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Se muestran los artículos pertenecientes a Octubre de 2008.

LA DINASTÍA DE ARQUITECTOS SEVILLANOS DE LOS FIGUEROA. EL BARROCO PLENO (SEGUNDA PARTE). EL SALVADOR Y SAN LUIS DE LOS FRANCESES

Columna salomónica de San Luís de los Franceses. Sevilla

 

Dejábamos la labor de Figueroa en la construcción de la Magdalena   Un poco más tarde, cuando  las obras de esta Iglesia todavía no estaban concluidas (duraron hasta 1709), el arquitecto exitoso recibe el encargo de dimensiones aún más grandes, la iglesia del Salvador. Tomó la dirección de la construcción de un nuevo templo en el solar de la primera Mezquita Mayor de Sevilla, la de Ibn Adabbas. Aquella mezquita, construida en el Siglo X, había sido convertida en Iglesia después de la Reconquista en el Siglo XIII. Pero desde principios del Siglo XVII, su estado fue tan ruinoso que había que derribarla en el año 1671. Tres años más tarde comenzaron con las obras para un nuevo templo, pero dos arquitectos fracasaron, lo construido se derrumbó en los años ochenta. Era como si el Cielo quisiera que sólo Leonardo de Figueroa, la nueva estrella entre los arquitectos andaluces, acabara ese proyecto. Así que en el 1696 Figueroa sustituyó a sus antecesores y se responsabilizó de erigir aquí la iglesia más grande de Sevilla después de la catedral.

 

El Salvador. Interior

 

En tan sólo 16 años - hasta 1712 - hizo construir la majestuosa Iglesia del Salvador, para la que Figueroa eligió un estilo más conservador que en los planes para La Magdalena. El Salvador recuerda en muchos detalles (fachada sobria, cúpula grande y soberbia, pero sin demasiada decoración) a un templo renacentista y menos barroco - más representativo que atrevido. Posiblemente, era también la intención de los comitentes aristocráticos que prefirieron un edificio grandioso, pero sin "experimentos.

 

Cúpula del Salvador

 

Un Barroco mucho más movido y atrevido fue el resultado del siguiente proyecto de Figueroa el que llevó a cabo - paralelamente con las obras del templo del Salvador - a partir de 1699: la Iglesia de San Luis de los Franceses. Esa nueva construcción se le fue encargada a Figueroa por los Jesuitas. No sabemos si aquellos le pagaron más al arquitecto que los Dominicos, pero todos los que se quedan  boquiabiertos al contemplar ese templo concluido en 1730 lo supondrán.

Aunque la Iglesia de la Magdalena es más grande y alberga un mayor número de obras de arte importantes en su interior, con respecto a la espectacularidad de la arquitectura, los Jesuitas de Sevilla han ganado la "competencia de iglesias" en contra de los Dominicos. En el templo jesuítico, Leonardo de Figueroa pudo emplear desenfrenadamente toda su fantasía barroca que debía contener en las obras del Salvador. El trazado de San Luís de los Franceses es una rotonda que insinúa una cruz griega, dominada por la enorme cúpula que se eleva entre las dos torres.

 

 

Esa Iglesia de los jesuitas es uno de los más espectaculares edificios barrocos de Europa y a la vez era un símbolo arquitectónico para una ciudad que quería celebrar su renacimeinto después de la catástrofe más grande. Los elementos decorativos, tanto en la fachada exterior y la cúpula como en el interior, presentan una avalancha de ideas innovadoras y pueden provocar hasta vértigo por su cantidad y complejidad. La decoración de la fachada principal es filigrana y evoca de nuevo el estilo plateresco. Si miramos hacia arriba, nuestros pensamientos se perderán entre las columnas, volutas y adornos de los dos campanarios, flanqueados por las cuatro esculturas de los evangelistas y de los padres de la Iglesia, respectivamente, y entre las estatuas de los tres arcángeles que coronan el portal principal. Encima de todo está la inmensa cúpula, que tiene una escalera que lleva a la linterna adornada por columnas salomónicas y concluida por una cruz de hierro forjado.

Detalle de la fachada

Todo ese templo es como una escalera al Cielo, también en su interior donde encontrándose entre siete retablos dorados miramos como hipnotizados a la cúpula llena de ángeles que vuelan por el firmamento. Rodeado de tantos seres celestiales y de un brillo de oro aumentado por cientos de diminutos espejitos que están ocultos en los retablos, el visitante se siente libre de cosas terrenales y  flotando por esferas celestiales.

 

 

En esta Iglesia, todo fue diseñado para lograr efectos espectaculares, como lo pone en evidencia el telón de estuco enmarcando el Retablo Mayor. Todo en el templo de San Luís es teatro sacro, construido para entusiasmar al público. Es realmente admirable la variedad de formas e influencias de las que Figueroa compone aquí un conjunto lleno de armonía.

 

Cúpula de San Luís de los Franceses

 

Uno de los modelos para San Luís fue sin duda un edificio emblemático del barroco romano, la Iglesia de Santa Inés de Borromini. Pero Figueroa sólo adopta el esquema arquitectónico, toda la decoración y los materiales de la construcción son típicamente andaluces: ladrillos y cerámica, populares desde la tradición árabe. Figueroa combina de nuevo (como en la construcción del templo del Salvador) ladrillos rojizos con piedra y adornos de cerámica. Los relieves de la fachada documentan un "redescubrimiento" del estilo plateresco español, pero a la vez integran volutas y formas ultrabarrocas.

Entra aquí para encontrar la tercera y última parte del artículo

 

  

Berthold Volberg

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01/10/2008 16:57. sdelbiombo #. Sevilla No hay comentarios. Comentar.

EGIPTO ANTIGUO. UN MILAGRO DE LA GEOGRAFÍA

 

 

El Nilo en la actualidad. Se puede observar perfectamente la franja de vegetación que aún hoy genera en medio del desierto

Tomada de wikipedia

 

 

Durante el Paleolítico (y por influencia de las glaciaciones) todo el Norte de África (el Sáhara actual) fue una amplia sabana de hierba, con una fauna de documental de la Dos (leones, gacelas, elefantes…) que representaron en sus pinturas rupestres gentes de la Prehistoria (en realidad sus pinturas esquemáticas al modo levantino, muy habituales en las zonas de Argelia)

 

Sin embargo, a partir del Mesolítico (en torno a 10.000 años a C) el clima se fue volviéndose cada vez más árido, y sólo una zona del Norte de África, Egipto, logró salvarse del cambio climático gracias al Nilo.

Ya Heródoto (el historiador griego) llamaba a Egipto el Don del Nilo, pues gracias a él pudo crearse y subsistir toda esta grandiosa civilización antigua, dándole agua y generando agricultura en su entorno.

Como ya sabéis, el Nilo sufre una crecida anual que corresponde con la primavera-verano. Ésta se produce por la época de lluvias tropicales del centro de África, al llegar los vientos húmedos del sur (lo que en Asia llaman Monzones).

Esta inundación es paulatina, lo que permite un cierto control sobre ella (al contrario que en Mesopotamia, con grandes riadas de un mayor carácter destructivo). Los egipcios lo controlaban a través del llamado nilómetro, que medía la crecida en varios puntos del río.

 

 Nilómetro en la isla Elefantina.

Tomado de wikipedia

 

 

Para saber más de este nilómetro 

 

Esta inundación no sólo aportaba agua, sino también sedimentos (la llamada tierra negra o limo) que se iba depositando sobre las tierras cultivables, lo que hacía de abono natural de la tierra.

Sin embargo para que todo funcionara perfectamente se necesitaba de una organización centralizada que controlara el nivel del río y la preparación de canales para que la inundación llegara a la mayor cantidad posible de tierras y luego sirvieran, también, para desalojar el agua una vez que ésta hubiera dejado sus sedimentos.


 

Tomado de megustalahistoriadeprimero.blogspot.com.

 


La mayoría de los historiadores piensa que esta fue una de las causas fundamentales de la rápida creación de un gobierno central (el faraón). Por otra parte, el desconocimiento de las causas de la inundación hacía que se creyera que eran los dioses quienes controlaban el curso del Nilo, atribuyéndole muy pronto a este faraón un carácter sagrado, intermediario entre los hombres y los dioses para así asegurar la persistencia del ciclo.

 

 

Por si fuera poco, el Nilo también fue fundamental como arteria comercial de todo Egipto y, a la vez, barrera por el sur (las sucesivas cataratas). Hacia el norte las embarcaciones eran empujadas por la corriente. Hacia el sur utilizaban los vientos (velas) y los remos.


 

En sus orillas crecían los papiros que sirvieron como primer soporte de la escritura y las palmeras, posible origen de la idea de columna. Otras formas vegetales, como el loto, sirvieron de motivos ornamentales para sus capiteles.

 

 

 

Capitel lotiforme Egipto. Luxor.

Tomado de wikipedia

 

 

Junto al Nilo, Egipto Antiguo tuvo otra ventaja geográfica. Los desiertos que le rodeaban le aseguraron protección ante ataques de otros pueblos y permitió la consolidación de una cultura con escasas influencias que fue desarrollándose con gran originalidad.

Sólo el Delta del Nilo servía como punto de contacto con el exterior. Sin embargo se trataba de una costa muy baja (llena de sedimentos) que permitía la entrada de pequeñas embarcaciones (como las que utilizaran los fenicios) pero dificultaban la entrada de grandes ejércitos.

 

Vicente Camarasa

 

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02/10/2008 19:48. sdelbiombo #. Arte egipcio Hay 2 comentarios.

LA DINASTÍA DE ARQUITECTOS SEVILLANOS DE LOS FIGUEROA. EL BARROCO PLENO (TERCERA PARTE) EL PALACIO DE SAN TELMO Y LA CAPILLA DE SANTA CATALINA

 

Tan sólo durante la primera década del Siglo XVIII, trabajó en la construcción de las tres iglesias barrocas más grandes de Sevilla (La Magdalena El Salvador y San Luis), y al mismo tiempo planificó y concluyó el Convento de San Acasio (ya no existe), la iglesia "doble" de San Antonio Abad, la Capilla de Montserrat, y docenas de casas y palacios privados.

A partir de los años veinte del Siglo XVIII recibe cada vez más apoyo por sus hijos Matías de Figueroa (1698 - 1765) y Ambrosio de Figueroa (1700 - 1775), ambos también arquitectos destacados. Más tarde, su nieto Antonio Matías de Figueroa (* 1734) seguiría el mismo camino. Era toda una dinastía de arquitectos que crearon la nueva Sevilla barroca y también construyeron muchos edificios en los alrededores. Para Andalucía fueron tan importantes como los cinco de los Churriguera para el Barroco en Castilla.

Al analizar la última fase de la obra arquitectónica de Leonardo de Figueroa, a veces resulta difícil decir si los planes son suyos o ya trazados por sus hijos. En algunos casos parece que los planes son todavía del padre, mientras que la realización práctica ya fue supervisada por los hijos Matías y Ambrosio. Además hay que tener en cuenta que el estado de salud de Leonardo estaba tan mal que dictó ya un primer testamento en 1722

Sólo un año antes había empezado a dirigir su Opus Magnum - uno de los pocos edificios profanos emblemáticos en la lista de sus obras: el Palacio de San Telmo (1721 - 1736), construído en su tiempo como Universidad para Mareantes. En el Siglo XIX se convirtió en la residencia de miembros de la familia real (los Duques de Montpensier) y hoy es el palacio del Presidente de la Región autónoma de Andalucía. También en la construcción de ese gran conjunto de cuatro alas, Figueroa emplea la combinación de ladrillos rojizos con piedra de color albero.

 

 

 

El palacio cuya fachada principal mira hacia la orilla del Guadalquivir tiene dos plantas, sólo las cuatro torres en las esquinas y el portal tienen tres. Con ese portal soberbio, los Figueroa han regalado un monumento a su ciudad  Sevilla, cuyas figuras aparecen como si fueran acompañadas por una marcha triunfal barroca - un monumento que celebra y demuestra - como El Salvador y San Luis - el renacer de la "Reina del Océano" (Fernando de Herrera elogiando Sevilla). Se puede descubrir todo un catálogo de símbolos de la navegación y la náutica en la fachada del Palacio de San Telmo. El balcón central, semicircular, evoca la proa de un barco y los cuatro atlantes que lo apoyan tienen el aspecto de dioses de los mares. Estando directamente debajo, parece como si esas esculturas llenas de movimiento se cayeran encima de los que entran. (Un análisis de esta portada lo tenéis aquí)

 

 

 

Toda la fachada está llena de dinamismo barroco: los atlantes a punto de saltar o caer, las volutas y formas retorcidas, las columnas con dibujo de ondas marinas. Encima de la entrada flanqueada por columnas dóricas se encuentra el balcón, a su vez enmarcado por tres columnas jónicas a la izquierda y otras tres a la derecha, acompañadas por estatuas que representan alegóricamente las artes y ciencias. En la planta más alta del portal, atrayendo todas las miradas, está la estatua de San Telmo debajo de un arco oval y delante de un fondo de cielo azul mirando hacia el Guadalquivir, aquel río por el que tanta riqueza de otros continentes había sido transportado a Sevilla.

Leonardo de Figueroa ha creado un portal que se eleva como un arco de triunfo de blancura resplandeciente en las orillas del río. En esa obra maestra colaboraron los mismos artistas que en la decoración de San Luis, sobre todo el escultor Duque Cornejo, autor de las estatuas del portal

 

 

 

Al mismo tiempo, paralelamente con las obras de la fase final de San Telmo, Figueroa y sus hijos planificaron y realizaron un edificio mucho más pequeño, pero genial: la Capilla Sacramental para la Iglesia de Santa Catalina. Tiene una pequeña cúpula octogonal, muy elegante, que termina en una especie de torrecita esbelta cuya forma es parecida a una escalera de caracol. En el interior nos sentimos como en una gruta de las maravillas. Reina la idea del horror vacui: hay una decoración desbordante que no deja un centímetro libre, un sinfín de formas y colores, dominando el brillo de oro y miles de angelitos y angelotes. También resulta espectacular la dirección de la luz que produce efectos teatrales, iluminando  detalles distintos en cada hora del día

 

 

Leonardo de Figueroa dijo que esa Capilla después de terminarla "iba a ser quizás la mejor de la ciudad". Pero el arquitecto mismo no pudo ver su obra acabada, porque murió en el año 1730. Sus hijos Matías y Ambrosio concluyeron ese proyecto y planificaron otros nuevos. Matías sigue una línea más neoclásica (Iglesia de San Jacinto en Triana, hacia 1760), mientras que Ambrosio se inclinó más hacia el estilo rococó (Capilla del Cristo de los Desamparados). La familia de los Figueroa ha dominado durante un siglo (1670 - 1770) la arquitectura de Sevilla, regalando nuevo orgullo a la metrópoli del arte del imperio español después de la catástrofe apocalíptica de la peste. Hasta hoy su Barroco imponente es algo característico en el paisaje urbanístico de la capital andaluza y ejerció bastante influencia en los Virreinatos americanos al otro lado del Atlántico. Si hablamos de arquitectura, no es exagerado decir: Barroco Sevillano es principalmente Barroco Figueroano.

 

Aquí puedes encontrar

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la primera parte

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La segunda parte

 


 

Recomendaciones y enlaces:

 

Recomendamos el libro "Leonardo de Figueroa - una nueva visión de un viejo maestro" de Jesús Rivas Carmona (Colección Arte Hispalense, Tomo 63)

 

http://www.islamyal-andalus.org
http://www.upo.es/
 

 

 

Berthold Volberg

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03/10/2008 07:34. sdelbiombo #. Sevilla Hay 1 comentario.

LAS CONVENCIONES VISUALES EGIPCIAS Y PICASSO

Si quieres saber más de las convenciones (formas repetitivas no realistas) de la pintura y escultura egipcia y de cómo influyeron en la obra cubista de Picasso lo tienes en Picasso, el egipcio

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03/10/2008 07:43. sdelbiombo #. Arte egipcio No hay comentarios. Comentar.

JOSE MANUEL BALLESTER. ESPACIOS OCULTOS. EL APROPIACIONISMO LÍRICO

 

El Jardín desabitado

Tomado de http://verdadesimprecisas.blogspot.com.es/2013/05/los-espacios-ocultos-de-jose-manuel.html

 

¿Os resulta extrañamente familiar, verdad?

 

Extrañamente… Es el jardín de las delicias del Bosco del Museo del Prado ¡en el que han desaparecido todas las figuras! (Si queréis ver el original lo podéis encontrar aquí

 

En realidad se trata de una fotografía de tamaño idéntico al natural en la que se han ido borrando las figuras y recomponiendo el espacio que habría detrás suyo. Toda una paciente obra delante de un sofisticado programa de ordenador.

 

Esta es la última aventura de uno de los fotógrafos españoles más reconocidos, José Manuel Ballester. Una excursión por la pintura en la que, gracias a la eliminación de las figuras que la habitaron, nos deja el paisaje limpio, casi como recién inventado, para que podamos deambular por él como seres primerizos.

Gracias a este pequeño (pero costoso en el tiempo) artificio, la Naturaleza recobra el protagonismo que debió tener a ojos de los contemporáneos, y como ocurre en la rectificación del cuadro de Botticelli, en donde la concha toma el papel de protagonista 

 

Tomado de http://fotonic.es/blog/photoshop-el-gran-aliado-del-fotografo-ballester-para-crear-espacios-ocultos/gmx-niv18-con135.htm

(El original lo puedes encontrar aquí)

 

En realidad su actividad está muy cerca de una tendencia posmoderna llamada apropiacionismo. Este estilo, nacido en EE UU en los 80 y 90 es una vuelta al arte y cultura de siglos anteriores para volver a mirarla, aunque normalmente desde una óptica irónica, histórica, llena de guiños y de segundas intenciones. Uno de los fotógrafos más conocidos de la misma es Morimura, que recrea cuadros históricos poniendo su rostro (o cuerpo entero) al personaje principal. La imagen resultante, pese a ser fácilmente reconocible, resulta chocante y critica tanto el eurocentrismo típico de la cultura hasta el siglo XX como nuestra propia forma de percibir la obra de arte

 

 Morimura como la nueva infanta Margarita de Velázquez

Tomado dehttps://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-d146d9c4afa90bf5331eeff8aba3cc72.jpg

 

Esta técnica ha sido utilizada- acaso excesivamente- en la publicidad actual, aunque sus antecedentes ya los podríamos encontrar en Picasso y su recreación de las Meninas o las obras finales de Andy Warhol, como la Última Cena de Leonardo que tantas variantes ha tenido en la posmodernidad 

Sin embargo, el verdadero iniciador de esta manera irónica de reflexionar sobre el arte clásico y la forma que tenemos de verlos fue Duchamp

Con su famosa Gioconda L.H.O.O.Q. . Una reproducción del Museo del Louvre al que el artista pintó bigotes y perilla y puso unas extrañas siglas que, leídas en francés, parecen decir algo parecido a ella está caliente.

   

Duchamp L.H.O.O.Q

 Tomado de http://performactiva.blogspot.com/2008/08/discusin-en-torno-las-clases.html

En http://adolfopayes.blogspot.com/2008/03/marcel-duchamp-parte-2.html   se puede encontrar un buen artículo sobre ella)

 

Lo que diferencia a Ballester de las obras anteriores es su terrible respeto a la obra de arte, en la que interviene para (tal vez) darle aún más pureza y poder ver en toda su potencia las distintas formas de perspectiva utilizadas o el maravilloso control de la luz en sus más sutiles matices de Vermeer  

 

 

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-aa8aff72449dc765096b2c62373a3584.jpg

 

Aunque (y esto es una opinión sumamente personal), también producen una tristeza tremenda, una soledad sin límites, algo opresiva, como en las famosas Meninas

 

 Tomado de http://fotonic.es/blog/photoshop-el-gran-aliado-del-fotografo-ballester-para-crear-espacios-ocultos/gmx-niv18-con135.htm

 

Algo parecido a los escenarios terriblemente vacíos de un pintor que fue uno de los favoritos de los surrealistas: Giorgio de Chirico del que ya hablamos aquí.

 

 

Tomado de http://passages.blog.com/2008/3 

 

Pero también a sus famosas fotografías de arquitecturas en construcción en donde el vacío se enseñorea de todo y el hombre queda reducido a un puro índice, una presencia oculta (Aquí las comentamos)


 

En este vídeo os enseñan las principales obras del autor

 

Si queréis saber más de la exposición podéis ver la página de Distrito Cuatro http://www.distrito4.com/Exposicion.asp?Id=68#

 

También es muy interesante pasearse por la página del propio artista http://www.josemanuelballester.com/espanol/exposicionEspaciosOcultos/textoEspaciosOcultos.htm

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE ARTE ACTUAL

 

Vicente Camarasa

 

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EL CORRAL DE LA CRUZ Y EL CALLEJÓN DEL GATO. MÁS DE TRESCIENTOS AÑOS DE TEATRO Y UNAS BRAVAS

Ahora es un rincón más del Madrid antiguo, pero en su espacio se atesoran cuatro siglos de la mejor literatura.

Si os colocáis en la esquina de la calle de la Cruz con Álvarez Gato veréis una pared medianera en donde se ha pintado un gran trampantojo en donde la calle se reflejaría a sí misma. En la parte baja de él (encima de unos graciosos graffiti) un caballero ataviado a la antigua tiene un cartel explicativo. Sólo si lo leemos sabremos que allí mismo estuvo el famoso Corral de la Cruz (junto al del Príncipe el corral de comedias más famoso de Madrid).

 

Plano del Corral de la Cruz

Tomado de http://www.uco.es/~l72gaagi/plan3_ccru2.htm

 

Siempre se contó que éste, más popular, era el preferido de Felipe IV que acudía a él embozado para esconderse en uno de los aposentos y poder observar a su gusto a una de sus amantes más duradera, la famosa Calderona, que fue la madre de D Juan José de Austria, rey por tres años en el convulso tiempo de Carlos II

 

La Calderona

Tomado de http://www.iesleonardodavinci.cat/blogger/media/3/20060409-CAL03.jpg

 

También trabajó en este corral uno de los más famosos actores de la época, apodado Juan Rana. Contrahecho y enano se especializó en papeles de marido cornudo y gracioso.

Si hacemos caso a los rumores de la época fue abiertamente homosexual, pero la protección directa de Felipe IV (y luego de Carlos II) evitó su condena por parte de la Inquisición. Quizás fue también un pequeño escudo frente al Santo Oficio, su popularidad entre el público, de quien siempre fue el favorito. Su fama y talento le llevó a tener el honor de que el mismísimo Calderón de la Barca hiciera un entremés sobre su vida que, lógicamente, interpretó él.

 

Juan Rama

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Juan_Rana_-_An%C3%B3nimo_del_siglo_XVII.jpeg

 

Pero trescientos años de aquesto, otro mito de la literatura gustó de este sitio, el siempre polémico Valle Inclán.

 

Valle Inclán

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Valle-Inclan.jpg

 

Su figura, casi pintada por el Greco, paseó por estos lugares y en ellos localizó alguna de las escenas de su obra más conocida. Luces de Bohemia, como cada 13 de septiembre se recuerda en un paseo alucinante por la obra a través del Madrid antiguo.

 

Aún más, una de sus aportaciones más importantes, el esperpento, el propio autor la situaba aquí, en los espejos del callejón del gato, que deforman a las personas hasta hacerlas ridículas.

 

Los espejos actuales de la calle son modernos, pero en el interior del bar las Bravas (que tiene patentada su salsa brava) aún podéis encontrar los originales, lamentablemente hechos añicos por una noche de bandalismo.

 

Para saber más.

Sobre Juan Rana

http://cvc.cervantes.es/obref/criticon/PDF/050/050_081.pdf  

 

Sobre el Corral del Príncipe en Madrid (Visita virtual)

http://aix1.uottawa.ca/%7Ejmruano/Corral.html  

 

Vicente Camarasa

 

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05/10/2008 20:48. sdelbiombo #. Madrid Hay 2 comentarios.

LA NATURALEZA CONVERTIDA EN ARQUITECTURA. GAUDÍ (Primera Parte)

 

 

 

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet  

Gaudí. Park Güell. Dragón de la escalinata principal.

 

El MODERNISMO, paradigma de la FANTASÍA y el COLOR en arquitectura, se desarrolló durante las ÚLTIMAS DÉCADAS DEL SIGLO XIX y los PRIMEROS AÑOS del SIGLO XX, rompiendo con la línea artística tradicional.

En este momento, una BURGUESÍA ACOMODADA (en un intento por diferenciarse del resto), trata de quedar reflejada en un arte que BUSCA LA BELLEZA y la elegancia (que habían sido olvidadas con la arquitectura del hierro y el cristal, a favor del funcionalismo) a través de las FORMAS CURVAS, ASIMÉTRICAS E IRREGULARES, la INSPIRACIÓN en la NATURALEZA y los COLORES VIVOS. Este NUEVO ESTILO con características tan peculiares, queda representado por numerosos autores en toda Europa como Mackintosh (Escocia), Otto Wagner(Austria),Marc Klinger (Alemania), Víctor Horta (Bélgica), Guimard(Francia) pero es sobre todo en CATALUÑA(lugar abierto a las corrientes de Europa ) donde cobra especial importancia gracias a figuras como GAUDÍ.

 

Aunque considerado por muchos como un artista excéntrico y obsesionado por lo pintoresco hasta el extremo de lo absurdo, lo cierto es que, a pesar del tiempo transcurrido, las obras de este APASIONADO DE LA ARQUITECTURA y DEVOTO DE LA VIRGEN MARÍA, siguen siendo hoy objeto de estudio y admiración.

 

Gaudí. Sagrada Familia.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet

 

 

Con un GRAN INGENIO y una IMAGINACIÓN DESBORDANTE, con frecuencia utilizará en sus edificios pequeños elementos cotidianos tales como AROS METÁLICOS, TROZOS DE BOTELLAS, MUELLES DE SOMIERES Y AZULEJOS TROCEADOS( TRENCADÍS), combinados con materiales como el hierro, el cemento y el cristal( tratando de no renunciar a las nuevas tecnologías), a lo que se sumarán colores intensos y MOTIVOS VEGETALES (que aparecen en la decoración del Capricho o La Casa Vicens junto con CERÁMICA VIDRIADA y REFERENCIAS ISLÁMICAS)

 

 

 

 

Gaudí. El Capricho

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet

 

Serán también frecuentes las FORMAS FANTÁSTICAS (en la Casa Batlló el tejado se ha convertido en el lomo de un dragón con escamas rosas y verdes)

 

 

 

 

Gaudí. Detalle tejado casa Batló

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet

 

 

Las FORMAS ORGÁNICAS de nuevo en la Casa Batlló cuyas columnas se han convertido en huesos de animales prehistóricos y los balcones recuerdan a rostros humanos o máscaras de carnaval)

 

 

 

 Columnas de la fachada de la fachada Casa Batló.

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet

 

Otras permiten una libre interpretación en función de las experiencias del espectador. Son las llamadas SUGESTIONES (también empleadas por DALÍ y el arquitecto Calatrava), cuyo mejor ejemplo se observa en las chimeneas de la Casa Milà (La Pedrera), en las cuales, los más apasionados del cine, encuentran un parecido razonable con los cascos rojos que aparecen en la famosa película STAR WARS.

 

 

Gaudí. La Pedrera. Chimeneas

 

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet

 

Sin embargo, a pesar de que en todas las obras anteriores ya queda patente la genialidad de Gaudí, merece especial atención El PARK GÜELL(encargado por el rico empresario y mecenas Eusebi Güell), donde COMBINA a la perfección NATURALEZA y ARQUITECTURA.

Se trataba de un proyecto ambicioso ( unas 15 hectáreas), surgido como consecuencia de la idea de ciudad jardín, donde habría zonas de uso público. Todo allí es como una especie de ciudad imaginaria en miniatura, con una escalinata griega (reproducción de la colina de Delfos) y tres fuentes, que representan respectivamente la naturaleza, la cabeza del dragón alado(símbolo de Barcelona, con la que Gaudí estaba muy interrelacionado) y una iguana policromada (en alusión a Pitón, el dragón vencido por Apolo en Delfos y guardián de las aguas subterráneas) que conducen hasta el TEMPLO DÓRICO, que si bien recuerda a los templos griegos, juega con ellos modificando las columnas(aparecen torcidas) y tallando GOTAS (en alusión a las cabezas de los clavos cuando los templos se realizaban en madera)

  

 

 

 

Gaudí. Park Güell. Detalle entablamento y sus irónicas gotas

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet

 

Y es que, como los buenos modernistas, Gaudí NO COPIA LA HISTORIA SINO QUE LA REINVENTA A SU MODO.

 

Por último, el BANCO del Park Güell, ONDULANTE Y CONTINUO (pues son las formas continuas las perfectas en la naturaleza), con ORACIONES INSCRITAS en cada pieza del mismo, al revés para que la Virgen María pudiera leerlos desde el cielo), de colores que más tarde se emplearán en la Sagrada Familia( amarillo, verde y azul sobre fondo blanco) y recubierto con TRENCADÍS (consistente en azulejos troceados que se adaptan a una superficie curva, formando una especie de mosaico), un rasgo distintivo de Gaudí ENTRE LO SUBLIME Y LO KISTCH Y QUE ALGUNOS CONSIDERAN EL INICIO DEL ARTE ABSTRACTO.

 

 

 

 Park Güell. Trencadís

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Antoni_Placid_Gaud%C3%AD_i_Cornet

 

Mar San Segundo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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06/10/2008 20:51. sdelbiombo #. modernismo Hay 2 comentarios.

¡CUIDADO, ARTE GRIEGO! EL VERDADERO ROSTRO DE LO CLÁSICO

A menudo nos ocurre que, cuando estudiamos arte clásico, y en especial, arte griego, solemos cometer graves problemas de apreciación pues, como decía Benevolo, miramos el arte clásico con ojos y pensamiento moderno. Pongamos algunos ejemplos.

 

Discóbolo. Mirón

 

El espíritu clásico de la belleza suele ser un tópico en el estudio del arte griego, cuando realmente sólo podríamos hablar de él en la época severa (en su búsqueda de eliminar los rasgos arcaicos) y en el periodo clásico, el famoso de Pericles.

A partir del IV, sin embargo, este modelo de belleza basado en cálculos geométricos y aritméticos cede a favor de una mayor expresión, ya sea de fuerza y tensión (Scopas) como de una belleza amanerada, tan exquisitamente idealizada que rompe el canon, busca posturas elegantes pero inestables, de Praxíteles.

Luego, a partir del llamado helenismo de III, la tensión, el desgarro emocional, la fealdad incluso es la característica fundamental, y sólo el arte más clasicista (neoaticismo de Venus de Milo o el hermafrodita) intenta una cierta tranquilidad aunque llena de trampas en proporción, motivos…

Mirad estas fotos y podréis comprobar que todo el arte griego ni fue bello ni tendió a la idealización.

Metopa arcaica


 

 

Lisipo. Hércules Farnesio (Periodo postclásico, siglo IV a C)

 

 

Si esto pasa en la belleza de la escultura, aún resulta más problemático entender verdaderamente lo que pudo significar la arquitectura para los griegos. En primer lugar, y tal vez cegados por los tópicos de la Acrópolis, pensamos en una arquitectura monumental y extremadamente calculada. Pero ésta sólo fue la pública, mientras las casas privadas eran pequeñas y poco acogedoras. Incluso la idea del urbanismo griego que luego retomarían los romanos, es en realidad un invento de Hipódamos de Mileto en el siglo III, mientras la famosa Atenas de Pericles del V tenía, fuera de la Acrópolis y el foro, unas calles estrechas, sombrías, mal planificadas, con casas de materiales pobres y sin ningún tipo de ambición estética.

 

También en la arquitectura deberíamos tener en cuenta dos características propias. Por una parte ahora encontramos ruinas o, en el mejor de los casos, restauraciones más o menos afortunadas. Así, ver un templo sin techo o las columnas a la altura del pecho, difícilmente nos podemos hacer una idea del espacio arquitectónico griego, muy poco interesado en los interiores, por lo demás bastante oscuros y con escasa diafanidad.

 

 

Posible reconstrucción interior del Partenon con la estatua de Fidias de Atenea Partenos

Tomado de http://lamontalbana.blogspot.com/2007_06_01_archive.html

 

 

Por otra parte, y muy importante, sería el color. Nuestra memoria colectiva identifica el arte clásico con el mármol blanco, sin añadidos, tanto en arquitectura como en escultura. Sin embargo, esto es una invención del Renacimiento, pues de sobra conocemos que los templos y esculturas griegas estaban policromados, habitualmente en fuertes tonos…

Tomado de desvan-cultura.blogspot.com.es


Con solo pensarlo nos rompe por completo la idea de belleza clásica, ¿no es cierto? Pero es que esta belleza nunca existió realmente hasta el siglo XV y XVI en donde se decidió que la escultura clásica era monócroma (Donatello, Miguel Ángel…).

Fijaros en los originales (su propuestas de restauración) y lo que ahora conservamos y vosotros mismos os daréis cuenta de todo lo que puede cambiar el llamado arte clásico

 

 

Tomado de http://terraeantiqvae.blogia.com/2007/013101-el-museo-nacional-de-arqueologia-de-atenas-presenta-a-partir-de-hoy-una-exposici.php

 

 

Reconstrucción de Atenea Lennia de Fidias

Tomado de http://terraeantiqvae.blogia.

 

 

Como puede verse en estos pequeños ejemplos (habría muchos más y los podéis encontrar aquí ), lo que nosotros entendemos en la actualidad por arte clásico y lo que fue verdaderamente, dista bastante, pues en el fondo el arte clásico constituye para occidente más un mito que una realidad, algo conocido más por descripciones y copias (pensad que casi el 80% de la escultura griega es en el fondo una copia romana, a menudo de una calidad muy inferior a la que debió tener en su origen). Esto llega a crear múltiples variantes de las mismas obras griegas, según la copia romana elegida. En ese sentido es especialmente conocido el Diadúmeno que conserva el Prado que, por un error de restauración tiene la mano mal colocada

 

 

Diadúmeno como atleta que levanta los brazos para ajustarse la cinta del pelo (probablemente el más parecido al original)

 Tomado de

http://upload.wikimedia.org

 

 

Diadúmeno del Prado. Mira qué ocurre con su brazo izquierdo

Tomado de yoandynombrar.blogspot.com.

 

 

Nos movemos, por tanto, en un terreno resbaladizo, con el que tenemos que tener cuidado y, si podemos, distinguir el arte clásico real al que imaginaron (e incluso en numerosas ocasiones reinventaron) los renacentistas y neoclasicistas, que es el fondo la idea que tenemos nosotros en la actualidad.

La pregunta que se extrae de todo esto es clara. ¿Cómo es el arte griego, como nos han contado siempre y hemos visto en los museos o como era en el tiempo de los propios griegos?

 

Vicente Camarasa.

 

 

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07/10/2008 17:51. sdelbiombo #. Arte griego Hay 7 comentarios.

LA HISTORIA DE COLONIA EN POCAS PALABRAS

 

 

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Colonia_(Alemania)

 

Colonia, la cuarta ciudad de Alemania con una población actual de algo más de un millón (1.022.000 según el último censo) de habitantes, está situada en las orillas del río Rin a una altura media de unos 60 metros. Junto a Friburgo, es la ciudad alemana cuyo clima es el más templado, con las temperaturas más altas de Alemania y – lamentablemente – también la que más días de lluvia tiene a lo largo del año. A pesar de ese tiempo a veces gris“, Colonia es considerada la ciudad más latina de Alemania, no sólo por sus Carnavales tan famosas, y tiene fama de ser la más abierta y alegre de Alemania.

 

El escudo de Colonia muestra en la parte superior tres coronas que simbolizan los Tres Reyes Magos, patronos de la ciudad y enterrados en el sarcófago de oro en el coro de la catedral, y en la inferior once llamas que representan las 11.000 vírgenes según la leyenda martirizadas junto a Santa Úrsula, patrona de Colonia.

 

 

Colonia es la tercera ciudad alemana más antigua, después de Treveris y Maguncia, y fue fundada a mediados del primer Siglo antes del nacimiento de Cristo como colonia militar por los romanos que la bautizaron a principios oppidum Ubiorum. En el año 50 a. C., la emperatriz romana Agrippina, esposa del emperador Claudio y nacida en oppidum Ubiorum“, eleva la colonia al rango de una ciudad romana que empezó a llevar el nombre Colonia Claudia Ara Agrippinensium“, convirtiéndose junto a Treveris en la ciudad más importante que tuvo el Imperio Romano en las tierras de Germania.

 

Hacia 450 d. C. terminó el dominio romano en Colonia a causa de la invasión de tribus de germanos y formó parte del imperio de los francos. La evangelización cristiana, ya muy fuerte durante la época romana, se iba completando y Colonia se convirtió en una sede arzobispal de primera categoría. La antigua catedral románica se empezó a construir en el Siglo IX. En el año 1164, después de conquistar la ciudad rebelde de Milano y a modo de castigo, el emperador del Sacro Imperio romano-germánico - Federico Barbaroja - robó las famosas reliquias de los Tres Reyes magos para entregarlos al arzobispo de Colonia. A fin de acoger en condiciones a los peregrinos que venían a ver las reliquias milagrosas y cuyo número iba creciendo más cada año, el cabildo catedralicio de Colonia decidió construir una nueva catedral: grande y en el nuevo “estilo francés“ (gótico).

 

 

La espectacular catedral gótica de Colonia

 

En el año 1248 el arzobispo Konrad von Hochstaden colocó la primera piedra y hasta 1320, el coro de la catedral fue terminado completamente, incluyendo las magníficas vidrieras – casi todas fueron salvadas, escondiéndolas en un lugar seguro durante la Segunda Guerra Mundial y han vuelto a su sitio.

Durante el Siglo XIV, Colonia llegó a ser la mayor ciudad del Sacro Imperio romano-germánico con unos 50.000 habitantes y el centro de comercio más poderoso en la Europa Central. Políticamente, durante toda la Edad Media (y hasta la invasión napoleónica en 1794), Colonia tenía el estatuto de ciudad arzobispal libre, gobernada por su arzobispo como si hubiera sido un príncipe secular. El arzobispo coloniense, junto a los de Treveris y Maguncia, fue uno de los tres príncipes clericales que en una junta con los cuatro seculares (el rey de Bohemia, el margrave de Brandemburgo, el duque de Sajonia y el conde del Palatinado) tenían el derecho de elegir al Emperador del Sacro Imperio romano-germánico.

 

Colonia en el siglo XVI

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Cologne

 

Durante siglos, la mayoría de los arzobispos de Colonia dedicó mucho más tiempo a la ampliación de su poder político y la acumulación de riquezas que al gobierno de las almas. Y la población rebelde de Colonia, orgullosa de su poder económico, se levantó en tres ocasiones para expulsar a su arzobispo de la ciudad: en 1074 (fracaso), en 1250 (fracaso) y en 1288 (con cierto éxito: el arzobispo residía fuera de la ciudad desde aquel año y hasta el Siglo XIX, pero seguía reinando en el arzobispado, aunque no directamente en la ciudad de Colonia).

La ciudad demostró su poder también en los campos de la cultura y la ciencia. Albertus Magnus (1200 – 1280), quizás el coloniense más ilustre e importantísimo científico, teólogo y filósofo de la Edad Media, estudió en la Sorbonne de París, donde luego desempeñó una cátedra, antes de volver a Colonia, donde dio importantes impulsos a la discusión científica y en 1248 fundó una escuela superior en el convento de los dominicanos que iba a ser la precursora de la Universidad. En 1388 se fundo la Universidad de Colonia (como primera universidad municipal de Europa, no eclesiástica), la tercera más antigua de Alemania, después de Heidelberg y Erfurt.

 

Otra gran figura de la vida cultural en la Colonia medieval fue el pintor gótico Stefan Lochner (1400 – 1451) quien obtuvo fama en toda Alemania y cuyas obras maestras, el Tríptico de los Padrones de la Ciudad (Adoración de los reyes Magos, en el coro de la Catedral de Colonia) y el Juicio Final que se encuentra junto con la famosa y encantadora„Virgen en el Rosal en el museo de Bellas Artes de Colonia (Wallraff-Richartz-Museum).

 

 

Lochner. El Juicio Final

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Stefan_Lochner_006.jpg

 

Hacia 1520, paralizaron la construcción de la Catedral, debido a faltas de recursos y también porque el estilo gótico ya no estaba de moda. La torre sur de la Catedral quedó a una altura de 60 metros, la torre norte a la mitad más o menos. En el Siglo XVI dos arzobispos de Colonia se convertían al protestantismo, intentando de introducir la libertad religiosa: el primero abdicó, el segundo, Gebhard Truchsess, fue derrotado en 1588. Después la sede arzobispal de Colonia fue ocupada por la dinastía bávara de los Wittelsbacher – hasta 1761.

El último de los arzobispos bávaros fue Clemens August, importante mecenas quien mandó construir en estilo rococó el Palacio de „Augustusburg“ cerca de Colonia, hoy patrimonio universal de la UNESCO.

Entre 1794 y 1814 Colonia fue ocupada por las tropas francesas de Napoleón. La influencia francesa llegó a invadir muchos ámbitos de la vida y hasta el dialecto de Colonia que adoptó muchas palabras francesas. Después de la derrota de Napoleón, en 1815, Colonia – sin demasiadas ganas - formó parte del Reino de Prusia, perdiendo su estatuto de ciudad libre y dependiendo de las autoridades del rey luterano en Berlín.

Para muchos colonienses, una fecha sumamente importante en la historia de su ciudad fue el 1823 cuando por primera vez organizaron el gran desfile de Carnaval (Lunes de las Rosas), convirtiendo en oficial las actividades carnevalescas populares que existían ya desde mucho tiempo. En los Carnavales era (y es) muy común burlarse de las autoridades, y en el Siglo XIX, sobre todo las nuevas autoridades prusianas eran el blanco de los ataques humorísticos y parodias durante los Carnavales.

Pero hay que reconocer también que sin el apoyo real de Prusia, la Catedral de Colonia difícilmente habría sido terminada. Finalmente en 1842, el Ayuntamiento de Colonia decidió en acuerdo con las autoridades prusianas concluir la catedral inacabada, la más grande de Alemania que debía convertirse en un símbolo nacional. En el año 1880, se celebró el remate de la obra gigantesca y durante ocho años (hasta la terminación de la Torre Eifel de París), las dos torres de la Catedral coloniense con su altura de casi 160 metros, podían presumir de pertencer al edificio más alto del mundo.

Entre 1917 y 1933, el futuro Chanciller de Alemania, Konrad Adenauer, ocupó el cargo de alcalde mayor de Colonia y como opositor a los nazis fue echado del Ayuntamiento en el 1933.

 

Durante la Segunda Guerra Mundial, más de 90% del casco antiguo de Colonia fue destruido por los bombardeos, sólo la Catedral se salvó por milagro, siendo respetada y sólo dañada levemente. Pero las 12 magníficas iglesias románicas (salvo la más pequeña, Santa María Lyskirchen) fueron destruidas en su mayor parte y su reconstrucción iba a durar hasta 1985.

 

 

Colonia tras la II Guerra Mundial

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Colonia_(Alemania) 

 

Aquí vamos a presentarlas, empezando al revés – con la más joven que se encuentra en el extremo norte del casco antiguo: San Kunibert…

Berthol Volberg

09/10/2008 07:11. sdelbiombo #. Colonia No hay comentarios. Comentar.

HASTA LA INQUISICIÓN FUE OBJETO DE ARTE

Auto de Fe Pedro. Pedro Berruguete. Siglo XV

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Inquisition_in_art

 

La Inquisición fue creada por los Reyes Católicos (Isabel y Fernando) a finales del siglo XV con un gran objetivo: conservar la pureza de la religión católica.

 

Tras el decreto de expulsión de los judíos en 1492, estos podían elegir y cambiar su religión por el cristianismo o emigrar de España. La mayoría de las veces lo judíos mentían y se hacían pasar por cristianos ante los ojos de la gente, pero en realidad continuaban practicando su antigua religión. Son los famosos marranos a los que más tarde se unirían los moriscos.

 

Aunque hubo varios procedimientos el fundamental fue el Edicto de fe, texto publicado por el Inquisidor del Reino exigiendo a los buenos cristianos, por la salvación de su alma, que dieran cuenta al Santo Oficio cualquier tipo de sospecha ante actos considerados judíos o moriscos (un simple baño podía serlo), atentar en algún punto contra la Santa Fe Católica o cometer herejía, manteniendo una opinión que se encontrara en oposición de la ortodoxia católica. Los habitantes de un pueblo podían así denunciar a sus vecinos por medio de cartas anónimas.

 

En el Tribunal se jugaba con el miedo y la psicología de las personas, consiguiendo en la mayoría de los casos un efecto negativo sobre el acusado. Para ello se le encerraba a veces casi un mes sin comunicarle los delitos de los que se acusaban, tomándoles declaración ante un macabro tribunal que simplemente les preguntaba si en algún momento habían ofendido la fe católica.

 

Goya. Tribunal de la Inquisición

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Inquisition_in_art

 

Si estos métodos no tenían efecto se recurría a la tortura para sacar declaraciones.

Para las mujeres el tormento era ponerlas un pañuelo en la boca (la toca) e ir echándole agua encima. De este modo, cuando ella intentaba respirar, poco a poco se le iba llenando el estómago de agua Si aguantaban esto las ponían de pie y le daban pequeños golpes en el estómago de tal manera que el agua golpeaba las paredes del estómago o, vuelta cabeza abajo, el diafragma.

 

Tormento de la toca

Tomado de http://www.pachami.com/Inquisicion/Espa.htm

 

Si era hombre se le ataba de pies y manos en el potro, mientras que el inquisidor hacía que se girase una rueda que tiraba de las correas a las que estaba atado.

También se les colgaba en un gancho en el techo (garrucha), con lo que poco a poco se le dislocaban loas articulaciones y se rompían los ligamentos y músculos.

Las largas sesiones de tortura hacían que muchos prefirieran la muerte al dolor, confesando delitos en ocasiones falsos.

 

Tormento de la garrucha

http://www.pachami.com/Inquisicion/Espa.htm

 

Tras todo ello se hacía un Auto de fe en el que se reunían a todos los acusados en una plaza, leyendo allí mismo su castigo, desde la muerte en la hoguera (en el mismo lugar en el que hoy en día se encuentra la Puerta de Alcalá) a los azotes

 

 

Rizzi. Auto de fe en Madrid, siglo XVII.

Tomado de  http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Inquisition_in_art

 

Uno de los castigos más populares era el escarnio público, en el que el condenado era exhibido en público para que éste pudiera agredirlo, escupirlo, apedrearle e incluso tirarle sus excrementos desde las ventanas

 

Goya. Caprichos. Escarnio público

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1798.htm

 

Lucas Velázquez (discípulo de Goya).

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/jpg/LUC01348.jpg

 

Incluso cuando el acusado no era formalmente condenado y salía con vida de las Cárceles de la Inquisición, su castigo seguiría día a día, esta vez juzgado por la gente corriente que le sumiría en una humillación constante.

De la misma forma, las familias de los condenados sufrirían también las consecuencias: persecución popular, pérdida de sus casas y posesiones que pasaban a la Inquisición…

 

La Inquisición tenía un enorme poder ideológico sobre las personas, utilizando el miedo a sus torturas y sentencias, y permitiendo así manejar mejor los distintos territorios de España, gobernados por una misma dinastía pero cada uno con sus distintas leyes e incluso idioma. Una especie de pegamento que mantuvo unido los pensamientos de tan diversos reinos y personas.

 

Texto reelaborado desde los comentarios de texto realizados por Sergio, Nardo Pamela Salazar, Arantxa Redondo, Ismael, Itziar López, Noelia Díaz,, Sara Mª Gómez, Sonia Martínez, Catalina, Vanesa, Elena Gómez, Juliana Avellaneda, Carla Muela, Marta Martínez (alumnos de 4º ESO A SIES La Poveda de Campo Real)

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09/10/2008 18:52. sdelbiombo #. Renac. España Hay 15 comentarios.

IGLESIA DE SAN KUNIBERT. COLONIA

 

Esa basílica románica que lleva el nombre de un canonizado obispo de Colonia del Siglo VII  fue construida a partir de 1210 y terminada en el año 1247, siendo la más joven de las doce iglesias románicas de Colonia. Como todas (menos Santa María Lyskirchen) tuvo que ser reconstruida después de la Segunda Guerra Mundial. No obstante, todavía guarda algunos tesoros de su decoración original y hoy se presenta sin las poco adecuadas añadiduras barrocas.

San Kunibert tiene tres torres, siendo la mayor la torre que domina la fachada oeste, mientras que las dos torres del lado este enmarcan la galería renana del coro.

 

 

La galería renana son los arcos superiores, poco profundos

 

El exterior de la iglesia parece algo austero, debido también al hecho de que toda la fachada oeste tuvo que ser reconstruida por completo. Se entra por un portal con una puerta de bronce moderna, pero interesante.

 

 

En el interior, sorprende la luminosidad y lo primero que llama la atención son las vidrieras – muy grandes para una iglesia románica (las de la fachada del oeste serán más grandes que las originales). Sin duda, el tesoro más grande de esa iglesia majestuosa son las auténticas vidrieras románicas de 1230 que se encuentran en el ábside del coro de San Kunibert y pertenecen a las más antiguas de Alemania. Muestran la leyenda de San Clemente, el árbol genealógico de Jesús y Santa Úrsula, la santa coloniense más popular. Otra obra maestra de la decoración original son las dos esculturas monumentales del Siglo XV que forman el grupo de la Anunciación y están fijadas a las dos columnas que enmarcan la entrada al coro.

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Quedan restos de los frescos medievales en distintos estados de conservación: los del baptisterio al lado izquierdo del coro parecen lamentablemente bastante deteriorados, mientras que los del coro se han conservado mejor.

Recientemente, han instalado una cámara trasparente como relicario cerca de la entrada. Ese relicario contiene interesantes bustos (góticos y originales en su mayoría) de santos que guardan reliquias.

 

 

 Texto: Berthold Volberg. Fotografías Thomas Jaeckel

09/10/2008 23:06. sdelbiombo #. Colonia No hay comentarios. Comentar.

TRIANA Y SU REINA. LA ESPERANZA DE TRIANA

Cuando se atraviesa el Puente y uno deja atrás Sevilla no se puede dejar de recordar que, durante tantos siglos, Triana fue una ciudad distinta, unida por un débil puente de barcas amarradas por cadenas que las riadas del Guadalquivir desbarataban de un solo golpe. 

 

 

Era entonces el espejo de Sevilla del esplendor barroco, acaso su reverso, tal vez ella misma mirada con los ojos de dioses más humanos e imperfectos

Una ciudad de alfareros y marineros que miraba la nobleza de su hermana alzada en la Giralda y era distinta, popular y llena de voces. Un laberinto de pasiones en las corralas que aún perduran, llenas de flores sencillas para adornar las noches largas de flamenco y conversación, de la bulla de la fiesta y el silencio clamoroso que sólo saben manejar sus vecinos.

 

De alguna manera, algo de todo esto queda aún si uno deja la plaza del Altozano (en la que estuvo la Inquisición) y busca la sombra de la calle Pureza, cada vez más estrecha para poder acomodar a la multitud de la Madrugá esperando a su reina.

Su recorrido es curvo, lleno de casas pintadas de almagre y albero, con sus balconcillos hoy vacíos desde los que cada Semana Santa caerán decenas de kilos de pétalos de flores al paso del palio de la Esperanza.

 

Tras caminar unos minutos se llega a ver la espadaña de la Capilla de los Marineros. Muy cerca está Santa Ana, la catedral de Triana que una vez al año pierde sus poderes para concedérselos a esta pequeña capilla en donde se concentra, como si fuera una bola de luz, la fe, la alegría y los dolores de una multitud que espera pacientemente hasta la dos de la mañana, cuando las puertas se abran y el olor de las flores abra el hueco preciso para que el Cristo de las Tres Caídas inicie el cortejo.

 

Capilla marineros

 

Detrás estará Ella, haciéndose esperar como sólo las reinas saben. Una simple figura de madera, lágrimas de cristal y vestidos bordados que con su sola mirada hará desaparecer las dudas de su simple apariencia. Pues siu cuerpo vacío de    irradia fuerza, una paz inextinguible en el pecho que te hace respirar tranquilo, renovado y fresco, como si el mundo pudiera aún tener remedio y las cosas pudieran reinventarse de nuevo; ser uno lo que siempre quiso ser y saber que la emoción es un llorar riendo, pues acaso todo sea lo mismo y el zen del que tanto habla el visitante pueda tener el rostro de una virgen andaluza caminando por las calles.

 

 

Con todas estas hormigas dentro del pecho se entra en la capilla, se quisiera entrar, pues hoy es imposible hacerlo. La hermandad está ampliando el pequeño templo y su virgen se encuentra en Santa Ana, esperando sin prisa, pues sabe que tiene todo el tiempo del mundo.

Todo el tiempo, porque ya está parado, y aunque el altar se encuentre en restauración y se acompañe con la Virgen del Rosario, La Esperanza reina sobre el aire incensado de la catedral. Un imán atrayendo a los visitantes que se quedan quietos, absortos, perdidos en la mirada tiernamente triste de aquella figura que, de no existir, habría que haberla inventado.

 

Pues la multitud entera y tú sólo ante Ella. Ya sin palabras, sólo el cuerpo ondulado por dentro, Remolinos de colores y acaso imágenes que sólo servirán para recordar lo feliz que puede a llegar a ser uno ante el arte convertido en espíritu.

Hay más artículos y fotos de la Esperanza de Triana aquí

 

 

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Vicente Camarasa

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10/10/2008 08:14. sdelbiombo #. Sevilla No hay comentarios. Comentar.

UNA MASCOTA PARA EL BLOG

 

 

Sara, una alumna de 4º ESO de mi nuevo instituto de Campo Real ha dibujado una mascota para el blog. El problema es que le falta nombre.

Ya se han planteado algunos (Biombito, Nicu, Tachón, West, Di...), pero espero vuestros comentarios e ideas para poder bautizarla definitivamente

 

10/10/2008 20:58. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 16 comentarios.

CIUDADANO KANE. EL PODER DE LA PRENSA EN LA MEJOR PELÍCULA DE LA HISTORIA

 

 

Tomado de http://lacomunidad.elpais.com/tonibamu/2008/3/29/votaciones-mejor-pelicula-la-historia

 

Hemos empezado con Chaplin, y tomando el camino del cine, yo quiero hablar de Ciudadano Kane.

Las conexiones con la actualidad son patentes, para empezar el personaje al que hace referencia el film (Hearst), fue ciertamente una de las figuras mas importantes en la historia de la prensa (como dato rivalizó y no descansó hasta hundir al mismísimo Pulitzer, ¿os suena?, con noticias inventadas y campañas de descrédito a quien se le cruzara en su camino).

Desde sus principios fue consciente del poder de los medios. «El poder de un periódico es la mayor fuerza dentro de cualquier civilización». LLegando a jugar un papel importantísimo para que EEUU declarara la guerra a España en Cuba, tras el sospechoso hundimiento del Maine.

 

 

Tomado de http://www.decine21.com/Peliculas/Ciudadano-Kane-6419.asp?id=6419

 

Sus actividades periodísticas lo incluyen todo, dede la crisis del 29 (ni desaceleración ni crisis, directamente "Crak") los entresijos de la política americana, con campañas y elecciones.

Sería pecado no citar a Orson Welles, protagonista, guionista y director de la película. Maestro de maestros, aportó novedades tanto técnicas con los picados de cámara, los claroscuros de la fotografía, como en el desarrollo del relato que empieza por el final y va construyendo la película en un zigzag de presente y pasado que han hecho considerar a Ciudadano Kane como la mejor película del s. XX.  

 

 

 

Tomado de

http://sinruedecillas.blogspot.com/2008/04/ciudadano-kane-orson-welles.html

 

Ah, y a ver si sabéis qué es «Rosebud».

 

Susana

 

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12/10/2008 09:08. sdelbiombo #. CUIDADO, TELEVISIÓN No hay comentarios. Comentar.

CUANDO LA POBREZA HACE CIUDADES (I PARTE)

 

Favelas de Caracas

Tomada de

http://javierferrer.com/2007/10/09/venezuela-huele-pega-ley-de-la-calle-1999/

 

La ciudad la crean sus habitantes por mucho que quiera organizarla sus gobernantes. Estos sólo consiguen reorganizar lo ya pasado y, en el mejor de los casos, intentan crear proyectos que nunca se desarrollan tal y como se pensaron, pues lo ciudadanos los irán poco a poco cambiando.

Esta idea es mucho más clara en lo que se refiere a las zonas de pobreza en donde la autoconstrucción (chabolas) es lo normal, siendo la creación de las ciudades (en este caso concreto) un exacto conjunto de miles de decisiones individuales.

Este fenómeno es cada vez menos importante en las ciudades desarrolladas, aunque siga existiendo, por supuesto, pero en una proporción muy pequeña comparado con las macrociudades subdesarrolladas. Las causas de este hecho son varias.

 

Por una parte la natalidad del mundo subdesarrollado es mucho más alta, generando así un crecimiento de la población muy alto frente al estancamiento desarrollado

Por otra, el éxodo rural que sufrió durante la segunda mitad del XX el mundo desarrollado, se produce ahora en el subdesarrollado, acudiendo ingentes cantidades de personas a las ciudades.

En tercer lugar, el subdesarrollo se caracteriza por una falta de capitalización, por lo que los ayuntamientos de estas ciudades manejan unos presupuestos muy bajos respecto a la cantidad de inmigración rural recibida. Por ello son incapaces de encauzar y reorganizar los asentamientos, que nacen y se desarrollan a una velocidad que supera cualquier tipo de inversión.

 

Por todo esto las ciudades subdesarrolladas crecen a una velocidad vertiginosa (ya son las mayoría de los grandes centros urbanos y, de seguir las pautas, en un futuro próximo pueden ser las mayores de todo el mundo).

 

Favelas en Brasil

Tomado de http://www.vivoenbrasil.com/categoria/chabolas

 

¿Qué ocurre entonces?

Que aparece el urbanismo de la pobreza, un fenómeno denominado de múltiples formas (Fabelas, ranchitos, bindonville…) pero con una sola realidad. La creación de una nueva ciudad que termina rodeando a la antigua como un cinturón de pobreza. Quizás una de las caras más amargas de la actual globalización.

 

Debido a su falta de planificación nos encontramos con tejidos urbanos densos, con escasos espacios públicos, sin las necesidades básicas (agua, alcantarillado, asfaltado, luz, educación, sanidad, comunicaciones…). Junto a ello, la ubicación de estas zonas coincide, lógicamente, con los terrenos menos apetecibles, ya sea por riesgos geológicos (grandes pendientes con un alto riesgo de derrumbes), climatológicos (llanuras inundables…) o medioambientales (zonas de enfermedades endémicas, como los pantanos o los propios vertederos).

 

Bidonville en Manila.

Tomado de http://fr.wikipedia.org/wiki/Image:Manila_shanty.jpg

 

Todo esto genera por si solo un panorama de pesadilla que todavía no hemos terminado de describir. Pues las propias personas que ocupan estas zonas, su perfil socioeconómico, hace que en estas zonas no tengan el capital suficiente para automejorarse. Por lo contrario, a la inseguridad sanitaria provocada por la falta de higiene pública y agua potable, se une otra inseguridad, la de las propias mafias que, ante la pasividad de las autoridades, termina por controlar las zonas en función de sus intereses. La historia no suele acabar aquí, y a las luchas entre mafias es normal que se unan elementos paramilitares, represiones brutales por parte de la policía…

 

Y es que no nos debemos extrañar que en ellas lo normal sea el trabajo informal (recogida de chatarra, rebusca en los vertederos, limpiabotas, pequeñas chapuzas, comercio clandestino…) o el ilegal (prostitución, venta de drogas, armas, asesinos a sueldo…). Pocas posibilidades les restan a esta población habitualmente poco educada y con escasa salida en unos países con crecimientos económicos muy bajos.

 

Vertedero. Brasil

Tomada de http://www.vivoenbrasil.com/tag/pobreza

Comercio informal. Brasil

Tomada de http://www.vivoenbrasil.com/tag/pobreza

 

 

Ante todo ello estas ciudades de la pobreza se convierten (Lynch) en zonas de temor que los ciudadanos del centro intentarán evitar, produciéndose una curiosa invisibilización de las mismas (Albós) que hace que los poderes públicos las olviden por completo en sus planes y reformas. Sólo se tendrán en cuenta cuando generen problemas a la ciudad central.

 

Y es que, quizás como guinda a este pastel de la infamia, estas ciudades subdesarrolladas se conforman de una forma dual que agudiza aún más las diferencias. Observad esta foto

 

Ciudad Dual

Tomado de http://seguridadydefensa.blogspot.com/2007_02_18_archive.html

 

Junto a las chabolas del primer plano vemos crecer al fondo una ciudad hiperdesarrollada de rascacielos. Es la imagen perfecta del mundo subdesarrollado actual que más que pobre es profundamente desigual.

Gracias a la globalización y la deslocalización de la industria desde los países ricos a los pobres, el tradicional mundo subdesarrollado ha ido generando una clase alta que controla los recursos y la política. Frente a ella se encuentra la pobreza extrema, sin esa clase media típica de los desarrollados que genera estabilidad social y política. Su falta es uno de los puntos centrales del subdesarrollo, pues en esta clase media en donde se funda nuestras democracias y sociedad de consumo.

 

 

Ante todo esto alguno podrá pensar; Bueno, sí, es una lástima, pero a mi no me afecta…

El problema es que (junto a su falta de sensibilidad) esta respuesta es profundamente falsa, pues varios de los problemas globales actuales tienen un punto clave en estas ciudades de la pobreza. Desde el comercio de droga a la inmigración incontrolada no las podríamos entender sin ver antes de dónde parte el problema. Aún más, si nos ceñimos a zonas islámicas, ¿hay mejor lugar para captar miembros para organizaciones terroristas que plantean sus atentados como una demagógica defensa contra el capitalismo que hunde en la miseria grandes zonas del planeta? ¿No es un lugar perfecto para que la religión islámica en sus variantes más radicalizadas controle a grandes masas de población sin acceso a la educación o un nivel digno de vida?

 

 

Otra cuestión distinta sería analizar las ciudades de la pobreza en el mundo desarrollado (lo que se ha denominado cuarto mundo), pero eso será tema de otro artículo, pues sus peculiares características las hacen dignas de ello.

 

Por el momento, y si queréis acercaros de una forma más personal a la vida de estas ciudades os recomiendo un libro que a mi me impactó hace unos años. La Virgen de los Sicarios, escrita por Fernando Vallejo y llevada al cine po Schroeder.

Localizada en la Medellín centro mundial de la droga, las historias se entrecruzan entre la pobreza, la delincuencia organizada y un fuerte (y contradictorio para la sensibilidad occidental) sentimiento religioso como única salida al túnel. Su lectura es apasionante, aunque agria, claro está.

Tenéis un pequeño trailler de la película

Otras páginas de interés

http://blogs.20minutos.es/enguerra/post/2007/02/09/favela-mare-narcos-12-anos-edad

http://sinfuturoysinunduro.wordpress.com/2008/07/18/tropa-de-elite-violencia-en-las-favelas Sobre la película Tropa de Élite

http://www.bifurcaciones.cl/001/ciudaddedios.htm Un interesante análisis sobre la película la Ciudad de Dios

http://elyacare.wordpress.com/2008/03/26/favelas-estados-en-el-estado-de-brasil 

 

Vicente Camarasa

 

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12/10/2008 20:35. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD Hay 4 comentarios.

TRES TRISTES TIGRES O LOS VASOS COMUNICANTES

Trescientos treinta y tres saltamontes recogidos entre las sábanas, tal vez jugando con los ácaros, columpiándose entre motas de polvo y dermis residuales. Treinta y tres retratos de Cristo flotando en la bañera de Mr Huang a quien le gustan sobre todo los remolinos de coronas de espinas y el efecto a licor de la sangre fotografiada, tal vez policromada, sobre la espuma y sales de baño. Treinta pandilleros gritando como descosidos al salir del billar, se parecen a Drella, con su peluca romántica de un platino intenso y sus ansias de exhibir aquellas atrocidades que sepultaron literariamente a Ballard; trece ancianos, tal vez venerables, criando sustancias cromáticas en la unidad de cuidados paliativos, algunos incluso respiran aires de este mundo, por el televisor una corrida de toros se superpone a la última operación de Orlan, se trata de un gesto barroco; su cabeza guillotinada sonríe como Alice Cooper sobre la mesa del quirófano. Tres amantis religiosas se devoran mutuamente en el psiquiátrico donde permanece internada Nadja; André Bretón se murió pensando en la recreación que hizo de ella y de sí mismo, tal vez sea el fantasma de Nadja quien ha devorado al fontanero de "Los vasos comunicantes". Cero con treinta y tres mililitros de mi sangre como prueba de que aún estoy vivo, que mis glóbulos rojos y blancos siguen interaccionando en el plasma, circulando a través de la vía, crónicas de una analítica. Cero cero con treinta y tres período....

 

Texto y fotografía: Miguel Ángel Sánchez García

14/10/2008 02:49. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS No hay comentarios. Comentar.

LOS ORÍGENES DE LA ESCULTURA GRIEGA. EL ARTE GEOMÉTRICO QUE PICASSO NOS ENSEÑÓ A MIRAR DE NUEVO

 

 

 

 

 

Caballo-trompeta de la época geométrica griega.

 

Podríamos establecer la invasión de los pueblos del Mar (acaso los dorios, en torno al 1200) como el final de la etapa prehelénica (cicliadas, minoico y micénico) y el comienzo verdadero del mundo griego.

A partir de entonces el arte ha distinguido varias etapas. Nosotros nos ocuparemos de las dos primeras, la Edad Oscura (cuyo final será el arte del periodo geométrico) y la polis arcaica (el arte arcaico)

Durante el Periodo Oscuro se advierte un descenso brusco de todas las formas artísticas (y en general culturales) del que no se recuperará el mundo griego hasta el siglo  VIII

Comenzará entonces el llamado arte geométrico, especialmente importante en lo que se refiere a la cerámica y los pequeños bronces que se caracterizan por su esquematismo. Frente a lo armónico que caracterizará el clasicismo del V a C., estas figuraciones tienen más de arte prehistórico o arcaico.

Si os fijáis en estas fotografías (Museo Nefertiti de Berlin) representan especialmente animales por medio de la técnica de cera perdida (se hace la figura en cera, se recubre de barro y, al calentarla, la cera sale por unos agujeros dejados para este fin, quedando un molde hueco que se llena de bronce. Sólo es viable para pequeñas figuras)

 

  

Como se pueden ver los rasgos son básicos, reduciendo la realidad a puras formas lineales, al igual que ocurre en la pintura de la cerámica del mismo momento, con sus famosos desfiles mortuorios (prótesis) en donde aparecían carros tirados por caballos y mujeres llorando (plañideras) que apenas si eran unos cuantos triángulos unidos

 

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Esta forma de reducción de la realidad se encuentra muy extendida por todo el mediterráneo en el primer milenio antes de Cristo, e igualmente la podemos encontrar en el mundo etrusco como en el íbero

 

 

Exvoto íbero. Museo Arqueológico de Madrid.

 

En realidad casi todas estas figuras son exvotos. Pequeñas ofrendas que se realizarán en los santuarios (como el de Olimpia), pidiendo algún tipo de intervención divina. Por ello será habitual la presencia de animales (el caballo como signo de prestigio de la incipiente aristocracia), guerreros (que buscan así la protección divina)…

Según vaya pasando el tiempo su esquematismo se irá reduciendo, encaminándose cada vez más hacia un cierto realismo que luego pasará a las esculturas en piedra. (Si os fijáis en la figura central de la foto seguro que a muchos les recordará las figuras de los kuroi de los que pronto hablaremos)

 

  

Lo que resulta verdaderamente curioso que casi veinticinco siglos después estas fórmulas de representación tan alejadas del realismo vuelvan a resurgir. Serán las Vanguardias históricas de principio del siglo XX las que redescubrirán este y otros artes considerados primitivos (máscaras africanas, arte egipcio, arte íbero, arte infantil en el surrealismo…) buscando una nueva forma de expresión más auténtica y verdadera que la de la pintura y escultura tradicional.

Nos encontraremos esta actitud en Brancusi, Matisse, los expresionistas alemanes del Puente o en Picasso.

Será el regreso a lo sencillo, a lo esencial; un proceso de lenta y paciente eliminación de los detalles hasta quedarse con el esqueleto de la realidad, tan simple como emocionante.

 

Para comprenderlo mejor, mirad este toro de Picasso


 

 

Tomado de unacatedravideo.wordpress.com

 

 

 

Seguro que algunos dirán: qué fácil, qué tontería… Eso también lo podría hacer yo…Pues a menudo se confunde lo sencillo con lo fácil, y se le da poco valor. Muchos creen que, por tener pocos trazos visibles, este tipo de dibujos carecen de mérito cuando es todo lo contrario. Lo más fácil es poner muchos detalles, esconder el motivo en miles de trazos o pinceladas, mientras que lo complicado es despojarse de todo y tener el valor de presentar la figura desnuda de cualquier tipo de decoración.

Tomado de lexchristianorum.blogspot.com.es

 

Quizás ahora sea el momento de volver al principio del artículo y remirar con ojos nuevos las figuras y dibujos sobre cerámicas de los primeros griegos. Tal vez no se vean ya de la misma manera y se pueda apreciar toda su fuerza expresiva.

Si lo conseguís le deberéis a Picasso que os haya limpiado la mirada de tanta historia del arte y os haya devuelto la capacidad de ver lo extraordinariamente hermoso que es la sencillez.

 

Vicente Camarasa

 

 

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14/10/2008 15:16. sdelbiombo #. Arte griego Hay 3 comentarios.

LOS COLORES DE SEVILLA

 

El Salvador

 

 

Azulejos de la casa de Pilatos

 

 

No recuerdo la iglesia pero a que es bonita la foto?

 

El Guadalquivir desde el Puente de Triana

 

San Leandro

 

Un palacio sevillano

 

La cúpula de San Luís de los Franceses

 

 

 

Apliques cerámicos en el Parque de Maria Luisa

 

 

Iglesia de Santa Cruz

 

Fotos: Vicente Camarasa

 

15/10/2008 15:27. sdelbiombo #. Sevilla Hay 2 comentarios.

SARA

Soy estudiante de 4º de ESO en el SIES Campo Real. Participo en el blog porque mi profesor de historia (Vicente) vio unos dibujos que estaba haciendo y me pidió que si le podía dibujar uno de esos como mascota, y así fue como nació Biombito (o como queráis llamarle).

A mí me encanta el arte todas sus formas y tipos tanto la pintura como la música. Para mí eso es fantástico; pero sólo tengo 15 años y me queda mucho por aprender.

Un saludo SARA

SUSANA

Quiero empezar diciendo que para mí es una osadía y una desvergüenza ocupar por no decir emborronar unas líneas junto a las de Vicente y compaña, pero por si hubiese algún interés que hay tras esta  firma, aquí va una breve nota de presentación.

Me gusta la Comunicación: charlar, oír, preguntar, escuchar, leer, escribir, ver, mirar, observar, buscar ... , y sobre todo !Aprender!, y si es de la mano de buenos Maestros mejor; esto explica qué hago aquí.

Porque, hoy por hoy no se muy bien quién y que soy, y no tengo muy claro que he sido, pero desde hace tiempo tengo clarísimo que no quiero, simplemente ser cada día más mayor; lo que deseo  día a día es ser "mejor" persona, y si no es mucho pedir, en un mundo mejor.

 

Salud y Cultura compañeros.

 

BRUNELLESCHI: UN GENIO ENTRE DOS ÉPOCAS.

 

Tomado de http://www.dondeviajar.es/files/media/flor1.jpg

 

Siempre me han fascinado todos los periodos turbios, los periodos que quedan entre un estilo y otro, aquellos que te dejan ver qué ha sido y qué será del arte.

Y no hay mejor ejemplo que los comienzos del s. XV, los comienzos de esa centuria del cinquecento que supuso el salto de la Edad Media a la Edad Moderna, en definitiva el mundo del Humanismo y todo lo que le rodea.

Por esas fechas nos encontramos con un personaje fascinante, un artista y pensador innovador que fue base para grandes maestros, como Leonardo Da Vinci.

Hablo de Filippo Brunelleschi.

Nacido en 1377, vivió toda su vida rodeado de formas góticas y, conociendo a maestros de la escultura gótica italiana como los Pisano, comenzó su carrera artística en la escultura (participó y ganó junto con Ghiberti, en el concurso de las puertas del baptisterio de Florencia).

Sin embargo, lo que de verdad se le debe a Brunelleschi es el haber llevado el candil de la modernidad en un mundo gótico que se sumía en un superfluo decorativismo (propio de ese gótico internacional), el haber establecido la necesidad de determinar el espacio y el tiempo en torno a la realidad humana.

Sus trabajos en la óptica y la perspectiva hicieron que se convirtiera en un genio del espacio, estableciendo por primera vez una regularización de los edificios y de la arquitectura como un todo, como algo que debía tener conclusión, debía tener principio y fin como la realidad humana, debía determinar el espacio.

 

 

Brunelleschi consiguió lo que nadie pudo: construir la cúpula mayor de la Catedral de Florencia. Para ello ingenió numerosas máquinas y andamios novedosos y con la invención de la cúpula del Duomo delli Fiori y con su construcción otorgó la honra que se merecía la ciudad de Florencia (que hasta entonces era burlada por decir ser tan poderosa y no poder ni siquiera acabar su propia catedral).

 

 

Tomado de http://www.cch.unam.mx/historiagenda/10/contenido/sea3.html

 

 

Construida sin cimbras, la cúpula presenta un aparejo en forma de "espina de pez", que recuperó Brunelleschi al estudiar los restos de la ciudad de Roma. Y es que, Brunelleschi fue uno de los primeros que intentó recuperar el espíritu de la Antigua Roma desde un punto de vista científico para la época, buscando, excavando y observando los restos de las arquitecturas de aquella época gloriosa que pretendía recuperar (inspirándose especial en el Panteón de Agripa)

 

 

Tomada de http://es.geocities.com/asevilla1/Flores_archivos/image006.jpg

 

Construyó la cúpula no como un elemento más del edificio sino como un elemento de conclusión.

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Florence_Dome.JPG

 

El interior (pensado en un principio sin las pinturas que añadió más adelante Vasari) debía de mostrar la proporcionalidad entre la diafanidad y longitudinalidad de las naves y la verticalidad también diáfana de la cúpula.

El exterior, en cambio, tenía que cerrar el edificio, para ello vemos como esos ocho nervios blancos recogen los volúmenes de los ábsides y las exedras de la cabecera de la iglesia y culmina el edificio en una airosa linterna.

Sin embargo, como he dicho antes, esto no es puro renacimiento, no es puro gótico. Su forma apuntada no es casual. Mientras esto se construía todavía se estaban haciendo grandes obras góticas y las enseñanzas artísticas, por así decirlo, oficiales enseñaban las formas, estética y técnicas góticas.

Su limpieza de formas, su equilibrio, su sentido de la óptica y de la perspectiva, todo ello nos hace ver cómo Brunelleschi fue indispensable para la formación y obras de artistas posteriores y para toda la Historia del Arte posterior.

 

Alba González

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DUCHAMP. EL ARTISTA DEL SIGLO XXI

 

 

 

 Tomado de http://thebrainpolice.blogspot.com/2007_08_01_archive.html

 

 

 

 

 

Octavio Paz en su libro La Apariencia desnuda, hablaba de las dos personalidades que habían dominado el siglo XX: Picasso y Duchamp. Mientras el primero, como vamos poco a poco viendo fue el primer moderno pero también el último clásico que supo releer toda la historia del arte, Duchamp prefirió acabar con el arte (poniéndole, por ejemplo, bigotes y perilla a su icono por excelencia, la Gioconda ) e inventarse uno nuevo, gracias a sus famosos ready made, el urinario hecho fuente

 

Su obra es mínima comparada con la de Picasso, pues él prefería el silencio, pero su influencia hasta la actualidad ha sido tan abrumadora hasta la actualidad, que más bien parece un artista del siglo XXI que del XX.

Y es que rompió con todo y abrió tantas nuevas puertas que muchas de ellas aún se encuentran inexploradas. Pues su arte es, sobre todo, una nueva forma de pensar las cosas que se replantea el concepto de arte, de visión, de vida misma. Hasta su propia biografía es en si misma una verdadera obra de arte, siendo muchos de sus comportamientos hechos artísticos (abriendo camino a la performance ), como el de abandonarlo todo en la cima de su fama y dedicarse a jugar al ajedrez en el circuito profesional

 

 

Entre ambos jugadores el famoso Gran Vidrio

Tomado de http://performactiva.blogspot.com/2008/08/discusin-en-torno-las-clases.html

 

 

Esta misma foto que nos habla del ajedrez nos ilustra perfectamente uno de sus principales armas (casi de destrucción masiva) frente a la vida y el arte: la ironía. Un sentido del humor corrosivo con el que se burló de todo, incluso de él mismo, que se hace retratar jugando al ajedrez (la actividad intelectual por excelencia) frente a una mujer desnuda, como si fuera una nueva e irreverente interpretación de las Venus que pintaran Tiziano, Velázquez o Rubens.

 

Y jugó con su imagen considerando por primera vez el poder artístico de la fotografía, se disfrazó se mujer para anunciar un perfume que no existía o se dedicó a pintar un cuadro sobre un vidrio (Gran Vidrio).

 

 

Duchamp disfrazado como Rrose Sélavy

Tomado de http://www.valerielamontagne.com/presence/gender.html

 

Lo hizo casi todo y apenas si explicó nada, dejando al espectador la capacidad de inventarse una parte importante de su obra. Una obra abierta, como luego diría Humberto Eco, puras, pequeños fogonazos de luz que por un solo instante nos iluminan un mundo nuevo y fascinante que sólo poco a poco podemos empezar a no comprender, como si fuera un maestro zen. Sus obras como esos tan ridículos como serios e imposibles koan 

 

Quizás por todo esto Duchamp sea el origen de nuestro arte actual y, a la vez, casi un desconocido para el gran público. ¿Por ser complicado? Tal vez por todo lo contrario, por su rotunda sencillez que obliga al espectador a replantearse las cosas. Esa es su dificultad; no dejar indiferente. Hay en él tantas rupturas que ya no nos podemos plantar ante sus obras para mirarlas un instante y luego marcharnos, igual que el que se come un caramelo.

Duchamp era tan irreverente que se atrevió a decirnos: PENSAD, SED VOSOTROS MISMOS.

 

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-deb9110aaafa557b2ef94c455f989d32.jpg

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 TODO DUCHAMP EN NUESTROS BLOGS

 


Vicente Camarasa

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17/10/2008 20:24. sdelbiombo #. Duchamp No hay comentarios. Comentar.

CÓMO SE COMENTA UNA ESCULTURA. LAS VENUS PALEOLÍTICAS


 

 

Reproducciones de las Venus de Willendorf y Lespugue. Museo Arqueológico de Berlin

 

TEMA de CARÁCTER SIMBÓLICO. A estas pequeñas figuras se las ha relacionado con aspectos como la FECUNDIDAD y MATERNIDAD, en un intento por fomentar la procreación y EVITAR así la EXTINCIÓN de la ESPECIE.

 

MATERIAL: habitualmente se empleaban MATERIALES NO CLÁSICOS tales como la piedra y el hueso, utilizando la técnica de la TALLA (eliminando material para llegar al resultado final)  

 

TIPOLOGÍA: EXENTA o de bulto redondo, ya que está tallada por todas partes y se puede girar.

 

COMPOSICIÓN: observamos que se trata de un BLOQUE CERRADO (las extremidades no sobresalen del cuerpo), donde también se aplica la ley de la SIMETRÍA (pues un eje imaginario parece dividir la figura en dos partes exactamente iguales) y de la FRONTALIDAD (está pensada, fundamentalmente, para ser vista de frente)

 

COLOR: actualmente monócroma aunque muy posiblemente en un origen se encontrase policromada con diferentes pigmentos.

 

FIGURA: se trata de una escultura de pequeñas dimensiones, ANTINATURALISTA (no representa la realidad tal y como es sino que la deforma) en la cual aparecen RESALTADOS los ATRIBUTOS FEMENINOS( caderas, muslos, pechos, nalgas) y los rasgos faciales han sido eliminados.

 


 

Venus de Lespugue.

 

 

COMENTARIO

En el PALEOLÍTICO SUPERIOR (época magdaleniense) y siguiendo la misma línea de interpretación que las pinturas rupestres comenzada por el abate Beuil , estas pequeñas figuras serían EXVOTOS con los que conseguir, a través de la MAGIA SIMPÁTICA, la FECUNDIDAD DE LA TRIBU. Son las llamadas ESCULTURAS PROPICIATORIAS (realizadas para hacer que algo ocurra; en este caso, ESTIMULAR LA REPRODUCCIÓN).

 

Venus de Laussel


Sin detalles, de bulto redondo (aunque algunas como la de Laussel están realizadas en relieve) bastante simétricas, con los rasgos femeninos muy acentuados y el rostro apenas definido( lo que confiere un CARÁCTER mucho más ARQUETÍPICO e IMPERSONAL), tenían desde luego, un fin muy significativo para la especie, como también lo tenían los animales representados en el interior de las cuevas (Paleolítico Superior), a menudo de forma bastante realista (al contrario que las Venus), y algunos con el vientre a rayas (preñados) pues, por instinto de supervivencia, preocupaba mucho la posible extinción bien de la tribu, bien de su medio de alimentación.

Desde la arqueología feminista de los 80 se han entendido estas Venus como la expresión de un matriarcado, aunque esas tesis han sido últimamente abandonadas.

 

Venus de Willendorf

 

Es posiblemente la venus de Willendorf (Austria) el ejemplo más representativo, aunque también podemos citar otras como la venus de GRIMALDI (Italia), VESTONICE (Checoslovaquia), LESPLUGUE y LA COLOMBIÈRE (Francia) o KOSTIENKI( antigua URSS).

 

 

 

Venus de Vestonicka


Venus vom Holen Fels

PARA CONOCER OTRAS INTERPRETACIONES SOBRES LAS VENUS PALEOLÍTICAS

 

 

Más fotos en http://lineaserpentinata.blogspot.com/2008/08/las-venus-paleolticas.html

 

Mar San Segundo

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18/10/2008 20:38. sdelbiombo #. PREHISTORIA Hay 5 comentarios.

LAS IMÁGENES QUE LOS EGIPCIOS PRESTARON A LOS CRISTIANOS. LA PSICOSTASIS e ISIS y LA VIRGEN MARÍA

 

Psicostasis. Libro de los muertos

 

 

Las imágenes no son un repertorio ilimitado y a menudo se repiten en distintas culturas con distintas interpretaciones, siendo muy habitual que el cambio de mensaje cambie con el de la ideología (los primitivos cristianos tomaron las imágenes de la Roma Pagana y las recristianizaron, como la del emperador al Pantócrator…).

Lo que resulta más difícil de encontrar son imágenes que mantengan el mismo contenido narrativo e ideológico. Esto ocurre, sin embargo, al menos en dos grandes motivos cristinanos, la psicostasis o pesaje de las almas y la Virgen amamantando el niño (Galactotrofusa), ambas con claros precedentes egipcios

 

El pesaje de las almas o psicostasis (como lo llamaron los griegos) formaba parte de la narración del Libro de los Muertos en la que se detallaba el viaje y rituales que debía realizar un difunto desde su muerte hasta la entrada en el reino de Osiris. Durante este trayecto uno de los puntos culminantes sería el pesaje. El Duat (espíritu del difunto) era guiado por Anubis (con cabeza de Chacal) al tribunal, le extraía el corazón (Ib) y lo colocaba en una balanza. En el otro platillo se situaba la pluma de Maat (símbolo de la Verdad y la Justicia Universal, normalmente puesta en un cuenco).

Mientras se realizaba el pesaje el tribunal hacía un concienzudo examen que era anotado por Dyehuty. Según la verdad o mentiras de las respuestas el corazón menguaba o aumentaba de peso, aunque es curioso advertir que en muchas momias se han encontrado verdaderas chuletas, con las palabras que debía pronunciar el difunto.

 

No he cometido iniquidad respecto de los hombres; no he matado a ninguno de mis parientes; no he mentido en lugar de decir la verdad; no tengo conciencia de ninguna traición; no he hecho mal alguno; a nadie he causado sufrimiento; no he sustraído las ofrendas a los dioses...”

 

Juicio de Osiris. Sarcófago Museo Arqueológico de Madrid

 

Como constantes protagonistas de esta escena se encontrará Osiris (de piel verde que simboliza su muerte y resurrección, como Jesucristo, en el reino de los muertos) y  Ammit, la devoradora de los muertos (un ser con cabeza de cocodrilo, melena, torso y brazos de león y piernas de hipopótamo), que acababa con él si el veredicto era negativo, siendo su segunda y definitiva muerte.

 

Juicio de Osiris. Sarcófago Museo Arqueológico de Madrid. En él aparecen Osiris y Ammit

 

Estas imágenes pasarán casi de forma directa al cristianismo a través de los coptos (iglesia cristiana del siglo I establecida en Egipto), siendo conocidas en el futuro ámbito bizantino o (según opinión de Olaguer Feliu) transportada hacia el cristianismo occidental a través de los beatos prerrománicos que unieron fuentes islámicas con otras del cristianismo primitivo

Sólo cambian entonces uno de los protagonistas y Anubis se reconvierte en San Miguel, mientras Osiris pasa a ser el Pantocrátor (el dios que juzga) y Ammit se convierte en unas fauces abiertas a las que se empuja a los condenados

 

 

 

Psicostasis. Santa Fe de Conques

 

 Psicostasis. Vezelay

 

Curiosamente esta idea de las fauces como entrada en el infierno pronto desaparecerá en Occidente, pero no así en Oriente, y en el siglo XVI, el Greco (de formación oriental) las seguirá representado en su Alegoría de Felipe II.

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-5f288f44f5e4906fd524e08a943117b2.jpg

 

Por otra parte, la idea de juicio unido a balanza será rápidamente tomada por la civilización grecolatina (Ocaña, 2007 ), convirtiéndose en el atributo de la justicia al que posteriormente se le añadirán una venda sobre los ojos (que en la Edad Media tenía otro significado, el de la sinagoga o los judíos, que no conocían la verdadera revelación) y una espada (en origen la de San Miguel, posteriormente la del rey según aumente su capacidad de establecer el poder judicial) apareciendo así nuestra imagen actual

 

 Iconografía de la justicia

Tomado de http://sonandolarevolucion.wordpress.com/2007/10/30/%C2%BFes-justa-la-justicia/

 

En cuanto al segundo préstamo no merece mucho comentario, pero cada vez parece más evidente que Isis (la divinidad femenina, diosa de la vegetación pero también protectora de los hombres ante las fuerza de los dioses) fue el origen iconográfico de la Virgen María. Sólo os pongo dos ejemplos, aunque la lista se podría ampliar

 

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-365df0125e45ff409fb24acc2ff40b30.jpg

 

 

Virgen galactrotofusa o de la leche

 

 

 

Isis con las alas abierta, protectora de los humanos

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-87c6c5a0f888db25e314fe7a8e1a19ca.gif


 

 

Virgen con santos (o de la Misericordia). Piero della Francesca, que en España, tras el descubrimiento del Nuevo Mundo pronto se convertirá en la Virgen de los Navegantes

 

 

Para saber más

http://www.monografias.com/trabajos55/origen-de-la-psicostasis/origen-de-la-psicostasis2.shtml

http://arssecreta.com/?p=127

 

Vicente Camarasa

 

 


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19/10/2008 16:45. sdelbiombo #. ICONOGRAFÍA Hay 4 comentarios.

REMBRANDT (Primera Parte). PINTOR DE PINTORES

 

Autorretrato (con 55 años)

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_137.jpg

 

Ahora que el Prado anuncia una exposición de Rembrandt para este próximo otoño (15 de octubre hasta el 6 de enero) quizás sería buena oportunidad para ir repasando su vida y obra, tan poco representada en España (En Madrid sólo poseemos un cuadro suyo en el Museo del Prado)

 

Casi estrictamente contemporáneo a Velázquez su vida no podía ser más diferente, tanto por el marco social en el que vivió como por su propio talante personal, un tanto bohemio, casi anticipo de lo romántico, especialmente en la segunda parte de su vida, cuando los gustos artísticos cambien en los Países Bajos y su situación económica le lleve a la bancarrota y a una triste y acelerada vejez.

Como puede verse en la imagen que abre el artículo, la imagen que transmite Rembrandt parece muy distinta a la que (con los mismos años) transmitía Velázquez en las Meninas, el cortesano frente al bohemio, el ser triunfante frente al derrotado.

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Velazquez_Cruz_Roja.jpg

Velázquez Meninas

 

Sin embargo, y como el propio Velázquez, Rembrandt pasará a la Historia del Arte como un pintor de pintores, y la estela de su obra se puede seguir como una línea aparentemente discontinua pero en realidad constante que, entre otros, influyó en Goya, Van Gogh o Picasso.

 

Mis únicos maestros son Velázquez, Rembrandt y la Naturaleza, diría una y otra vez Goya, que especialmente en sus grabados, tomó numerosas inspiraciones del maestro holandés, así como la sinceridad de sus retratos

 

Autorretrato. Goya. 1800

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Goya_selfportrait.jpg

 

Más adelante será Van Gogh el que quedará maravillado por Rembrandt y como ya se vio en su autorretrato , sigue la estela de la indagación en su propio rostro, vigilándose constantemente.

 

Van Gogh. Autorretrato

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:VanGogh-self-portrait-dedicated_to_gaugin.jpg

 

Pero sin duda alguna, el último gran clásico que será Picasso, tomará todas estas influencias para reconvertirlas en su personal arte. En sus obras pasearán El Greco, Goya, Delacroix o Matisse, pero siempre dejando el lugar de privilegio a Velázquez (Su famosa serie de las Meninas) y a Rembrandt, cuya figura aparecerá cada vez más frecuentemente según se acerque a su vejez y se repita el tema del pintor y su modelo. El pintor será, una y otra vez, Rembrandt y sus gorros fantásticos con el que Picasso juega como si fuera un alter ego en el constante juego de disfraces que fue su pintura final

 

Picasso. El pintor y su modelo

Tomado de http://www.elpais.com/recorte/20071222elpepucul_7/XLCO/Ies/pintor_modelo_1963.jpg

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Picasso. Rembrandt y Eros

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-d5d344e435471fd7396eddcb24035f13.jpg

Para saber más:

Segunda parte. Las dos vidas del pintor 

 

http://arteolmos.blogspot.com/search/label/Barroco%20Europeo (Selección fotográfica)

 

Todas las imágenes de Rembrandt las tenéis en http://www.rembrandtpainting.net/

 

Buenos artículos en

http://aprendersociales.blogspot.com/search/label/13.5.%20PINTURA%20BARROCA%20HOLANDESA

 

Grandes fotos con pequeños comentarios

http://arteyartistas.wordpress.com/2007/11/18/rembrandt-harmenszoon-van-rijn/#comment-300

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Vicente Camarasa

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20/10/2008 14:50. sdelbiombo #. Rembrandt Hay 1 comentario.

CUANDO MURIÓ AQUÍ HAY TOMATE

Me presento nervioso como nuevo colaborador de “cuidado televisión

Quiero empezar a hablar de un género de televisión que lleva devorando audiencia sin parar aproximadamente desde 1999…Se trata de los programas del corazón , más conocidos por el nombre de televisión rosa.

Empezaron tímidamente, como Tómbola y Crónicas Marcianas (que se convirtió en un programa cutre de famoseo ) entre otros , pero entonces explosionaron y dejaron de ser programas de segunda categoría en la televisión para convertirse en los programas más vistos .

Con sus nuevos personajes famosos, tan cercanos, a nosotros, creaban momentos graciosos y gustaban más que los personajes ilustres.

Cuando todavía estábamos digiriendo esto aparecieron los reality show, como Gran Hermano y Supervivientes, Hotel Glamour…La participación en estos programas eran personajes tan ilustres como Paco Porras , Belén Esteban , Nuria Bermúdez , Marujita Díaz, La Pantoja de Puerto rico ,Dinio , Yola Berrocal , Malena Gracia, concursantes de Gran Hermano desde la primera edición hasta la octava y novena (en la actualidad van por la 10 ) con gente tan interesante como Aída Nízar , la legionaria… y un largo etc.

Todo esto hizo que a estos programas se les llamaran programas basura y los realizadores no se conformaron contener solo un par de programas del corazón, aparecieron los míticos Donde estas corazón (que devoraban los espacios televisivos de la noche del viernes y que acabo matando la noche de telecinco de cine 5 estrellas; ¿alguien se acuerda de esas películas?) y Salsa Rosa, que sacaba lo peor de cada invitado famoso …

Después llegaron otros nuevos que intentaban mezclar el humor con información del corazón… como Aquí hay tomate.

La gente ya estaba harta de estos programas, pero como las audiencias eran relativamente buenas estos no se suprimían de la tele, y todos nos convertíamos en zombis escuchando a Pocholo y su mochila, a Andreita comiéndose el pollo, los mosqueos de Ana Obregón…

 

Pero llegó algo que se le podría llamar como el elegido , el salvador; apareció la Sexta y su programa Se lo que hicisteis (al principio se llamo se lo que hicisteis la ultima semana  pero su éxito fue tan grande que en vez de una vez a la semana se empezó a emitir todos los días )

En él se critica con gran humor todo lo relacionado con el corazón, ridiculizando a todos los programas rosas de cada día. La actriz cómica especialista en sketchs, (salto a la fama por programas como el Informal ) Patricia Conde, presenta el programa con sus colaboradores, destacando el humorista, nacido de los monólogos de la 'Paramount Comedy', Ángel Martín, que escribe y presenta una sátira cada día contra los programas del corazón.

Este programa ha conseguido convertirse en un David e ir matando poco a poco al Goliat televisivo de los programas del corazón.

Yendo ya por su cuarta temporada, han colaborado en eliminar de la faz televisiva a programas como Salsa rosa y Aquí hay tomate, que en mi opinión creí que jamás desaparecerían.

Telecinco y Globomedia quieren ahora pararle los pies con denuncias ridículas , ya que están consiguiendo que bajen considerablemente la audiencia de nuevos programas como la Noria y un nuevo programa llamado Está pasando (deberíamos apostar cuanto dura)

Pido ánimos para este programa que como si fuese robocop esta limpiando las calles de la televisión con el mejor humor de lo peor del corazón

¡¡¡Suerte chicos!!!

Quien quiera información de este programa dejo un link de wikipedia donde se pueden informar del horario y del resto de sus colaboradores de la talla de Dani Mateo, Miki Nadal y una estupenda Pilar Rubio. Un saludo a todos ¡ hasta la próxima!

 

Omar Beltrán

OMAR BELTRÁN

Soy un petardo que os aburrirá un poco las tardes de ocio delante de vuestros ordenadores con artículos de poca monta y demás.

Estudio I de historia en  la UNED porque en la Complutense me han echado para atrás por culpa de la burocracia (tienen preferencia los de letras y yo soy de ciencias y aunque superé la nota de corte, ellos pasaron antes que yo)

Os contare algunas cosas sobre nuestra conocida televisión y demás tecnologías audiovisuales...

Un saludo y que os sea leve

 

23/10/2008 01:28. sdelbiombo #. COLABRADORES DEL BLOG No hay comentarios. Comentar.

ROMA. EL ARTE DEL PODER

 

 

 

Marco Aurelio, el viejo emperador de Gladiador

 

Si en algo destacó la cultura romana fue en el ejercicio del poder. De la política hizo un arte, en muchos momentos perverso, pero a la postre eficaz. No es extraño que el gran fundador de la política moderna, Maquiavelo, se inspira en textos romanos (los de Tito Livio, Séneca…)

Y es que si algo interesó verdaderamente a la clase dirigente romana fue la consecución y mantenimiento del poder. Desde el emperador al tribuno local, las mejores energías del Imperio se dedicaron a la conquista de las voluntades, inaugurando muchos de los resortes psicológicos que aún utiliza la propaganda electoral. ( El fenómeno es mucho más complejo de lo que en este artículo pretendemos explicar, por lo que remitimos a otro de este mismo blog en donde se estudia con más amplitud el  concepto del evergetismo, que ayudo tanto a la expansión del Imperio, como acertadamente nos señala Ana en su comentario, como a su consolidación)


Evidentemente el arte fue un instrumento especialmente utilizado en esta ansia del poder, ya fuera en el ámbito privado (el retrato que asegura la posición social, la casa y su decoración…) como en el público.

 

Especialmente a partir de Augusto el Emperador será objeto de especial culto y su imagen aparecerá con distintos significados (iconografías) según su actitud y vestiduras.

Thoracata, vestido de general con su coraza musculada, siendo la cabeza del poder político-militar

 

 

Togata, como pontífice máximo y representante del poder civil

 

 

Apoteósica, descalzo como un dios, a veces coronado de laureles

 

 

Augusto de la Prima Porta

Tomada de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-2cf4bd1cff6cfeca8a17805be6c73ca0.jpg  

 

Sin embargo, la tipología más elocuente a la hora de realzar el poder sería la estatua ecuestre que se colocaría coronando los arcos del triunfo.

Desgraciadamente la mayoría fueron desapareciendo por destrucción o fundición de su bronce y sólo nos ha quedado la tardía de Marco Aurelio gracias a un error, los cristianos de la Edad Media la confundieron con la de Constantino, el hijo de Santa Helena e introductor del cristianismo como religión oficial del imperio

 

 

Marco Aurelio

 

Todas esculturas, como sus precedentes griegos, estarían policromadas, e incluso doradas, como el famoso Augusto de la Prima Porta, y se han encontrado en numerosos lugares del imperio, pues se repetían casi en cadena para que todos los ciudadanos tuvieran presente la imagen del poder, habitualmente colocada en el foro.

 

Acueducto de Segovia

En lo que se refiere a la arquitectura, los romanos unieron la herencia clásica (síntoma de prestigio entre las clases altas) con el monumentalismo egipcio y decoración oriental. Pretendían, como dice Azcárate, transmitir por medio de la construcción las principales características del gobierno: equilibrio, monumentalidad todopoderosa, racionalización y predominio del Estado sobre el individuo.

Quizás sean los edificios de espectáculos los que mejor transmitirían esto. Bajo el lema panem et circense, pan y espectáculos, repartos gratuitos de comida y luchas, el anfiteatro se convirtió en uno de los símbolos del Imperio. En él se desarrollaban largos ciclos (de hasta 200 días consecutivos) de todo tipo de luchas, carreras… que hacían las delicias del público.

 

 

Coliseum

 

Inicialmente realizados en madera, su construcción en piedra utilizó las técnicas más avanzadas del momento para conseguir grandes aforos y una imagen espectacular en si misma. Para los muros portantes fue habitual (al menos desde los Flavios y mucho más desde Trajano) el opus caementitium (una especie de cemento romano) que se embellecía al exterior por medio de sillares y columnas adosadas y al interior con pinturas y relieves .

Para la creación de las gradas (cavea) se tuvo en cuenta tanto su rápida evacuación por medio de pasillos perimetrales que conectaban con las salidas a la misma (vomitoria), como su firmeza, apoyándola sobre grandes bóvedas de cañón anular que cubría los pasadizos internos.

 

 

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-456ce9e78bc33340bcc20c804d517475.png

 

 

La arena podía ocultar, como el Coliseum, todo un entramado de subterráneos para las jaulas de los animales, habitaciones de los gladiadores…, o incluso fosos alargados (como ocurre en Itálica) que se podían inundar de agua para realizar batallas navales o naumaquias

 

 

Anfiteatro de El Dejm. Túnez

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-e3054b9880ec11f1e53c162111ace4ac.jpg

 

 

A todo ello se unían otros recursos como la música de las grandes trompetas, los escenarios preparados para conmemorar una batalla..., que creaban un entorno magnífico para que, bajo la visión de la sangre y la violencia, el individuo se transformara en masa, vociferara y abucheara, siempre pendiente de la porta triufalis, sobre la que se encontraba el palco del emperador que, con el famoso gesto del dedo pulgar hacia arriba o hacia abajo era la viva personificación del poder que decide sobre la vida o la muerte.

 

 

Gladiador

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-db05baeadb88eced835d2519aa373d8e.jpg

 

A estas imágenes podríamos añadir la de los desfiles triunfales o triunfos, que celebraban el poder militar del Imperio y de sus generales, grabado para la eternidad en los relieves de los arcos triunfales que atravesaban.

 

 

Relieves Arco de Tito con el expolio del Templo de Jerusalén

 

En dicho desfiles se exhibían grandes pancartas en donde aparecían pintados los principales episodios de la lucha que acompañaban a los carros llenos de los tesoros expoliados o los prisioneros encadenados, el sostén económico que mantuvo el imperio al menos hasta el siglo III: botín de guerra y esclavos.

 

 

Arco de Constantino. Roma

 

Estas imágenes del poder serán más tarde recogidas por el Imperio Bizantino y soberanos medievales como Carlomagno, pasando primero al Renacimiento y más tarde al Barroco, que volvió a reinterpretar este arte efímero de la fiesta, el espectáculo o el desfile como una forma de plasmar el poder absoluto de papas y reyes.

Ya muy cerca de nosotros, en pleno siglo XX, los fascismos retomaron estas ideas, y el fondo romano se hará sentir en las concentraciones multitudinarias, los grandes discursos, las paradas militares, la escenografía grandilocuente o los mismos símbolos (el fascio, el saludo romano…) de los regímenes de Mussolini o Hitler

 

 

 

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-b4971c91b8da93bcec6e1708730d1599.jpg

 

Texto e imágenes no reseñadas

Vicente Camarasa

 

 

 

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23/10/2008 01:53. sdelbiombo #. Arte romano Hay 1 comentario.

LA NOCHE DE LOS CALÍGRAFOS. UNA NOVELA SOBRE LA ESCRITURA DE DIOS

 

 

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Caligraf%C3%ADa_%C3%A1rabe

 

En el Islam la escritura es algo más que un simple instrumento de comunicación. Para el musulmán, sea del país y lengua que fuera, la escritura en árabe clásico tiene un rango superior, pues es el idioma en el que Alá habló a los hombres, aquél que reveló la verdad del Corán al profeta Mahoma. Una verdadera escalera hacia la divinidad.

 

 

Corán andalusí

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Caligraf%C3%ADa_%C3%A1rabe

 

Este carácter divino, unido a la tradición poética preislámica (en lo esencial nómada, que sólo puede trasladar pequeñas e imprescindibles cosas) y a la prohibición (no tan férrea como se cree) de representar figuras para evitar la idolatría, hicieron de la caligrafía todo un arte mayor en el Islam.

Se crearon entonces distintas escuelas de calígrafos que desarrollaron los dos modos principales de escritura, la kúfica (más geométrica y dura) y la nasji (de formas curvas entrelazadas)

 

 

Epigrafía kúfica. Mosaicos del mirab de la Mezquita de Córdoba

 

Epigrafía nasjí. La Alhambra.

 

Estas formas fueron utilizadas tanto en la escritura sobre papel (recogido desde los chinos en el siglo VIII) como en la arquitectura, normalmente realizada en materiales pobres que son recubiertos por completo (horror vacuii) por todo tipo de decoración, entre ella la epigráfica.

En ella se unen tres formas de lectura, según el conocimiento del visitante. La primera es puramente decorativa. Líneas que se desplazan de forma brusca o entrelazada y suave llenando largas bandas horizontales que recorren el muro. Si nos fijáramos un poco en ellas y deslizáramos los ojos por sus caminos comenzaríamos a descubrir una especie de ritmo repetitivo, una música en piedra y yeso que, en el fondo, es una de las principales (pero menos destacadas) del arte islámico.

Si supiéramos leer árabe, junto a esta función decorativa se encontraría otra iconográfica, hablándonos habitualmente de la palabra divina que lo invade todo (mezquitas pero también palacios, baños, objetos…), recordándonos la omnipresencia divina, la presencia de Allah en todos los rincones guiando al hombre en sus acciones más cotidianas (habría que recordar que la palabra Islam significa sumisión).

 

Mirab de la mezquita de Nashi Duruk. Irán. Museo de Pérgamo. Berlín.

 

Junto a ambas posibilidades habría una tercera interpretación que entroncarían con el mundo sufí (en tantas cosas parecido a la ideología zen). Estas palabras que flotan sobre los muros, su visión rítmica, la suave recitación de las mismas como si fuera un mandala, podría crear para el iniciado un estado más allá de lo sensorial que le pudiera llevar al éxtasis, el conocimiento de lo divino.

 

 

Como puede verse, la caligrafía árabe es mucho más que una simple escritura, es un arte y una forma de oración inspirada por el mismo Alá, algo tan difícil de comprender por la mentalidad occidental. Por eso os recomiendo el libro de Yasmine Gatha La Noche de los Calígrafos (Siruela, 2005), por la capacidad que tiene de transmitirnos estas sutiles sensaciones de sacralizad que tiene un cálamo lleno de tinta rasgando sobre el papel.

 

Soy el morabito (ermita) de Dios. Mi tintero nunca cesó de hablar de sus gloriosas victorias. Su Trono nunca dejó de iluminar mi papel, mi sepultura

 

La novela se centra en la vida de una mujer calígrafa en Turquía, enredando sus peripecias personales con el mundo (casi de realismo mágico) de sus sensaciones mientras escribe versos del Corán, justo en el momento en el que Turquía está entrando en una nueva fase occidentalizante de la mano de Mustafá Kemal, que insiste en la laicidad y cambia el alfabeto árabe por el occidental.

Es, además de todo, una bella historia femenina que busca la libertad sin perder sus raíces tradicionales. Algo que la imagen de la portada resume perfectamente. Una de las fotografías más conocidas de Shirit Neshath

 

 

Para saber más hay un fantástico artículo en

http://www.revistaarabe.com.ar/arte0065.asp

Y otro aún mejor sobre los tipos de letras  en

http://www.fuesp.com/revistas/pag/cai1115.htm

 

Vicente Camarasa

 

 

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23/10/2008 14:20. sdelbiombo #. ARTE ISLÁMICO No hay comentarios. Comentar.

¿QUIÉNES FUERON LOS TARTESSOS?

 

Tesoro de la Aliseda

 

 

En la actualidad se considera que Tartessos fue una feliz coincidencia entre una cultura local (un desarrollo del Argar, en el Bronce, hacia la zona suroeste de Andalucía), lo suficientemente adelantada y organizada para que pudiera influir en ella las colonias fenicias  del círculo del estrecho (con Gadir como principal capital) que se instalaron hacia el siglo VIII a C.

Sobre esta hipótesis la mayoría de los arqueólogos sitúan Tartessos en el Bajo Guadalquivir, aunque con una potente fuerza de influencia que llegaría hasta Extremadura (como demostraría el palacio de Cancho Roanoo Linares, en el Norte de Andalucía


 

Posible ubicación de Tartessos en relación con fenicios (Gadir) y su expansión interior

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Tartessos.png

 

Esta zona que ocupa hoy Doñana sería, en el I Milenio, un gran lago cerrado (Ligur o Aoron) en torno al cual se desarrollaría la zona más rica de esta civilización.

Ante su capital nunca encontrada, los especialistas se dividen en dos posibilidades.

Unos apuestan por una localización hacia el este (que podría corresponder con la actual Sevilla o con Jerez de la Frontera-Puerto de Santa María). Esta zona sería especialmente rica en pastos, por lo que la agricultura, y especialmente la ganadería sería la principal actividad de Tartessos.

A favor de esta hipótesis se encontraría las leyendas de Gerión, las de los toros de Hércules o la de los cultos relacionados con el toro que se relacionarían con el mundo micénico.


 

Fresco minoico de Knossos.

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Knossos_bull.jpg

 

Otros, sin embargo, prefieren una localización al oeste del lago, cercana a la actual Huelva.

Los que así piensan hablan de la importancia que tuvieron las minas de de cobre y estaño de Río Tinto, posible objetivo del comercio fenicio.


 

Minas de Rio Tinto. Estado actual

Tomado de http://commons.wikimedia.org

 

También alegan la importancia que tuvo la orfebrería en el arte tartessico, con ejemplos como el Carambolo , el tesoro de la Aliseda o los candelabros de Lebrija

 

 

Candelabros de Lebrija. Museo Arqueológico de Madrid

 

Probablemente ambas actividades se complementaran, creando una sociedad bastante jerarquizada en donde una nobleza o un rey (según opiniones) controlaría la producción y el comercio con los fenicios.

Para esta clase social (probablemente para sus enterramientos) se realizarían las obras de orfebrería que hemos comentado, pues serían los únicos con capacidad de riqueza, ya que el pueblo estaría condenado a una especie de servidumbre casi feudal

Esta nobleza ya habría aparecido antes incluso de los contactos con los fenicios, como demuestra las numerosas estelas del periodo arcaico (geométrico) de Tartessos. En ellas se reflejan de una forma sumamente simplificada a guerreros portadores de espadas, carros, cascos y escudos, que serían los símbolos de su poder


  

 

Lo que también sería probable es la existencia de una clase noble no guerrera parecida a los escribas egipcios. Su poder estaría en el conocimiento de la escritura (de la que posiblemente derivará el íbero), y según autores podrían ser sacerdotes de los principales templos tartésicos (a cielo abierto, muy parecido a los fenicios).

 

Escritura Tartessa

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:I_tarteso.jpg

 

Otra de las evidencias cada vez más claras es que Tartessos (además de productor de materias primas) se encargó del comercio entre fenicios y castreños (costa gallega), creando así lo que en la actualidad llamamos camino de la Plata.

 

Jarro zoomorfo


Sin embargo, esta civilización hizo crisis en torno al siglo VI, derrumbándose por completo. Las causas no están nada claras y existen numerosas teorías, desde el control fenicio (o cartaginés temprano) de la zona, ya fuera militar, Blanco Freijeiro, o puramente económico, Alvar; la caída de la ciudad fenicia de Tiro a manos de Nabucodonosor en el 573 que estranguló el comercio Blázquez; problemas internos dentro de Tartessos al desaparecer los filones más superficiales de metal en las minas (Wagner) o por la propia desforestación y contaminación generada por la actividad metalúrgica Vega Toscazo Y Bernabéu. Otros, incluso, hablan más de un cambio interno que de un verdadero colapso. Según Almagro o Ruiz y Molinos se produciría un cambio de centralidad hacia la Alta Andalucía (Linares) que poco a poco se iría iberizando, perdiendo su carácter monárquico por otro aristocrático y restringiendo la actividad comercial.

 

Tesoro del Carambolo

 


Más información sobre Tartessos en

http://www.celtiberia.net/articulo.asp?id=1575

 

De los múltiples libros que hay, los más claro, entretenidos y con buenas explicaciones son, a mi juicio, son los de el de Bendala y Tartessos de Ruiz Mata

 

Como novela juvenil es muy recomendable la de Sánchez Escamilla

 

Vicente Camarasa

 

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REMBRANDT. LAS DOS VIDAS DE UN PINTOR

Muchas de las revisiones de Rembrandt han incidido en su vida, dándoles tintes románticos y convirtiéndole en un antecedente de los futuros bohemios.

Aunque esto no es del todo incierto, sólo coincide con su madurez-vejez, tan diferente de su primera etapa. Sería por tanto mejor hablar de las dos vidas de Rembrandt y tener en cuenta, además, el peculiar mercado artístico de los Países Bajos.

 

Hijo de un agricultor no excesivamente acomodado, Rembrandt conseguirá ascender rápidamente en la escala social gracias a su talento, pasando de su Leiden natal a Ámsterdam. De este momento conocemos sus primeros autorretratos en los que su rostro sirve como excusa para practicar los efectos del claroscuro, aunque ya con un incipiente orgullo

 

Autorretrato con 22 años

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Rembrandt-self-portrait-1628.jpg

 

Muy pronto entrará en contacto con prestigiosos mecenas que le encargarán retratos a la vez que se produce su matrimonio con Saskia 1634, de buena y acaudalada familia

Su nombre comienza a ser reconocido y su fortuna personal comienza así a ser importante. Será el momento de la vanagloria por el éxito y el comienzo por su particular obsesión coleccionista de objetos raros (especialmente orientales) que utilizará en muchas de sus obras

 

Rembrandt a los 28

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Rembrandt_-_Auto-retrato,_1634_(Gem%C3%A4ldegalerie,_Berlim).jpg

 

Retrato de Saskia

 

Siguiendo el modelo marcado por Rubens, Rembrandt intentará poco a poco acuñar una imagen menos prepotente pero más consolidada, la de un noble pintor, de ricos atuendos y un cierto aire intelectual que nunca debió tener

 

Rembrandt a los 34 años

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_129.jpg/485px-Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_129.jpg

 

Sin embargo esta primera vida de éxito, riquezas y cierta posición social pronto concluirá por una serie de tragedias encadenadas.

Primero morirá su primera mujer, Saskia (1642), que muy pronto encontrará recambio en Hendrickj, posiblemente una criada de la casa que se convertirá su amante.

Esta circunstancia íntima tendrá una consecuencia económica. El testamento de Saskia preveía que, en caso de una nueva unión de Rembrandt, la mitad pasaría a la familia de ella.

 

Retrato de Hendrickj

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:RembrandtHendrickje.jpg

 

Junto a esto durante estos años se advierte un claro cambio en la sociedad holandesa que empieza a cambiar sus típicas características burguesas por otras más rentistas. Este cambio social lleva aparejado otro estético. El estilo fuerte de Rembrandt con sus claroscuros y empastes, comienza a perder el favor de las grandes personalidades, que buscan una nueva pintura más noble, no tan plebeya.

Esto hará poco a poco reducirse los encargos, lo que unido al carácter manirroto del pintor y la posterior muerte de Hendrickj, irá afectando al patrimonio de Rembrandt, que primero pedirá préstamos y, más tarde tendrá incluso que declararse en bancarrota (1656) al no poder hacer frente a sus deudas

El proceso lo podemos ir intuyendo en sus autorretratos que nos presentan un hombre cada vez más envejecido, vestido con llaneza y sin ese punto de orgullo en su mirada

 

Rembrandt a los 48 dos años antes de la bancarrota

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_132.jpg

 

La situación económica y profesional no hará entonces sino empeorar. Su producción disminuye, sus intentos de convertirse en marchante fracasan y la vida parece ofrecerle su peor cara.

Tanto la ropa como la postura de sus autorretratos nos dejan ver un pintor empobrecido y bohemio,  que será su perfil más popular

 

 

Los últimos años

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Rembrandt_van_rijn-self_portrait.jpg

 

Incluso, tal vez en un intento de reírse de todos y todo, sus últimos autorretratos jugarán a la propia caricatura del hombre que se ríe porque ya no tiene nada a lo que aferrarse. Una risa irónica, precozmente envejecida que casi nos lo aproximan al borde de la locura que tanto fascinarán a los románticos (Retratos de locos de Gericault ) y más tarde a Van Gogh.

 

 

Autorretrato como Zeuxis, pintor griego que, según la leyenda, morirá de risa tras haber pintado el retrato de una mujer sumamente fe. Este cuadro cierra de una forma espectacular la exposición

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Rembrandt_van_rijn-self_portrait.jpg

 

El tratamiento de las luces y las texturas (con una pincelada pastosa que moldea agresivamente las formas) traen también a la memoria las obras de su gran admirador, Goya. Él también, en una de las fases más terribles de su vida, derrotado física y espiritualmente, utilizó la pintura como especie de diario personal, utilizando recursos que recuerdan de forma clara a Rembrandt. Son sus famosas pinturas negras.

 

Dos viejos comiendo sopa. Goya

http://commons.wikimedia.org/wiki/Pinturas_Negras

 

Perro semihundido. Goya

http://commons.wikimedia.org/wiki/Pinturas_Negras

 

Vicente Camarasa

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24/10/2008 21:22. sdelbiombo #. Rembrandt No hay comentarios. Comentar.

NATURA VIVENS

 

Un bosque, el sol girando en torno a él y la humedad del otoño; poco más hace falta para ser feliz.

Quizás alguna vez consigamos entender que la Naturaleza es un espejo infinito en donde nos podemos buscar, educando la mirada, luego el resto de los sentidos, el alma al fin que sabrá verse en lo grande y lo diminuto.

La soledad puede estar tan llena

 

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Fotografías: Vicente Camarasa.

Las imágenes están libres de derechos pero, por favor, citad su origen y nombre de autor si las utilizáis

26/10/2008 11:15. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 4 comentarios.

EL MAYOR LADRÓN DEL REINO… EL DUQUE DE LERMA

 

 

 

 

Duque de Lerma. Rubens

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Sandoval_y_Rojas_(I_duque_de_Lerma) 

 

Se cuenta que, estando Felipe II en su lecho se muerte, se quejó amargamente a sus cortesanos diciendo:

 

Dios, que me ha dado tantos reinos, me ha negado un hijo capaz de gobernarlos.

 

Se refería a su hijo primogénito, Felipe III, un rey abúlico y aburrido, sumamente religioso y por complejo ajeno a los trabajos de monarca. Por no saber, ni siquiera eligió un buen pintor de cámara

 

Felipe III por Sánchez Coello

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Philip_III_of_Spain

 

Y solamente muchos años después, ya muerto, pudo tener un buen retrato de manos de Velázquez

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Felipe III. Velázquez

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Philip_III_of_Spain

 

Con este nuevo rey que inauguró el siglo XVII, muchas de las tendencias surgidas en el siglo anterior se acrecentaron. El imperio español (ya en crisis moral desde el Desastre de la Armada Invencible y económica desde unos años antes) comenzó su declive mientras el rey pasaba las horas entre cacerías e iglesias.

La ocasión la aprovechó Francisco de Sandoval y Rojas, duque de Lerma, que conocía al rey desde niño. Se convirtió así en su valido, la persona que realmente dominó durante casi veinte años el poder en el Imperio.

Según sabemos de él, era arrogante pero sobre todo avaricioso, y muy pronto comenzó a recurrir a todo tipo de artimañas para enriquecerse y colocar a toda su familia (a eso se le llama nepotismo, pues en italiano nepote es sobrino, y así llamaban a los hijos de los papas del XV, muy pronto ascendidos – a veces con 5 o 6 años – a puestos de relevancia, como obispo, cardenal…)

Quizás la más espectacular de ellas fue el cambio de capitalidad que Felipe II había establecido en Madrid. El Duque de Lerma no la consideraba digna del imperio y decidió trasladarla a Valladolid, curiosamente una ciudad en la que tenía compradas decenas de casas y solares que subieron de precio al tenerse que trasladar todos los cortesanos a ella.

 

Palacio de Uceda, residencia del Duque en Madrid

 

Vista del Palacio de Uceda y actual iglesia del Sacramento, fundación del Duque


El duque se enriqueció con esta maniobra financiera digna del político más corrupto de Marbella, pero aún lo hizo más cuando, tras seis años, la corte regresó a Madrid (justo cuando el duque había comprado a precio de saldo casas en la ciudad que ahora, de nuevo, milagrosamente, subían de precio). Por si fuera poco, el Concejo (ayuntamiento) de Madrid tuvo que pagar un alto precio para recuperar la capitalidad.

 

Pero si todo esto no le valiera, el duque de Lerma, que sufría constantes dolores de cabeza y enfermedades varias de las que sólo conseguía sanar si los cortesanos le visitaban y le dejaban un regalo en forma de joya.

 

Como podéis ver el Duque de Lerma no me cae especialmente bien (tampoco Felipe III), y quizás no sea demasiado objetivo en su análisis, aunque hay que reconocerle un buen gusto artístico y un mecenazgo muy activo que apoyó a los primeros arquitectos barrocos (Gómez de Mora, fray Alberto de la Madre de Dios, el padre Bautista…) que realizaron las primeras grandes obras del Madrid del Siglo de Oro (Plaza Mayor, Convento de la Encarnación, Iglesia de San Isidro…).

En su propia ciudad, la villa de Lerma (Burgos), mandó realizar unos de los primeros conjuntos urbanísticos de todo el barroco europeo, con un palacio (ahora convertido en unos de los Paradores de turismo más espectaculares de España), iglesias, conventos, plaza porticada y un pasadizo los conectaba a todos ellos y daba una amplia perspectiva sobre el valle en donde se celebraron fiestas, obras de teatro, pequeñas batallas navales o naumaquias…

 

 

Palacio ducal de Lerma. Principios del XVII. Tanto la escasa decoración como los tejados de pizarra como el remate de las torres (chapiteles) son todavía recuerdos del Escorial de Juan de Herrera

 

También encargó retratos a artistas extranjeros de renombre como Rubens (el del inicio del capítulo) o los Leoni, que ya habían trabajado para Felipe II en el Escorial y realizan sus retratos orantes en Lerma

 

 

En el plano político su actuación tuvo un lado positivo (la Tregua de los doce años con Holanda, que en parte permitió recuperarse a la economía imperial, y de paso permitirle a él robar algo más), y otro negativo, la expulsión de los moriscos (los que ya se habían rebelado en el reinado de su padre, Felipe II). Ésta última medida, antieconómica por completo, hay que entenderla como una decisión populista (la población odiaba a estos moriscos), intentando así atraerse el favor de un pueblo que cada vez vivía peor mientras veía cómo se amasaban grandes fortunas en torno al duque de Lerma.

 

La situación llegó a tales extremos que la esposa del rey (Margarita de Austria), apoyada por varios nobles (entre ellos el propio hijo del duque de Lerma, el duque de Uceda), lograron pruebas suficientes para juzgar y finalmente matar en la propia plaza Mayor de Madrid a su hombre de confianza, Rodrigo Calderón.

 

 

Rodrigo Calderón. Rubens

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-f827f0a9498f12dfe362a070252c0089.jpg

 

Ante ello, y para evitar ser juzgado, el duque de Lerma pidió al Papa el capello cardenalicio (ser cardenal, con su típica capa roja), lo que hizo que en Madrid comenzaran a circular unos famosos versos:

 

El mayor ladrón del mundo,

por no morir ahorcado,

se vistió de colorado

 

Algunos aseguran que su autor fue el propio Conde de Villamediana , uno de mis personajes históricos favoritos

 

Vicente Camarasa

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27/10/2008 22:24. sdelbiombo #. Barroco español XVII No hay comentarios. Comentar.

PERSONAJES DIVERSOS

 

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Miguel Ángel Sánchez García

 

(Estas fotografías se encuentran libres de derechos pero, por favor, citad la fuente y el autor si las utilizáis)

28/10/2008 22:59. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 3 comentarios.

MESOPOTAMIA. LOS PRIMEROS JARDINES (Primera parte). EL ÁRBOL SAGRADO Y LOS JARDINES COLGANTES

 

 

Reconstrucción imaginaria de los Jardines Colgantes de Babilonia, con la torre de Babel al fondo (Siglo XVI)

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Hanging_Gardens_of_Babylon.jpg

 

La larga civilización Mesopotámica tuvo al jardín como un elemento clave tanto religioso como político o estético, siendo muy probablemente el origen iconográfico de los distintos edenes o paraísos que aparecen en la religión judía y que luego se trasladarán a la las cristianas e islámicas.

Otro de los motivos iconográficos de origen mesopotámico que tendrá gran influencia será la del árbol sagrado, plantado por los dioses en los actos de la creación, convirtiendo en sacro todo su entorno. De esta idea derivará tanto el árbol del bien y del mal del Génesis como el árbol de la vida (hom), motivo insistentemente repetido en las decoraciones del primer Islam. Casi todos los pueblos mediterráneos de la Antigüedad valoraron el árbol como motivo divino, asociándolo a sus lugares sagrados (el olivo en algunos templos como el Erecteión ateniense, el ciprés y los cementerios, la palmera en Egipto y el Islam…) siendo una tradición que confluirá con la celta (posiblemente ambas ideas partirían de un tronco común, originado en la India). Para saber más puedes ir

 

 

El árbol sagrado

Tomado de http://mitosymisterios.wordpress.com/tag/los-anunnaki/

 

 

Sin embargo, y aunque existan hilos comunes, no podemos hablar de un modelo conjunto de jardín para todos los pueblos que habitaron la zona, apareciendo distintos modelos y temas que cada cultura desarrollará de forma propia.

En principio podríamos  dividir su estudio en dos grandes modelos: los jardines colgantes y los llamados paraísos

 

Los jardines colgantes.

Mesopotamia (como también lo era Egipto) se constituye como una amplísima llanura aluvial constituida por la sedimentación de los aportes de los ríos Eúfrates y Tigres. Su paisaje, por lo tanto, es una constante horizontalidad que muy pronto empezó a ser contrarestada por los zigurat.

Si hacemos caso a Mircea Eliade, estos templos escalonados servirían de encuentro entre la tierra plana y el cielo, una montañas artificiales (hechas por los hombres para el culto de los dioses) para comunicarse con los dioses observando el cielo y realizando en su cumbre sacrificios.

 

Algunos investigadores proponen (aunque sin pruebas arqueológicas) que dichos zigurat incluirían vegetación en sus distintas terrazas, creando así el modelo de jardín colgante o escalonados que luego influirían en el arte islámico (Jardines Medina Zahara)

 

 

El jardín desde el modelo de zigurat

Tomado de http://www.gardencenterejea.com/index.php?sec=12&id=104

 

El paradigma por excelencia de jardines colgantes fueron los de Babilonia y aunque la leyenda atribuye su construcción a la reina Semíramis, parece más probable (según el testimonio de Claudio Josefo) es que fueron obra de Nabucodonosor II o de alguno de los reyes aqueménidas posteriores (Diodoro Sículo).

Sea como fuera muy pronto se convirtieron en una de las grandes maravillas de la Antigüedad, creándose una visión mítica de ellos en el inconsciente colectivo. Los primeros trabajos arqueológicos los realizó Koldewey (1920) y Wiseman (1985)

Aunque con ciertas diferencias los dos coinciden en una estructura de terrazas apoyada en muros y columnas y cubiertas por bóvedas que eran recubiertas por una capa de asfalto que las aislara del agua y la humedad de la plataforma superior. Todo ello crearía un efecto visual impactante, toda una cortina de verdor tras la que se intuía el palacio.

 

Técnicamente lo más dificultoso fue crear el riego. Para subir el agua a las terrazas superiores el agua se subía del Eúfrates por medio de grandes norias movidas por animales o esclavos, haciéndola subir por el interior de ciertas columnas huecas

 

 

Vistas esquemáticas de los jardines colgantes de Babilonia

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-e93812091d9d0efa5b70b019fd2e2c3a.jpg 

 

Todo este panorama arqueológico se corresponde con bastante exactitud con las primeras palabras que se escribieron sobre estos jardines, obra del historiador y viajero Heródoto, en el siglo I

 

Este consta de terrazas abovedadas alzadas unas sobre otras, que descansan sobre pilares cúbicos. Éstas son ahuecadas y rellenas con tierra para permitir la plantación de árboles de gran tamaño. Los pilares, las bóvedas, y las terrazas están construidas con ladrillo cocido y asfalto

 

Os dejo algunos vídeos, siempre hipotéticos, sobre estos jardines

 

http://www.youtube.com/watch?v=gctUkmv9gyE&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=cOYRKlzl5Pc&feature=fvw


 

Vicente Camarasa

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LOECHES. LA ÚLTIMA MORADA DEL CONDE DUQUE DE OLIVARES CON SORPRESA FINAL

No puedo evitarlo. Al pensar en el Conde duque, la primera imagen que me viene a la cabeza es el retrato que le hizo Velázquez en 1634, soberbio y pagado de sí mismo, sobre su montura y con su bastón de mando, dirigiendo una batalla inexistente sobre el fondo de montañas del Guadarrama. Lo imagino así, como la encarnación del poder sin límites, mezquino y rencoroso. El verdadero reverso tenebroso de la fuerza.

 

(Por cierto, nunca nadie me ha llegado a explicar convincentemente es por qué Velázquez  - que tanto le debía en su carrera cortesana - nos lo mostró de esta manera tan cruel, resaltando su espalda curvada - su chepa, vamos - esa mirada perversa del que se sabe intocable)

 

 

El Conde duque de Olivares por Velázquez

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Conde-Duque_de_Olivares

 

Sin embargo, y siendo objetivo, tengo que reconocer que el Conde-duque fue, tanto en lo personal como en lo político, una figura histórica de mucho más relieve que esta simple apreciación.

Si se lee la biografía que escribió Elliott sobre él (verdaderamente alucinante), nos encontramos con un político de altas miras que, ante todo, quiso volver a recuperar la fuerza de un imperio que ya se encontraba en claro declive. Quiso, también, reorganizar la política interior, intentando hacer colaborar a las arcas reales a los reinos de la periferia que apenas si contribuían a un Imperio casi exclusivamente apoyado en los hombros de Castilla (esta fue la famosa Unión de Armas, que luego tantos conflictos traería a partir de 1640).

En cuanto a lo personal, y aunque son ciertos su soberbia, sus cambios bruscos de carácter o su falta de escrúpulos a la hora de eliminar a sus enemigos (que confundía sistemáticamente con los de España), también lo es su trabajo incansable a favor de un rey (políticamente) tan mediocre como Felipe IV o su profunda lealtad.

Quizás por ello sería más justo recordarle como lo volvió a pintar Velázquez en 1637-38, mucho más contenido y humano, con esos maravillosos negros que sabía utilizar como nadie en la historia del arte el maestro sevillano

 

 Velázquez. El Conde Duque

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Conde-Duque_de_Olivares

 

En ella nos encontramos al político sagaz y también al hombre, a estas alturas cada vez más cansado por sus múltiples enfermedades y cercano ya a la depresión que le atacará intermitentemente en sus últimos años.

Para entonces su política iba demostrándose cada vez más ineficiente y poco a poco a los problemas externos (Guerra de los Treinta Años) se unirán los internos (rebeliones de Portugal, Cataluña, Andalucía, Aragón, Nápoles…) hasta provocar su destitución en 1643.

Esto provocó una rapidísima cadena de reacciones por parte de sus enemigos que consiguen que sea desterrado a Toro.

Allí residirá hasta su muerte. Dos años en los que la depresión se agravó y desembocó en locura. Quizás no pudo aguantar caer desde tan alto y ser un simple mortal cuando había dominado durante tantos años el mayor Imperio del momento.

 

Sin embargo, aún muerto, volvió a provocar la polémica. Su cuerpo fue expuesto vestido con grandeza mientras se esperaba el permiso real para poder trasladarlo hasta Loeches, lugar que había adquirido en 1633 y donde había mandado construir un gran monasterio-palacio para su futuro enterramiento.

Así pasaron tres días, y luego varios más en la tétrica procesión que atravesó toda Castilla. Su cuerpo se fue poco a poco descomponiendo pese a los cuidados de los embalsamadores, y aún lo haría más cuando esperó a las mismas puertas de Madrid la llegada de los restos mortales de su hija, enterrada en Santo Tomás y exhumada ahora para ser enterrada en el panteón familiar. Una verdadera vanitas barroca como las que pintara Valdés Leal.

 

Valdes Leal. Finis Gloriae Mundi. Iglesia de la Caridad. Sevilla

Tomada de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Finis_gloriae_mundi_from_Juan_Valdez_Leal.jpg

 

Mientras esperaba, cuentan las crónicas, una gran tempestad se produjo sobre la capital y un rayo vengativo destruyó una torre de una iglesia, como si el espíritu de Olivares se rebelara contra su destino, se dijo en los corrillos de los mentideros de la Villa.

 

Ahora su memoria descansa en este pueblo del sureste de la Comunidad de Madrid, a menos de media hora de la capital.

Se trata de un gran conjunto arquitectónico del que queda un resto del palacio (en parte ocupado en la actualidad por un Colegio público), un monasterio de ladrillo de madres dominicas, cuyos terrenos ocupan medio pueblo, y una gran iglesia barroca dedicada a la Inmaculada.

 

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Foto del Palacio e iglesia monasterio

 

La iglesia tiene una portada muy parecida a la Encarnación de Madrid, pues sus planos fueron realizados por el mismo arquitecto, fray Alberto de la Madre de Dios.

 

Iglesia del convento. Loeches

 

El interior, diseñado por Gómez de Mora (el mismo que realizó la Plaza Mayor), consta de una sola nave muy amplia, con cruz latina de brazos cortos, bóveda de cañón con lunetos (los triángulos) y una gran cúpula encamonada (una bóveda falsa, realizada en yeso y madera en vez de piedra), muy típica de la arquitectura barroca española, siempre pendiente de las apariencias pero cada vez más arruinada.

 

 Interior de la iglesia

 

Toda su decoración interior se ha perdido y las pinturas actuales son modernas, pero aún nos queda una sorpresa final en el recorrido. Si nos acercamos a un lateral del convento, un cartel nos informa que para visitar la iglesia y el panteón bajemos unas escaleras y busquemos a Francisca.

Acompañados por ella podremos franquear las puertas del recinto y nos encontraremos, nada más entrar, con un gran panteón, idéntico al del Escorial construido por ¡la familia de Alba!, en donde incluso se encuentra ya ubicado la futura morada de la actual duquesa, entre los restos de sus dos maridos.

Ante la sorpresa, Francisca nos explica que el Conde duque murió sin descendencia legítima y sus títulos fueron a parar a la familia de Alba (la que mayor cantidad de títulos nobiliarios atesora en la actualidad). Luego nos indica un lateral en donde se encuentra la lápida del Conde duque y su mujer.

 

Enterramiento del Conde duque en Loeches

 

El hombre más poderoso del siglo XVII ahora yace en un lugar que muy pocos suelen visitar, emparentado (por el linaje de su mujer, Inés de Zúñiga) con los afamados Alba que todos los años, en el mes de mayo, visitan la capilla entre un terremoto de paparazzi. Toda una lección de humildad que la Historia, a veces, nos enseña con sus complicados cambios de rumbo y fortuna.

 

Qué frágil es el poder, ¿verdad? Deberíamos tenerlo en cuenta para no dejarnos cegar por su posesión y utilizarlo en beneficio de los demás no en el engrandecimiento del propio ego.

 

 UNA RUTA TURÍSTICA DESDE AQUÍ 

 

UNA FOTOGALERÍA ENLAZADA DE GÓMEZ DE MORA Y LA ARQUITECTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL XVII

Vicente Camarasa

 

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DAMIEN HIRTS. ¿EL ARTISTA PROVOCADOR O LOS ESPECTADORES INCOMODADOS?

  

El autor frente a una de sus obras más populares. La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo , un tiburón real suspendido en formol que en la actualidad tiene ya claros signos de descomposición

Tomado de http://www.descubrirelarte.es/?attachment_id=2682

 

Damien Hirst (1965) es quizás uno de los artistas más mediáticos (y por supuesto millonarios) del panorama artístico internacional que no ha dejado nunca indiferente al público desde su presentación mundial dentro del llamado Young British Artists (jóvenes artistas británicos) que fue promocionado por el controvertido coleccionista Charles Saatchi.

Su meteórica carrera artística está escalonada de escandalosas obras frente a las que la crítica se ha dividido, y mientras unos le consideran el sucesor de Warhol, el gran artista del momento, otros simplemente hablan de marketing, provocación gratuita y una nula capacidad artística.

No voy a entrar aquí en esta polémica (entre otras cosas porque su obra me parece muy desigual y tanto podría estar de acuerdo con las críticas como las alabanzas); simplemente me limitaré a señalar algunas de sus rasgos que a mi me parecen más interesantes.

 

 

San Sebastián, exquisita pintura

Tomado de http://www.operamundi-magazine.com/2012/04/primera-retrospectiva-del-polemico-damien-hirst.html

 

 

Por una parte (y aunque eso ya no sea una novedad desde el arte minimal) Hirts es un artista puramente intelectual que deja la realización de sus obras a técnicos especializados. Suya es la idea, simplemente, pero sus manos no se manchan con la materia, lo cual sigue molestando a muchos críticos, aunque esto sea algo tan habitual en la historia del Arte que los especialistas aún dudan entre las partes originales y las realizadas por los miembros del taller de las obras de Rafael o Rubens.

Por otra parte, sus famosas presentaciones en vitrinas de cristal ya las habían realizado Beuys o Koons, o el uso de materiales vivos tampoco ha sido una creación propia y existen numerosos ejemplos contemporáneos de ello (desde el Arte Póvera de los 60). Ni siquiera sus técnicas de conservación en formol son pioneras y ya existían antes de sus obras.

Frente a todo ello alguien se puede preguntar, ¿por qué es entonces tan famoso?

 

Quizás su éxito radique en la fuerza icónica de sus imágenes, como el tiburón con las mandíbulas abiertas que flota silenciosamente en el líquido azulado, dejando al espectador una sensación de inquietud verdaderamente palpable. Ya no es una representación, es una presentación de unas de las imágenes que más miedo nos pueden producir a nosotros, occidentales burgueses que nos bañamos en la playa cada verano y tenemos en nuestro inconsciente colectivo las imágenes de Spilberg.

Esta fuerza radica, además, en algo ya había descubierto los surrealistas. Mirad esta imagen.

 

 

Tomada de http://www.teinteresa.es/ocio/Hirst-pagan-millonada_5_674982503.html?itemId=11

 

No es sólo el animal real, es toda la carga de maldad, de brutalidad que nos descarga como una corriente eléctrica. Es una de las tácticas de Hirts, colocarnos ante nuestra parte más terrible, hacernos conscientes del grado de sadismo, venganza o violencia reprimida que tenemos cada uno de nosotros en nuestro interior. Acaso por eso nos perturban, igual que hicieron los surrealistas al utilizar los tabúes de la sangre, las vísceras, los excrementos o el sexo en los años 20 (como ya mencionamos al hablar de Bataille). Simplemente habría que volver a ver el famoso Perro Andaluz de Buñuel  o estas obra de Óscar Domínguez

 

 

Óscar Domínguez. Máquina de coser electrosexual. (1933)

 

 

Quizás sea este su mérito, contar lo innombrable, lo que la buena educación, la memoria colectiva o lo políticamente correcto nos impiden. Hacerlo, además, de una forma efectista que prescinde de lo estético para brutalizar aún más la sensación

 

 

 Tomado de http://luz-sonriente.tumblr.com/post/34302671294/damien-hirst-verity-ligier-degas-crossover


Pero en Hirts hay otra constante que se utiliza como forma de conmoción. La muerte. Su tratamiento vuelve a recordar al surrealismo. La muerte como una sociedad secreta, como diría Bretón en su Manifiesto Surrealista de 1924. Un lugar previsto, una cita ineludible que pese a adornarse con diamantes (o precisamente por ello, por confrontarse con el brillo y lujo inútil que tienen los diamantes en la muerte) crea una potente imagen que juega entre lo macabro y lo obsceno (aunque no tenemos, curiosamente, esa sensación cuando vemos ejemplos muy semejantes, como la famosa máscara funeraria de Tutankamon; pues acaso el tiempo, su pátina, llena de un cierto sentido estético a ese lujo aterrador y lo hace pasar por arte)

 

 

 

Por el amor de Dios. Calavera real con diamantes engastados

Tomada de

http://blogs.guardian.co.uk/art/2007/05/27-week

  

 

 

 

Máscara de Tutankamon.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Tutankamon

 

Y la comparación no es gratuita. Una de las obras exhibidas en su última muestra que ha batido todos los records de venta es precisamente una vaca casi sagrada, nimbada y con las pezuñas doradas, como si fuera el Buey Apis redivivo.

 

 

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Becerro de oro

Tomadas de http://kinua.blogspot.com.es/2008/11/hirst-horsch-de-arte-contemporneo-y.html


En este sentido, una de las pocas obras que he podido ver directamente del autor, me impresionó, lo reconozco. Se trataba de la llamada Trampa para moscas. Una gran vitrina dividida en dos espacios intercomunicados. En uno de ellos había larvas de moscas que iban naciendo, alimentándose del azúcar de un platillo. Al desarrollar sus alas, algunas de ellas pasaban por azar al otro habitáculo en donde existía una trampa eléctrica en donde las moscas se achicharraban (como las que existen en algunos bares de carretera), dejando el suelo de cristal tapizado con sus cadáveres.

 

 

Trampa de Moscas

Tomado de http://www.dobleclic.com/%C2%BFdamien-hirst-arte-o-especulacion/damien-hirst-thousand/

 

Realmente la metáfora no podía ser más evidente. Somos como moscas que nacemos y morimos ante la mirada impávida del espectador. Un verdaderamente terrible Gran Hermano que se desarrolla ante nuestros ojos que ven pasar el tiempo como si fuéramos dioses menores de las moscas.

 

 

Otro tema sería el de los medicamentos, pero eso lo dejaremos para otro día, pues esta noche es Halloween y creo que con estas imágenes ya es suficiente para las peores pesadillas.

 

Y para que no sea todo tan terrible os presentamos definitivamente a Biombito disfrazado del fantasma. Feliz fin de semana de miedo.

 

 

Vicente Camarasa

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