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Se muestran los artículos pertenecientes a Abril de 2009.

EL PENSADOR DE RODIN. UN MODERNO MUY CLÁSICO (Cuarta parte y final)

 

Si, una vez más, nos fijamos en el Pensador, descubriremos la modernidad de su tema, sin conexión con la religión o la mitología. Rodin renuncia a ponerle ningún tipo de ropajes literarios para representar a un hombre, como Manet utilizará a unas prostitutas y unos simples burgueses en vez de dioses del Olimpo para su famoso Desayuno en la Hierba.

Sin embargo, fijaros en la postura de su mano sobre la cara. ¿No os suena de nada?

 

 

Éste es el famosísimo grabado de Durero, la Melancolía

 

 

 

Ya Panofsky puso en relación ambas obras en su obra Nacidos bajo el signo de Saturno. Hablaba de que esta postura era la forma iconográfica de expresar el temperamento melancólico, el que prefiere recordar a actuar, atrapado en un mundo neoplatónico donde la realidad es un puro espejismo y sólo existe una verdadera visión interior.

Esta interpretación se extendería a una obra que hace poco comparábamos con Rodín, el retrato de Lorenzo de Medici de Miguel Ángel.

 

 

Tomado de ataifores.blogspot.com.es

 

Sin embargo, otros autores han intentado otra explicación iconográfica. Quizás la más atrevida y sugerente ha sido la de Chastel (El gesto en el arte), el llamado signo harpocrático: la mano o el dedo sobre la boca para representar el silencio que debe mantener un sabio, no comunicando sus saberes más que a aquellos elegidos que sepan hacer buen uso de ellos.

Esta idea se origina en la doctrina gnóstica egipcia y muy pronto pasará al gnosticismo helenístico y cristiano que pretenderá una lectura simbólica de los evangelios.

 

 

Harpócrates egipcio

Tomado de http://www.davidicke.com/forum/showthread.php?t=24416&page=4

 

 

De ser cierta esta teoría habría que leer de otra manera la propia obra de Durero, Miguel Ángel y, por supuesto, Rodin. Ya no se trataría de una imagen arquetípica del hombre como razón sino de una verdadera advertencia sobre los peligros de la razón y su comunicación a los demás, lo cual no estaría realmente muy lejos de algunas obras maduras de Rodin, llenas de un profundo simbolismo, como las dos famosas manos llamadas La Catedral.


 

 

 

 

Menos mal que Rodin era moderno

 

 

OTROS ARTÍCULOS SOBRE EL PENSADOR

La composición

Las texturas

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Vicente Camarasa

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01/04/2009 07:11. sdelbiombo #. Rodin Hay 2 comentarios.

LA HISTORIA DE LA VERA CRUZ

 

 

Monte Calvario o Gólgota. Primitivo enterramiento de Adán y lugar de la crucifixión y entierro de Cristo

 

Tomada de

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Golgotha_hill2.jpg

 

Según tradiciones judaicas, al morir Adán fue enterrado en el Monte Calvario (en donde luego crucificarían y enterrarían a Cristo), llamado Gólgota por los hebreos. Sin embargo, antes de expirar, Adán mandó a su tercer hijo, Set, al Paraíso. Le envió con la petición de recoger el aceite de la misericordia que Dios le había prometido cuando le expulsó del Paraíso.

 

 Muerte de Adán. Piero della Francesca. Arezzo. Quattrocento

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca_036.jpg

 

Set siguió el camino marcado por sus padres en donde no había vuelto a crecer la hierba y llegó a las Puertas del Paraíso. Se entrevistó allí con su ángel guardián que le negó el aceite pero le dio tres semillas del Arbol del Bien y del Mal (el de las famosas manzanas).

Al regresar encontró a su padre a punto de morir, y cuando le enterraron depositó las tres semillas bajo su lengua.

Noé recogió este sepulcro para salvarlo del diluvio y ordenó a su hijo llevarlo a un alto monte. Fue allí cuando germinaron las tres semillas en un solo árbol que era un ciprés, una palmera y un cedro.

Muchísimos años después Moisés fabricó su famosa cayado con una de sus ramas, y Salomón cortó el árbol para hacer las columnas de su famoso templo. Sin embargo, la madera no fue adecuada para la construcción y fue convertida en maderos que sirvieron como puente para la entrada triunfal de la reina de Saba

 

 Salomón y la reina de Saba. Piero della Francesca. Arezzo. Cuattrocento

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca-_Legend_of_the_True_Cross_-_the_Queen_of_Sheba_Meeting_with_Solomon.JPG

 

Tras ello fueron abandonados en una zona en donde surgieron manantiales que muy pronto tuvieron fama de curativos. Se hicieron en ellos las piscinas probáticas a donde acudían ciegos, tullidos… en busca de un milagro que les librara de sus males, tradición que aún continuaba en tiempo de Jesús.

Esas mismas tablas fueron utilizadas para construir la cruz de Cristo, uniendo así Adán con Él para indicar simbólicamente que el Pecado original de Adán es borrado por el sacrificio de Cristo que, tras su muerte, abra las puertas del Limbo y lleva a los patriarcas del Antiguo Testamento al Cielo

 

Anastasio o Bajada de Cristo al Limbo, iconografía que será típica del arte bizantino. San Salvador in Chora (Estábul, siglo XIV)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Chora_Anastasis.jpg

 

Este el mensaje oculto del famoso Descendimiento de Van der Weyden, con una calavera (la de Adán) en la que termina la espectacular diagonal que une las manos de Cristo y la Virgen

 

Van der Weyden. Descendimiento

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-a8adc4500b1415c0bee0616f5a1f13e1.jpg

 

 

Pero la historia no acaba aquí, sino continúa 300 años después, cuando Constantino tiene un sueño antes de la batalla del Ponte Silvio sobre Majencio. En él un ángel le muestra la cruz mientras le dice: Con este símbolo vencerás.

 

El sueño de Constantino. Piero della Francesca. Arezzo. Quattrocento

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca_017.jpg

 

Constantino hace pintar el signo de la cruz en los escudos de sus soldados y, tras la victoria, se convierte al cristianismo, primero él y pocos años más tarde a todo el imperio, convirtiéndolo en religión oficial de Roma (Edicto de Milán, 330).

 

La victoria de Constantino en Ponte Silvio

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Piero_della_Francesca_038.jpg

 

Tras ello, su madre, Santa Helena, se traslada a Jerusalén en busca de la Cruz de Cristo y fatiga esas tierras calcinadas repartiendo oro a raudales en busca de una pista que le conduzca a ella. Ésta se la dio un tal Judas (siempre el mismo nombre para el traidor, pues era judío).

 

Judas, bajo tormento, revela el escondite de la cruz

http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Piero_della_Francesca_018.jpg

 

Sin embargo, cuando comenzaron a excavar en el sitio adecuado encontraron tres cruces (la de Cristo y la de los dos ladrones). Santa Helena, que ante nada se arredraba, enseguida concibió un plan para saber cual de las tres era la divina, colocando sobre ellas a leprosos que, lógicamente, curaron en contacto con la cruz de Cristo

 

Encuentro de la Vera Cruz por Santa Helena. Piero della Francesca. Arezzo. Quattrocento

Tomada de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Piero_della_Francesca_017.jpg

 

Santa Helena mandaría realizar la Iglesia del Santo Sepulcro y dejará un gran trozo de cruz en la misma. El resto se mandará a Roma y se hirá haciendo astillas. Son los llamados lignum crucis. En España se exhiben varios aunque el de tamaño mayor se encuentra en San Toribio de Liébana (Cantabria)

 

La conocida importancia que tuvo la Edad Media por las reliquias hizo que se generara un comercio (y falsificación) de las mismas. El lignum crucis será una de las que más sufrió este proceso y, en la actualidad, si juntáramos todos los trozos de la cruz de Cristo crearíamos un bosque entero con el que sería posible construir tres grandes navíos de madera.

Por otra parte, y como recuerdo de toda esta historia, numerosas localidades celebran las fiestas de las cruces, que engalanan en patios y esquinas con flores y todo tipo de adornos (Aquí tienes las de Baeza)

 

Las Cruces de Mayo. Córdoba.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Cruz_de_mayo_bailio.jpg

 

 

Para saber más

http://www.herenciacristiana.com/museo/veratxt.html (Visión crítica)

http://yo-y-el-arte.blogspot.com/2007/05/la-leyenda-de-la-vera-cruz-1.html (Explicación de la leyenda sobre los frescos de Piero della Francesca)

 

Vicente Camarasa

03/04/2009 21:40. sdelbiombo #. ICONOGRAFÍA Hay 3 comentarios.

NUESTRO PRIMER PREMIO

 

 

 

 

Gonzalo Durán, desde su blog línea serpentinata

http://lineaserpentinata.blogspot.com

nos ha concedido nuestro primer premio: "Olha que blog Maneiro!", que viene a traducirse así como "Mira qué blog tan bonito" o tan creativo.

El orgullo es doble, pues no se trata sólo un premio a nuestra labor, sino que está concedido por un profesor de Geografía e Historia de sólidos conocimientos de arte y una sensibilidad probada una y otra vez en sus post.

La aceptación del regalo, conlleva la aceptación de UNAS NORMAS 

  

En cuanto a la elección de los blogs, nuestro modelo de trabajo en equipo me impide ser el único responsable de dar los diez premios, por lo que propongo a los colaboradores del blog que manden por correo o directamente a los comentario los blogs que queráis poner para volver a editar este artículo una vez hecha la lista

 

  1. http://francale.wordpress.com
  2. http://pepetoideas.blogspot.com
  3. http://arelarte.blogspot.com
  4. http://artetuyo.blogspot.com
  5. http://www.futuropasado.com/
  6. http://www.letra.org/spip/sommaire.php
  7. http://nannysusi.wordpress.com
  8. http://davidprofesociales.wordpress.com
  9. http://artescontemporaneos.com
  10. http://www.floresenelatico.es/index.htm

Vicente Camarasa

 

13/04/2009 08:57. sdelbiombo #. PREMIOS Hay 6 comentarios.

FOTOS PARA REPASAR EL NEOLÍTICO Y LAS EDADES DEL COBRE (CALCOLÍTICO Y DEL BRONCE)

Como ya sabéis una de las grandes características que definirá el neolítico es la aparición de la agriculltura y la ganadería. Por ello en algunos yacimientos es posible encontrar algunos instrumentos relacionados con ellos.

 

 

Hoz neolítica (Museo de San Isidro)

 

 

Molino neolítico (Museo de San Isidro)

 

La producción de excedentes generará la necesidad de recipientes para guardarlos. El mejor de ellos será la cerámica, que se encontrará en los yacimientos del Neolítico avanzado. Se la suele denominar cerámica cardial, pues en ella aparecen pequeñas incisiones (cuando el barro estaba húmedo) realizadas por una concha llamada cardium

 

Cerámica cardial (Cueva d l' Or)

 

Durante el Calcolítico se iniciará la metalurgia, se inventarán nuevas formas de cultivo (regadío) y aparecerá la llamada cultura megalítica que puedes ver si pinchas aquí.

Junto a algunos de estos megalitos han aparecido ídolos de forma humana muy esquemática y dos grandes ojos radiados (tienen como rayos de sol)

 

 

Ídolo placa (Museo Arqueológico de Madrid)

 

Durante el Bronce, en España se desarrollará una potente civilización denominada el Argar (Almería) que mantendrá contactos comerciales por el Mediterráneo, creará sus pequeñas aldeas en zonas altas y rodeadas de murallas.

Uno de sus principales actividades será la metalurgia de bronce (aleación de cobre y estaño, más resistente).

 

 

 

Moldes para armas de bronce. Argar (Museo Arqueológico de Madrid)

 

Sus enterramientos ya no serán colectivos, sino individuales (signo de una mayor diferenciación social, que se puede ver en sus ajuares funerarios). Una de sus formas de enterramiento típicas son las grandes cerámicas en donde el cadáver se colocaba en posición fetal

 

 

Enterramiento Argar (Museo Arqueológico de Madrid)

 

También elaborarán una singular cerámica de color negro y formas globulares que es bruñida tras ser cocida.

 

 

Cerámica argárica (Guadix)

 

En el bronce tardío, en numerosas zonas aparecerá una cultura llamada del Vaso campaniforme (en forma de campana).

 

 

Vaso campaniforme (Museo de San Isidro)

 

Muy cerca de nosotros, en Ciempozuelos, han aparecido numerosos restos de esta cerámica campaniforme a la que se añaden dibujos geométricos hechos con pasta blanca

 

 

 

Vaso campaniforme (Museo Arqueológico de Madrid)

 

Vicente Camarasa


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14/04/2009 14:02. sdelbiombo #. PREHISTORIA Hay 10 comentarios.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO. DELACROIX

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_La_libert%C3%A9_guidant_le_peuple.jpg

 

Tema:

Trata de la revolución que inició el pueblo francés frente al absolutismo de Carlos X, sustentando esencialmente dos ideologías propias del Romanticismo: el liberalismo, que consiste en conseguir los derechos y libertades que algún día fueron reconocidos en la Revolución Francesa, y el nacionalismo, que avivó los sentimientos de pertenencia a una nación.

 

Composición:

Es asimétrica, ya que consta de la diagonal en la que se encuentra la mujer que representa a la libertad y a la nación. Además, el tema y su propósito no podrían representarse simétricamente, ya que no podrían mostrar tranquilidad, sino todo lo contrario, porque el lienzo debe expresar una cierta inquietud, terror y valentía al espectador, a través de triángulos inclinados y numerosas curvas

 

Línea y color:

Los colores son cálidos (marrones en general), utilizando el rojo para impactar al espectador y dar sentimientos a la escena.

La técnica que utiliza es la pincelada suelta.

 

Luz:

La luz es expresiva, dejando zonas muy oscuras y dándole cierta luminosidad a diversos objetos del lienzo, Esto se denomina claroscuros y  su fuerte intensidad le acerca al tenebrismo de Caravaggio, que vuelve a potenciar lo emocional

 

Perspectiva:

La perspectiva es aérea, técnica que permite representar en un cuadro plano una imagen con fondo a través de la disminución de los objetos haciéndolos más borrosos y azulados, así como utilizando figuras en escorzo.

La multitud de cabezas al fondo del cuadro envueltas en una neblina es un ejemplo de perspectiva aérea, así como el cielo, el pueblo francés de la derecha del lienzo…El brazo de la mujer sosteniendo la bandera, la escopeta de el propio pintor autorretratado…son ejemplos de escorzos.

 

Figuras:

Aparecen figuras de todas las clases sociales. La mujer que sostiene la bandera muestra el liberalismo y el nacionalismo, símbolos propios del Romanticismo, siendo admirada y seguida por todas las personas que querían llevar a cabo esas dos ideologías. A los pies de la libertad se encuentra un obrero representando su muerte admirando la revolución. A la derecha de la mujer, se encuentra un chico de edad joven, mostrando valentía e ideales claros. El autorretrato de Delacroix, el señor con un fusil, de negro y con un sombrero de copa nos indica la burguesía. Todos los muertos del principio del lienzo, nos indican las causas de las revoluciones acompañadas del sufrimiento.

 

Comentario del cuadro:

La libertad guiando al pueblo fue pintada por Eugéne Delacroix en 1830, y conservando en el Museo del Louvre de París. El cuadro pertenece al Romanticismo y la técnica es óleo sobre lienzo. Mide 259 cm X 352 cm.

Una fase de Delacroix sobre este cuadro:

He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintaré para ella”.

 

Desde mi punto de vista, el cuadro expresa gran originalidad típica del Romantismo, en la forma de representar la libertad, y transmite al espectador los aspectos que una revolución puede tener (todo ello basándose en principios técnicos típicamente barrocos)

 

Noelia Sanz (4º ESO A, SIES la Poveda en Campo Real)

15/04/2009 07:23. sdelbiombo #. Romanticismo Hay 2 comentarios.

ROCÍO ROMERO

 

Actualmente soy profesora de Lengua y Literatura en el SIES La Poveda en Campo Real. Mi trayectoria ... muy humilde, por supuesto, al lado de mis compañeros de blog, y en ella hay de todo; un maremagnum de inquietudes en el que tan sólo una cosa me ha ido señalando el camino: el arte, porque el ser humano siempre ha recurrido a él para revelar su esencia. Desde muy pronto supe que quería estudiar Literatura y tratar de transmitir mi profundo amor por ella ... así que decidí convertirme en profesora, y en los tiempos que corren me enorgullece descubrir que aún hay chicos capaces de emocionarse con Bécquer, Machado o García Lorca. También estudié música once años más o menos ... hasta que subí de curso y las cuerdas de mi guitarra -que era lo que estudiaba- comenzaron a convertirse en sogas atadas al cuello; así que preferí abandonar y seguir amando la música, con un amor libre, parecido al que tengo a la Literatura. En mi búsqueda de las infinitas formas de arte también me dediqué a pintar durante unos años, pero eso es más una pequeña afición para mí. Entre tantas formas de arte me he quedado con la Literatura, como profesora y como alumna, ya que sigo estudiando. Y aunque voy "ligera de equipaje" -como diría Machado- en cuanto a saber se refiere, estoy dispuesta a abrir mi maleta a todo el que crea que tengo algo que ofrecerle.

LAS NOVEDADES DE LOS ÓRDENES EN ROMA.

 

Tomado de

http://damasogeohistart.blogspot.com/2008/10/ordenes-clasicos-en-las-columnas-segn.html

 

Aunque respetando gran parte de sus características, el arte romano creará dos órdenes nuevos.

 

El orden toscano tomará el dórico, le añadirá basa y colocará bajo el equino un pequeño tambor cilíndrico

 

Tomado de http://lineaserpentinata.blogspot.com/2008/11/rdenes-constructivos-en-la-arquitectura.html

 

Sin embargo el más utilizado será el orden compuesto que une las volutas jónicas con los acantos corintios.

 

 

Órdenes compuestos. Templo romano, Córdoba

 

Vicente Camarasa

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17/04/2009 14:59. sdelbiombo #. Arte romano Hay 1 comentario.

LOS ÓRDENES CLÁSICOS GRIEGOS

 

Aunque ya lo habían utilizado los egipcios, serán los griegos los que le darán toda la importancia a la columna y su parte superior (el orden), creando con ellos el módulo o medida matemática que sirva para crear el resto de las proporciones del edificio, consiguiendo así su armonía o belleza característica.

 

El orden dórico, el primero en aparecer, es el más robusto y menos decorado.


 

 

 

 

En Asia Menor aparecería el orden jónico, más esbelto y con dos volutas características.

 

 

 

El último de los órdenes griegos (ya en etapa helenística) será el orden corintio, que sólo se diferencia del jónico en el capitel, que tendrá hojas de acanto y tallos enrollados (caulículos)

 

Todas las imágenes tomadas de

http://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Arquitectura_de_la_Antigua_Grecia

 

 

El arte romano heredará los órdenes clásicos griegos aunque con algunas modificaciones, como puedes ver aquí

 

Para ver más imágenes existe una magnífica presentación en

http://artesauces.blogspot.com/2008/10/repasar-el-arte-griego.html


 

Vicente Camarasa

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17/04/2009 15:06. sdelbiombo #. Arte griego Hay 2 comentarios.

LA ESCUELA DE ATENAS. RAFAEL.

 

 

Tomada de wikipedia.org

 

Pintura al fresco (sobre la pared)  Vaticano, Roma. (1509-1510)

Tema. Se representa una escena del mundo clásico idealizada y su relación con la filosofía. Por ello, Rafael une en el mismo espacio a todos los filósofos clásicos, poniendo en su centro a Platón y Aristóteles. Además de ellos aparecen Heráclito, Euclides, Alciábades, Diógenes, Protágoras... Gran parte de esas figuras clásicas son representadas a través de retratos de sus contemporáneos (Miguel Ángel, Leonardo…)

 

Composición simétrica, con un gran eje axial que, pasando entre Platón y Aristóteles, divide en dos partes el cuadro. A cada lado de él aparecen los grupos compensados.

Por otra parte, y en perfecto equilibrio, se observa otro eje (horizontal) que recorre las cabezas del grupo principal. La trama de líneas crea, de esta forma, toda una forma ortogonal en donde predomina la línea recta, el ángulo recto y las formas rectangulares y semicirculares. Es la geometría, tan querida por los renacentistas que organiza la percepción del mundo en formas armónicas y regulares.

 

 

Línea y color. Predomina la primera. En general se puede hablar de detallismo, especialmente en los rostros y la descripción de la propia arquitectura.

En cuanto al color, como es típico de la época, se intenta compensar los fríos con los cálidos en un nuevo intento de crear armonía, como ya había hecho Masaccio en su Trinidad.

 

Luz natural con fines representativos (crear volumen por medio del claroscuro, luces y sombras). El foco es cenital (procede desde arriba) y procura distribuirla de forma homogénea, sin marcar excesivos contrastes ni intentar guiarnos por el cuadro

 

 

Perspectiva lineal creada a través de la arquitectura que nos conduce al punto de fuga central (encima de las cabezas de los dos filósofos) que vuelve a insistir en la idea de simetría y armonía.

 

Líneas y punto de fuga

 

Figuras. Individualizadas (sus gestos, posiciones y distintos retratos hacen desaparecer la posible isocefalia (cabezas iguales) que pudiera producir una composición tan equilibrada), realistas (parten de un retrato aunque posiblemente idealizado), de canon proporcionado.

 

Comentario.

Nos encontramos (tema clásico, intento de armonía en todos los componentes, arquitectura clasicista...) ante una de las realizaciones cumbres del Renacimiento del Cinquecento, final y resumen de todo un siglo de búsquedas (el Quattrocento) y a punto de ingresar en el Manierismo.

Rafael se encuentra en la cumbre de su carrera, tanto artística como cortesana, cuando el papado (gran mecenas de Cinquecento) le encarga la realización de un enorme ciclo en las Stance. En él, sobre el propio muro, va a representar todo el saber de su época, recurriendo (como es típico en le Renacimiento) al conciliato (unir lo cristiano con lo pagano, colocando esta escena frente a La disputa del Sacramento).

De esta manera, deberíamos entender la obra como una reflexión sobre la filosofía y la razón como fuente de sabiduría que unida a la religión daría el prototipo del hombre renacentista, un humanista cristiano que vive en un nuevo clasicismo (de aquí el utilizar retratos de humanistas y artistas de la época para darles cara a los filósofos de la Antigüedad).

La propia arquitectura vuelve a incidirnos en este paralelismo entre Antigüedad y Renacimiento. Tomando como modelo las grandes construcciones imperiales, longitudinales y de grandes espacios diáfanos, que son unidas a las propuestas clásicas de Bramante, con sus grandes cúpulas sobre pechinas, bóvedas de cañón con casetones, vanos termales, empleo de un módulo armónico y órdenes clásicos.

Además de estas fuentes, Rafael recoge también influencias de Leonardo (sobre todo en la perspectiva y composición a través de formas geométricas) y de Miguel Ángel

 

Vicente Camarasa

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EL RENACIMIENTO Y SU RETORNO A LA MUNDO CLÁSICO

Ya desde el siglo XIV se empieza a observar en algunas ciudades italianas una vuelta al mundo clásico (Grecia y Roma) gracias a la cantidad de ruinas que existen en esta zona, la traducción de libros griegos… Esta tendencia será el origen del Renacimiento (volver a nacer), alejándose del mundo gótico para  buscar una forma nueva de vivir en donde el hombre recupera su protagonismo (antropocentrismo) aunque sin por ello olvidar el cristianismo.

El tema es sumamente complejo y no podemos comentar todas las influencias que se producen. Mejor que eso os pongo una serie de fotos que os ayuden a comprender.

 

Iglesia de San Andrés de Alberti

Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2008_02_01_archive.html

 

Fijaros en cómo se toman de nuevo los órdenes clásicos y el arco de medio punto. Por otra parte, ¿no os dais cuenta en qué se ha inspirado Alberti para la fachada?. Mirad esta foto

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:RomeConstantine%27sArch03.jpg

Arco de triunfo romano.

 

Si recordáis el arte gótico tiende a la verticalidad y usa vidrieras de colores en la iluminación interior. Sin embargo Brunelleschi rompe con todo esto en su iglesia de San Lorenzo.

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Brunelleschi

 

Fijaros en sus órdenes, en sus arcos de medio punto, en su luz blanca, en sus casetones (cuadrados del techo, heredados de Roma). Pero sobre todo daros cuenta de lo que verdaderamente le interesa: hacer un edificio armónico, hecho de forma proporcional por medio de medidas muy estudiadas (como hacían en especial los griegos). Pincha aquí

Si nos fijamos en la escultura sólo hace falta que veamos estas dos imágenes

 

Hermes y Dionisios niño. Praxíteles (arte griego, periodo clásico)

Tomado de

 

Comparadlo ahora con el famoso David de Donatello

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Donatello%27s_David

 

Donatello le vuelve a interesar el desnudo y la mitología (representa a David como Mercurio), representa la anatomía de una forma muy suave por la que resbala la luz, usa el mismo apoyo de los pies que hace que la cadera se gire lentamente (eso se llama curva praxiteliana) y, sobre todo, busca la belleza idealizada, sin defectos.

 

Otros autores como Miguel Ángel se inspirarán en periodos más tardíos del arte griego (helenismo) para iniciar la última parte del renacimiento, el manierismo (en donde se pierde la proporción y la armonía y se busca la expresividad y la tensión). Fijaros en el famoso Laoconte

 

Laocoonte. Periodo helenístico del arte griego

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Laocoonte

 

Miguel Ángel en sus obras finales (como esta Piedad de Palestrina) recoge esa misma fuerza de expresión, las potentes musculaturas, el  desequilibrio y  la tragedia, utilizando el material clásico (el mármol).

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel

 

Si nos vamos a la pintura, ¿serías capaz de citar las influencias clásicas que tiene este famoso Nacimiento de Venus de Botticelli?

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus

 

Vicente Camarasa

 

SEMANA SANTA EN SEVILLA 2009



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Si quieres ver más fotos entra en  http://palios.wordpress.com

Vicente Camarasa

21/04/2009 07:15. sdelbiombo #. Semana Santa Hay 2 comentarios.

LA PEQUEÑA JOYA DE COLONIA. SANTA MARÍA LYSKIRCHEN


  

Ya hemos presentado la iglesia románica más grande de Colonia (Santa María en el Capitolio), y ahora seguimos con las más pequeña: Santa María Lyskirchen, la que se encuentra cerca de la orilla del Rin y del antiguo puerto. Ese templo románico, de dimensiones realmente modestas y más bien una capilla, sin embargo es una auténtica joya entre las 12 iglesias románicas de Colonia debido al simple hecho de que es la única que apenas fue destruída durante la Segunda Guerra Mundial y por eso sigue siendo auténtica en su estructura general.


Bromeando, la gente dice que ese templo era tan chiquitito que los aviones que dejaron caer las bombas no lo encontraron. Durante la guerra, sólo ardieron los techos por fuera y la parte alta de la torre y un par de vidrieras se rompieron por las vibraciones de los bombardeos. Pero toda la estructura arquitectónica y las bóvedas de piedra se salvaron y con ellas se conservó el tesoro más grande del templo – los frescos medievales de mediados del Siglo XIII. Esas pinturas interesantísimas estaban escondidos durante mucho tiempo y fueron redescubiertos debajo de capas de cal o pinturas más recientes hacia el año 1880. Desde entonces, se puede contemplar esos frescos que son de los más importantes de estilo románico en toda Alemania y los que por milagro sobrevivieron el infierno de la Segunda Guerra Mundial.

 

Por fuera, ese pequeño templo construido entre 1220 y 1230, tiene un aspecto modesto y nada espectacular. La torre es muy chica, parcialmente reconstruida, los muros hoy pintados de rosa fueron restaurados después de la guerra. Lo más llamativo es la fachada de la puerta principal, muy peculiar y con elementos mudéjares. Pero el verdadero tesoro que ha dado fama a esa iglesia son los frescos románicos, sobre todo los de las bóvedas centrales y de las dos capillas del coro, todos pintados entre 1230 y 1250.

  
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En los Siglos XVI y XVII, Santa María Lyskirchen fue reformada, añadiendo elementos góticos (vidrieras góticas remplazaron las románicas del coro) y barrocos (retablo mayor, hoy ya no existe, los elementos barrocos fueron quitados a finales del Siglo XIX). Aparte de los famosos frescos, el templo contiene poca decoración destacable. Hay un par de vidrieras góticas en la nave norte, un púlpito interesante a la derecha del coro. La imagen más venerada de esa iglesia es una bella y monumental Virgen gótica con el Niño que se encuentra a la izquierda de la entrada. Es la llamada „Schiffermadonna“, la Virgen de los Barqueros de finales del Siglo XV que nos recuerda el hecho de que ésa era la iglesia del puerto de Colonia. Es una Virgen a la vez majestuosa y serena que lleva un Niño Jesús en los brazos. El Niño está tallado en pleno movimiento y parece casi travieso, como queriendo escapar del abrazo de su madre. Es toda una escena plena de vida y muy realista que un maestro desconocido del gótico alemán nos ha dejado en una esquina de esa iglesia, donde siempre hay muchas velas encendidas por los fieles.


Ya antes de la Guerra Mundial, ese templo sufrió un par de inundaciones del Rin, pero ni el agua ni las bombas podían afectar a ese tesoro único de la provincia de Colonia, los magníficos frescos de las bóvedas en los que predominan matices azules y rojizos, ángeles volando por el firmamento y santos que presentan un modelo del templo románico. Y después de contemplar esa pequeña maravilla que resistió a los temblores de dos guerras mundiales, es recomendable cruzar la avenida de la orilla para entrar en el Museo de Chocolate, si no para visitarlo, al menos para dejarse llevar por las tentaciones de su tienda de trufas.


Texto Berthold Volberg
Fotos: Thomas Jäckel
http://picasaweb.google.de/tj.koeln/2009?authkey=Gv1sRgCKWty-OcrtyHTw&feat=email #.

23/04/2009 14:47. sdelbiombo #. Colonia Hay 2 comentarios.

CUANDO PICASO SE ENCONTRÓ CON JULIO GONZÁLEZ. MONUMENTO A APOLLINAIRE

 

 

Picasso. Monumento a Apollinaire.1928

Tomado de https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-ce5b3d73b4328d672a14637d1bec93b2.jpg

 

Quizás sea una de las esculturas más atípicas del artista, aquella en la que más de cerca rozó la abstracción. Tal vez por ello es una de las menos conocidas, siendo difícil encontrarla en catálogos, pues incluso en la última gran exposición que hizo el Reina Sofía de Picasso, estaba en un rincón elevado, casi perdida en el muro.

Sin embargo a mi me parece especialmente atractiva, tanto la obra en sí como toda la historia que arrastra.

 

Para entenderla nos deberíamos situar a finales de la década de los 20. Para ese momento Picasso  había abandonado temporalmente el cubismo y, en una de sus sorprendentes metamorfosis, había vuelto a la figuración.

Quizás intervino en este cambio el viaje que realizó a Italia durante la Primera Guerra Mundial o, como dicen algunos críticos, un cierto aburguesamiento, al casarse con Olga (bailarina de los ballets rusos) que llegó a verse en la propia imagen de Picasso, con traje y corbata que nuca más volverá a llevar.

Otros (Calvo Serraller) hablan del periodo ingresco, en donde la línea  desbancó al plano y vemos al Picasso más dibujante de toda su obra, como en este dibujo del propio Apollinaire al retorno de la Gran Guerra, herido en combate

  

Picasso. Retrato de Apollinaire. 1916

Tomado de  http://navarroarte.blogspot.com.es/2008/08/blog-post_2100.html

Con una maestría increíble (después de ver estas obras nunca se podrá decir que Picasso no sabía pintar), sin levantar el lápiz del papel, en una sola línea que inicia y termina el retrato sin necesidad de colores ni sombras, Picasso dibuja a algunos de sus amigos (como Apollinaire, Satie) como si el cubismo nunca hubiera existido

 También de este momento, aunque en grabado, es la famosa colección Suite Vollard, en donde el dibujo sigue siendo el protagonista  de un complejo mundo lleno de pintores y modelos, minotauros, que se repetirán desde entonces incansablemente

 

 

Escena de la Suite Vollard

Tomada de  http://recuerdosmiradas.blogspot.com.es/2009/10/la-suite-vollard.html

Y es en este momento (1927) cuando Picasso y Julio González, que se conocían casi desde principio de siglo, comienzan a colaborar. Julio González (al que ya dedicamos un post), escultor de familia de herreros, había trabajado previamente en la fábrica de Renault, aprendiendo la técnica de la fundición electrógena con la que se puede trabajar el hierro uniéndolo por medio de pequeñas varillas.

A esa técnicas Picasso añadió su nuevo culto a la línea y aparecieron  los primeros dibujos en el espacio, pues más que una escultura tradicional, definida por su masa y volumen, sus obras (y las posteriores de Julio González) parecían delinearse sobre el propio aire, dando una especial importancia al vacío, lo cual será uno de los temas recurrentes de toda la escultura moderna

 

 

Dos vistas de Mujer en el Jardín, obra realizada en colaboración por Picasso y Julio González

 

 

Escultura de Julio González, un verdadero dibujo en el espacio

Tomado de http://www.mcu.es/novedades/2009/novedades_Julio_Gonzalez.html

 

 

 

Naum Gabo. Artista ruso que continuó esta tendencia de dibujar en el vacío

http://www.treadwaygallery.com/ONLINECATALOGS/DEC2004/0751-0800.html

 

En esta categoría de dibujos en el espacio deberíamos incluir el Monumento a Apollinaire, mucho más abstracto aún que el resto, pura geometría que se quedó en boceto y nunca se llegó a construir en tamaño real como quería Picasso, una escultura transitable, un vacío hecho por las líneas en donde se pudiera pasear, siguen así las propias palabras de Apollinaire:

 

Quiero erigirle una estatua hecha de nada, como la poesía y la fama

 

Pero aún hay un detalle más. Quizás sea un absurdo o una pura casualidad, pero resulta curioso que Picasso se dejara llevar tan cerca de la abstracción (cuando siempre intentó huir de ella) justamente para celebrar al creador de los caligramas, aquellas poesías con formas naturales o geométricas que inventara Apollinaire

 

 

 

 

 

Apollinaire. Caligrama

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Calligrams

 

 

¿No será que Picasso, el que siempre lo probó todo, quiso trasponer estos caligramas al espacio, añadirles una dimensión más para que quedaran llenos de aire sobre la tumba de su amigo?

 

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Vicente Camarasa

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25/04/2009 08:29. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

ELOGIO A LA NO CIUDAD. ALEGATO A UN PUEBLO

Las torres de la Castellana desde Campo Real

 

Yo he nacido y he vivido siempre en Madrid y, pese a todos los inconvenientes, no me veo viviendo en una zona rural. Me gusta la Naturaleza o pasar un fin de semana en una zona apartada pero no me veo pasando un día tras otro en un pueblo, viendo a la misma gente, sin el anonimato ciudadano, sin museo, sin multitudes, sin metro o, simplemente, sabiendo que existen numerosas partes de mi propia ciudad que aún no conozco y que, aunque no lo haga nunca, siempre se encuentran aquí, esperando que las vea.

Sin embargo hoy he tenido que repensar el tema.

Ahora trabajo en un Instituto muy cercano a Madrid pero que, afortunadamente, aún es agrícola. Desde él se ve una maravillosa vista de la capital y el metro llega muy cerca, pero sin embargo no es la ciudad. Campo Real y todo su entorno no se han convertido en ciudad dormitorio y aún conservan otro ritmo de vida, una forma distinta de pensar o, al menos, de entender la realidad. Hoy me lo han enseñado mis alumnos de 3º de ESO cuando comenzábamos a explicar la demografía  y el hábitat rural y el urbano.

Me han dado tantas razones, tan convincentes de su escala de valores, que no he tenido más remedio que escribir este artículo, el de un urbanita acaso demasiado soberbio de su ciudad y dejar hablar a los que aman a su pequeño pueblo y hacen un alegato sobre él.

 

 

Valdilecha (Madrid)

 

Para empezar os comentaré que en un pueblo creo que se encuentra una tranquilidad que en mayor parte de la ciudad es imposible de encontrar; no hay ese ruido diario de sirenas de ambulancias, atascos por las mismas calles, camiones repartiendo encargos de tiendas desde primera hora de la mañana … En cambio en un pueblo es casi imposible encontrar todo este “follón” y, a la hora de salir por ah,í por suerte existen muchas vías de transportes públicos que te pueden desplazar a la ciudad o a cualquier otro sitio en muy poco tiempo.

Yo personalmente tomo muy en cuenta eso de salir a la calle y dar los buenos días a las personas pero cuando vas por la ciudad y parece que te encuentras en otro mundo con gente extraña, y eso no me gusta nada.

En la ciudad, como bien sabemos, se encuentra un grandísimo nivel de contaminación y en algunos casos puede ser muy perjudicable para la salud. Por el contrario, en un pueblo apenas existe contaminación.

Los edificios están totalmente unidos y cuando paseas por la ciudad no ves más que edificios y más edificios: esto me da la impresión de que estoy encerrada entre paredes. Pero cuando vas por el pueblo ves muy pocos edificios y muchas más casas te dan una impresión de alivio. En un pueblo la gente se habla con todo el mundo, y por decirlo de alguna manera, somos como una numerosa familia; en cambio en una ciudad la gente es muy suya y pasa más de los demás.

En resumen: yo pienso que con todo lo grande que sea la ciudad y lo pequeño que es un pueblo, un pueblo me da el descanso, la seguridad y la humanidad que en una ciudad no logro encontrar.

 

Villar del Olmo (Madrid)

 

Damaris Ruiz y Vicente Camarasa

27/04/2009 07:08. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD No hay comentarios. Comentar.

¡¡¡YA HEMOS SUPERADO LAS 100.000 VISITAS!!!

Hoy, 27 de abril, apenas 10 meses después de haber iniciado el blog, hemos pasado la frontera de las 100.000 visitas pese a la dificultad que existe algunos días para poder conectar.

Pero no sólo eso, sino que ya existen más de 250 artículos y han participado en su creación más de 30 personas. Algo verdaderamente utópico cuando comenzamos esta aventura.

Pero esto sólo es el inicio, claro, nos quedan tantas cosas por saber, por contarnos los unos a los otros, que esto no es más que un maravilloso principio para un proyecto que seguro que nos traerá nuevos colaboradores tan fascinantes como los que ya han aportado su granito de arena.

Y es que este el verdadero lujo de SDELBIOMBO, que contamos desde un profesor universitario ya jubilado a alumnos que aún están en Primaria. Doctores en Historia Arte o Literatura junto a Profesores de Historia, de Arte, de Dibujo, de Filosofía o de Literatura, Periodistas y Músicos; universitarios de varias ramas y cursos; alumnos de la ESO y de los últimos cursos de Primaria…Una riqueza de puntos de vista verdaderamente increíble que, sin embargo, seguro que seguirá creciendo. PUES TODAVÍA HAY MUCHA GENTE VALIOSA A LA QUE ESTAMOS ESPERANDO.

Si a todo esto le añadimos los nuevos blog que han ido naciendo de éste (GEOBIOMBO y uno aún más reciente, apenas recién nacido, dedicado en exclusiva a la Semana Santa, PALIOS), los que mantienen los propios colaboradores del blog (A Solas con Clíoel Rincón Literario, el Caimán. BERTHOLD , Francale  , Nanisusi o la culpa la tiene Warhol) y todos los que hemos ido encontrando en el camino, vinculándonos con ellos… esto es UN VERDADERO LUJO por el que merece la pena seguir trabajando.

 GRACIAS. ¡Qué más podemos deciros a todos los que alguna vez nos habéis encontrado en la red y habéis entrado en nuestros artículos!

28/04/2009 07:10. sdelbiombo #. PREMIOS Hay 6 comentarios.

CUANDO CINE Y ARTE CONFLUYEN: HOPPER Y BACON

Fijaros en esta pintura…. seguramente la imagen os resulte extrañamente familiar.

 

 

Tomado de http://heremdemaria.wordpress.com/distancias

 

Sí, esta misma casa de aspecto fantasmal que EDWARD HOPPER pinta en 1925, aparece de nuevo en 1960 en Psicosis, una de las películas más conocidas del maestro del suspense, Alfred Hitchcock.

 

 

Tomado de http://losfrikistambienlloran.blogspot.com/2008_06_01_archive.html

 

Con algunas ventanas cerradas y otras abiertas que reflejan la luz y a través de las que podemos adivinar el interior, este pintor norteamericano considerado uno de los mejores de la primera mitad del siglo XX que pretende transmitir al espectador una sensación de abandono y soledad que, como veremos, se convertirán en una constante a lo largo de toda su obra.

 

 

Tomado de http://eleducadorsocialenalaska.blogspot.com/2008/10/bares.html

 

TRASNOCHADORES/ HALCONES EN LA NOCHE/ NOCTÁMBULOS. Aquí el único foco de luz en la ciudad parece proceder del interior del bar, donde lo que más llama la atención es la falta de comunicación y la tensión psicológica que reina entre los personajes. Como el mismo autor decía< quizá de un modo inconsciente he pintado la soledad de una ciudad>, algo que vuelve a repetirse en (LUZ DEL SOL EN UNA CAFETERÍA) y (SUNDAY) donde los personajes aparecen absortos y con la mirada perdida, aislados del mundo que los rodea, en el que además los escaparates de las tiendas no ofrecen nada. Todo alrededor de ellos parece vacío.

También muy interesado por la luz, recuerda a los impresionistas, para quienes el paso de las horas y los distintos efectos provocados por las sombras resultan esenciales; (MAÑANA EN UNA CIUDAD); (SOL MATUTINO) en los cuales aparece representado un interior y la vista del exterior a través de una ventana (primitivos flamencos), muy similar a un cuadro dentro de otro.

En un principio comienza como dibujante de publicidad, sin embargo, pronto se hará conocido por sus paisajes  en los que pretende representar una naturaleza que no ha sido modificada por el hombre (paisaje agreste), junto con puentes, faros, carreteras, vías y pasos a nivel que, junto con el automóvil o el ferrocarril, ya suponen un avance técnico (civilización); (COLINA DEL FARO); (GASOLINA); (NEW YORK, NEW HAVEN AND HARTFORD)

 

 

Tomado de http://delarehabilitacionalaliteratura.blogspot.com

 

No deberíamos olvidar la sexualidad implícita en  sus desnudos femeninos ( al igual que Modigliani o Picasso); (MOTEL EN EL OESTE) obra a la cual algunos no dudan en atribuirle una clara representación sexual, si nos fijamos en el cuerpo en tensión de la muchacha y el capó del coche a su lado que parece salir de su cuerpo( INTERIOR VERANIEGO); (UNA MUJER AL SOL); (VENTANAS EN LA NOCHE) en los que las mujeres parecen ajenas al hecho de estar siendo observadas, convirtiéndose el espectador en voyeurista.

 

 

Tomado de http://daridgely.blogspot.com/2007/05/edward-hopper.html

 

Muchas de estas características son compartidas por el pintor británico FRANCIS BACON, de nuevo representante entre otros del siglo XX y cuyo peculiar estilo sirve como fuente de inspiración al famoso director italiano Bernardo Bertolucci en la dirección de El último tango en París, donde se cuenta la historia de dos individuos que, en una línea similar a los personajes representados por Hopper, están inmersos en algún tipo de crisis, tratan de esconder la soledad, (HABITACIÓN DE HOTEL (Hopper))/ (AUTORRETRATO (Bacon) y para ello se refugian en la pasión desenfrenada. Esto último se evidencia en la obsesión del pintor por representar figuras desnudas, en escenas en las que cobra especial importancia la carne, donde los personajes aparecen a menudo en posiciones forzadas, que no hacen sino incrementar la sensación de opresión y angustia. (RETRATO DE INOCENCIO X, con un grito desgarrado como el de Munch en El grito); (PARA UNA CRUCIFIXIÓN).

 

 

 

Tomado de http://popbuhnoeletrico.blogspot.com/2008_09_07_archive.html

 

Asimismo, los colores anaranjados, sombríos y el tratamiento tan característico de cierta parte del rostro en algunas obras de Bacon: los ojos, los cuales al igual que ensombrecidos en sus pinturas, en la película intentan “pasar desapercibidos”, empleándose para ello recursos tales como sombreros, cristales translúcidos y gafas que generan incomodidad en el espectador.

Los sentimientos de manera implícita, y de otra más “física” y visible, encarnados en el personaje masculino de la película (Paul), quien resulta ser una réplica de la obra del pintor de 1958, Autorretrato, en la que además aparece ataviado con la misma ropa de color marrón con la que, por otra parte, Bacon retrata a menudo a su amante George Dyer.

 

 

Tomado de http://italian.vassar.edu/MagritteBaconBertolucci/tango.html

 

 

Ambos pintores son quizá los más conocidos de una lista de artistas que ponen de manifiesto  la relación de proximidad entre cine y pintura pues, aunque disciplinas que siguen líneas paralelas, en ocasiones encuentran un punto en común formando un amplio mosaico donde tienen cabida todo tipo de emociones y sentimientos.

 

Mar San Segundo

 

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