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Se muestran los artículos pertenecientes a Septiembre de 2008.

UN KITSCH MORAL. EL CHECKPOINT CHARLIE EN BERLÍN

Esta vez el horror florido no tiene esa carga un poco ridícula que caracteriza a muchos de ellos. De hecho, ante él, no podemos ser camp postmodernos, pues no podemos ser irónicos, ya que su problema no es una belleza excesiva ante un tema indiferente sino algo muy distinto: una reconversión en puro espectáculo de un hecho histórico verdaderamente terrible.

Como seguro recordaréis, tras la Segunda Mundial se inició la Guerra Fría entre Estados Unidos y la URSS, siempre bajo la amenaza de la guerra atómica. Uno de sus principales símbolos del periodo fue el famoso Muro de Berlín que dividió la ciudad en una parte capitalista de otra comunista, evitando que los segundos pudieran huir de un régimen cada vez más dictatorial.

 

Dentro de este muro existieron algunos controles fronterizos (como la famosa Puerta de Brandenburgo que habréis visto en las películas de espías). Otro de ellos fue el Check Point Charlie: una instalación del ejército nosteamericano.

De él queda aún la caseta de madera protegida por sacos terreros (ahora ya falsos, pues son de cemento) del puesto de control En sus alrededores ha ido desapareciendo el muro y la calle se ha llenado de tiendas de souvenir y puestos callejeros en donde se venden reliquias del comunismo (gorros de piel del ejército de la URRS, insignias, partes inutilizables de armas…).

 

 

 

Sin embargo el verdadero horror florido se produce en el mismo puesto de control. Dos actores vestidos de militares, hacen que custodian el puesto mientras enarbolan banderas francesas, inglesas o americanas… y cobran un euro al visitante que quiera hacerse una foto con ellos.

 

 

Y aquí se encuentra lo innoble. Lo que fuera un lugar de terror, se ha transformado en un puro objeto turístico, se ha banalizado y convertido en un juego, una pequeña diversión del visitante.

Un lugar que habla de la falta de libertades ahora es un simple souvenir más, olvidando todos los horrores que causó esta división y las centenas de muertos que lo fueron intentando atravesar el muro.

 

 

 

Realmente sería como si en Paracuellos hubiera una gran foto de su matanza durante la Guerra Civil con un agujerito en el medio para sacar la cabeza y hacerse una foto. Como si en Guernica pusiéramos una instalación de aviones de la legión Cóndor y por el precio de un euro más, además de hacernos una foto en los aviones, pudiéramos también destruir una casa de la que saldrían ardiendo mujeres y niños en medios de gritos, perfectamente conseguidos por la tecnología virtual.

No sé si logro explicar el asco que me produjo todo aquello, pues me pareció una verdadera profanación a la memoria de los muertos pero también de los que aún viven y tuvieron que resistir que la política les pusiera un muro que separó una ciudad y sus familias, sus amigos, sus antiguos trabajos. Simplemente intentad imaginarlo poniendo mentalmente este muro en una parte de vuestro barrio y pensad lo que podría suponer todo esto casi durante 30 años.

Pues ya sabemos que el turismo (especialmente el masivo) termina por banalizar las cosas (de ahí la idea de souvenir), ya que el turista mucha veces carece de verdadera información para entender lo que está viendo (o no le interesa tenerla, pues siempre es trabajoso eso que se llama pensar). Pero esto me parece excesivo, grotesco, ya que la memoria es demasiado importante como para convertirla en una atracción de feria.

 

Vicente Camarasa

 

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LA CÚPULA DE LA ROCA (I PARTE). LA TERRIBLE DENSIDAD DE LA HISTORIA POSADA EN UN ÚNICO LUGAR

 Vista General de la explanada de las mezquitas con la Cúpula de la roca en su centro

es.wikipedia.org

 

Pocos lugares en el mundo guardan memoria de una historia (y leyenda) tan densa como la ciudad de Jerusalén. Ciudad sagrada en las tres religiones del Libros (Judaísmo, cristianismo e Islam), construida y derribada varias veces en la historia y ante todo imaginada, Jerusalén es el omphalos, el ombligo del mundo para gran parte de la cultura occidental, influida por alguna de estas tres religiones.

Pero dentro de ella quizás exista un lugar que (especialmente para el Islam y el Judaísmo) sea el depositario máximo de su tradición. El monte Moriá o, simplemente, la Roca. En él fue erigida la Cúpula de la Roca y la mezquita Al-Adsa islámicas.

Pese a la importancia arquitectónica de ambas construcciones (las primeras del arte islámico), en el fondo se limitan a proteger con sus maravillas el Lugar por excelencia. Son los signos humanos que señalan la presencia inmemorial de lo divino, como muy bien comprendieran los templarios.

 

 

La cúpula de la Roca y sus construcciones adyacentes

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:The_west_wall_and_the_temple_mount.jpg

 

Si hacemos caso a las tradiciones islámicas, esta Roca que protege hoy la Cúpula no sería otra cosa que una parte del trono de Allah en el que estuvo sentado mientras realizaba la creación del Mundo. Sería por tanto la Primera Tierra, el lugar original desde el que se desarrollaría toda nuestra vida.

 

 La Roca

Tomada de

http://www.almendron.com/arte/arquitectura/islam/cap_02/islam_027.htm

 

Allí mismo (según el Islam) sería enterrado el primer hombre, Adán, y mucho tiempo después, Abraham lo habría utilizado como lugar de sacrificio y sometimiento extremo a lo divino.

Según recoge la Biblia (que es aceptada por el Islam como la primera revelación, siendo los Evangelios la segunda y el Corán la tercera y última), Dios había exigido a Abraham un sacrificio especialmente penoso, el de su propio primogénito, Isaac. Ante ello el patriarca no había dudado, subiendo con él hasta la cima del monte. Una vez allí le puso sobre un altar y, cuando estaba a punto ya de matarlo con su cuchillo, un ángel descendió desde los cielos y le hizo parar. Abraham ya había superado la prueba de fidelidad a su dios y no hacía falta más.

Esta historia ha sido utilizada con mucha frecuencia en el arte, y la puedes encontrar en el ángulo superior derecho de estas famosas Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia que realizó Ghiberti. La obra que hizo arrancar el Renacimiento (Quattrocento) en Italia


 

Sacrificio de Abraham. Ghiberti. Puertas del Paraíso. Florencia. Quattrocento

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Ghiberti-porta.jpg

 

También entresacado de la Biblia, sucede sobre esta Roca el famoso Sueño de Jacob. En él ve una gran escalera que comunica la Tierra y el Cielo, paseado por los Ángeles, como puedes ver en la obra de un adelantado al romanticismo, el inglés W. Blake.

 

La escalera de Jacob. Blake. Hacia 1800

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Blake_jacobsladder.jpg

 

Todas estas historias bíblicas terminan por tomar cuerpo en uno de los grandes templos de la Antigüedad. El famoso (y misterioso) Templo de Salomón. Si hacemos caso a la tradición fue construido por un fenicio, Hiram, al que el propio rey le proporcionó todas las medidas que Dios le había revelado.

Se trataba, según muchas tradiciones posteriores, de todo un mensaje hecho piedra en donde las distintas proporciones matemáticas no serían otra cosa que la misma esencia de lo divino.

 

Primer templo construido por Salomón. Maqueta de su posible configuración

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:TempleJerusalem.jpg

 

En él se custodiaron, sobre un altar que se situaba sobre la parte más alta de la Roca, la famosa Arca de la Alianza. Este fantástico objeto era una caja de piedra que contenía las tablas de la Ley que Dios había dado a Moisés, y desde antiguo se lo tuvo como objeto religioso de poderes extraordinarios, que se llegó a utilizar en las batallas, pues su cercanía abrasaba literalmente a los atrevidos que se acercaban a él sin protección adecuada.

Esta tradición ha hecho pensar en un posible arca que protegía elementos nucleares (como se planteaba en Indiana Jones) que podría relacionarse con la famosa piedra del diablo que Juan de Herrera llegó a descubrir en sus experimentos alquímicos en el Escorial.

 

 

Arca de la Alianza

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Folio_29r_-_The_Ark_of_God_Carried_into_the_Temple.jpg

 

Lamentablemente el templo fue destruido, vuelto a construir y derribado finalmente por los romanos en las campañas de Tito. Sólo queda de él uno de sus muros bajos, en el lateral de la Roca, llamado actualmente Muro de las lamentaciones a donde los judíos siguen acercándose hoy en día para orar.

 

 

Muro de las lamentaciones

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Israel-Western_Wall.jpg

 

Sin embargo, la historia de la roca no termina aquí, y la tradición islámica vuelve a nombrarla como el lugar desde donde se inició el Viaje de Mahoma a los Cielos (La Escala de Mahoma), en donde conoció el paraíso y el infierno islámicos aún en vida, transmitiéndoles sus imágenes a sus seguidores.

 

 

 

Viaje Nocturno de Mahoma

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Muhammad_20.jpg

 

Por si fueran pocas las historias y leyendas entrelazadas a la Roca, los primeros nueve templarios pasaron siete años en los subterráneos de la misma, sin que nunca se supiera el motivo ¿Tal vez buscar el Arca de la Alianza?, ¿estudiar las medidas matemáticas de lo divino en los restos del templo de Salomón?

 

Emblema templario

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-5e7efb779337c8152c7314c217073582.jpg

 

Como veis, un lugar impregnado de divinidad y tradición que los islámicos, cuando conquistaron Jerusalén, quisieron apropiarse para su religión, dándole nuevos simbolismos, como se verá en la segunda parte

 

Si queréis saber más sobre la Roca y su significado os recomiendo un excelente libro

 

La Roca. El altar de las tres culturas, de Kanan Makiya

 

 Vicente Camarasa

 

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03/09/2008 01:05. sdelbiombo #. ARTE ISLÁMICO Hay 5 comentarios.


LA CÚPULA DE LA ROCA (Segunda Parte). El edificio islámico

 

La cúpula de la roca. Planta

Tomada de wikimedia

 

Como podéis ver la planta es claramente centralizada pues todo el interés se encuentra en el centro (La Roca). Para ello utiliza la forma octogonal que se termina convirtiendo en un círculo, creándose una serie de anillos concéntricos hacia el interior, creando un camino que luego será reforzado por la luz.

Esta idea no es nueva sino que ya había sido utilizada en el paleocristiano (Mausoleo de Santa Constanza en Roma) o Bizancio (iglesia de Sergio y Baco en la actual Estambul o San Vital en Rávena).

Con esta planta el espacio se divide en dos grandes zonas: el doble deambulatorio y la zona central de la roca, lo que no sería excesivamente conveniente para el rezo común y, como veremos en el comentario, tal vez sea, utilizado para otro tipo de ritos


 La cúpula de la roca. Exterior

Tomada de wikimedia


Al exterior el edificio se nos aparece como un equilibrio entre lo horizontal (sus deambulatorios) y la verticalidad de la cúpula.

Los materiales utilizados fueron en gran parte reutilizados (del antiguo Templo de Salomón) y más tarde recubiertos, siendo ambas características típicas de todo el arte islámico que nace realmente con esta obra.

En la parte baja del deambulatorio predomina el muro sobre el vano mientras que en el tambor (cilindro sobre el que se coloca la cúpula) es el hueco lo principal, lo cual influirá directamente en el reparto de luz interno del edificio.

 

 

Interior Cúpula de la roca

Tomada de islamicity.com

 

Al interior volvemos a observar su alzado bipartito. Junto a los muros las formas de sustentación serán columnas reutilizadas que, debido a sus diferentes tamaños, utilizarán diferentes basas para nivelar en sus alturas. De ellas arrancan arcos de medio punto de tradición bizantina que son reforzados por tirantes (en unos lugares, los más primitivos, de piedra, que han sido poco a poco eliminados en las restauraciones por elementos metálicos).


  

Tomada de almendrón 

 

 

Si se observa la planta, la zona central que habrá de sustentar la cúpula se encuentra reforzada por cuatro grandes machones (pilares cuadrados) que estabilizarán el alzado.

 

La cubierta recurre a techos planos en los dos deambulatorios mientras el centro lo ocupa una cúpula de media naranja doble realizada en materiales ligeros y sobredorada al exterior, para reflejar la luz.

 

Tomada de almendrón

 

 

Como va a ser habitual en todo el arte islámico, la decoración será fundamental a la hora de contemplar el edificio, pues no se trata de un simple embellecimiento sino que es realmente el edificio (el ejemplo máximo de esta idea será la Alhambra).

La exterior corresponde a una reforma turca del siglo XVI. Por medio de azulejos que reflejan la luz se crean formas típicamente islámicas como las lacerías (líneas que se entrecruzan) y la epigrafía (la utilización de las letras con formas artísticas pero también iconográficas, al tratarse de versos coránicos). De la construcción original queda aún el revestimiento de mármol bajo en donde se utilizan motivos geométricos

 

 

La cúpula de la roca. Detalle exterior

Tomada de almendrón 

 

En el interior encontramos mosaicos realizados según la tradición bizantina en donde aparecen joyas, coronas y decoraciones vegetales (atauriques), todos ellos con una técnica depuradísima.

 

COMENTARIO

La cúpula de la Roca tiene, al menos, tres grandes significados.

En primer lugar se encuentra el artístico, ya que se trata de la primera gran obra del arte musulmán, que hasta entonces apenas había construido estructuras de mezquitas con materiales no duraderos (Casa de Mahoma, primitivo recinto de la Kaaba).

Sin una tradición arquitectónica (el pueblo árabe tiene raíces bereberes, que eran nómadas, y por tantos ajenos a la arquitectura estable), vemos como su arte se nutre de fuentes anteriores como el paleocristiano oriental, el bizantino o el propio romano. Su genialidad consiste en unificar elementos tan lejanos de su cultura para crear un estilo propio. Este proceso se realiza a través de la subordinación de todos los elementos a la idea suprema de divinidad.

Por otra parte, su aniconismo (prohibición de realizar imágenes, heredada de los judíos) le obligarán a retomar las formas geométricas tradicionales (vegetales, lineales, epigráficas) a las que dotarán de un sorprendente sentido del ritmo, movimiento y color, siendo uno de los sellos de su arquitectura, según Marçais. Según Burckhardt, muchos de los motivos decorativos derivan de las alfombras y tejidos primitivos que portaban los beduinos en sus movimientos tanto para vestir como para realizar sus tiendas.

 

Su segundo significado sería el puramente político. Al igual que la Mezquita de Damasco, la cúpula se construyó durante el mandato del tercer omeya, Abd al Malik. Durante este momento se está produciendo la segunda fitna o guerra civil entre los llamados sunnitas (los Omeyas) y los shiítas y persas. Estos últimos estaban encabezados por Hussein, nieto de Alí (yerno del profeta), que murió en la sangrienta batalla de Kerbala. Ante la fuerte represión que se sucede tras ella, Abadía se levanta en la propia Meca.

No deberíamos olvidar, por tanto, que mientras se realizaba este monumento, en el mismo tiempo, los ejércitos de su constructor, Abd al Malik, estaban bombardeando con catapultas la propia Kaaba en donde se atrincheraban sus enemigos.

Ante ello han surgido algunas hipótesis, como la de  Kanan Makiya, que plantean la cúpula de la Roca como un templo que habría de sustituir al de la Meca, dando un nuevo lugar de orientación para el rezo. Sin llegar a tales extremos, muchos investigadores (Grabar) hablan de un interés por trasladar el peso político de Arabia a Jerusalén que les permitiría un mejor dominio de sus nuevos territorios conquistados (Palestina, Siria, Irán).

 

En tercer lugar, la cúpula de la Roca tiene un profundo sentido religioso, como ya se vio en la Primera Parte intentando dejar claro la nueva preponderancia del Islam sobre sus antecedentes judíos y cristianos. Así su colocación se sobrepone a las ruinas del antiguo templo de Salomón y, a la vez, se trata de un monumento que pretende superar a la iglesia del Santo Sepulcro cristiana que había realizado Constantino en el siglo IV.


  

Planta original del Santo Sepulcro. Siglo IV

Tomado de wikipedia.org

 

De hecho las similitudes son notables. Las dos toman una estructura centralizada para marcar una roca (la Cúpula) o el enterramiento de Cristo (Santo Sepulcro). Junto a ella se encuentra una forma basilical de varias naves que serviría como lugar de culto público y colectivo que en la Cúpula de la Roca se convertirá en la llamada mezquita de Al-Adsa


 

La mezquita de Al-Adsa

Tomada de wikimedia.org

 

Nos queda una última cuestión a analizar: la trascendencia de la obra hacia el futuro. Esta mezquita tendrá una amplia difusión gracias a los templarios (y hospitalarios) que, como se dijo en el artículo anterior, se encerraron durante nueve años en este monte. Lo más evidente es su estructura centralizada que podemos ver en obras como la Vera Cruz de Segovia o Torres del Río (en este post encontraréis todas estas formas centralizadas del románico).

 

 

 

Iglesia templaria de Eunate

Tomada de santamariadeeunate.

 

 

Planta de la iglesia templaria de la Vera Cruz de Segovia.

Tomado de http://www.jdiezarnal.com/iglesiadelaveracruz.html

 

Aunque en menor medida, el ámbito musulmán conservó estas esencias en la edificación de kubas (edificios cuadrangulares coronados por cúpula central, normalmente con usos funerario para los grandes santones) que a su vez se volvió a inflirtar en el mundo cristiano español por medio del mudéjar, como podéis ver aquí

Mausoleo de Ismail. Bujara

 

Sin embargo sus relaciones van más allá y conectan con una de las teorías más discutidas y enigmáticas del mundo templario.

Desde muy antiguo (filosofía pitagórica) se mantiene la teoría de que el verdadero conocimiento se encuentra en las matemáticas, el número y la proporción, siendo estos los instrumentos perfectos para representar lo divino. Por ello la arquitectura (sus proporciones y relaciones geométricas) puede ser en sí misma un mensaje divino.

Según la tradición las medidas del Templo de Salomón habían sido dadas por el mismo Dios y durante muchos siglos algunos iniciados (como los templarios, o los constructores góticos) intentaron manejar este mensaje geométrico para encontrar las formas de divinidad, creando recintos en los que, por su propia estructura matemática, transmitieran casi inconscientemente, la idea de Dios, purificada de cualquier tipo de imagen.

Según Burckhard, la cúpula de la Roca pertenece a esta corriente espiritual y en varios de sus libros ha intentado examinar las relaciones matemáticas de la cúpula, que une el cuadrado (la Tierra) y el círculo (el Cielo) a través de formas octogonales y estrelladas (que también aparecen en su decoración).


 

La cúpula de la roca. Sus relaciones matemáticas

Tomada de wikimedia.org

 

Según esta teoría, entrar en la cúpula de la Roca (o en cualquier iglesia templaria) significa una experiencia extrarracional que permite (a la persona iniciada) conocer directamente lo divino. Por ello, el propio autor habla que esta estructura de la Cúpula, más que pensada para grandes multitudes, se realizó para una contemplación más íntima. El visitante debería realizar una serie de movimientos circulares en torno a la Roca, acercándose poco a poco a su misterio.

Restos de esta forma cinestésica (de lo referente al movimiento) los podemos encontrar en los derviches turcos que aún hoy siguen girando sobre sí mismos al ritmo de la música o en ciertos ritos templarios realizados en sus iglesias, que eran recorridas en círculos concéntricos.

 

Vicente Camarasa

 

Para saber más

http://www.almendron.com/arte/arquitectura/islam/cap_02/islam_02.htm

(Excelente página de arte islámico)

 

http://perso.wanadoo.es/historiaweb/antiqva/simbolismo%20ascensional/index_simbolismo.htm (Una página dedicada a estudiar el simbolismo geométrico en la arquitectura antigua. Muy interesante)

 

http://perso.wanadoo.es/viajerosweb/eunate/capilla.htm (Sobre esoterismo templario en Eunate)

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03/09/2008 11:30. sdelbiombo #. ARTE ISLÁMICO Hay 5 comentarios.

ARTE ORIENTAL. UNA SOLA PREGUNTA

 

 

¿Cómo suena el aplauso de una sola mano? (Koan zen)

 

 

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03/09/2008 13:34. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 6 comentarios.

TAMBIÉN AQUÍ PUEDES ENCONTRAR BARROCO

 

Para que no se pierdan en las secciones de distintas ciudades recopilaré de vez en cuando en este artículo los vínculos con otros en donde se puede encontrar obras y comentarios del barroco

ARQUITECTURA

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La familia Figueroa en Sevilla, dividida entres artículos, con obras tan esenciales como la Magdalena, El Salvador, San Luís de los Franceses, el Palacio de San Telmo, todos en Sevilla

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Palacio monasterio carmelita de Loeches, obra de Fray Alberto de la Madre de Dios y Gómez de Mora

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ESCULTURA

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Gregorio Fernández, el escultor vallisoletano.

En Madrid, una talla de Mena en San Nicolás,  la iglesia de San Pedro con el famoso Jesús el pobre

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En Alcalá de Henares el Hospital de Antezana  con una talla de Juan de Mesa.

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La Virgen de la Oliva de Valdilecha y las figuras de candelero barrocas a principio del siglo XVIII

 

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Por supuesto los artículos de Semana Santa 

PINTURA

Imágenes del retablo de Algemesí de Ribalta sobre Santiago

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OTROS

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Sobre el teatro y los corrales de comedias del Siglo de Oro

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Sobre el Conde duque  

 

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04/09/2008 00:41. sdelbiombo #. Barroco español XVII No hay comentarios. Comentar.

UNA RESPUESTA AL KOAN PROPUESTO… QUE NO LO ES

El zen es uno de los productos culturales más refinados de la cultura oriental. Su nacimiento se produce en China, tras la unión del budismo con tradiciones taoístas. Más tarde pasará a Japón donde se desarrollará casi como cultura oriental.

 

Dentro de la enseñanza del zen (hecha entre maestro y discípulo sin una estructura fija como nuestros cursos occidentales), ocupa un lugar muy relevante el koan. Se trata de una pregunta o pequeño relato que no tiene una resolución lógica.

Esto no significa que no tenga solución. Lo único que quiere decir es que el alumno (el espectador en el arte) no puede resolver el enigma de la forma tradicional, por medio del pensamiento lógico. Necesita pensar, sí, pero de una manera distinta, utilizando la intuición, la iluminación repentina, los sentimientos incluso, dejando a un lado los conceptos cerrados, globales, el blanco y negro occidental.

Incluso el koan plantea una advertencia sobre los peligros del lenguaje. Muchas palabras nos ocultan la realidad más que nos la desvelan y debemos de ser consciente de no quedarnos encerrados en esta jaula de conceptos si queremos comprender verdaderamente la realidad. Pues la palabras señalan pero no terminan por sustituir la realidad (aunque en occidente muchas veces lo hagan).

 

Por todo ello para entender el Koan (el zen recurre mucho más a comparaciones que a certezas) lo deberíamos considerar como una escalera que nos permite subir a algún lugar. Nadie se queda mirando la escalera con arrobo, sino que la utiliza para algo. El koan es semejante. Un instrumento para un conocimiento más auténtico de la realidad que obliga al alumno (espectador) a trabajar con él, pues en la enseñanza zen no hay un temario cerrado y el maestro se limita a guiar al alumno, darle posibilidades; nunca le enseñará nada, le ayudará a que lo descubra el propio alumno.

 

En occidente estas fórmulas se han utilizado muy a menudo. Uno de los ejemplos más clásicos es la poesía mística que pretendía definir con palabras lo divino. Al resultar imposible de forma racional se utilizará en ella numerosas metáforas, contradicciones, mensajes ilógicos que, cuando se llegan a comprender, revelan mucho más que una descripción

 

Para venir a gustarlo todo,

no quieras tener gusto en nada.

Para venir a saberlo todo,

no quieras saber algo en nada.

Para venir a poseerlo todo,

no quieras poseer algo en nada.

Para venir a serlo todo,

no quieras ser algo en nada.

Para venir a lo que no gustas,

has de ir por donde no gustas.

Para venir a lo que no sabes,

has de ir por donde no sabes.

 

San Juan de la Cruz. Subida al Monte Carmelo.

 

Mucho tiempo después, si lo pensáis, el surrealismo busca esta forma de conocimiento irracional de la realidad. Mirad si no lo veis claro Un perro Andaluz 

Yo por mi parte quiero también dar mi propia respuesta al Koan (cada uno tiene la suya, pues aunque la verdad sea una, el camino por encontrarla es distinto y, en el fondo, lo verdaderamente importante, buscar más que encontrar, pues la propia búsqueda tiene ya mucho de conocimiento).

Utilizaré el arte, claro. Para mí el sonido del aplauso de una sola mano es

 

Malevich. Cuadrado blanco sobre fondo blanco

Tomado de http://www.futuropasado.com/?p=417

 

No sé si con esto he hecho un nuevo koan, aunque quería antes de terminar quería proponeros otro, que no es para nada ortodoxo pero a mí me parece una de las poesías más brillantemente oscuras de la literatura del XX, Sólo su primer verso

 

Quiero dormir el sueño de las manzanas

 

(Federico García Lorca, El Diván del Tamarit)

(El texto entero lo tenéis en el Rincón Literario)

Si queréis conocer más Koans zen podéis consultar:

 

http://www.ciao.es/Acertijos__Opinion_710874 

 

http://tantra.com.es/Biblioteca/espiritualidad/zen/Zenkoans.htm

 

Intentad pensar en ellos, dejaros fascinar como si vierais el cuadro azul de Yven Klein del que ya hablamos. Dentro de unos días volveremos al tema

 

Vicente Camarasa

 

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04/09/2008 09:51. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 8 comentarios.

LOS ICONOS LAICOS DE GUSTAV KLIMT

 

Klimt. El beso

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

 

Cada vez más famoso por su uso en publicidad (o en colecciones por fascículos de abanicos), Gustav Klimt representa una de las pinturas más personales e inquietantes de finales del siglo XIX y principios del XX

Aunque se trata de una visión muy particular, podemos entenderla como una sutil unión de las tendencias post-impresionistas con las simbolistas, estando cercano tanto a la pintura de Gauguin como de Munch.

 

Una de sus constantes temáticas es el mundo femenino, aunque visto de una forma radicalmente nueva. Frente a la belleza tradicional, pasiva y exquisita, Klimt plantea una nueva forma de entender el universo de lo femenino. Sus mujeres son carnales y eróticas, llenas de una extraña fascinación en la que se une sexualidad y misterio, atracción y amenaza.

Si recordáis la Danae de Tiziano  y la comparáis con la recreada por Klimt, las diferencias son evidentes, con todo lo que ello significa (el siglo XX significó la emancipación de la mujer y lenta ruptura del modelo patriarcal, pasando de un ser dominado por el hombre a otra entidad distinta, mucho más cercana a las fuerzas de la naturaleza, a lo intuitivo y misterioso que crea esta ambivalencia de fascinación y miedo).

 

Danae. Klimt

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

 

Como ya lo hiciera Manet o Rodin es habitual que, bajo ropajes clásicos (los mitos de Danae, las iconografías de Judit y Holofornes…), Klimt realiza una fuerte modernización que consistirá en pasar el mito a lo puramente humano (como el famoso y polémico desayuno en la hierba de Manet). Lo individual, lo cotidiano se convierten así en el objetivo último, como la idea del propio beso, recreación puramente humana de Amor y Psique clásico 

 

En lo que se refiere al aspecto técnico, Klimt juega un papel de bisagra entre el siglo XIX y el XX (como lo haría en escultura Rodín).

Por una parte nos encontramos con un dibujo detallista, unas anatomías estilizadas, sumamente lineales que pueden recordar al movimiento Prerrafaelista y simbolista. También el color de las carnaciones (de la piel desnuda) tiene un claro precedente clásico, consiguiendo unas texturas que demuestran su dominio de la técnica. Sin embargo sus fondos y vestiduras son de gran atrevimiento cromático, cercano a Gauguin o el primer Kandinsky

 

Por otra parte existe en Klimt una anticipación de la pintura moderna. Esto es especialmente visible en sus fondos y vestiduras que se encuentran entre las sugerencias de la pintura japonesa (tan del gusto decimonónico) y un mundo geométrico que casi parece anticipar los famosos cuadros del Mondrian final - , un puro arte abstracto.

 

Decoración del Palacio Stoclet de Bruselas

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

 

A todo ello se une la presencia del pan de oro (al parecer conocido en un viaje a Rávena en donde le fascinó el arte bizantino). Su utilización en fondos y vestiduras crea un efecto sumamente extraño. Por una parte anula la perspectiva (acercándose así a lo que será el arte del XX), por otra le concede a los cuadros una especie de aura religiosa. Iconos laicos, como ya los definió Bozal, en donde se unían pasado y futuro y daban la imagen de la compleja sociedad de fines del XIX y principios del XX. Un mundo ambiguo, amante de lo bello y rico pero (a la vez) obsesionado por lo morboso, extraño y misterioso.

Todo ello con un fascinante despliegue visual de color y línea que, quizás, sea lo que ahora valoramos más.

 

Klimt. Judit y Holofernes

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gustav_Klimt

En el propio blog tenéis unas fascinantes interpretaciones de estos cuadros

 

 

Para saber más, existe un buen comentario del Beso en

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/12246.htm

 

y otro, muy personal e interesante en

http://www.pinturayartistas.com/la-creatividad-erotica-de-gustav-klimt

 

Vicente Camarasa

 

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05/09/2008 18:24. sdelbiombo #. modernismo Hay 7 comentarios.

ARTE PARA CONSERVAR LA MEMORIA. CUATRO INTERVENCIONES URBANAS EN BERLIN

Para quitarme el mal sabor de boca del post anterior  y, también, para hacer justicia al pueblo alemán, me gustaría comentaros brevemente cuatro intervenciones urbanas que me pusieron la piel de gallina en mi reciente viaje a Berlín. Las cuatro tienen en común un tratamiento de la memoria histórica de forma totalmente ética, a veces incluso algo desagradable, pero al menos verdadera.

El primero se llama Monumento al Holocausto, sobre los terrenos que pertenecieron a instituciones nazis. En él se recuerda a los millares de judios asesinados por los nazis en sus famosos campos de concentración de una forma poética, moderna pero verdaderamente emotiva.

 

Como podéis ver en la foto se trata de un gran cuadrado lleno de estelas de hormigón que, ordenadas en retícula, simbolizan un gran cementerio.

Al principio la imagen puede parecer algo fría, demasiado geométrica. Pero, como ocurre cada vez más en el arte contemporáneo, es que necesitan de la participación activa del espectador para funcionar correctamente.

Por tanto, no hay que observar tan solo e introducirse entre ellas en lo que al principio parece un simple juego de laberintos que, poco a poco, se convierte en otra cosa. Según nos adentramos en el recinto las estelas de hormigón van creciendo, restringiendo nuestra mirada a estrechos callejones que terminan en un fondo de árboles y edificios.

 

El silencio del recinto, la falta de detalles que contemplar, la sinuosidad del suelo van haciendo mella en uno hasta sentirse verdaderamente agobiado por un difuso (pero totalmente real) sentimiento de opresión.

 

Parecería que miles de voces gritaran; se siente el peso inmenso de una tragedia en aquel cementerio falso que. Sin embargo, oprime el corazón y hace recordar imágenes vistas sobre el holocausto. Pues en él no hay nada; sólo la memoria propia que se va disparando ante el espacio claustrofóbico, repetitivo como un tambor tocándote dentro del pecho.

 

 

 

La segunda de las intervenciones es muy simple, pero de una intensidad muy fuerte. En medio de la enorme plaza de Bebeplatz, frente a la antigua universidad, hay un pequeño lugar en el que se ha realizado una habitación subterránea que se puede observar pues se encuentra cubierta por un cristal. En ella sólo vemos el reflejo de las nubes y, bajo él, una habitación cuadrada llena de estanterías totalmente vacías.

 

Todo esto cobra sentido cuando se lee una placa cercana. Aquel fue el lugar en donde los nazis hicieron su primera quema de libros prohibidos (desde los escritos por judíos a las obras de Marx), dejando bien a las claras que opinión tenían sobre la cultura y la libertad pese a haber sido elegidos democráticamente.

 

La Universidad Humbolt al fondo

El tercero de ellos se encuentra en el antiguo gueto judío. Se le suele llamar la casa perdida, un solar entre dos bloques de casas en donde, en tiempos de los nazis, hubo un caserón habitados por judíos de los que ahora sólo queda su memoria en forma de carteles clavados en las paredes vecinas en donde aparece su nombre y el nombre siniestro del campo de concentración en el que murieron.

 

 

Me pareció verdaderamente impactante recordar a través de lo que no hay, de estas placas que también se continúan por el resto de la acera que vas caminando

 

 

Un verdadero homenaje a las personas que murieron por una de las tantas atrocidades de la historia.

 

La última de las intervenciones se encuentra junto a la puerta de Brandenmburgo, el lugar histórico que vio los desfiles triunfales de Hitler y luego la erección del Muro de Berlín.

 

 

 En este lugar cargado de historia y temores pero también esperanzas (la reciente unificación alemana tras el fin de la Guerra Fría) existe una pequeña puerta que pone sobre su dintel: Espacio de Silencio.

 

 

Si atraviesas este umbral pasas de repente a un ámbito pequeño que parece contradecir toda la megalomanía del exterior. En él hay un pequeño pasillo en codo que llega a una habitación pequeña, suavemente iluminada, con unas sillas, una gran piedra en uno de sus rincones y un tapiz de formas geométricas iluminado como si fuera un altar. Pues todo te habla de un espacio religioso pero sin religión. Un lugar de recogimiento, vacío de experiencias para que uno pueda volverse hacia su interior y asumir toda la historia que ha estado viendo en monumentos y carteles.

 

Algo verdaderamente oriental. Un oasis de recogimiento y silencio en donde es el hombre y no los grandes escenarios urbanos el que puede encontrar a si mismo y poder repensar sin el bombardeo visual que es la ciudad.

Si estáis el suficiente tiempo en esta habitación, saldréis como si hubiérais dormido mucho, con los sentimientos más calmados, quizás habiendo aprendiendo algo verdaderamente importante.

 

Ante todo esto y como reflexión final: ¿para cuándo obras que vengan a hablar de nuestra guerra civil, sin partidos, sin ideología, sólo desde el punto de vista de las víctimas?. Hace años que oí que el famoso monumento de los Caídos (en donde ahora está enterrado Franco y José Antonio) iba a ser convertido en Museo de la Guerra Civil. No nos vendría nada mal, pues dejaríamos de arrojarnos la guerra como forma de hacer política y empezaríamos a entenderla como una verdadera tragedia que nunca habría que repetir

 

Vicente Camarasa

 

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EL MISTERIO DEL MATRIMONIO ARNOLFINI. VAN EYCK

 

 

Todas las fotografías tomadas de 

 http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jan_van_Eyck

 

Durante el siglo XV tiene lugar una gran expansión artesanal y comercial en Flandes, que favorecerá la aparición de una burguesía adinerada la cual, con sus encargos, se convierte en la principal mecenas de un grupo de pintores conocidos como PRIMITIVOS FLAMENCOS.

Resultado de todo este proceso son algunos cuadros como éste, pintado en 1434 en Brujas (en ese momento una ciudad rica y considerada la más famosa del mundo gracias a las mercancías tan diversas como higos, naranjas, madera y pieles procedentes de España, Portugal, Venecia y Génova entre otros).

El matrimonio encarna físicamente el concepto de RIQUEZA, pues la vestimenta evidencia que se trata de personas con PODER ECONÓMICO, y así es como se hace representar.

El hombre viste una capa de piel y terciopelo abierta por los laterales y que deja al descubierto sus pies; la mujer aparece ataviada con un vestido de tejido algo áspero(los famosos paños acartonados flamencos que luego influirán en el barroco Gregorio Fernández) y bastante abultado por la zona del vientre (algo que nos hace imaginar que está embarazada) aunque esto no es del todo "fiable" ya que el hecho de usar una gran cantidad de tela para hacer un vestido era muy frecuente en la época, así que es más bien la representación del IDEAL DE BELLEZA del momento. Ambos aparecen en una lujosa habitación en donde se encuentran, además una lámpara de araña, un espejo, una ventana (encargada de comunicar interior y exterior para que pueda aparecer el paisaje) y una cama que ocupa la mayor parte de la estancia; así como objetos de menor tamaño realizados con minuciosidad

No son las características técnicas como el buen uso del  óleo  (que junto con la LUZ otorga luminosidad a la vez que VOLUMEN a las figuras), la PERSPECTIVA (algo abatida), el INTERÉS POR LAS TEXTURAS y el REALISMO EN LOS ROSTROS (especialmente la del hombre que denota frialdad y astucia) lo que más llama la atención, sino EL SIGNIFICADO DE CIERTOS OBJETOS representados en el cuadro.

Muchas preguntas son frecuentes respecto a esta obra: ¿QUÉ SIGNIFICAN REALMENTE LOS ZAPATOS COLOCADOS EN EL SUELO?, ¿Y LA ESCOBILLA, Y LA FIGURITA DE MADERA SOBRE LA CABECERA DE LA CAMA?, ¿QUÉ FUNCIÓN CUMPLE EL ESPEJO Y POR QUÉ SÓLO HAY ENCENDIDA UNA VELA EN LA LÁMPARA?

 

 

 

Debemos tener en cuenta que aquí los objetos no están por casualidad sino que tienen una función más o menos evidente, así el ESPEJO (en cuyo marco aparecen unos tondos que representan diversas escenas de las Pasión de Cristo) además de ser el eje central de la composición (punto focal y que divide el cuadro en dos partes simétricas) representa la POSICIÓN SOCIAL de los retratados, pues estos objetos eran considerados preciosos y no estaban al alcance de todas las familias. Es un espejo curvo que se denominaba bruja gracias al aumento del ángulo de visión que proporcionaba, generando así otra perspectiva (es por eso que en él se puede ver otra puerta al fondo con dos personajes más, algo en lo que se inspirará posteriormente VELÁZQUEZ en su famoso cuadro LAS MENINAS, sólo que empleando un espejo plano y de mayor tamaño) y a su lado colgado en la pared un ROSARIO como símbolo de la pureza en la mujer.

 

Sobre el resto de los objetos. Erwin Panofsky (considerado como el creador de la iconografía tal y como la conocemos hoy) desarrolló su teoría del “simbolismo disfrazado” o realismo falso. Según este autor, en un momento en el que se estaba produciendo una laicización de la cultura, con una mayor presencia de clientes no pertenecientes a Iglesia. Frente a ello el autor se adapta a la nueva clientela y presenta el simbolismo religioso queda camuflado, dándole una mayor importancia a lo civil.

Desde esta idea realizó una profunda reflexión sobre el significado más o menos oculto de todos los objetos cotidianos que hoy nos puede parecer complicado pero que sería corriente en la época, en especial en ciertos círculos intelectuales.

Veamos alguno de ellos.

 

Del techo cuelga una LÁMPARA DE ARAÑA con una VELA encendida (ésta simboliza a CRISTO como el ojo que todo lo ve y como la persona que es testigo y bendice el enlace); sobre la cabecera de la cama una FIGURITA DE MADERA que podría representar bien a Santa Margarita (patrona de las parturientas) o a Santa Marta (patrona del hogar) por la escobilla que está a su lado.

Las NARANJAS, además de ser un lujo en el norte de Europa, representan la fruta prohibida del Paraíso (la lujuria);

 

 

Al PERRITO, situado en el centro se le otorga el valor de la FIDELIDAD y el AMOR, es también el que aporta el toque gracioso a la pintura (como también ocurrirá en algunos cuadros de Goya).

La CAMA también tiene un destacado papel si se la relaciona, en las clases altas, con la continuidad del linaje y su COLOR ROJO viene a simbolizar la PASIÓN. Los ZAPATOS para la gente de la época eran una clara alusión a un pasaje del Antiguo Testamento:" no te acerques, quítate las sandalias de los pies, porque el lugar que pisas es tierra sagrada" Así, en una ceremonia, el SUELO se convertía en un LUGAR SAGRADO, por eso la mujer está descalza, pues se creía así se aseguraba la FERTILIDAD (aunque finalmente el matrimonio no tuvo hijos)

 

 

Muy llamativo en los recién casados es la posición de sus manos. Lo más habitual era que el hombre sellase su matrimonio con la mano derecha y no con la izquierda. Por ello algunos (comenzando piel propio Panofsky) afirman que podría ser un CONTRATO FINANCIERO (o un enlace de mano izquierda) mientras otros relacionan esta posición con a una posible desigualdad entre clases sociales.

 

Para cerrar el círculo de novedades, y que nos habla de la importancia que empiezan a tener los pintores, lo más peculiar del cuadro se halla en " la firma" del autor sobre la pared.

Una inscripción junto al espejo reza" Johann de Eyck fuit hic", es decir, estuvo aquí. Es así como Van Eyck se considera, MÁS QUE EL AUTOR DEL CUADRO EL PROPIO TESTIGO DEL ENLACE, duplicando su presencia en el autorretrato que realiza en el propio espejo.

 

Mar San Segundo

 

Para saber más

http://www.geocities.com/cdesastre2000/VanEyck/Arnolfini/Arnolfini.htm

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc48.html

 

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RECUPERACIÓN DE LA JUDERÍA DE SEGOVIA

 

 

Sin la fama de las de Toledo, Gerona o Córdoba, la Judería de Segovia resulta un lugar sumamente interesante y lleno de sorpresas, sobre todo ahora que el ayuntamiento ha comenzado un plan integral de restauración.

 

Dividida en dos partes, la Nueva y la Vieja, se encuentra a la espalda de la Catedral, entre ella y la muralla, con sus propios accesos, como era habitual.

 

La trama urbana es típica de lo medieval, con calles estrechas, sinuosas, patios interiores y cobertizos que unían casas contiguas, dando así más metros cuadrados a las mismas en un lugar de alta densidad de población.

 

Cobertizo.

 

El paseo por ellas merece la pena, buscando rincones, partes de antiguas corralas, puertas en la muralla y nuevos restaurantes en donde se ha vuelto a reintroducir la gastronomía judaica.

 

 

Junto a esto, los dos lugares centrales son el Palacio de Abraham Señor y la Antigua Sinagoga Mayor.

El primero es una parte de lo que fue el palacio de un judío acomodado (Abraham Senneor), del que aún resta una parte del patio (a la manera castellana) y habitaciones en donde se ha instalado un pequeño centro de interpretación de la judería y una magnífica librería sobre temas judíos.

 

 

Palacio de Abraham Senneor

 

En cuanto a la Sinagoga Mayor del siglo XIII-XIV (hoy Convento del Corpus Cristhi) nos encontramos con una entrada típica de lo islámico, en codo, como ya analizábamos en el Hospital de Antezana de Alcalá. Recorriéndolo llegamos a la entrada actual que da acceso al recinto.

 

 

Patio de entrada Sinagoga Mayor

 

Quien conozca Toledo enseguida le recordará esta sinagoga a la de Santa María la Blanca. Dividida en tres naves, recoge de ella toda la herencia almohade, pues en España no existió un verdadero arte judío y gran parte de él está realizado por constructores andalusíes.

 

 

 

Interior Sinagoga Mayor

 

El elemento más característico son los pilares de ladrillo octogonales y encalados sobre los que se coloca un capitel trepanado (con pequeños y profundos huecos que generan claroscuro) al que se le añaden motivos vegetales, como piñas alargadas.

 

 

Interior Sinagoga Mayor

 

Sobre ellos se levantan amplios arcos de herradura y, en la parte superior, una tribuna separada por arcos mixtilíneos cubiertos por tracerías. Queda también sobre el altar una techumbre de madera policromada espectacular.

 

 

Techumbre del ábside

 

Y aún quedarían otros lugares como el Arco de San Andrés en la muralla, la antigua carnicería o, en el cerro frente a Segovia, el antiguo cementerio judío en el que se pueden ver tumbas antropomorfas, que pueden constituir un perfecto recorrido de medio día.

 

Si quieres saber más de las distintas juderías hispanas puedes consultar

http://www.redjuderias.org/red/es/rv/miembros/segovia/index.html

 

En http://www.turismodesegovia.com/plano/inicio.html hay una plano interactivo para encontrar todos los monumentos

 

 TODAS LAS JUDERÍAS ANALIZADAS EN NUESTROS BLOGS

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TODOS NUESTROS POST SOBRE SEGOVIA

 

Vicente Camarasa

 

 

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08/09/2008 07:59. sdelbiombo #. Segovia No hay comentarios. Comentar.

¿CUÁLES SON LOS LÍMITES DEL ARTE?

Una gran amiga me manda esta noticia tomada de http://www.lavanguardia.es  

 

Copenhague. (EFE).- El artista chileno afincado en Dinamarca Marco Evaristti ha firmado un acuerdo con un reo condenado a muerte en Estados Unidos para que le ceda su cuerpo tras su ejecución y pueda transformarlo en comida para peces en una exposición donde "reflexionará" sobre la pena capital.

Su idea es que sean los propios asistentes a la muestra los que alimenten a los peces, explicó a Efe el artista.

Evaristti conoció a Gene Hathorn -de 47 años y en prisión desde 1983 por el asesinato de su padre, madrastra y hermanastro- en 2007, cuando estaba trabajando con la idea de la pena capital e investigaba quién era el preso que llevaba más tiempo en el corredor de la muerte en Estados Unidos.

"Empezamos a escribirnos cartas y luego fui a visitarlo a la cárcel en Texas. La segunda vez que estuve allí me contó que algunos presos donaban su cuerpo para fines científicos. Le pregunté qué le parecía donar el suyo para una obra de arte y aceptó", indicó.

Leyendo los papeles del proceso vio que Hathorn era considerado literalmente un "desperdicio humano", por lo que decidió transformar la "basura" en algo positivo.

La idea de la comida para peces proviene de una polémica instalación que él montó hace varios años en distintos museos y que consistía en unas licuadoras con un pez dentro, que el visitante podía matar apretando simplemente el botón de encendido. Como entonces algunos le llamaron asesino de peces, decidió dar un "giro de 180 grados" y convertirse en alimentador de peces.

Las acusaciones de falta de ética que ha recibido de detractores por su nuevo proyecto le resultan incomprensibles por hipócritas. "¿Cómo es posible que alguien reaccione así por un cuerpo que de todas formas se va a pudrir y no diga nada porque se mate a gente? ¿Cómo podemos aceptar que exista pena de muerte en estos tiempos?. No pueden existir ese tipo de castigos", inquirió.

 

Ante esto, ¿cómo hay que reaccionar? ¿Cuáles son los límites del arte, de la ética? ¿El mensaje que pretende justifica los medios utilizados? ¿Es una obra de denuncia o un espectáculo? ¿Las palabras del autor son una actitud comprometida o una excusa?

 

De veras que no lo tengo nada claro, pues mi idea favorable hacia el arte como provocación (desde el famoso urinario de Duchamp o las latas con Mierda de artista de Manzoni) o el arte política y socialmente comprometido (la propia obra de Beuys o Sierra de las que pronto hablaré), me termina por chocar con un límite moral, algo sagrado, como es la propia vida.

 

Y vosotros, ¿qué pensáis?

 

Vicente Camarasa

 

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El Mont Saint Michel, “Maravilla de Occidente”.

 Foto por cortesía de Juan Aranda

La primera vez que se llega al Mont Saint Michel con la marea baja no es nada extraño pensar que se trata de una broma, de un engaño para los turistas. Ciertamente es impresionante la visión de la ciudadela amurallada coronada por la abadía, rodeando el monte, pero no parece posible que, en ningún momento, el mar llegue simplemente a acercarse a ella.

El monte está situado entre campos y extensiones de arenas movedizas (con fama de haberse cobrado unas cuantas víctimas y que alimentan incluso alguna que otra leyenda) que se confunden en el horizonte, donde apenas sí se alcanza a vislumbrar el mar, a 20 kilómetros de distancia cuando las mareas son más bajas. Sólo los constantes horarios colocados por doquier y la excesiva humedad del suelo anuncian lo que va ocurrir.

Y entonces sucede. De forma aparentemente lenta al principio e increíblemente veloz después, el lejano mar comienza a acercarse ola a ola, hasta que sin pararse ni un momento, el monte queda convertido prácticamente en una isla (aunque actualmente queda ligado al continente por la Grande Rue, única carretera de acceso).

 

Saint Michel con marea alta

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:France-Mont-Saint-Michel-1900_bordercropped.jpg

 

Ubicado entre las regiones francesas de Bretaña y Normandía, el Mont Saint Michel  fue un importante lugar de peregrinación desde la Edad Media, una fortaleza disputada por ingleses y franceses en la Guerra de los Cien Años, una prisión durante la revolución Francesa, y un núcleo de leyendas que se remontan a la fundación de la abadía.

Se cuenta que el propio arcángel San Miguel se apareció una noche en sueños  a San Auberto, obispo de Avranches, para exigirle la construcción de un oratorio en el Monte Tumba, tocándole en el cráneo con el dedo (según otra versión, lo atravesó con su espada) para dejar una prueba tangible a toda la humanidad (al parecer, la calavera del obispo se conserva aún con el agujero que le hizo el arcángel). Así pues, San Auberto erigió un santuario dedicado a San Miguel en el año 708, hace exactamente trece siglos.

En el año 966 el duque de Normandía ordenó que se trasladara al monte una comunidad de monjes benedictinos, quienes comenzaron a construir la abadía, que se fue ampliando a lo largo de los años, desarrollándose un pequeño pueblo en torno suyo. Pronto comenzó a recibir numerosos peregrinos y su fama se extendió, comenzando a ser dándosele incluso el nombre de “Maravilla de Occidente”.

Además de su función religiosa, las gruesas murallas y fortificaciones de la ciudadela, sumadas a la situación geográfica del lugar, hicieron del Mont Saint Michel una fortaleza inexpugnable durante la Guerra de los Cien Años, convirtiéndolo en un lugar simbólico de la identidad nacional.

Con la Revolución Francesa, la comunidad religiosa fue disuelta y la abadía utilizada como cárcel hasta 1863. Desde finales del siglo XIX  ha sido objeto de numerosas restauraciones.

Fue incluido en la lista de patrimonio mundial de la UNESCO en 1967 y actualmente es uno de los enclaves turísticos más importantes de Francia.

Foto por cortesía de Juan Aranda

 

 

La abadía posee un plano bastante original, debido a los problemas topográficos (tuvo que adaptarse a la forma piramidal del peñón, rodeándolo).

La iglesia abacial, construida a principios del siglo XI, se encuentra a 80 metros sobre el nivel del mar, colocada sobre una plataforma de 80 metros de largo compuesta por varias criptas subterráneas que ayudan a sostener el gran edificio (como la cripta de San Martín, que también se comunica con el osario de los monjes).

Interior iglesia. Zona románica. Foto por cortesía de Juan Aranda

El coro de la iglesia fue destruido por un incendio y reconstruido en el siglo XIV en estilo gótico flamígero (el gótico más tardío, con mayor importancia en la decoración), ornando y llenando de luz a la oscura y austera iglesia románica. Para sostenerlo se necesitará otra cripta más, “la de los gruesos pilares”. Como cubierta se utiliza una bóveda revestida de madera, elemento muy típico de la arquitectura normanda, que también aparece en otros edificios de la abadía, como el refectorio

 

Interior iglesia. Coro gótico.

Tomado de http://www.sacred-destinations.com/france/mont-st-michel.htm

No se conserva la fachada original de la iglesia, sino la neoclásica que se construyó en el siglo XVIII. A finales del siglo XIX, se coronó la iglesia con una aguja neogótica rematada por una estatua de San Miguel en cobre dorado.

  

Junto a la iglesia y primer monasterio románicos, comienza a construirse en el siglo XIII La Merveille, una gran ampliación de la abadía. Se trata de un edificio de tres pisos situado en la pendiente del peñasco, sostenido con enormes contrafuertes y con una estructura cada vez más ligera según se avanza hacia la cima, para facilitar la sujeción.

Los tres niveles de La Merveille reflejan la jerarquía monástica: los monjes vivían en el nivel superior (el más cercano al cielo), entre el claustro, el refectorio y la iglesia. Los nobles recibidos por el abad se alojaban en el nivel intermedio, mientras que peregrinos y soldados utilizaban el inferior.

De La Merveille destacan ante todo el refectorio (una nave larga y estrecha inundada de luz por los ventanales que cubren sus muros laterales) y el claustro, lamentablemente muy mal conservado, por lo que se encuentra restaurado casi por completo.

 

Refectorio

Tomada de http://www.sacred-destinations.com/france/mont-st-michel.htm

 

 

 

 

Claustro. Foto por cortesía de Juan Aranda

 

Personalmente recomiendo visitar el Mont Saint Michel a todo el que tenga la oportunidad de hacerlo. Además de las increíbles mareas o de la belleza de la abadía, recorrer las calles de la Ciudadela es como volver a la Edad Media, aunque desgraciadamente, la enorme cantidad de turistas que plagan el Monte y sus alrededores (y más este año, que se cumplen los trece siglos desde su fundación) quizá hagan un poco más difícil disfrutar de este lugar único.

 

Para terminar me gustaría recomendar también a los que vayáis alguna vez por esta zona una visita a la cercana Saint Malo, una preciosa ciudad fortificada al borde de la bellísima Costa Esmeralda.

 

Nuria Zapardiel

 

Gótico;SaintMichel;LaMerville;SanMiguel;peregrinaciones

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09/09/2008 08:53. sdelbiombo #. GÓTICO Hay 7 comentarios.

UNA INSTALACIÓN TERRIBLE SOBRE LAS VÍCTIMAS DE LA VIOLENCIA. BERLÍN

Quizás hubiera sido mejor haber redactado estas líneas en el artículo en. CUATRO INTERVENCIONES URBANAS EN BERLIN , pues también habla de la memoria de una manera magistral. Sin embargo me causó tal impresión que he querido ponerlo a él sólo.

También lo hice para poder explicar qué es eso de una instalación, práctica sumamente habitual en nuestro arte actual.

En el fondo se trata de salirse de los límites marcados tradicionalmente entre pintura, escultura y arquitectura. Pues una instalación es una mezcla de las tres: un lugar que es ocupado por pinturas, esculturas u objetos en donde lo que más importa no es cada cosa en particular, sino la creación de todo un ambiente, normalmente paseable, que hace poner en funcionamiento varios sentidos más allá de la pura mirada.

 

 

El espacio se encuentra dentro del Museo judío de Berlín y se trata de una sala alargada de paredes de hormigón lisas, techos muy altos y  suelo cubierto por caras hechas en hierro que se apilan sin orden por todo el suelo.

 

 

Pero lo importante no es esto, sino lo que ocurre cuando entras en la obra y comienzas a andar sin rumbo por ella. Por mucho cuidado que tengas, los pasos crear unos desagradables ruidos metálicos sobre el montón de caras. Ruidos que el recinto amplifica.

Tu caminata crea, por tanto, una música macabra que recuerda a una maquinaria inmensa, al ruido de la guerra, de caballos trotando sobre ruinas. Algo verdaderamente no humano sobre aquellas caritas que son pisadas una y otra vez, como si fueras realmente tú quien produjeras su tragedia.

 

 

La sensación no se puede recrear en palabras, sólo decir que la luz, en unos lugares clara, en otros muy tenue; los ruidos, las paredes lisas como las de una cárcel o un cementerio, las caras hechas de gestos simples, tus pies que las pisan, el ambiente lleno de ecos… pone verdaderamente los pelos de punta en esta obra dedicada a todas las víctimas de la violencia.

 

Si vais a Berlin no os lo perdáis; merece la pena

 

Vicente Camarasa

 

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NUEVAS FOTOS

Se han incluido nuevas fotos de Saint Michel

y de Akenaton

11/09/2008 02:16. sdelbiombo #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

PARA ENCONTRAR MÁS COSAS DEL ISLAM-MUDÉJAR

En Madrid se encuentran sus torrres mudéjares de San Nicolás y San Pedro

 

Sobre el origen islámico de la capital 

 

Sobre la Sinagoga y judería de Segovia

 

11/09/2008 07:44. sdelbiombo #. ARTE ISLÁMICO No hay comentarios. Comentar.

EL DÍA QUE EMPEZÓ EL SIGLO XXI, NOSOTROS ESTÁBAMOS VIENDO LA TELEVISIÓN

 

Hace siete años, un día como hoy, 11 de septiembre, comenzó el siglo XXI. Para nosotros, lo españoles, todo ocurrió por la tarde; lo recuerdo perfectamente. Cuando volví de comer y entré en la Sala de Profesores la televisión estaba encendida y todos miraban una de las Torres Gemelas, que estaba ardiendo.

Había corrillos, opiniones diversas, y, como en aquella Sala de Profesores, medio mundo tenía la mirada clavada en una televisión cuando apareció lo inesperado. Un inmenso avión de pasajeros se estrelló en la segunda torre.

El resto ya lo conocéis y creo que no hace falta contarlo. Acaso porque no se puede hacer, pues aún hoy, varios años después, todo sigue pareciendo mentira.

 

Digo esto porque yo pasé la tarde entera viendo la televisión que no cesó de retransmitir las imágenes, cada vez más numerosas. Era el horror en directo que, pese a lo terrible que resultaba, no llegaba a conseguirme conmoverme.

Yo sabía (intuía) todo lo que podría suponer este acto terrorista nunca visto. El mundo ya no podría seguir siendo igual, me decía. Soy, además, español, y demasiado a menudo he tenido la terrible oportunidad de ver las matanzas del terrorismo de ETA, el sufrimiento de sus víctimas, la impotencia que también se llamó, en aquel verano, Miguel Ángel Blanco.

¿Por qué, entonces, no podía conmoverme ante aquellos rascacielos? ¿Qué me hacía ver la televisión con el ánimo de un espectador de cine? ¿Qué se había roto en mi interior?

 

Las torres eran alcanzadas una y otra vez por los aviones comerciales y, al final, terminaron derrumbándose. Miles de personas muertas en el mismo centro del mundo y millones de personas pensando que aquello no podía ser realidad. Pues no sé si os pasó algo parecido, pero aquello era tan terrible, tan sumamente real, que parecía mentira. Una película, terrorífica.

 

Varios años después, otro once pero esta vez de marzo, el terrorismo nos tocó en la estúpida ruleta de su violencia. Esta vez no hubo grabación en directo, sólo noticias dispersas, rumores, móviles que no tenían cobertura, ambulancias que corrían desesperadas por unas calles en donde los coches se abrían hacia los lados. Sin imágenes apenas recuerdo, sin embargo, que durante toda la mañana estuve conteniendo las lágrimas mientras intentaba explicar (el verbo es excesivo, tal vez imposible) qué era eso del terrorismo a mis alumnos.

 

¿Por qué ahora sí? ¿Por qué, sin necesidad de unas imágenes retransmitidas, me sentía tan mal entonces?

 

No sé si logro explicarme. Desde aquel momento no dejo de darle vueltas a mis distintas reacciones y, sobre todo, intento analizar cómo funciona la televisión en sus espectadores (quizás ahora se pueda comprender la imagen que abre el artículo). Los anuncios, los informativos, los concursos, las series…; todo lo que parece tan normal está lleno de trucos para conservar y aumentar la audiencia, mandar mensajes emocionales, generar o potenciar ideas…

Por todo eso HAGO UNA LLAMADA URGENTE. Necesitamos para este apartado de nuestro blog (que llamaremos si os parece bien CUIDADO, TELEVISIÓN), alguien que verdaderamente sepa. NECESITAMOS UN PERIODISTA, una persona con formación que pueda ir ordenándonos las ideas y guiarnos por este mundo.

Mientras tanto, os invito a todos los que tengáis cualquier tipo de reflexión sobre el tema, que vayáis enviándome vuestros comentarios o ideas, pues esto es también mirar el mundo, como reza el título del blog, acaso es la principal forma que tenemos de verlo en la actualidad, y sería muy interesante dejar de ser simples e inocentes espectadores y darnos cuenta de las cosas.

(Si no tenéis mi e mail, mandadme el vuestro en el comentario y os lo envío)

 

Vicente Camarasa

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LA ESTÉTICA ZEN. IDEAS PARA MEDITAR

AVISO. El artículo que tenéis aquí no es para leerlo, sino para pensarlo, pero sin hacerlo. Quizás, mejor que leerlo, sería más provechoso que os mirarais por dentro. Pues acaso nada se entienda, y entonces estaréis en el buen camino. El que avisa no es traidor

 

Gran parte de la estética de las artes orientales se basa en dos tradiciones que terminaron casi por confundirse. Por una parte el taoísmo de Lao Tse y por otra el budismo (de origen hindú) en su vertiente zen.

Reduciéndolo a lo más básico el Tao (Camino) pretende ser más una filosofía personal que una religión, pues su objeto es el hombre y su conexión con el misterioso dao o tao, imposible de definir (pues su propia definición lo destruiría), utilizándose metáforas, ejemplos y aproximaciones. Se trataría de una especie de aliento vital que se encuentra en todas las cosas del Universo, unificándolas. Esta fuerza (Lucas se basó en este tipo de conceptos orientales para crear su famosa fuerza de la Guerra de las Galaxias, o sea, que alguna tendrá mucha ventaja) mantiene cohesionado el Universo, y de ella también participamos los hombres.

Pero este tao no es algo estático, definido, cerrado. Por el contrario, sólo surge del constante interactuación de los contrarios (el famoso yin yang  que explicábamos en Klein). Es, por tanto, un proceso que tiende a la armonía pero que cambia constantemente, pues sino desaparecería.

Bajo estas ideas los taoístas pretenden que el hombre busque el tao y se adapte a él. Este proceso requiere que el hombre no se tenga como ser único, sino que se diluya en el universo, en el vacío. Es por ello por lo que la naturaleza tiene tanta importancia para el arte oriental, el es objeto final de su búsqueda.

 

Paisaje. Shitao. Siglo XVII

Tomado de http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/34/Shitao04.jpg

 

Quizás quede más claro con un típico ejemplo taoísta. Frente a un huracán el árbol, firmemente asentado, puede ser derribado, pero no el junco, pues este se dobla, se adapta al viento para seguir siendo.

 

En zen (que partía de ideas cercanas a las ya expuestas) añade especialmente dos grandes novedades. Por una parte, y basado en la idea de eliminar el sufrimiento budista, quien nada tiene, nada teme. Dicho en otras palabras, nuestros deseos son los culpables de nuestros miedos, ya sea por no conseguir lo que queremos ya por temor a perder lo que ya tenemos. Por eso el budismo aconseja el no ser.

Esto resulta especialmente complicado para las mentalidades occidentales, basadas en el culto a la personalidad, el éxito, el individualismo. Nos asombramos ante la idea de que la máxima felicidad sería perdernos en el todo, ser nada. También nos resulta difícil admitir (y esto en arte contemporáneo ocurre mucho) que cuanto menos, mejor. Es más bello aquello que tiene menos, como los cuadros suprematistas de, de Malevich (muy influido por el zen). El vacío frente a lo lleno; oriente contra occidente.

 

Malevich. Círculo negro.

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Black_circle.jpg

 

Por otra parte, el zen plantea una serie de métodos para conseguir esta unión del hombre con la nada (o con todo, es lo mismo). Desde la meditación, los mandalas, la música, el koan , las artes marciales, la ceremonia del te, los jardines zen…

Todos ellos parten de una idea clave. El tao no es conocible por medio de la razón y sólo la intuición, las largas horas de práctica, consiguen acceder a la iluminación (el satori japonés, el nirvana budista o, como ya decíamos en los koan, el éxtasis religioso).

Por tanto, cuanto menos pensemos más cerca estaremos. Por eso los maestros gustan de poner estas preguntas ilógicas a sus alumnos o contestar con frases sin sentido ante sus preguntas. Pues te pueden señalar donde está el camino, pero nadie puede andarlo por ti. Es necesario que el alumno avance, se tropiece, se pierda… para al final encontrar el camino, que es un puro estado emocional.

Aunque esto os pueda parecer difícil e incluso un poco estúpido, por favor, pensad en una cosa. ¿Cómo se ama, que es el amor, alguien os podría enseñar a amar? Esta experiencia que todos conocemos pero cada uno experimentamos de una manera distinta hemos de aprenderla por nosotros mismos, ningún libro nos enseñará.

Por todo esto, para la estética oriental es casi más importante el proceso que la meta final, y acaso una pintura no esté terminada o sea abstracta, como ocurría en Kandinsky, para que el espectador encuentre su propia pintura o, unos simples gestos sobre el papel serían tan importantes, como podéis ver en esta pintura de Kline, un americano del expresionismo abstracto muy influido por el pensamiento oriental

 

Kline. Número 2.

Tomado de http://www.harley.com/art/abstract-art/kline.html

 

 

Y por el momento nada más. Demasiadas cosas llenan ya este artículo para ser oriental. Sólo una frase que os puede servir para pensar sobre muchos de los temas expuestos (la Naturaleza, lo cambiante y efímero como lo verdadero, la nada o el vacío o el silencio

 

Una fuerte nevada desaparece en el mar. ¡Qué silencio! (Dicho zen)

 

Vicente Camarasa.

 

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11/09/2008 15:01. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 3 comentarios.

REGRESA LA NOCHE EN BLANCO. 2008

El próximo sábado 13 de septiembre se celebrará en Madrid (junto a otras ciudades europeas) la tercera edición de la Noche en Blanco. Coincidiendo con la luna llena, y ya en su tercera edición, la ciudad se convertirá durante una noche en un lugar distinto, lleno de eventos culturales que pasan de la música, el teatro, la literatura, el arte…

Así es como se anuncia esta nueva edición de una idea comenzada en París a la que se han ido uniendo varias capitales europeas. Pero, ¿qué es la Noche en Blanco?

Realmente no sabría definirlo, pues he asistido a las dos anteriores y en cada ocasión me ha parecido una cosa totalmente diferente.

En la primera de ellas, con bastantes problemas de organización, la sensación fue, sin embargo, magnífica. A eso de la 11 se llegó a cortar el tráfico se llegó a cortar el tráfico en Cibeles y por fin (y sin necesidad de ser jugador del Real Madrid) todos los que estábamos por allí nos pudimos acercar a una Cibeles iluminada en distintos colores.

 

Se pudo también visitar lugares hasta entonces desconocidos (como el jardín de la Capitanía del Ejército, junto a Cibeles, o la primera planta de la Casa de la Panadería de la Plaza Mayor).

 

Instalación en Jardines ejército (Segunda edición, 2007)

 

Pero lo más especial de aquella noche fue una extraña borrachera urbana. La gente iba y venía por las calles cerradas al tráfico haciendo suya la ciudad, con una alegría extraña que a mi me recordó ese sentimiento de libertad que se tiene en la madrugá sevillana. Una noche distinta, un paréntesis en donde Madrid se mostraba distinto, accesible, lleno de sugerencias artística por cada lugar que pasaras.

 

La segunda edición fue, al menos en mi caso, muy distinta. Acaso fue por unas expectativas muy altas, pero lo cierto es que la organización de las actividades y una desagradable lluvia al principio de la noche, hizo de ésta algo muy diferente.

Las colas en los grandes museos abiertos por la noche se repetía, y también la cantidad de gente, pero apenas si se podía ver nada, y lo que se lograba ver era de una calidad bastante mediocre. La borrachera de ciudad no apareció y muy pronto se encontró a la gente deambulando sin destino, quejándose de la dificultad para ver algo interesante.

 

Pese a todo, yo volveré a ir en este tercera edición, y os invito a que lo hagais, pues vete a saber qué ocurrirá esta vez. Este tipo de experiencias es necesario vivirlas, aunque sea para defraudarse, pues las distintas obras, el ambiente y el puro azar de encontrarse algo distinto, no es habitual en una gran ciudad como Madrid.

Pero si os animáis, tened en cuenta algunos consejos.

Por supuesto el coche está prohibido y sólo será un problema. Mejor el metro para acercarse (han ampliado su horario hasta las tres).

También está prohibida la visita a Museos abiertos normalmente. Las colas son inmensas y, por regla general, suelen mostrar sólo una pequeña parte de sus colecciones.

La noche se puede hacer de dos maneras distintas. Se puede organizar la visita  por adelantado. Para ello lo mejor es consultar la página de Comunidad de Madrid (pinchar aquí)  ir eligiendo lo que más interesa sobre un plano, tener en cuenta los horarios, (pues las actividades se solapan) y, sobre todo, las distancias.

Otra fórmula es la de dejarse llevar por el azar. Si optáis por ésta, el grueso de las actividades se encuentran entre Colón y el Reina Sofía, por el Prado-Recoletos y también la Puerta de Alcalá). Te puedes perder cosas interesantes, pero queda el juego de encontrarse con las cosas sin darse cuenta, dejarse sorprender por ellas.

 

Sea como fuera, si os animáis, llevaros la cámara, pues seguro que os encontraréis algo interesante. Luego, si os animáis, podéis mandar vuestras fotos y comentarios (más de sensaciones que técnicos) a mi correo para hacer así una especie de puzzle subjetivo de esta noche que puede ser mágica o penosa, quien sabe, aunque merece la pena atreverse.

 

Vicente Camarasa

(Aviso, gran parte de las cosas son de arte ultracontemporáneo, aunque también se puede ver iluminaciones interesante de edificios y, sobre todo, visitar algunos lugares muy difíciles de ver en condiciones normales)

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12/09/2008 07:37. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

UNA PEQUEÑA INTRODUCCIÓN SOBRE EL PODER DE LAS IMÁGENES

Primeras notas personales sobre el poder de las imágenes, para "conformar" o sea, "amoldar" el pensamiento

 

Hace unos días viendo por enésima vez El Padrino, estaba presente en la sala mi hija de 10 años, ya llevaba advirtiéndola que debía irse porque algunas escenas eran muy fuertes, y llegado el momento cuando iban a matar a Lucca Brassi (el matón del capo mafioso) le dije que si no se iba por lo menos que no mirase

La niña, entonces, preguntó ¿Pero es de los buenos al que van a matar?

 !AY! no supe contestar. Cómo podía afirmar que para mi era de los buenos ¡un matón de la mafia!.... Algo en mi interior me reconoce que algo va mal, pero para mí la Familia Corleone "hace lo que tiene que hacer".

 

Por cierto hablando del poder de la prensa, el Padrino también nos aporta momentos interesantes como cuando se ayudan de sus periodistas para difundir la corrupción del Poli que mata Al Pacino.

 

 

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Alfredo_James_Pacino.jpg

 

Y hablando de escenas cruentas, morbosas, de cuándo un periodista muestra lo que tiene o no debe mostrarlo, todos recordamos el asesinato del fotógrafo Cousso en Irak ¿no?,

¿Y recordáis como su compañero, J. Sistiaga, en todo momento impidió a sus también compañeros reporteros sacar una imagen? En todo caso curioso, sobre todo si tienes en cuenta lo que habían mostrado en los días anteriores… y seguiría haciendo los siguientes.

Por cierto yo misma estoy segura que han muerto muchos periodistas en "acto de servicio", ¿por que no los recordamos de igual manera?

 

Periodista de Guerra

Tomada de http://blog.educastur.es/camsuanzes/category/periodismo  

 

Las víctimas son más presentes si nos son próximas, o nos hacen ver que son próximas. Yo también recuerdo (y se me hiela la sangre) el 11 M. Pero hacía una semana había muerto un vecino de apenas 20 años en mi portal a causa de un terrible cáncer y cuando pasaba cerca de sus padres siempre pensaba que era injusto que mostrase de alguna manera que su dolor fuese menos importante que el de las otras familias.

 

Velas en Atocha

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Atentado11M2004Oraciones.JPG

 

Recientemente me ha pasado lo mismo con el avión de Barajas, un suceso que los medios y la tv nos han mantenido presente durante horas y días, pero ¿cuánta gente ha muerto en las carreteras este mismo mes?, ¿cuántas víctimas de accidentes laborales? ...

Si tienes la suerte de no haber sido en tu círculo personal, no sabrás absolutamente nada de ellos... Pero, ¿es acaso por ello menos doloroso?, o en el caso sobre todo de los laborales: ¿no hay responsabilidades?, ¿no hay preguntas?, ¿no hay indignación colectiva?

 

Susana

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CÓMO EXPLICAR ARTE A UNA LIEBRE MUERTA. BEUYS Y LA PERFORMANCE. PARA APROVECHAR LA NOCHE EN BLANCO

http://porqueelarteynonada.wordpress.com/2007/12/24/como-explicarles-los-cuadros-a-una-liebre-muerta 

 

Era un 11 de noviembre de 1965, y la noche, ya tan fría, caía sobre Dusseldorf. Un grupo de curiosos de arremolinaba ante la puerta y la ventana iluminadas de la galería extrañamente enrejadas con tela de gallinero ¿Qué miraban?

En el interior de la galería Beuys se encontraba vestido con su tradicional traje de fieltro, con todo la cara untada con miel y espolvoreada de polvo de oro. En sus brazos, una suave liebre muerta.

Durante un tiempo estuvo sentado y luego se levantó, despacio. Uno de sus pies se deslizaba suavemente por el suelo, envuelto también en fieltro, el otro, sin embargo, tenía atado a su tobillo una chapa de cobre que hacía arrastrarse sus pasos con un chirriar metálico.

Mientras andaba, acariciándole suavemente las patas, el artista le fue explicando al oído de su liebre muerta los cuadros de la exposición. Apenas un susurro que era imposible escuchar desde fuera. Sólo los gestos de Beuys, su andar parsimonioso y a la vez metálico, su rostro iluminado por el oro, como si fuera el mago de una tribu en una ceremonia religiosa…

 

¿Qué quería Beuys con todo esto?

En principio sacar a la obra de arte de las categorías tradicionales (pintura, escultura o arquitectura), buscando una forma de comunicarse que incluyera el sonido, el movimiento, el espacio, objetos reales… A esto se le suele llamar performance, y está muy cerca de lo teatral… Pero de un teatro algo distinto, no narrativo. No hay una historia lineal que contar, ni los personajes representan un papel determinado… En este sentido se parecen más a las veladas de futuristas y dadaístas. En ellas no se representa sino que se presenta. Es decir, no hay ficción, es realidad. El artista es un artista que hace de artista.

Por otra parte, los espectadores que se encuentran en esta performance, ¿qué tienen que hacer?

Por lo menos mirar, mirarlo todo y sentir la experiencia (normalmente las de Beuys estaban cargadas de misterio). Luego, como toda obra de arte, puede intentar sacar sus propias conclusiones, igual que haría un espectador de teatro. Éstas dependerán del artista pero también del espectador, pues a menudo la significación es abierta y deja al espectador variadas opiniones.

Evidentemente, en esta obra Beuys nos plantea el tema de cómo se explica el arte. Si realmente se puede hacer o intentarlo es como hablar con una liebre muerta. Más allá de eso, en el fondo, es una recuperación como el artista mago, chamán. Su cabeza dorada, sus movimientos por la sala, nos traen a la memoria rituales antiguos en los que, acaso, el arte era la forma que conectar con el misterio, lo sobrenatural, y no una actividad económica cada vez más coartada por las leyes del mercado

 

Y es que Beuys propugnaba un arte más extendido en sus medios, que se conectara con los espectadores con la magia que debió tener en un principio. Esta actitud transcendente (que de alguna forma ya la planteaba Gauguin con su huida de la civilización hacia islas salvajes). Sacar a lo artístico de su rutina y ofrecer nuevas sensaciones que nos hagan meditar sobre las cosas. Aunque sea sólo por un instante clausurar lo cotidiano, lo normal, y entrar en un territorio extraño, mágico, irreal del que ahora, simplemente, nos quedan las fotografías aunque no las sensaciones que debieron producirse.

 

 

 

Esta es la ventaja, pero también el inconveniente, de la performance. Resulta mucho más intensa que un cuadro (nos captura más, nos ofrece novedades) pero es finita en el tiempo. Hay que estar en el lugar y el momento preciso.

Precisamente por eso cuelgo hoy este artículo, porque esta misma noche (la noche en blanco) hay varias performances que se pueden vivir. Podrán ser mejores o peores pero es una oportunidad única para poder vivir estas experiencias.

Os dirijo a la página oficial de actividades y planteo éstas, aunque la información tampoco da muchas pistas.

 

http://www.offlimits.es/2008/09/bocatarsis_el_goce_hace_el_car_1.html

http://www.lamasbella.org

http://4u.esmadrid.com/index.php/mod.documentos/mem.detalle/id.76

http://lanocheenblanco.esmadrid.com/lanocheenblanco/es/evento/146

http://4u.esmadrid.com/index.php/mod.documentos/mem.detalle/id.77 (Un performance de arte sonoro)

http://lanocheenblanco.esmadrid.com/lanocheenblanco/es/evento/37 (performance informática)

 

Éstas van ya más allá de la performance, son happenig en donde los espectadores también pueden participar siguiendo las normas marcadas por los artistas

 

http://lanocheenblanco.esmadrid.com/lanocheenblanco/es/evento/10

http://lanocheenblanco.esmadrid.com/lanocheenblanco/es/evento/32

 

También podéis ver instalaciones

http://lanocheenblanco.esmadrid.com/lanocheenblanco/es/evento/30

http://4u.esmadrid.com/index.php/mod.documentos/mem.detalle/id.73

http://lanocheenblanco.esmadrid.com/lanocheenblanco/es/evento/11

 

Si os generan esta magia de la que hablamos, os consiguen provocar un estado anímico diferente, os trasladan de la realidad inmediata u os logran interesar, por favor, fotografiadlas y mandadme un pequeño comentario sobre ella que colgaremos.

 

Vicente Camarasa

 

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A PROPOSITO DEL 11-S Y LO SUBLIMINAL

¿Qué ves en esta imagen?

 

 http://img185.imageshack.us/img185/1628/cocacolazero03mr9.jpg 

 

Tomado de http://www.emudesc.net/foros/cafeteria/34973-mensajes-subliminales-3.html

 

 

Quizás hayas visto las torres gemelas, incluso algo volando que se estrella contra las estructuras grises y las desintegra…

 

Si quieres otra teoría, en esta nueva era del "zen", y para remarcarlos mejor, creo recordar que uno de sus principales simbologías es el circulo ¿no? (Yo no entiendo mucho de filosofía oriental pero recuerdo algo como que el maestro dibuja un circulo en la tierra encerrando al discípulo dentro de él. Ahora la mente del discípulo diferencia entre dentro, fuera y el dibujo de la circunferencia en si mismo; 3 zonas distintas,  que son eso, producto de su mente; el terreno sigue siendo igual que antes.)

Si os fijáis con atención hay numerosas referencias zen: el blanco en contraposición del negro del yin yang, la importancia del círculo (mira la O de Zero), lo que fluye (la línea que se mueve en horizontal, como una ola…) Todo evoca esta estética oriental  ... una "etiqueta" que hoy dia entra muy bien, pues lo oriental está de moda.

 

Pero a lo mejor, como diría un mentalista todo es "producto de tu imaginación". Tal vez yo he sabido conducirla, y si es así, quizás lo malo y la prevención no deba estar en la herramienta (el poder de una imagen) -que es maravillosa en sus posibilidades- sino en las manos y mentes de quien la maneja.

 

Susana

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LA NOCHE EN BLANCO. UNA OPINIÓN PERSONAL

Este año realmente me gustó. Tal vez tuve la suerte de encontrar las cosas o quizás me planifiqué mejor. Evidentemente es una opinión personal, pero algunas de las instalaciones me parecieron más adecuadas, aunque hubo también mucho de relleno, como siempre.

 

Si tuviera que destacar algunas cosas, la instalación del templo de Debod, iluminado en azul y con el sonido de las olas del mar me pareció muy sugerente.

 

 

 

La fotografía de Chema Madoz es realmente espectacular, mitad luna, mitad cacerola, como un gong. Este fotógrafo siempre sorprende.

 

Hubo una instalación en la plaza de Vázquez de Mella que a mí me pareció fantástica. El enorme panel de bombillas recreaba la cantidad de luz (y de calor) que hacía en ese mismo momento en nuestras antípodas.

 

También me fascinaron los graffitis proyectados por la Caixa-Fórum sobre su fachada, que se iban haciendo al ritmo de una persona voluntaria que se movía entre unos detectores de movimiento.

 

Pero si tengo que ser sincero, reconozco que me encantaron sobre todos los patitos amarillos flotando en la Cibeles y Neptuno. Tal vez estén cerca (o lo sean) horrores floridos, pero había en ellos un punto de juego, de inocencia frente a las grandes fuentes y su solemnidad.

 

Luego, evidentemente, otras cosas me dejaron bastante frío, como el montaje de la Puerta de Alcalá o los besos del Palacio de Telecomunicaciones, aunque las verdaderas performances de la noche fueron una espléndida luna llena que te ibas encontrando tras cada edificio y las calles llenas de gente. Era impresionante andar por medio de la Gran Vía y Alcalá, como si de pronto pudieras apropiarte de tu propia ciudad y pasearla como si fuera un pueblo.

 

Ésta es mi opinión, aunque muy probablemente cada uno tendrá su propia noche en blanco y me encantaría que me mandarais fotos y comentarios sobre la vuestra para ir haciendo así un puzzle de todo lo que sucedió el sábado por la noche.

 

Vicente Camarasa

 

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15/09/2008 14:59. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

ALGUNAS PREGUNTAS DE LA NOCHE EN BLANCO

 

¿Cuándo empieza esto? Pues vaya… y, ¿sólo es esto? Esta cola, ¿para qué es? Y Aquí ¿qué hay? XD, XD, XD…

 

 

Salí a la calle, la verdad que sin muchas expectativas (el año anterior me volví bastante frustrada). La primera parada fue ante la pantalla ¿gigante? del teatro de la opera para intentar ver “Cavallería rusticana”. Cual fue mi sorpresa que pudimos disfrutar de silla y todo. A los cinco minutos de empezar la representación, comenzó el movimiento y el sonido ambiente: un continuo ir y venir de gente que se sentaba, levantaba… y ¡charlaba! Gente llena de prisa (y bastante maleducada) que no sabían estarse quietas durante la escasa hora que duró la representación. Y yo preguntó: ¿a qué fueron? (esto estaba claro que era una ópera)

 

Después nos acercamos al templo de Debod para ver la instalación del mar: consistía en una iluminación especial del templo acompañado del sonido de las olas del mar. La gente llegaba en riadas y se distribuía alrededor con las expectativas muy altas y dispuestas a esperar: “¿cuándo empieza esto? No. Esto no empieza. Es esto. Pues vaya y… ¿sólo es esto?”

 

Continuamos paseando por la Gran Vía en busca de los famosos patitos de la Cibeles (Los patitos estaban a la altura: francamente me pareció una de las mejores propuestas de la noche). Por el recorrido fuimos encontrando varias instalaciones más y, por supuesto, las mismas frases: ¿Aquí que se ve? ¿Esta cola para qué es? Ah, ni idea, nosotros nos hemos puesto aquí porque había gente.…. Por Dios, por Dios, por Dios

 

De Cibeles al Reina Sofía surge una nueva pregunta: ¿Por qué la gente es capaz de esperar una cola de dos horas para entrar a ver un museo que ignora durante el resto del año? Los cuadros que hay dentro son los mismos y además también hay muchos horarios en los que el museo es gratuito. ¿Merece la pena?

 

Reflexión de vuelta a casa mientras viajabas como sardinas en latas en un metro que tarda diez minutos en llegar a la estación: Realmente ¿merece la pena la cantidad de dinero que nos gastamos entre todos para pagar la noche en blanco o no sería lo mismo si la ciudad fuera simplemente peatonal y la gente pudiera pasear por la Gran Vía, la Calle Alcalá y el paseo del Prado en una noche de luna llena?

Yo creo que igualmente los madrileños estarían en la calle, pues lo que realmente nos ilusiona es hacernos una foto sentados en la mitad de la calzada de la Gran Vía.

 

Cayetana

 

 

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LA CORTE DE FELIPE II. PODER E INTRIGAS CON EL ESCORIAL COMO FONDO

 

 Felipe II por Sánchez Coello (1570)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/D._Felipe_I

 

Cuando Carlos V, derrotado tanto física como moralmente, se retiró al Monasterio de Yuste en Extremadura, el Imperio quedó en manos de su hijo Felipe II.

La diferencia entre ambos no podía ser más evidente. Ante el carácter caballeresco, amante del deporte, buen guerrero y con fuerte magnetismo personal de Carlos V, Felipe II era el rey oculto que apenas salía de sus despachos, tan poco dado al esfuerzo físico como mal diplomático. Frente a los viajes continuos de su padre, Felipe II construyó un gobierno de papel (Elliott), con grandes montañas de informes, peticiones, leyes y ordenanzas que se acumulaban en sus despachos del Alcázar o del Escorial.

 

Documento autógrafo de Felipe II

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/D._Felipe_I

 

Los retratistas de Corte le representaron siempre de riguroso negro, con una mirada fría y una actitud ausente que se buscaba de forma consciente. Era la creación del rey ausente (Checa Cremades), el poder invisible que se adaptaba perfectamente a su carácter introvertido, lleno de dudas y sospechas, con una terrible incapacidad para decidir (Bennassar)

Incluso su propia imagen se reconstruyó por completo, creándose una iconografía que duraría hasta Velázquez. Los escenarios se vaciarán casi por completo, dejando la mesa o el sillón o el papel en la mano como únicos símbolos del poder.

Siguiendo el protocolo retomado ya por su padre de la corte borgoñona, su postura corporal nunca aparecerá relajada. Destacarán sus famosos pies en compás (desde entonces símbolos de la realeza), así como un complejo y casi imperceptible retoque de su anatomía. Si observáis con detenimiento estos cuadros veréis que están construidos por dos visiones distintas. El cuerpo hasta la cintura será visto de frente mientras que las piernas se verán desde un punto de vista más bajo, creando unas piernas alargadísimas que le dieran una altura que jamás tuvo.

  

Felipe II

Tomado de http://www.galeon.com/escudoespana/felipeII.htm

 

Pero las cosas irán mucho más allá. Felipe II, el mismo que cultivaba una imagen de rey ausente, profundamente cristiano, jugaba en su vida más secreta a las herejías.

 

Siempre se habla de sus escandalosas relaciones con la Princesa de Éboli (nunca comprobadas pero en las que se inspira la nueva película de La Conjura del Escorial).

Princesa de Éboli

 

 

Se cuenta del encierro de su hijo el infante Carlos, acaso aquejado de una enfermedad mental, que terminó por morir en Alcalá de Henares tras un extraño accidente que le hizo caer por unas escaleras. Hay quien habla de los recelos que siempre mantuvo frente a su hermanastro, Don Juan de Austria, que muy probablemente se enrede con la traición de Antonio Pérez, quizás el amante de la Princesa de Éboli.

 

El Infante don Carlos por Sánchez Coello.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Don_Carlos_Spanien.jpg

 

Entre su equipo de confianza se encontraban numerosas personas bastante alejadas del espíritu contrarreformista que se estaba imponiendo en el Imperio bajo los tormentos de la Inquisición.

Su bibliotecario del Escorial y mente pensante del imperio, Arias Montano, mantenía un pensamiento muy cercano a Erasmo, y su principal arquitecto, Juan de Herrera, creador del Escorial, ocupaba sus horas muertas en la Torre de la Botica a experimentos alquímicos en donde quizás pudo encontrar la famosa piedra del diablo (¿el uranio?) como plantea en su novela histórica La Piedra del diablo, Manuel Ayllón. 

Ocurría todo esto mientras España fue el gran Imperio en el mismo borde de su caída. Cervantes, supuesto héroe de Lepanto, pudo llegar a sentirlo en la melancolía de sus últimos años de vida, El rey sin expresión, acaso libertino en su otra vida, hizo erigir el Escorial como símbolo de la grandeza de su poder, identificándose con el nuevo Salomón ¿Acaso quería emular al constructor del Templo de Jerusalén

Muchos especialistas en el Escorial (como Checa Cremades) hablan de la importancia que tuvo en su construcción antiguas ideas sobre la geometría sagrada de la que ya hablábamos en relación a la cúpula de la Roca.  

El propio Juan de Herrera escribió un oscuro libro (Acerca de la forma cúbica) que buscaba un saber oculto ya utilizado por egipcios, judíos, musulmanes y templarios, buscando a Dios en las relaciones matemáticas.  ¿No será el Escorial, con tantos pisos enterrados como los que existen en altura, un Nuevo Templo , la verdadera imagen de lo divino hecha piedra, sólo accesible a los espíritus más iluminados?

 

 

Desde su propia ubicación en cuya búsqueda se pasaron varios años, a los cursos de agua que le atraviesan los cimientos (recogiendo ideas sobre geomántica o poderes que emanan la tierra, ya utilizados por los constructores de las catedrales góticas) el Escorial se encuentra lleno de misterios que poco tenían que ver con la religión oficial. El edificio es un canto a la pura geometría, y es uno de los lugares (junto al Vaticano) que más reliquias atesora del mundo. ¿Acaso un lugar de irradiación de poder espiritual? 

 

Todo son especulaciones, por supuesto. Pero su falta de comprobación no significa que no pudieran ser ciertas. A menudo olvidamos la influencia que tuvieron las tradiciones esotéricas en la historia y el arte, pero no olvidemos que el siglo XVI fue el tiempo de los grandes magos y alquimistas, de la muerte en la hoguera de Giordano Bruno, de la mística de San Juan de la Cruz o el Greco, o de la corte de Rodolfo II   en Praga. Es el momento, en fin, del último autor gótico, el Bosco, que Felipe II coleccionó con frenesí.

Simplemente fijaros en el Famoso Jardín de las Delicias. ¿No os parece sorprendente un cuadro así puesto en el dormitorio del rey que hizo de la Inquisición el brazo religioso de su poder? ¿Cómo poder analizar toda la lujuria de la tabla central en el aposento de quien fue uno de los principales impulsores del Concilio de Trento que pretendía acabar con la corrupción de la iglesia y la eliminación de supersticiones en la religión?

 

 

Tabla central del Jardín de las Delicias. El Bosco.

 

Para saber más

 

http://amerilis.iespana.es/alonsoperez/11parte/2fantasma.htm

http://www.revista80dias.es/articulos/2007/especiales/entrevista/03/entrevcuesta.html

 

Vicente Camarasa

 

 

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16/09/2008 08:25. sdelbiombo #. Renac. España Hay 2 comentarios.

EL RECEPTOR TAMBIÉN EXISTE

Como receptor del mensaje no tienes información de cómo funciona, pero en el lado del emisor todo tiene un porqué: libros de estilo, normas, métodos, fórmulas, recetas…

Como aquí mismo hemos hecho, culpamos a los medios, a las herramientas. !Tele, mala!  También emitimos juicios despectivos sobre los periodistas y similares en su conjunto. Pero si no recuerdo mal, son las crónicas el cimiento de la Historia, y conocer la honestidad del cronista (y por tanto su grado de objetividad) lo que nos permite darle veracidad.

Por eso, nos debíamos empezar a preguntar, cuando recibes un e-mail o manejas un medio de comunicación, quién y con qué intereses te lo remite. En muchas ocasiones encontraremos técnicas para crear listas de spam, publicidad enmascarada, cadenas ridículas, leyendas urbanas interesadas o simplemente falsas, interpretaciones beneficiosas para partidos o empresas…

Por eso sería maravilloso que pudiéramos disponer de un filtro que nos dijera cosas como:


Los datos adjuntos, las imágenes y los vínculos de este mensaje se han bloqueado por motivos de seguridad. Su fuente no es fiable ¿Mostrar el contenido?
 


Mientras esto no exista (y mejor que nunca aparezca, pues bien podría ser una forma de censura camuflada) el filtro lo tendrán que generar nuestras mentes.

Tendremos que prestar la suficiente atención, ser lo suficientemente críticos para calibrar hasta qué punto podemos confiar en lo que nos envían o nos retransmiten

Y así, en vez de apagar la tele o el correo, encender nuestro entendimiento, disfrutar e incluso aprovechar la posibilidad de ensancharle.

Iremos viendo algunas maneras de hacer este juicio crítico.

 

Susana

CUANDO BERNINI INVENTÓ EL BARROCO

 

Autorretrato de Bernini

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gian_Lorenzo_Bernini

 

Pocos períodos en la Historia del Arte son tan bellos y cuentan con obras tan magníficas como EL BARROCO. Su origen etimológico puede encontrarse bien en un complejo silogismo medieval (en escolástica sería aquello que no tiene una lógica interna) bien en un término peyorativo (Barrueco- perla irregular). Sea como fuere, lo cierto es que anuncia ya un ARTE DESEQUILIBRADO Y DESPROPORCIONADO.

Digno sucesor del Renacimiento, comparte con éste el empleo de elementos clásicos pero con un toque diferente. Se prefiere EL MOVIMIENTO, LA DECORACIÓN DESBORDANTE SOBRE LO ESTRUCTURAL, USO DEL ORDEN GIGANTE, y lo que, en mi opinión, mejor muestra el distanciamiento y marca definitivamente la diferencia con el Renacimiento: la gran importancia que se otorga a las EMOCIONES Y SENTIMIENTOS para dejar en un segundo plano a la razón. Es quizá aquí donde mejor se ve el contraste entre el ETHOS del RENACIMIENTO (cuyas máximas eran el equilibrio, la armonía y la proporción) y el PATHOS en el BARROCO (un verdadero canto a los sentidos donde el mensaje se teatraliza para hacer una especie de "arte viviente" que se comprenda y a la vez convenza al espectador)

En este momento la figura del MONARCA ABSOLUTO junto con la IGLESIA (tras el Concilio de Trento) cobran especial importancia. Ésta última adopta una actitud TRIUNFANTE y busca PROPAGANDA DE LA RELIGIÓN CATÓLICA (Contrarreforma), por ello no es de extrañar que algunos PAPAS se conviertan en grandes MECENAS.

 

Este es el caso de el Papa URBANO VIII quien encargará a BERNINI el BALDAQUINO DE SAN PEDRO el cual actúa como marco de un verdadero cuadro (la cátedra de S. Pedro) con enormes columnas salomónicas (supuestamente inspiradas en la que tendría el templo de Salomón en Jerusalén) y telas en las que aparecen representadas abejas como símbolo de la familia del propio Papa, con un logrado EFECTO TEATRAL (pues se asemejan a bambalinas en movimiento) y los característicos aletones curvos que generan el juego curva-contracurva.

 

 

 Baldaquino con Cátedra de San Pedro fondo a la izquierda. Vaticano

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Bernini_Baldachino.jpg

 

Todo ello sirve para relacionar a San Pedro con el Papa y de paso para guiarnos hacia el lugar más importante, la cúpula de Miguel Ángel que llena de luz el ambiente y deslumbra a un SAN LONGINOS con una composición abierta (en aspa), manos y rostro tremendamente EXPRESIVOS (afecti barrocos) dándonos el momento de MAYOR DRAMATISMO  que también aparecerán en la Beata Albertona, el tema mitológico de Apolo y Dafne o el ÉXTASIS DE SANTA TERESA,

 

 

 San Longinos

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Gian_Lorenzo_Bernini

 

Quizás sea esta última una de las mejores obras de su faceta como escultor, pues se representa el momento en que la Santa tiene la visión de un ángel con una flecha que la atraviesa el pecho y llega hasta sus entrañas, como la UNIÓN de lo RELIGIOSO Y CARNAL, el dolor y el placer en pleno ÉXTASIS SEXUAL.

 


 

 Éxtasis de Santa Teresa. Detalle


 

Aunque posiblemente no es esto lo más llamativo sino el perfecto dominio que tiene de las texturas y la creación de un ambiente teatral que observa la familia del comitente en sus palcos, asombrada ante la levitación de la santa sobre las nubes gracias al foco de luz artificial (transparente) de la parte superior.

 

 

 Éxtasis de Santa Teresa

Tomado de  http://commons.wikimedia.org/wiki/Gian_Lorenzo_Bernini

 

Dentro también del TEMA RELIGOSO las obras más espectaculares residen en los sepulcros (también para los Papas) encargados por Alejandro VII y Urbano VIII, donde el tema fundamental es LA MUERTE (preocupación existencial también "utilizada" por muchos otros artistas como por ejemplo Jorge Manrique en Coplas a la muerte de su padre o un contemporáneo de Bernini, Quevedo) donde, al igual que en estas obras, se mantiene un constante diálogo con la muerte y una breve pero certera reflexión (VANITAS): debemos aprovechar la vida pues LA MUERTE NOS ACECHA CONSTANTEMENTE (tanto a pobres como a ricos) y por este motivo DEBEMOS ESTAR CONFESADOS, aprovechando así la oportunidad para lanzar un mensaje de propaganda religiosa, un verdadero  CONTROL IDEOLÓGICO que se refuerza  con la aparición de esqueletos (como un recurso teatral) blandiendo el característico reloj de arena que nos anuncia NUESTRO FIN (cada día que pasa más cercano) y nos invita a entrar, a través de una puerta cubierta con una cortina, hacia EL OTRO MUNDO.

 

 

 Tumba de Alejandro VII

Tomado de

 http://www.scultura-italiana.com/Galleria/Bernini%20Gian%20Lorenzo/imagepages/image72.html

 

Para terminar este artículo (que no la obra de Bernini) no podemos olvidar las obras de TEMA MITOLÓGICO como la famosa de Apolo y Dafne (inspirada en la Metamorfosis de Ovidio) con un gran dramatismo y realismo justo en el momento en el que ella se convierte en laurel ante la sorpresa de Apolo.

 

  

Apolo y Dafne

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-7db6dbe6ea6bd852f1f710bb2d2023f1.jpg

 

Aunque se trata de una clara EXPRESIÓN DE LOS SENTIMIENTOS y el espectador no necesita pensar sino dejarse llevar, también se puede (debe) extraer de esta obra unos VALORES ÉTICOS O MORALES....

 

Quisquis amans sequitur fugitivae gaudia formae, Fronde manus implet, baccas seu carpit amaras, y es que el placer tras el que corremos nunca se alcanza y si se hace, no provoca más que amargura.

 

 

UNA FOTOGALERÍA enlazada DE BERNINI

 

Si quieres saber más obras sobre Bernini puedes consultar

http://aprendersociales.blogspot.com/2008/03/gian-lorenzo-bernini.html

Para ver fotos de sus esculturas

http://www.scultura-italiana.com/Galleria/Bernini%20Gian%20Lorenzo/index.html

y sobre todo, por su calidad excelente

http://www.all-art.org/baroque/bernini1.html

 

Mar San Segundo

 

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17/09/2008 17:41. sdelbiombo #. BARROCO Hay 5 comentarios.

MESOPOTAMIA. LAS ESCENAS DE GUERRA MÁS ANTIGUAS DEL MUNDO (¿y las penúltimas?)

  

Tomado de http://blogs.eurielec.etsit.upm.es/freedreams/posts/2007/03/20/

 

La foto pertenece a la penúltima guerra del mundo, la invasión norteamericana en Irak. Parece mentira que, viéndola, esta sea la misma tierra que vio surgir la civilización de la agricultura, la escritura, las primeras religiones organizadas, las primeras obras de literatura y también de arte.

Pero quizás sea que la historia sea cíclica, pues las primeras imágenes bélicas que conocemos también se produjeron allí, en una sociedad de conocimientos sofisticados pero difícil historia, llena de sangrientas batallas, llamada Mesopotamia. (Aquel lugar entre los ríos Eúfrates y Tigres)

La primera de las que conocemos en la actualidad es un fragmento de un relieve mayor, al que se suele llamar la estela de los buitres, de la civilización sumeria hacia el 2.500 antes de Cristo)

 

 Tomada de

 http://contenidos.educarex.es/mci/2004/44/@rt.com/Laminas_Arte/ICONOS/Estela_de_los_Buitres.jpg

 

En su parte más conocida se nos presenta un ejército formado para el ataque en donde se encuentran ya muchas de las características que van a repetirse en los artes preclásicos (los anteriores a Grecia). Podéis ver así la rígida isocefalia (repetición de las cabezas de forma casi automática, que no busca diferenciar los rasgos de los personajes), incorrecciones anatómicas evidentes (hay más personas que pies), composición geométrica estricta o falta total de interés por el espacio.

Se trata, como ya es sabido, de una pintura más mental que real, que en vez de copiar la realidad toma de ella algunos rasgos significativos para su rápida comprensión

 

Tomada de http://www.dearqueologia.com/escultura_sumeria2.htm

 

Más interesante se presenta este otro fragmento en donde el Ensi (rey-sacerdote) encierra en una gran red a sus enemigos. La perspectiva jerárquica es evidente, dando el tamaño de las figuras según su importancia, así como la idea de sufrimiento de los apresados, que se mueven sin poder salir de su encierro (Curiosamente esta imagen se verá a menudo en el infierno cristiano del mundo románico, cambiando al rey por un demonio)

 

Algunos siglos posterior es la Estela de Naram Sin, un caudillo acadio conocido por sus hazañas bélicas, su falta de piedad y su propia soberbia, que le hizo compararse a los dioses, cayendo entonces en desgracia.

 

 

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Victory_stele_of_Naram-Suen

 

Su composición resulta mucho más avanzada, dividida en varios planos diagonales que representan al ejército, el caudillo en perspectiva jerárquica y la montaña (sagrada en Mesopotamia y origen de la forma de sus templos o zigurat) y la divinidad solar en la parte superior.

 

 

  

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Victory_stele_of_Naram-Suen

 

Quizás sea este detalle el de mayor calidad artística, precisamente donde el horror de la guerra se manifiesta de una forma tan cruda (y excepcionalmente moderna, ¿o somos nosotros, los ciudadanos del XXI los que repetimos estos rituales casi atávicos?). El poder del vencedor se ensalza con un cuidado trabajo de su anatomía, que ya no se muestra tan plana con en la Estela de los Buitres, sino presenta una musculatura desarrollada.

Bajo sus pies se encuentran los enemigos. Uno muerto, pisoteado, otro recién alcanzado por una lanza en su cuello y que se debate en la muerte mientras a su derecha una mujer implora el perdón que nunca llegará, pues era habitual la conversión de los vencidos en esclavos, la violación de las mujeres, la destrucción total de la ciudad conquistada…


Esta violencia debió ser algo consustancial a estas primeras civilizaciones, observar si no el siguiente texto

 

En los alrededores de Eltekeh sus filas fueron atraías contra mí y afilaron sus armas. Con la ayuda de Asshur mi señor peleé contra ellos y los derroté. Los carros egipcios y príncipes con los carros del rey de Meluhha yo los capturé vivos en medio de la batalla. A Eltekah y Timna yo puse sitio y conquisté y expolié. Vine a Ecrón, degollé a los oficiales y nobles que habían pecado y colgué sus cuerpos en maderos por la ciudad. Los habitantes que cometieron crímenes y maldades los conté como botín y al resto, que no eran culpables de pecado o maldad no los culpé de crimen y ordené su libración. A Padi, su rey lo saqué de jerusalén y puse su trono de señorío sobre ellos y les impuse tributo por mi señorío.

 

Tomado de proel.org


¿No habéis visto miles de veces esta escena en el telediario? Pues se creó hace más de 43 siglos.

 

Vicente Camarasa

 

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30 SEPTIEMBRE DE 1958 ¡TARTESSOS EXISTE! El tesoro del Carambolo

 

 

 

Tesoro del Carambolo. Collar.

 

Durante siglos, Tartessos, Tarsis o Tarchich fue el mito fundacional que daba los orígenes a lo español.

Toda la información provenía de textos griegos (los famosos nostoi o poemas de los retornos de los héroes de la guerra de Troya cuyo ejemplo más conocido sería la Odisea de Ulises) o los míticos trabajos de Hércules (en especial el de las Columnas de Hércules, como se conocía Gibraltar en la Antigüedad, los toros de Gerión o el de las manzanas de las Hespérides).

También la Biblia mencionaba a Tarsis, así como los posteriores historiadores y geógrafos grecolatinos (Herodoto, Estrabón, Plinio)

Con la lectura de todos estos fragmentos Tartessos aparecía como un reino rico y feliz, en las cercanías de la desembocadura del Guadalquivir, regido por reyes legendarios (Gerión, el de las tres cabezas, Gárgoris, descubridor de la miel, o su nieto Habidis, que les dejó agricultura, el urbanismo y las leyes. Tal vez sólo se podía suponer histórico a Argantonio, amigo de los helenos, aunque sus 180 años de longevidad le quitaban un tanto de crédito

En esto se quedaba todo. La feliz idea de una primera Edad de Oro hispana que se extinguiría de la misma forma que nació, en la más completa oscuridad.

 

Sin embargo, el 30 de septiembre de 1958 ocurrió, por puro azar, un accidente que lo cambió todo. En unas instalaciones de tiro al pichón muy cercanas a Sevilla, en el llamado cerro del Carambolo, unas obras de ampliación sacaron a la luz una vasija con veinte piezas de oro, exquisitamente trabajadas.

Entre ellas aparecían collares, brazaletes y unos curiosos objetos que los investigadores han pensado que se tratarían de pectorales, tal y como muestra esta ilustración.

 

Aunque últimamente se ha propuesto una nueva hipótesis que se vincularía a bueyes que transportarían carretas rituales hacia algún tipo de santuario (curiosamente una imagen que, de ser cierta, podríamos vincular directamente con las peregrinaciones del Rocío, que no deja de ser una cristianización de Astarté/Tanit fenicia, como ya vimos aquí)

 

Sea  cual fuera la interpretación, lo cierto es que la técnica y motivos utilizados tienen una clara influencia del mundo fenicio que tan íntimamente se encuentra vinculado con Tartessos

 

 

Pulsera. Tesoro del Carambolo

 

A su vez, y tal y como hemos ya analizado en el Tesoro de la Aliseda, esta orfebrería será básica para el mundo íbero, tal y como se pueden observar en piezas conservadas (Tesoro de Jávea) o en los adornos de las famosas Damas, profundamente influenciados por estas piezas

 

 

 

Tesoro del Carambolo. Collar. Como todas las piezas anteriores custodiadas en el Museo Arqueológico de Madrid

 

En próximos post seguiremos hablando más de esta civilización, de sus enigmas y de las nuevas certezas que vamos poco a poco conociendo

 

Vicente Camarasa

 

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VICENTE CAMARASA

 

Soy diplomado en Magisterio y Licenciado en Historia (Historia del Arte). Tras 16 años en un colegio privado y dos años como interino en el SIES Campo Real de la POVEDA, en la actualidad ya he conseguido ser funcionario de carrera e imparto clases (desde el 2010) en el IES Los Olivos, en Mejorada del Campo.


En el año 2.000 publiqué una novela histórica juvenil ambientada en el siglo XVII que ha terminado por dar nombre al blog (republicada en 2011 en formato digital y posibilidad de papel, El Señor del Biombo). En 2010 me he aventurado en el libro electrónico con el Diario de los Animales Imaginarios


Mis vocaciones son el arte, la literatura y la enseñanza, sin ningún orden preciso, tal vez todo a la vez, como se intenta hacer en este Blog que pretende ser didáctico pero interesante, tan abierto al mundo como seamos capaces de ver.


Me gustaría que mis artículos fueran pequeñas ventanas abiertas a este mundo fascinante del Arte que ayudara a los demás a disfrutar (y cuestionar) el mundo de una manera más intensa, sensible y libre. Arte para vivir más y mejor, como deleite estético pero también como forma de repensar las cosas desde nuevas perspectivas.


Soy también el responsable de coordinar un blog de Geografía GEOBIOMBO y un otro, de historia BIOMBO HISTÓRICO . Colaboro en otro dedicado a la Semana Santa, Palios

 




 

ACASO EL HUMOR NOS SALVE. RECETA PARA HACER UNA PERFORMANCE

Recojo de uno de nuestros enlaces un artículo que me ha parecido especialmente interesante para inaugurar un nuevo tema. Tanto su fina ironía, como las verdades como puños (tanto en su idea de arte como actividad humana como por su crítica hacia el mercado y la percepción de este arte tan radical) son verdaderamente demoledoras.

Y es que tal vez el humor nos puede servir como un arma que nos salve de hipocresías y miedos a la hora de hablar de arte. Una forma de enseñanza que tanto les gustaría al Tao y al zen

 

Su tema se relaciona con lo que ya iniciábamos en Beuys y su liebre muerta

 

:RECETA PARA HACER UNA PERFORMANCE

1. Póngase de pie (o alguna otra posición a elección). En síntesis "decida"

2. Piense en azul. En síntesis "piense".

3. Quédese en esa posición por un determinado tiempo en algún espacio. En síntesis, tiempo + espacio...

Ya está haciendo performance!!

Ahora si quiere que su performance sea Arte, la cosa es más compleja.

Primero deberá preguntarse

1) ¿Que es arte?

Cuando se canse de escuchar teorías ajenas, leer definiciones en libros, escuchar peleas de artistas, críticos, etc., comenzará entonces a hacerse esa pregunta en un nivel más profundo y cuando finalmente no tenga respuesta lo terminará de entender.

2) Luego deberá decidir SER artista (y creer lógicamente que sin artista no hay arte)

3) Deberá entonces preguntarse ¿que función cumple ahora el otro?

4) Finalmente deberá esperar a la institución que le abra las puertas o escriba sobre usted (vivo o muerto da igual)

Nota del chef: He escuchado que no es necesaria la legitimación final de la institución, pero en mi experiencia personal,  de todos los "grandes artistas" me enteré por libros y los he visto en Museos (vivos o muertos, da igual). De hecho de ellos me enteré por que alguien escribió de ellos (vivos o muertos, da igual).

Me han dicho una vez que en un lugar que no sé dónde es, hay un "gran artista" que hizo una gran obra. Pero de los que no sé que existen, no se si existen.

 

IMPORTANTE:

Es posible acelerar este último paso.

Para ello se pueden generar diferentes estrategias, por lo que es buen consejo tener un poco de idea de marketing y dedicarle un mayor tiempo a las mismas.

Algunas de esas estrategias se mencionan a continuación:

(Si puede no descuidar por ello su obra y dedicarle a la misma un tiempo similar que el dedicará a acelerar este último proceso sería muy positivo para que lo suyo perdure cuando, si no es lo suficientemente sagaz, se apaguen las dicroicas)

-Hacer una obra que sea lo que se espera que uno haga

-Hacer una obra con cierta capacidad de "efecto"

-Asistir a una buena cantidad de vernisages y saludar a mucha gente (si se tiene menos de 30 años asistir con una carpeta bajo el brazo, por las dudas)

-Hacer clínicas con artistas ya reconocidos (También asistir con carpeta bajo el brazo)

-Saber los nombres en orden alfabético de todos los curadores y galeristas

-Mandar a salones puede ser favorable

-Mirar en internet qué se está haciendo en otros lugares

-Estar atento a qué se está premiando en salones que dan más de 15 salarios mínimos del país donde se vive.

-Tener en cuenta de que si se pasan los 30 años se dejará de "ser artista joven" o "emergente"

-Tener en cuenta que hasta los 65 no lo llamarán "Maestro"

-Buscar algún nicho de mercado (lenguaje que no esté muy utilizado)

-Ver las tendencias en las grandes Bienales (normalmente llegan al mercado local a los dos años, si bien la globalización ha acelerado ese proceso)

La lista es más extensa.

En caso de que detecte que este camino se le está complicando puede poner su propio museo, fundación o escribir usted mismo sobre usted.

Algunos curadores no le cobrarán tan caro y la distribución del libro puede tercerizarla en un distribuidor.

Sino, también puede, dedicarle más tiempo a su obra y esperar que el otro y el tiempo digan si lo que usted hace o hizo tiene algún valor como para ocupar una vitrina, una pagina de algún libro y así poder "existir".

EL CUARTO Y ULTIMO INGREDIENTE DE ESTA RECETA ES EL MERCADO.

En ese caso además de performance haga algún objeto, dibujo o al menos alguna fotografía, sino le costará vender sus trabajos.

Sino gánese un gran premio y algunas galerías se interesaran en usted.

Sobre el mercado no le daré más recetas.

Es bueno tener un plan "B" y descargar a la obra de la obligación de tener que darle de comer, puede darle cierta libertad que puede ser positiva.

Todos estos ingredientes como en cualquier receta están INTIMAMENTE RELACIONADOS y mezclados en una misma cacerola.

El chef.

En fin, me fui al carajo, pero me divertí...

 

Martin Molinaro Molinaro

 

Tomado de

http://performancelogia.blogspot.com/2007/04/sobre-performanceloga.html

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CAMPO REAL ES ALGO MÁS QUE ACEITUNAS. NUESTRA SEÑORA DEL CASTILLO

 

Cuando me preguntan en donde trabajo suelo decir en el SIES de Campo Real, muy cerca de Arganda. Ah, donde las aceitunas, me dicen entonces, y los más  viajeros suelen añadir con un cierto aire de superioridad: Campo Real… ¿no es sobre Campo Real donde dan la vuelta los aviones para entrar en Barajas?

Tomado de http://www.tengopaginaweb.com/establecimientoromero/tengopagina.php?page=variantesysalazones 


Aunque las dos cosas sean ciertas, todo el mundo desconoce que en este pueblo existen otras dos cosas verdaderamente dignas de mención.

 

EL ARTÍCULO, CON NUEVAS FOTOS Y TEXTOS, SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 


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¿LOS PELIGROS DEL MÓVIL O LOS DE LA IMAGEN?

 

Mirad este vídeo antes de que lo quiten de la red.

 

http://www.dailymotion.com/video/x5odhh_pop-corn-telephone-portable-microon_

 

Y ahora, si queréis saber la verdad, lo cierto es que debajo de la mesa se encontraban unos grandes conductores que producían el suficiente calor para que el maíz se convirtiera en palomitas. No eran las ondas de los móviles, aunque quién lo diría viendo tan sólo las imágenes.

 

Da que pensar, ¿verdad?

 

Susana

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22/09/2008 17:53. sdelbiombo #. CUIDADO, TELEVISIÓN No hay comentarios. Comentar.

Mª DEL MAR SAN SEGUNDO

Soy estudiante de 1º de Periodismo y comunicación audiovisual. Vengo colaborando en la realización de este blog desde hace algún tiempo por dos razones: la primera de ellas es que me gusta escribir y la segunda mi devoción por el mundo del ARTE.

Ésta es una disciplina muy SUBJETIVA en la cual el espectador desarrolla un papel muy importante con su interpretación de la obra. Se nutre de los DISTINTOS PUNTOS DE VISTA que proyectamos sobre la realidad, de nuestros SENTIMIENTOS y EXPERIENCIAS, así que el arte es, en definitiva, LO QUE NOSOTROS QUERAMOS QUE SEA, y es ahí donde, en mi opinión, radica su peculiar "CARÁCTER MÁGICO"

No quiero despedirme sin agradecer el ESFUERZO y TALENTO del artífice de este blog (un lugar donde TODOS podemos APRENDER cada día un poco más), quien nos ha aportado su INTELIGENCIA y CONSTANCIA junto con un entusiasmo contagioso por el arte.

AXEL HÜTTE (PRIMERA PARTE). EL RETORNO DEL PAISAJE ROMÁNTICO… DE VERDAD

Tomada de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-d27888b3290298b62a7096cd2ec25097.jpg

 

La Gomera. 

 

 

Vetlebreen (Norway) (2000),

Tomada de http://www.jano.es/jano/ctl_servlet?_f=303&iditem=2321&idtabla=4

 

 

En la actualidad y hasta noviembre se puede ver en la Sede de Telefónica (Metro Gran Vía), una exposición del fotógrafo alemán Axel Hütte.

Su obra (fotografías de un tamaño gigantesco y una perfección formal y detallismo extraordinarios) recoge la idea del paisaje romántico que, en la propia Alemania, se inició durante el principio del siglo XIX.

Pero, ¡cuidado!, la palabra romántico ha ido variando poco a poco de significación y no estaría de más explicar lo que significaba entonces, que no tiene nada que ver con la actualidad.

En nuestros días, y acaso por la influencia del cine americano y cierto tipo de novela, ¿qué entendemos por romanticismo?: ¿el amor?, ¿una música suave que pone banda sonora a un atardecer lleno de tonos rosas en donde una pareja se mira lánguidamente a los ojos y se toma de las manos mientras destila miel y dulces olores florales?

Byron, Delacroix o Friedrich habrían casi vomitado ante esta escena; les habría parecido cursi, un verdadero horror florido. Pues ellos entendían el romanticismo como el culto a las pasiones, las emociones fuertes, la tragedia. Nada más romántico que una matanza de mujeres (La Muerte de Sardanápalo, Delacroix), la sexualidad de las bañistas de Ingres, el combate de tigres, la tragedia de unos Naúfragos de Gericault, la terrible belleza de un cementerio en la tormenta… y mil cosas más que, a nosotros, no nos parecen nada románticas.

 

Lo mismo ocurre con el paisaje. Lo que nosotros entendemos como romántico se llamaba entonces pintoresco, un término que se había generado en la Inglaterra del XVIII y retomado en el rococó francés o los cartones para tapices de Goya. Una Naturaleza amable, variada y llena de encantadores detalles de tonos pastel, luces melancólicas, brumosos fondos y tiernos caminillos que nos apetecería recorrer para internarnos en el bosque en medio del cual habría una praderita cruzada por suaves riachuelos y alfombrada de diminutas flores. Algo parecido a esto

 

Gainsborough

Tomada de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-0db06d56c4bae37ca8fb07bab51c80bf.jpg

 

 

 

 Como se ve esta Naturaleza pintoresca es, en el fondo, aristocrática y conservadora y está al servicio de las clases altas. En ella no se sufren los fuertes cambios meteorológicos o las numerosas incomodidades de la vida campestre. Es una naturaleza para gozar plácidamente, como es evidente en los cartones para tapices de Goya es donde sería imposible que existieran mosquitos, cardos emboscados ni, mucho menos, lobos hambrientos.

 

Tomada de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-dd450d93412d0734d2740dd54a2fdc2f.jpg

 

Frente a ella, el movimiento romántico propone una nueva forma de mirar las cosas a través de lo emocional. La Naturaleza debe ser algo poderoso, capaz de transmitir fuertes pasiones. Un lugar para la tragedia o los héroes.

Quizás el pintor que mejor reflejaría esta nueva forma de entender el mundo será Friedrich, un pintor alemán que conseguirá plasmar todas las fuerzas telúricas, y el viento, el frío, la soledad o el propio miedo en sus paisajes, Pues estos son excusas para volcar sus sentimientos

 

 

 

Friedrich (AlteMuseum, Berlin)

 

Este será llamado el paisaje sublime, el verdaderamente romántico. Basándose en las ideas de Kart, Burke desarrollará toda una nueva teoría en donde el concepto clave será, aquello que nos atrae a la vez que nos rechaza, nos place pero nos da terror. Una belleza horrible, como dirá el propio autor, algo que supera nuestra capacidad mental y física (Burke), que por grande, masivo o misterioso, no podemos pensar o reducir a conceptos, sino simplemente sentirlo. lo sublime; esto es, produce la emoción más fuerte que la mente es capaz de sentir.

 

 

Friedrich

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Caspar_David_Friedrich

 

 

Y esta es la tradición que retoma Axel Hütte en sus fotografías de un tamaño gigantesco, que casi nos envuelven. La elección de los lugares será muy significativa, y no buscará la belleza tradicional sino aquellas geografías que nos acercan al misterio (mares, montañas semiveladas por la niebla)

 

 

Tomada de http://www.comunicacion-cultural.com/archivos/2006/04/axel_huette.html

 

 

http://www.elpais.com/articulo/arte/sensibilidad/paisaje/elpbabart/20040131elpbabart_1/Tes

 

Otras veces nos sitúan en el centro mismo de lo estéril y antihumano (desiertos, volcanes)

 

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-f97a193deceb10a8df40ee9082dabe6d.jpg

 

O, por el contrario, nos rodea de selvas tropicales impenetrables y pantanos llenos de ocultos peligros

 

 

 

Tomado de http://w3art.es/weblog_archivos/000666.php

 

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-f06121f8b87a51d8372d60fb16c67c58.jpg

 

Junto al tema (en donde el hombre ha desaparecido y solo queda la naturaleza en bruto, con toda su belleza pero también su terrorífica presencia), el autor refuerza la potencia de sus imágenes con el punto de vista elegido (picados, contrapicados) y la composición (que a veces se vuelve claustrofóbica, otras veces excesivamente abierta, con un cielo que ocupa la mitad de la foto), que suele reforzar el carácter masivo, antihumano, de las imágenes, que nos devuelven a un estadio anterior, aquel que debía tener el hombre antes que la burbuja protectora de la naturaleza se hubiera inventado para nuestra tranquilidad.

¿De verdad que se podría encontrar la felicidad en un paisaje como éste?

 

http://www.fcmanrique.org/expoDetalle.php?idExposicion=21&fl=1

 

Como dice Cristóbal Álvarez Teruel para Axel Hütte, lo sublime no sólo se relaciona con la presencia de lo grandioso y extrahumano, sino también con un cierto sentimiento de dolor, espectáculo y peligro: Lo sublime, por consiguiente, comporta una complacencia ambigua y extraña: se trata de un cierto "horror delicioso". La obra del alemán no produce un horror, pero sí que está cerca de ese sentimiento de pequeñez humana y de expectación ante los paisajes que presenta. No hay diálogo entre el espectador y las fotografías, hay contemplación y descubrimiento..

Tomado de http://ochopuntouno.blogspot.com/2008/02/axel-hte.html

 

Si quieres saber más puedes encontrar una entrevista con en el autor en:

http://salonkritik.net/08-09/2008/09/axel_huette_la_naturaleza_irre.php (Entrevista)

 

Vicente Camarasa

 

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LAS RAMIFICACIONES DEL ZEN

 El Zen es una corriente filosófica y religiosa que nace en China y se expande a Japón. Surge de corrientes como el Budismo y el Taoísmo. Así, el Zen valorará el amor a la naturaleza, el "Vacío"

 o impermanencia de todas las cosas, la pobreza y el "samadhi" o despertar.

Pasado y futuro son inexistentes porque sólo hay el momento presente y su carácter efímero (vida-y-muerte) En su atención a la singularidad, una constante en su práctica y filosofía es la crítica al lenguaje y a los conceptos como percepción de la realidad.

El ejercicio del Zen, a través de maestros como Hui-Neng o Dogen, tiene dos vertientes fundamentales: el "koan o paradoja, cuya resolución es imposible por la razón, y el "zazen" o meditación para vaciar la mente de impurezas. En ambos, la atención, la intuición y el vacío de conceptos son fundamentales para lograr el despertar.

 

En el Zen, el arte es inseparable de una forma de vida. Así, en la esgrima (kendo), no cabe el razonamiento sino la intuición y atención. Además, el guerrero ha de vivir plenamente el presente de vida-y-muerte porque el futuro es muy incierto. El Zen comenzó a desarrollarse entre los "samurais".

 

 

Combate de Kendo. El pensamiento o los sentimientos como el temor, deben ser abolidos para que no constituyan un freno al propio movimiento

Tomado de http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Kendo_EM_2005_-_kote.jpg/738px-Kendo_EM_2005_-_kote.jpg

 

La pintura zen sólo puede ser leída en los silencios o espacios y en la valoración del detalle.

 

 

 

Tomado de http://www.taringa.net/posts/arte/1100771/Pinturas-zen.html

 

 

Un pintor occidental que se aproxima a esta concepción es Rothko. En sus grandes lienzos de colores planos, la atención es absorbida por la pintura.

 

 

Tomado de http://arteyartistas.files.wordpress.com/2007/11/101.jpg

 

También los silencios, espacios, vacíos, son fundamentales en el "jaiku" y en el arte de los jardines. La poesía "jaiku" (Basho) pretende captar el instante y lo efímero, como si el acontecimiento único arrastrara el vacío infinito de todos los seres.

 

Viejo estanque...

salta la rana...

sonido del agua

(Famoso haikú De Basho)

 

Lo mismo ocurre en el arte del jardín, totalmente opuesto a la plenitud y orden del jardín occidental. Por ejemplo, una rama en un silencio de arena.

 

 

Jardín zen

Tomado de http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9b/RyoanJi-Dry_garden.jpg

 

Probablemente, más que en el arte floral, la estética zen se desarrolla en el arte del té. Los materiales de este rito mantienen una ausencia total de ornamentación para mostrar la simplicidad y la pobreza ("wabi") Esta simplicidad y sinceridad son la esencia de la estética del zen para crear espacios de serenidad y armonía con la propia mente y la naturaleza.

 

http://es.geocities.com/bosque_de_bambu/inicio/haiku.html (Fantástica página sobre los haikú)

 

Jesús Chaparro

 

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25/09/2008 14:07. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 3 comentarios.

PICASSO, EL EGIPCIO

 

Contaba Picasso a sus biógrafos que un día del año 1907, cuando el pintor malagueño se encontraba luchando con los bocetos previos de lo que serían las futuras Señoritas de Avignon, un amigo también pintor, Rousseau, el Aduanero, le dijo de forma lapidaria:

 

Nosotros somos los dos grandes pintores de la época; Usted, monsieur Picasso, en el género egipcio y yo en el género moderno.

 

Quién sabe si la historia es auténtica, pues a Picasso le gustaba adornar su pasado con anécdotas, frases y acontecimientos que nunca existieron. Sin embargo, la idea es totalmente cierta.

Esto puede sorprender a muchos, que consideran a Picasso como el gran creador de la pintura moderna. Y así fue, por supuesto, aunque nunca deberíamos olvidar que también fue un gran clásico (tal vez el último) que nunca dejó de relacionarse con el pasado, reinventándolo una y otra vez.

Por otra parte, la sorpresa puede surgir por una incompleta percepción del arte egipcio. Nos es tan familiar desde pequeños que, quizás, nunca nos hayamos detenido verdaderamente a mirarlo.

Por favor, acompañadme por este pequeño viaje en la historia.

 


 

Si recordáis el arte cubista tenía dos claros principios: la simplificación de los objetos en formas geométricas y la visión múltiple (el pintor mira el objeto desde varios puntos de vista y luego une en una sola figura toda la información).

Estas dos claves ya son visibles en las famosas Señoritas de Avignon. El cuerpo de las mujeres se ha geometrizado de forma drástica, al igual que el fondo, quebrado como si fuera un cristal roto. En cuanto a la visión múltiple es evidente en la figura de la derecha, vista de espaldas y de frente, pero también con su cara hecha de retazos fruto de este cambio de vista del pintor.

 

 Las Señoritas de Avignon. Picasso, 1907

 

El lienzo produjo entre el selecto grupo que lo pudo contemplar una verdadera conmoción. Muchos no lo entendieron aunque, si la anécdota es cierta, Rousseau sí comprendió rápidamente. Supo mirar y darse cuenta que con aquel cuadro se había acabado la pintura visual (la que ve el ojo quieto) y comenzaba otro momento de arte intelectual en donde se pintará lo que se sabe, no lo que se ve, igual que le ocurría al arte egipcio.

 

Si no me creéis, fijaros en este relieve egipcio

 

 

Pero fijaros bien, y mirad las manos ¿No veis algo extraño en ellas?

Intentad poner las vuestras de la misma forma que en el relieve y veréis… que es imposible hacerlo. Y lo es porque los hombres tenemos los dedos enfrentados.

 


¿Os dais cuenta ahora? Las figuras tienen dos manos derechas (o izquierdas), pues el dedo gordo se encuentra en la misma posición en ambas, cosa que en la realidad es imposible.

Como veis los egipcios no eran tan realistas como podrían parecer. Hacían una pintura mental.

 

Pero esto va mucho más allá de unas simples manos. Fijaros ahora en esta figura hecha con la visión múltiple que inventó Picasso y los egipcios practicaban ya hace milenios.

 

 

 

La cara está vista de perfil, el cuello y los hombros de frente, la cintura y las piernas de perfil de nuevo. ¿No era esto lo que hizo Picasso con las Señoritas, no las pintó de frente y de espaldas?

 

Y aún hay más. Mirad este típico ojo egipcio. Lo normal, ¿verdad?

 

 

 

 

¿Cómo puede ser normal que la cara se encuentre de perfil y veamos el ojo de frente? Si lo viéramos también de perfil no podríamos ver más que una parte de él. Picasso utilizó el mismo truco una y otra vez, aunque tal vez de forma más exagerada (o por lo menos, que nosotros creemos más exagerada). Mirad.

 

 

 


 

 

 

 

 

Y así podríamos continuar con muchas cosas más (el fondo plano en donde se ha abolido la perspectiva, la importancia de la línea a la hora de delimitar las figuras, la pintura mental, de nuevo, en la representación de los pies), pero nos fijaremos en un último detalle: la representación de los objetos.

Fijaros en este fragmento. Se trata de una ofrenda a los dioses.

 

 

 

 

Como veis los objetos carecen de volumen y se apilan unos sobre otros, cada uno de ellos visto desde la posición que dé más información de los mismos.

Si regresamos a Picasso, ya a su segundo cubismo (también llamado sintético) podemos encontrar numerosos bodegones que recurren a estrategias similares, como en esta obra.

 

 

 

 

 

  

Como habéis podido comprobar la frase de Rousseau no era gratuita, aunque tampoco tenemos que pensar que sea la única verdad, pues en el nacimiento del cubismo se unieron numerosas influencias de las que pronto iremos hablando (escultura africana, Cezanne, Ingres, el románico o el arte íbero)

Por otra parte, Picasso no fue el único artista de vanguardia que se sintió fascinado por lo egipcio. Quince años antes de sus Señoritas Paul Gauguin ya había realizado este cuadro en donde lo egipcio es tan evidente que parece inútil comentarlo.

 

 Extraído de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paul_Gauguin

 


 TODOS LOS POST DE PICASSO EN NUESTROS BLOGS

 Vicente Camarasa

 

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25/09/2008 14:18. sdelbiombo #. Picasso Hay 5 comentarios.

ALEX HÜTTE (Segunda parte). DEL PAISAJISMO FRANCÉS A LA ABSTRACCIÓN Y LA POSMODERNIDAD. FOTOGRAFÍAS COMO PINTURAS QUE AL FINAL SON MENTIRA

 

Tomada de http://www.literaturmueller.de/frame_aLes2008.html

 

Como ya se vio en la primera parte dedicada a este fotógrafo , Hütte retoma el modo sublime de la paisaje romántico.

Sin embargo, en sus últimas obras (Selvas sudamericanas, jardines de Aranjuez) su fotografía da una nueva vuelta de tuerca y cambia de modelos.

 

Hacia la mitad del siglo XIX, el paisaje (especialmente en Francia) comienza a desprenderse de sus ideas románticas (la de expresar sentimientos) para concentrarse en la representación de la luz. La pintura se relaciona así con la ciencia y los nuevos descubrimientos físicos sobre la luz y el color.

Autores como Courbet, Corot (ambos realistas) o Rousseau (escuela de Barbizón) insisten una y otra vez  en el juego sutil de luces y sombras, con una pincelada cada vez más suelta

 

 

Corot. 1860

Tomado de

 http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Jean-Baptiste-Camille_Corot_026.jpg/800px-Jean-Baptiste-Camille_Corot_026.jpg

 

Sobre estos precedentes serán Manet y los impresionistas los que olviden por completo lo narrativo (el cuadro ya no cuenta nada) para centrarse exclusivamente en la luz. Para ello trabajarán al aire libre, eliminarán progresivamente el negro y, sobre todo, utilizarán una pincelada cada vez más suelta (herencia de Velázquez y Goya transmitida por Manet).

 

Esta última característica será especialmente importante, pues la pintura aparecerá abocetada (sin terminar) si nos aproximamos demasiado. Para ver un cuadro impresionista necesitamos una cierta distancia para que los colores se fundan en nuestra retina, si no sólo veremos manchas

 

 

Monet. Amanecer. Sol naciente. 1872

 

Esta técnica será llevada a sus mismos límites por Monet. Ya en los inicios del siglo XX, y encerrado en su jardín de Giberny, Monet pintará una y otra vez nenúfares sobre las aguas quietas de su pequeño lago. En ellos, la unión de la pincelada suelta, con los nenúfares y sus reflejos, termina por crear casi cuadros abstractos ante los que el espectador tiene que hacer un verdadero esfuerzo de reconstrucción para ver la imagen real.

 

 

Monet. Ninfeas

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Claude_Monet,_Water-Lily_Pond_and_Weeping_Willow.JPG

 

Algo de todo esto aparecerá en los nuevos paisajes de Hütte. Su insistencia por fotografiar reflejos en inmensas proporciones hacen que el espectador, cuando se acerque a la fotografía, sólo vea cuadros abstractos llenos de manchas de colores.

 

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_16/XLCO/Ies/20080911elpepucul_16.jpg

 

El juego óptico es típicamente posmoderno, pues en el se mezclan la reinterpretación de la pintura histórica (Monet en este caso) con una reflexión sobre lo que es cierto y lo que es una reflejo. Esa terrible distinción entre la realidad y lo copiado (el simulacro) que es uno de nuestros grandes conflictos actuales (¿qué es la realidad, la que sale por la televisión, la que veo en Internet…? Las fotografías se trucan con photo shop, los edificios modernos a veces imitan los estilos antiguos, todo es un remaque, una secuela, la copia de una copia, como tantas películas americanas, novelas que se refieren a otras novelas…)

 

http://www.elpais.com/recorte/20080911elpepucul_22/XLCO/Ies/Amazonia_venezolana.jpg

 

Esta actitud de especular sobre la realidad, sobre la fiabilidad de nuestras percepciones ópticas, es un rasgo común de nuestra pintura actual. Uno de sus principales representantes será Richter que pinta cuadros que parecen fotografías desenfocadas o cuadros abstractos que parecen imágenes microscópicas, extrañas formas geológicas, que en realidad son fotografias.

 

Tomado de http://www.notinat.com.es/images/noticies/Image/2007-11/UlrikeRichter.jpg

 

Tomado de

http://www.masdearte.com/imagenes/fotos/Fashton_richter6.jpg

Realidad y ficción, fotografía o pintura, paisaje real o construido... En Hütte se unen todas estas contradicciones que se pueden ver en la Sede de Telefónica. Una verdadera revisión de la prehistoria del arte moderno y un avance, una propuesta hacia el futuro: ¿Hasta cuando estos paisajes fotografiados seguirán existiendo o pasarán a ser simples pruebas de una cosa que, antes, llamaban Naturaleza?

Vicente Camarasa

 

 

 

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ALCALÁ DE HENARES. UN TEATRO DE CUATRO SIGLOS DE HISTORIA

 

En la misma plaza de Cervantes, bajo los soportales que constituyeron el final de la ciudad hasta que Cisneros decidiera crear su Universidad, se produjo una verdadera sorpresa, no ha muchos años.

En lo que todos los alcalaínos recordaban como cine, tras muchos años de estar cerrado, un grupo de arqueólogo descubrieron un teatro único que había sido, patio de vecinos primero, corral de comedias en el XVII, y más tarde teatro romántico antes de convertirse en cine.

El problema se planteó a la hora de restaurarlo. ¿Con qué periodo quedarse? La solución la encontró Peridis (alguno lo conocerá más por sus chistes gráficos o su programa de románico pero es un excelente arquitecto). Con una actuación que tiene algo de magia logró que el recinto conservara toda su memoria, dejando elementos de todos los periodos con una sensibilidad increíble para unificarlo todo en un ambiente magistral.

 

De todo ello (claro) a mi lo que más me fascinó fue el corral de comedias del siglo XVII. De él se conserva el suelo empedrado en donde se colocaban los mosqueteros (las clases más bajas, quizás en la época el joven Quevedo estudiante), el pozo y una parte del escenario. Ahora han colocado en él una de las máquinas de efectos especiales que usó tanto el barroco. Esa especie de rollo blanco (de lienzo) movido por una manivela, conseguía un perfecto sonido de viento

 

 

 

General

 

Detrás de las puertas que están bajo el escenario se encontraba la tramoya de la que aún se conservan un juego de poleas para hacer volar a los personajes por el cielo del teatro, y otra máquina, esta vez de tormenta de granizo. Es el tonel, que está lleno de piedras, y al girarlo el sonido es idéntico a la tormenta que tuvimos hace un tiempo.

 

Máquinaria en parte baja

 

Pero aún hay más, y en la parte trasera del espacio, se encontraba la cazuela. El lugar destinado a las mujeres. Imaginaros. Ellas vestidas con sus enormes guardainfantes (como los de las Meninas), recolocadas por un llamado empujador. Desde allí ellas miraban la obra y lo que no era teatro, e intentaban ligar tirándole frutos secos y frutas escarchadas a los galanes del piso bajo. Como no podía salir de allí (y como tampoco había servicio de mujeres en los edificios públicos), ¿os imagináis cómo hacían sus necesidades? Sólo os doy dos pistas: el suelo de la cazuela estaba agujereado y los mosqueteros de abajo (por eso les llamaban así) nunca se quitan el sombrero.

 

La cazuela

 

Un piso más arriba comenzaban los secretos. Conducidos por pasillos como los que podéis ver en esta foto

 

Galería superior hacia aposentos

 

se llegaba a los aposentos. Estos eran habitaciones cerradas (y normalmente protegidas por celosías) en donde se escondían las personas principales que querían ver sin ser vistos.

 

Aposentos

 

Como veis toda una (nueva) excursión al siglo de oro que nos regala Alcalá y, lo que es más raro, aún se encuentra en funcionamiento, siendo utilizada muy a menudo para representar teatro barroco

 

Si queréis saber más sobre los corrales de comedias, Pérez Reverte los describe maravillosamente en el primer libro del Capitán Alatriste. De una manera más sencilla yo también intenté hacerlo en el Señor del Biombo.

 

También podéis saber más cosas en

http://www.corraldealcala.com

 

http://aix1.uottawa.ca/%7Ejmruano/Corral.html (Sobre el Corral del Príncipe en Madrid. Su reconstrucción en 3D de lo que fuera el edificio barroco)

 

Vicente Camarasa

 

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27/09/2008 07:17. sdelbiombo #. Alcalá de Henares y sureste Madrid No hay comentarios. Comentar.

¿QUÉ ES LA REALIDAD?

 

Érase una vez, seis hombres ciegos fueron a ver a un elefante. El primer hombre ciego alargó sus manos frente a él y tocó el inmenso lado del animal. “Este elefante es como una pared alta y fuerte,” dijo el ciego.

El segundo hombre, quien estaba parado cerca de la cabeza del elefante, puso sus manos en uno de los largos y filudos colmillos. “¿Una pared? ¡No! Yo diría que es más como una lanza.”

El tercer hombre abrazó una de las patas del elefante con ambos brazos. “No quisiera contradecirlos,” dijo, “pero estoy seguro que el elefante es como un árbol.”

El cuarto hombre por casualidad tocó la oreja del elefante. “Todos ustedes están equivocados,” dijo él. “El elefante es en realidad muy parecido a un abanico.”

El quinto hombre estaba parado él solo por el otro extremo del elefante. Y por casualidad cogió la cola del animal. “Yo no entiendo esta confusión,” dijo él. “Estoy seguramente correcto al decir que el elefante es como una soga.”

 

http://www.vidadigital.net/blog/2005/04/07/los-hombres-ciegos-y-el-elefante  

 

Este viejo cuento hindú fue frecuentemente utilizado por los maestros de zen para intentar hacer reflexionar a sus alumnos. En el fondo, la idea central del mismo es la incapacidad de los humanos de ver la realidad completa, pues somos como ciegos en un mundo demasiado complejo para nuestros sentidos, deformado además por nuestras experiencias anteriores y nuestra forma de razonar.

Ante ello sólo quedan dos caminos, acumular informaciones hasta que éstas nos desborden (como nos ocurre en la actualidad) o dejar pasar todo sin acercarnos, ir un punto más allá de lo visible y lo razonable y encontrar esa fuerza universal o ki (como llaman los budistas) o las ideas (como lo llamaría Platón) o la divinidad (como la denominarían sufíes y místicos de tantas religiones).

Sólo quizás entonces comenzaremos a comprender que no hay nada que comprender, que el vacío está lleno y la absoluta quietud plena de movimiento. Pues será la unión de contrarios, el momento en el que una extraña paz nos invada y podamos estar durante horas oyendo el murmullo de un riachuelo, el mar que lame la arena, un simple beso. Quizás hayáis tenido esta sensación en algún momento en la vida, y entonces sabréis que el entorno desaparece y sólo quedáis vosotros, el río, el mar o el beso. Pues sólo cuando el ruido desaparece se comienza a oír el interior de uno mismo.

 

 

Hay, por tanto, que realizar una tarea de limpieza. Liberarnos de nuestros prejuicios, nuestros odios y nuestras razones, y mirar entonces despacio, buscar todo lo bello que tenemos en torno nuestro, sentirnos afortunados de ello e intentar aún más mejorarlo. Sólo cuando estemos en paz con el mundo lo empezaremos a estar con nosotros mismos, pues, según el Tao, todo pertenece a todo

 

(Las fotos son mías, hechas precisamente para este artículo, pues hay veces que una imagen sugiera más que las palabras, crea sentidos y emociones que dicen mucho más de lo desconocido, de ahí la grandeza del Arte)

 

Vicente Camarasa

 

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27/09/2008 19:46. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 6 comentarios.

CÓMO SE ANALIZA UNA PINTURA. LA TUMBA DE RAMSÉS I

 

 Tomado de www.tierradefaraones.com

 

El tema, como es habitual en la pintura egipcia, es funerario, y representa, según el Libro de los Muertos, el momento en el que el faraón está siendo recibido en el Tribunal de Osiris por parte de Horus (izquierda) y Anubis, con cabeza de chacal (En la parte derecha de la pared se puede observar el anterior traslado del faraón en la barca de Ra).

 

 Barca de Ra.


 

El soporte es la propia pared (pintura mural), utilizando la técnica del fresco (con huevo como aglutinante que se aplica sobre el yeso aún húmedo o enlucido) para las superficies coloreadas, y el temple en seco para los detalles.

 

La composición de la escena central es simétrica, con el faraón como eje de simetría. Por otra parte se utiliza las formas geométricas para encuadrar las distintas figuras. Todo ello nos produce una sensación de escaso movimiento (estática).

 

La línea predomina sobre el color creando unos perfiles nítidos que luego se colorean de forma plana (colores planos) y saturada, predominando los cálidos en las figuras (rojizos y amarillos) que contrastan contra el fondo frío (azul en la Barca de Ra).

 

El dibujo es bastante sintético, de trazo geométrico y escasos detalles.

 

La luz no es utilizada, creando colores sin claroscuros que convierten a las figuras en bidimensionales.

 

El espacio resulta plano, sin ningún intento de perspectiva, utilizando el fondo como soporte para la realización de jeroglíficos.

 

Las figuras se nos muestran en perspectiva torcida (vistas desde varios puntos de vista combinados) y, por tanto, muy lejanas de cualquier tipo de realismo. Para su creación se utilizan las formas geométricas que eliminan gran parte de sus detalles, idealizándolos.

En cuanto a la expresión nos encontramos con personajes hieráticos, llenos de convencionalismos y sin excesivo movimiento (estáticos). No interesan las texturas

 

COMENTARIO.

 

La pintura que comentamos pertenece, sin lugar a dudas, al arte egipcio, bien apreciable por el uso de técnicas arcaicas (perspectiva torcida, colores planos, tendencia a la geometría, fondo plano...) y la propia función funeraria de la misma.

En este sentido, el mundo de ultratumba constituía una de las principales creencias del antiguo Egipto que influirá poderosamente en su arte (importancia de la arquitectura funeraria como mastabas, pirámides e hipogeos; temática habitual de escultura o pintura). Concretamente en el caso de la pintura, toda su iconografía se encontraba resumida en el Libro de los Muertos que iba narrando los distintos episodios que ocurrirían hasta la llegada al Mas Allá.

La pintura que comentamos nos narra dos de ellos: el traslado del cuerpo a través del Nilo por medio de la Barca de Ra, y la preparación del difunto para el posterior juicio de Osiris en donde su alma sería pesada en una balanza para confirmar su bondad o maldad (psicostasis, tema que será retomado por el arte medieval cristiano con San Miguel portando una balanza y el Demonio intentando hacer trampas).



 

Pesaje del alma. Egipto

 

 

El protagonista de ambas (además de distintos dioses del panteón egipcio) es el propio faraón, verdadero poder de la teocracia egipcia (unión, en una sola persona de los poderes religiosos y políticos), que se ayudaba en sus tareas por una serie de privilegiados (escribas, soldados y sacerdotes). Esta sociedad estamental se reflejaba también en el arte, siendo sólo las capas superiores las que tenían capacidad para encargar arte (comitentes), tal como también se observa en arquitectura y escultura.

 

La estética utilizada, bastante arcaica en su forma de plasmar la realidad, nos recuerda que el fin último de estas pinturas no era crear belleza (como luego sí harán los griegos), sino (en el caso concreto de la pintura) de narrar el mundo del Más Allá. Se trata, por tanto, de una estética trascendente, una imagen de lo sagrado que representa las cosas no desde la pura visión humana, sino de una forma mental y por completo antinaturalista que reduce las formas naturales o modelos geométricos y no duda en unir varios puntos de vista o eliminar perspectiva o claroscuro.

 

Por último, este arte egipcio (sin apenas influencias anteriores) influirá decisivamente en otros posteriores, como el bizantino y románico (de nuevo artes sagrados), que volverán a estas formas sintéticas, lineales y sin fondo ni luz.

 

 

Maderuelo. Románico

Tomado de  arteparaninnos.blogspot.com

 

 

Mucho tiempo después otros autores volverán a recoger esta idea de arte para romper con el clasicismo, como Gauguin en el siglo XIX o Picasso en el XX, que volverá a investigar la idea de una visión múltiple del objeto que reduce a formas geométricas simples, tal y como puede observarse en las Señoritas de Avignon.



 

Vicente Camarasa

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28/09/2008 12:23. sdelbiombo #. Arte egipcio Hay 6 comentarios.

LOS PRIMEROS CONSTRUCTORES. EL ARTE MEGALÍTICO

 Tomado de wikipedia.org

A mediados del  VI Milenio a C. se produce en Europa un cambio de importantes características: la neolitización. Se trata de una nueva cultura que traerá las técnicas de ganadería y  agricultura, la cerámica, el comercio por trueque, la diferenciación social, la sedentarización…

En la actualidad se cree que este neolítico fue traído desde el oriente mediterráneo (zona de Siria y Mesopotamia, en donde surgió el fenómeno). En lo que no se ponen de acuerdo los investigadores en la forma de contacto, pues mientras unos creen en la pura imitación de los territorios contiguos (oleada de avance la llama Ammeman, que tendría como resultado una difusión muy lenta, de unos pocos kilómetros al año), otros creen que fue via marítima, extendiéndose por las costa rápidamente por los pueblos neolíticos que crearía colonias en lugares lejanos, sirviendo como modelo para el resto (Zilhao)

Gorafe. Granada

 

Sea como fuera, esta entrada en el neolítico creó comunidades estables, bien organizadas y con mayores recursos que, en el campo artístico, dieron origen al megalitismo (finales del Neolítico y Calcolítico o Edad de Cobre)

Estas “grandes piedras” tienen varias modalidades, aunque todas necesitan de la colaboración de gran cantidad de gente bien organizada, pues lo bloques a transportar (a veces varios kilómetros) podían pesar varias toneladas. 

 

El modelo más básico será el menhir, piedra hincada en el suelo, como las que llevaba siempre a sus espaldas Obélix. Desconocemos su función aunque se tienen varias teorías: lugar de límite entre las tierras entre ambas tribus, calendario solar (según su sombra) utilizado para las faenas agrícolas…

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Menhir_de_Champ-Dolent

 

Estos menhires  pueden aparecer  junto formando grandes alineaciones (como los de Carnac) o formas circulares (cromlech, como el famoso de Stonehenge ). Su orientación ha hecho pensar a los investigadores algún tipo de ritual religioso relacionado con el sol o las estrellas (¿Observatorios?)   En, por ejemplo, la alineación del trilito central con la piedra Heelstone señala exactamente el punto de salida del sol en el solsticio de verano de 1840 a. de C., cuando el monumento era utilizado.

 

 

Alineaciones de Carnac

 

 

 Cromlech de Stonehenge

Tomado de  

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-760513c1b9121c12740b7cdb1bc685c8.jpg

 

 

Otro tipo de megalitismo fueron los dólmenes, enterramientos colectivos (lo que nos demuestra una sociedad poco estratificada en la riqueza). Se componen de una serie de grandes piedras u ortostatos que crean una cámara interior cubierta por una gran piedra plana. Aunque en la actualidad no aparezcan así, este conjunto de piedras estaría cubierto de tierra formando un túmulo o pequeña colina artificial, acaso coloreda por pigmentos en su parte superior.

 

 

 

Dolmen

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-c3881bdcd02b8538648f4de1a87e81f8.jpg

 

Estos dólmenes evolucionaron especialmente en el sur de la Península Ibérica, siendo uno de sus conjuntos mejor conservados los de Antequera. Son los llamados cuevas corredor

El más espectacular de todos ellos es la cueva de la Menga (es construido pese a su nombre) que amplia el dolmen con un amplio corredor de acceso. Los ortostatos verticales se hunden profundamente en una zanja realizada previamente en el suelo, y se emplean incluso una especie de grandes pilares centrales para que las losas superiores no se rompan en su parte central. Todo ello se cubría con un túmulo de tierra que aún se conserva

Presenta orientación nordeste, es decir, hacia la salida del sol en el solsticio de verano, el día más largo del año. Existe una magnífica página sobre ella de la junta de Andalucía

 

  

Entrada de la Cueva de la Menga

 

Interior de cueva de la Menga. Antequera

 

 

Cueva de la Menga. Antequera. Observa sus proporciones

 

En el mismo  entorno, la Cueva del Romeral (ya del Cobre o Calcolítico) introduce novedades. En vez de grandes losas de piedra se utilizan rocas sin apenas tallada (mampostería) unidas por una serie de cemento o argamasa. Aparecen también en el interior del conjunto habitaciones circulares (la zona de enterramiento) que se cubre con falsas cúpulas.

 

 

Cueva del Romeral. Aún hoy se encuentra cubierta por un túmulo de tierra

 

 

Interior cueva Romeral (Antequera). Observa las paredes de mampostería y los techos aún realizados con grandes ortostatos

 

 

 Falsa cúpula por aproximación de hiladas

 

Probablemente desde esta zona procederían las influencias que generaron el gran conjunto de los Millares (Almería, Calcolítico EN ESTE ENLACE LOS ANALIZAMOS CON MUCHA MÁS EXTENSIÓN), aunque a principios del XX se creía de influencia micénica. Este poblado estaba amurallado con torres de vigilancia circulares. Sus pobladores conocían la metalurgia del cobre y muy posiblemente comerciaban con África (huevos de avestruz pintados). Practicaban ya el regadío y muy probablemente utilizarían arados. Su muralla nos demuestra que debió tener una cierta cantidad de riqueza que hizo falta proteger.

 

En cuanto a sus tumbas, son cuevas corredor con cúpula falsa en su parte final, y grandes piedras horadadas en su centro que delimitan espacios interiores.

 

 

Entrada a una de las tumba. Observa la piedra de entrada  (de una sola pieza) horadada

 

 

Interior cueva corredor de los Millres en la zona cubierta con falsa cúpula. Se ha realizado una reconstrucción del enterramiento y su ajuar funerario

 

Una derivación (mucho más tardía) de este megalitismo se produce en el Bronce Final y el Hierro en las islas Baleares, el arte talayótico que analizamos aquí

 

 

Visita vitual de los Millares  

Una buena página sobre el megalitismo en la Península ibérica 

 

Vicente Camarasa

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28/09/2008 12:38. sdelbiombo #. PREHISTORIA Hay 5 comentarios.

NURIA ZAPARDIEL

Estudio 1º de Historia del Arte, así que supongo que está de más decir que me encanta el arte en todas sus formas, además de la literatura y la historia.

 Para mí el arte es como un gran enigma, algo siempre por descubrir. No es tan sólo mero placer estético, porque puede llegar a ser terriblemente complejo, despertando nuestra curiosidad o invitándonos a la reflexión; y quizá sea esto lo que lo haga tan especial.

Este blog intenta acercarnos al arte de una forma entretenida, pero requiere que abramos nuestras mentes, ya que el arte no puede enfrentarse con prejuicios ni ideas preconcebidas, pues de hacerlo así, tan sólo nos quedaríamos con una mínima parte y no llegaríamos a disfrutarlo por completo.

Os recomiendo que no os limitéis a leerlo, sino que os dejéis llevar por él. De momento contáis el mejor maestro para ello, con fama de haber hecho mella incluso en las mentes más reacias (entre las que, por supuesto, me incluyo).

LA DINASTÍA DE ARQUITECTOS SEVILLANOS DE LOS FIGUEROA. EL BARROCO PLENO (PRIMERA PARTE)

 

 

La Magdalena 

 

Fue un renacimiento después del ocaso apocalíptico. Sevilla, centro del comercio mundial y la metrópoli más rica del imperio español había sufrido la más grave catástrofe en su larga historia en el año 1649. Durante pocos meses habían muerto unos 80.000 - la mitad de los habitantes - víctimas de la gran peste que dejó Sevilla devastada. Los supervivientes, continuamente perseguidos por el pánico de contagiarse, tuvieron que arrojar los cadáveres a fosas comunes anónimas, donde desaparecieron también muchos ilustres y muchos artistas famosos. Parecía el fin del mundo, todo quedó paralizado.

Durante las décadas siguientes, la capital andaluza empezó lentamente a recuperarse de aquel horror y recobró su famoso orgullo. Uno de los creadores de ese renacimiento había nacido un año después de la peste, aunque no en Sevilla, sino en la provincia castellana de Cuenca. Ya siendo muy joven, Leonardo de Figueroa vino a vivir en la ciudad del Guadalquivir y pronto se hizo famoso como arquitecto.

El nombre de Leonardo de Figueroa surgió por primera vez en la historia de la arquitectura en los años setenta del Siglo XVII. En los proyectos de construcción del Hospital de la Caridad y del Hospital de los Venerables, Figueroa colaboró en el diseño de los patios y fachadas de las iglesias. El Patio del Hospital de la Caridad está dividido en dos por una elegante columnata

 

La fachada de la Iglesia de San Jorge del Hospital de la Caridad

 

 

 

Patio del Hospital de los Venerables

 

En el año 1691, Leonardo de Figueroa consiguió el éxito definitivo cuando le concedieron la dirección de las obras de construcción de la nueva Iglesia de los Dominicos. La antigua se había derrumbado el primer Domingo del Adviento de 1691 y los Dominicos tuvieron mucha prisa con la construcción del nuevo templo: era una cuestión de prestigio, ya que era importante superar arquitectónicamente los templos de sus rivales, los Franciscanos y los Jesuitas.

Figueroa hace construir un edificio barroco y soberbio según el trazado de una basílica de tres naves, integrando en el conjunto una antigua capilla mudéjar, "superviviente" de la iglesia derrumbada.

 

Interior de la Magdalena. Sevilla

 

Con esa obra de la Iglesia dominica que hoy lleva el nombre de la Magdalena, el maestro ya toca todos los registros de su arte: corona la muy alta fachada principal con una doble espadaña, separada por un cuerpo central que se presenta como un retablo con columnas salomónicas. El rosetón rodeado por decoración de cerámica parece un diamante engastado y el gran reloj del sol también era un elemento muy original en una fachada de una iglesia.

 

La Magdalena 

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Iglesia_de_Santa_Mar%C3%ADa_Magdalena_(Sevilla)

 

Aún más asombro puede causar la cúpula: octogonal, con vidrieras que tienen la forma de un trébol de cuatro hojas, que mandan su luz desde la altura a la capilla mayor, y la linterna está concluida por una corona con cruz de hierro forjado.

 

 

La Magdalena 

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Iglesia_de_Santa_Mar%C3%ADa_Magdalena_(Sevilla)  

 

Para el diseño de la cúpula, Figueroa "redescubrió" dos materiales tradicionales de construcción especialmente frecuentes en la época árabe y casi "olvidados" durante el Renacimiento: el ladrillo y la cerámica. Se puede observar flores y escudos elaborados de cerámica azul y verde oscuro.

Encima de la cúpula, ya por si innovadora, para subrayar la originalidad de toda la composición, Figueroa hizo colocar entre las vidrieras de la linterna una especie de "esculturas de Incas" formando un círculo debajo de la corona. Antes sólo se conocía esculturas de influencia indiano (incaica o azteca) de fachadas del Perú o México. Lamentablemente, desde la calle, como peatón normal y corriente, apenas se puede descubrir todos esos detalles maravillosos. Deberíamos volar por encima de la cúpula o contemplarla desde una azotea cercana para admirar debidamente esa decoración que demuestra la creatividad de Figueroa

 

Segunda parte. El Salvador y San Luis de los Franceses

 

Berthold Volberg 

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30/09/2008 01:19. sdelbiombo #. Sevilla No hay comentarios. Comentar.

CHAPLIN. LA POTENCIA DE LA IMAGEN A FAVOR DE UNOS IDEALES

 

 

En una sola imagen todo el ridículo de la Guerra (El Gran dictador)

Tomada de http://www.migatocalcetines.es/2006/05/04/el-chico  

 

 

Ahora que el Caixa Fórum de Madrid le está dedicando una exposición (del 02/07/2008 al 19/10/2008) no sería mal momento para recordar la capacidad que tuvo su cine para crear imágenes de gran potencia visual puesta a favor de una ética que defendía la libertad y la dignidad del hombre.

He elegido para ello dos de sus grandes películas. Tiempos Modernos y el Gran Dictador

 

En la primera de ella (rodada durante la Gran Depresión) existe una imagen a la que sobran comentarios

 

Tiempos modernos

Tomado de http://pablocine.blogia.com/2007/mayo.php

 

Después de ver este fotograma poco más hay que decir sobre las relaciones entre hombres y máquinas que se crearon durante la revolución industrial, el poder de la fábrica sobre el obrero minúsculo, la famosa alienación marxista.

 

 

El Gran Dictador tiene dos escenas que reflejan la cara y la cruz de estos personajes singulares, ansiosos de poder.

 

La primera de ella refleja el carácter miserable de estos seres, su necesidad de adquirir el poder para protegerse, pues en el fondo son tan ridículos… que chillarían por no llorar. Seguro que conoceréis a alguno semejante.

 

El Gran dictador

Tomado de

http://www.biografiasyvidas.com/monografia/chaplin/fotos/chaplin_8.jpg

 

La segunda habla de su lado más negativo con una metáfora verdaderamente insuperable. Intentad cambiar la cara de Chaplin por el poderoso que queráis y el globo terráqueo por el objeto de sus ambiciones y la imagen será tan fresca y nueva que parecerá recién inventada, con toda su carga de denuncia ante quienes desean controlar el mundo ya que su interior, por completo vacío, no es capaz de darles las satisfacciones necesarias para vivir plenamente

 

El Gran dictador

http://blog.pucp.edu.pe/category/1728/blogid/637?page=3

 

Y es que Chaplin fue un artista comprometido que tuvo que soportar la famosa caza de brujas dirigida por senador Joseph McCarthy tras la Segunda Guerra Mundial. Acusado de comunista por sus ideas progresistas, tuvo que exiliarse en los años 50, aunque su prohibición a entrar en EE UU fue revocada en 1971 al concedérsele el Óscar Honorífico.

 

Si queréis ver su discurso contra los totalitarismo (terriblemente vigente después de medio siglo) lo podéis encontrar en

 

http://madhatter.blogcindario.com/2007/12/00079-yo-no-quiero-ser-emperador.html (Video del Gran Dictador)

 

Vicente Camarasa

 

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