llevamos dentro. Su origen lo podríamos enconrtrar en Dalí (al que le fascinaban este tipo de objetos y los coleccionaba, como el famoso muñeco de Michelin o terribles altares rococós de tercera o cuarta división) y también en Warhol y su estética del todo vale. Sólo hace falta ver alguno de sus retratos más famosos.

 

¿Esto es kitsch o exquisito? ¿Hortera o trasgresor? Depende de cómo queramos verlos.

 

Y todo este rollo para poder llegar al nombre del artículo: los horrores floridos. La frase está sacada de un libro de Julio Cortázar (Los autonautas de la cosmopista. Un viaje real por las autopistas francesas). Cortázar, además de uno de los escritores más lúcidos del siglo XX era un gran conocedor de arte (del que escribió a menudo). Este bagaje cultural, sin embargo, no le sirvió en el caso de unas sillas terriblemente feas de intentar ser bellas a las que él llamó los horrores floridos. Las llevó y utilizó durante todo el viaje, consciente de su profunda carga hortera, y no fue capaz de desprenderse de ellas por mucho que supiera que eran horribles.

Sin embargo, y aquí está lo importante, él sabía que eran horribles y su sola presencia le valía para reírse de él mismo, de decirse que, siendo uno de los intelectuales de mayor fuste del momento, también era humano, y por tanto un poco hortera.

 

Esta es la actitud que me anima a empezar este tema. Jugar con nosotros mismos, practicar una autocrítica que más que molesta sea graciosa, irónica, y empezar a mirar el mundo para ir haciendo el largo catálogo de sus objetos (o actitudes) kitsch (o camp, según queráis)

 

Para dar ejemplo, comenzaré yo mismo por declararme culpable y os enseño algunos objetos que pertenecen a mi pasado, que hace años me fascinaban y que el otro día encontré en una caja.

Se trata de llaveros (pues yo hacía una colección de llaveros, lo cual es ya muy kitsch, tal vez incluso friki), y os enseño alguna perlas

 

 

 

(Ésta me parece la mejor de todas)

 

Y ahora os dejo a vosotros. Espero que me mandéis al correo todo tipo de fotos de horrores floridos, ya sean vuestros, ya los encontréis en cualquier sitio. Ponedles un título y, si queréis, un comentario y poco a poco iremos haciendo el catálogo de los kitsh.

Este es uno de vuestros deberes para este verano, el siguiente os lo diré en el próximo artículo

 

Vicente Camarasa

 

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NUEVAS APORTACIONES TEÓRICAS A LOS HORRORES FLORIDOS

Tomado de http://www.anniesattic.com/crochet/detail.html?prod_id=22832

Claro, pero a lo mejor es un problema de desconocimiento de otras "culturas", juro que estas fotos son de productos de tiendas yankis que están a la venta hoy en día, y podría poner cientos.

Pero nunca os habéis preguntado si esas cosas que los chinos ponen en los escaparates, de verdad, ¿se venden?, porque a lo mejor es al revés, si tienes el valor de parar aunque solo sea a mirar  uno en público, te pagan una recompensa o algo así. Pero me temo que esto es como la tan discutida TV, en el arte puede que no, pero en el mercado si lo hay, es porque se vende.

!Ah! y otro capitulo, sobre esas cositas que tenemos por casa, si las hemos comprado nosotros vale, pero y si son un regalo, una muestra de aprecio, ¿si podemos ofender al personal?, si en la próxima visita notan la ausencia de sus presentes.
Y ya como remate y si es el Florido es fruto del trabajo de tus nanos; pues yo te lo digo, al salón y en preferente, y al final, convencida de la belleza del "susodicho" vas y no queda bicho viviente que pise tu casa que no pase por el mal trago de tener que alabar las cualidades artisticas de tu criatura. !Palabrita de Mari!
Susana

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31/07/2008 11:24. sdelbiombo #. MIS HORRORES FLORIDOS No hay comentarios. Comentar.

AMISTAD Y HORRORES FLORIDOS

 

Los amigos no deben sentirse ofendidos porque consideremos sus regalos como Horrores Floridos  porque a lo mejor ellos son Camp y nosotros no hemos alcanzado ese nivel. Pero no hay problema siempre haremos un viaje donde podamos encontrar algo mucho más terrible y decirles muy cariñosamente que nos hemos acordado de ellos y de su estética camp delante de la tienda de souvenirs del coliseum de Roma.(o del acueducto de Segovia)

 

 

 

Aviso: esta costumbre de traer recuerdos a los amigos se vuelve peligrosa para la salud. Practicarla con moderación.

 

Cayetana

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31/07/2008 11:49. sdelbiombo #. MIS HORRORES FLORIDOS No hay comentarios. Comentar.

NUEVOS HORRORES FLORIDOS

Es verdad que todos tenemos en casa unos cuantos horrores floridos...me he puesto a buscar y he encontrado cosas como estas: (la calidad de las fotos es pésima por la sencilla razón de que las he hecho yo, que tengo parkinson agudo y ninguna idea de hacer fotos decentes)  

1- El Harry Potter-Michael Jackson. Lo tengo colgado en mi cuarto porque fue un regalo de un familiar que al parecer se acordó de que me gustaba "el Harry Potter ese". El misterio es qué narices es este ser en realidad...hemos especulado mucho y la hipótesis más convincente es que se trata de Michael Jackson disfrazado con una capa, una escoba y unos zapatos de payaso, pero creo que todavía puede dar pie a más teorías. A mí lo que me vuelve loca es el detalle de los labios pintados Xd

 

 

 

2- Más horrores floridos que hay por mi cuarto: los típicos recuerdos de bodas, bautizos y comuniones. Y luego el marco de la foto, que es un auténtico horror florido de por sí. (Como curiosidad, habría que saber que la niña de la foto soy yo, y la cosa que llevo puesta una especie de peto con el que me martirizaron durante casi cinco años de mi pobre infancia, ya que es uno de estos que te compran tres tallas mayor "para cuando crezca").

 

 

 

3- La tortuga-hucha y la cosa-sin-uso-conocido (parece un jarrón, pero está tapado, no es un cenicero de forma extraña y tampoco sirve para echar colonia ni nada por el estilo). La tortuga es buenísima, en teoría es una hucha de esas que se rompen para abrirlas, pero nunca la hemos usado para meter dinero.

 

 

4- Esto no sé si es un recuerdo de boda o un regalo de amigos, pero vamos, que son "monísimos" igualmente. Y tienen postizos y todo.

 

Nuria Zapardiel

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PARO POR UNA SEMANA

Durante una semana más o menos tengo que parar para ocuparme de ciertos asuntos de los que ya os hablaré.

Durante ese tiempo espero vuestros correos sobre nuevos horrores floridos, así como comentarios (cuántos más mejor) con ideas, cuadros, temas... que os interesen que se vayan tratando en el futuro.

Para que no os quedéis en ayunas quedaros con la imagen de esta espectacular foto que comentaré dentro de muy poco.

Vicente Camarasa

31/07/2008 22:16. sdelbiombo #. sin tema Hay 2 comentarios.


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