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Se muestran los artículos pertenecientes a Enero de 2009.

SANTIAGO DE COMPOSTELA Y LA COSTA DE LA MUERTE

En el blog de JV tenéis un divertido artículo sobre Santiago de Compostela (con una magmíficas fotos de la iglesia románica deSanta María del Sar) y la costa de la muerte y sus paisajes

Para verlo podéis pinchar aquí

04/01/2009 19:58. sdelbiombo #. VIAJES No hay comentarios. Comentar.

LA FASCINANTE HISTORIA DE LOS REYES MAGOS

La Adoración de los Reyes Magos. Rubens. Siglo XVII

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_Adoraci%C3%B3n_de_los_Magos_(Rubens)

Si leéis los Evangelios quizás más de uno se llevaría grandes sorpresas al no encontrar la historia sagrada que nos han enseñado o conocemos por las representaciones. Una de las evidentes es la historia de los Reyes Magos. Mirad lo que pone San Mateo, el único evangelista que los menciona:

 

Llegaron del Oriente a Jerusalén unos magos diciendo: ¿Dónde está el rey de los judíos que acaba de nacer? (…) Y al entrar en la casa, vieron al niño con su madre María, y postrándose, lo adoraron; y abriendo sus tesoros, le ofrecieron presentes: oro, incienso y mirra.

 

Nada más, ni su número, ni su nombre, ni siquiera realeza. Unos simples magos, muy probablemente sabios persas de origen mazdeísta o adoradores del fuego o astrólogos babilónicos que muy pronto fueron interpretados como la apertura del mensaje cristiano también a los no judíos, tal y como orientó San Pablo la nueva religión frente a los más integristas que querían conservarla exclusivamente en el ámbito judaico. El resto de la historia es una compleja adición posterior.

 

Es muy probable que el desarrollo de la misma se hiciera en torno al siglo VI en los llamados evangelios apócrifos (los no reconocidos actualmente por la Iglesia), justo en los momentos en donde se reorganizaba todo el ciclo navideño para darle la forma actual. En ellos ya aparecía fijado el número y los nombres, así como alguna de sus interpretaciones simbólicas (las tres partes del mundo conocido: Arabia, Persia, Europa; las tres edades del hombre; el carácter divino, pero a la vez real y también humano de Cristo destacado por el incienso, el oro y la mirra, respectivamente)

 

  

Mosaico de San Apolinar. Siglo VI (Aunque con numerosas restauraciones). Rávena

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Three_Wise_Men

 

Como veis en esta obra bizantina (aunque en Italia) ya tenemos tres magos con sus nombres. Pero seguro que encontráis algún problema, ¿no? ¿No le faltan las coronas? ¿y los camellos? ¿y el rey negro? Tiempo al tiempo, que todo llegará.

 

Hasta casi el siglo X sólo se habla de magos; su carácter real viene condicionado por la propia historia. Y es que Federico de Barbarroja, Emperador del Sacro Imperio (actual Alemania) robó sus reliquias de su iglesia de Milán y las llevó hasta Colonia

 

  Desde entonces éstas se convirtieron en un motivo de peregrinaje que dejó numerosos beneficios a la ciudad y se vincularon a la imagen de los emperadores alemanes. De ahí sacaron su carácter real que ya nunca abandonarán, abandonando poco a su poco su conexión con las religiones precristianas. (La identificación entre estos Reyes y el poder fue sumamente frecuente en la Italia del Renacimiento, patrocinadas por las grandes familias, como los Medicci o los Pazzi)

 

Guirlandaio. Capilla Sasseti. Santa Trinitá. Florencia

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Sin embargo, el gran momento de recreación de sus figuras se dará en los siglos XII-XIV a partir de varias fuentes. Por una parte, dentro del teatro religioso, comenzaron a aparecer los conocidos Autos de los Reyes Magos. Eran pequeñas representaciones en los atrios de las iglesias que sirvieron para aumentar los detalles y dar una imagen más global de los personajes.

 

 

Giotto. Reyes Magos (Epifanía). Este pintor fue el primero en convertir la famosa estrella de la que hablan los evangelios en una especie de cometa (sobre el portal), tal y como nosotros conservamos en nuestras tradiciones

Tomado de http://elmesiasrio.blogcindario.com/2007/11/00047-artaban-el-cuarto-mago-de-oriente.html

 

Junto a ella, primero las cruzadas y más tarde el famoso libro De Marco Polo, llenó Europa de imágenes orientales, exóticas, normalmente unidas a la riqueza y el poder. De ellas arrancarán ya las típicas imágenes de los cortejos de los Reyes, ricos y fastuosos y en donde por primera vez aparecería ya el camello (en realidad dromedarios) íntimamente unido a ellos.

Todo ello fue finalmente organizado en la gran obra que marca la iconografía de la Baja Edad Media, la Leyenda Dorada de Vorágine.

 

 

Adoración de los Magos. Siglo XV. Estilo Gótico Internacional

Tomado de http://lineaserpentinata.blogspot.com/2008/12/benozzo-gozzoli-cortejo-de-los-reyes.html

 

Pero aún nos falta un punto especialmente importante, ¿y el rey negro? Existen varias hipótesis, aunque la más verosímil lo vincula todo con el fabuloso reino del Preste Juan. Una leyenda que fue creciendo en popularidad en el siglo XV y que situaba un reino cristiano más allá del mundo árabe, rico y culto. Su realidad era más prosaica, y se encontraba (como una pequeña comunidad) en las zonas de Etiopía y Somalia. Aparece así el rey negro y con él la inclusión de África entre los continentes conocidos, junto a Europa y Asia (Respecto a esto resulta curioso que tras el descubrimiento de América existen ciertas obras que intentan introducir un cuarto rey, el indio)

 

 

Epifanía. Memling (primitivo flamenco de finales del XV)

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Adoration_of_the_Magi

 

Y aún faltarían muchos más temas, como la famosa estrella de Belén, la cueva o el pesebre, el cuarto rey mago que partió solo y llegó tarde (Arbatán) que iremos desarrollando en otros post. Por el momento, si queréis saber más del tema, existe un magnífico libro de Franco Cardini, Los Reyes Magos, historia y leyenda.

 

Vicente Camarasa

 

 

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05/01/2009 12:42. sdelbiombo #. ICONOGRAFÍA Hay 3 comentarios.

ESCENAS MARROQUÍES I

 

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El capacho de sardinas ¿Pintoresco o pobre?

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La abstracción de una tela. Como si fuera Matisse

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La tristeza de los desiertos

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Oasis

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La fabricación del aceite de argán. Manos sabias

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Las barcas fauvistas

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Soledades del desierto

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La pesca colorida

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.Noche oriental

 

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Fútbol

 

AQUÍ TIENES SU SEGUNDA PARTE

 

Vicente Camarasa

 

(Estas fotografías se encuentran libres de derechos pero, por favor, citad la fuente y el autor si las utilizáis)

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06/01/2009 07:34. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 4 comentarios.

TENERIFE. SENDERISMO POR ENCIMA DE LAS NUBES

En su página del Caimán, Berthold ha publicado un artículo sobre una excursión por Tenerife que os puede venir muy bien para ver fotos sobre paisajes y vegetación de las zonas altas de la isla.

De paso, podéis descubrir su lado menos serio y, sobre todo, lo bien que puede llegar a escribir una persona que, para más dificultad, no tiene el castellano como su lengua materna

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06/01/2009 19:25. sdelbiombo #. Mirar el PAISAJE No hay comentarios. Comentar.

MAURICE RAVEL, COMPOSITOR FRANCÉS. (PRIMERA PARTE)

Cuando hablamos sobre un artista, ya sea músico, pintor o literato nuestro pensamiento de una manera casi inconsciente trata de asociarlo a un movimiento, estilo o grupo artístico. Ya se sabe que el ser humano adora las listas y clasificaciones de cualquier tipo que le ayuden a comprender mejor lo que cae entre sus manos.

En el caso de Maurice Ravel (1875-1937) esta tarea es imposible. A menudo se le mete en el mismo saco que a Claude Debussy (1862-1918) y se habla de él como un compositor impresionista. Otros hablan de él como un compositor puramente neoclásico. Ni lo uno ni lo otro. Aunque toma elementos propios de la estética impresionista como el empleo de los modos gregorianos, en su música no se produce la ruptura total con la tonalidad clásica que sucede en la de Debussy. Por otro lado, los neoclásicos del “grupo de los seis” consideraban su música demasiado voluptuosa y criticaban la sonoridad de sus obras, que ellos todavía asociaban a la de Debussy. Es lo que tiene estar entre dos generaciones de músicos tan dispares

 

Para acercarnos mejor a la personal música de este compositor hay que conocer un poco sus orígenes familiares. Por un lado, su padre, ingeniero suizo e hijo de relojero (para más inri) y por otro lado su madre, nacida en el País Vasco. Así al Ravel artesano, preciosista, meticuloso y pulcro (Stravinsky le apodaba el “relojero suizo”) que no escribía una nota de más en sus obras y que no publicaba hasta estar seguro al cien por cien de su trabajo (su producción es bastante escasa, acaso un puñado de obras maravillosas, como pequeñas joyitas) se le unía el Ravel exótico, sensual, el que busca la evocación de mundos de ensueño a través de su música (para la Francia de la época, España era entonces un país tan lejano, extraño y misterioso como para nosotros hoy puede ser Nepal). A través de éste artículo me gustaría introduciros un poco en su música a través de tres (o cuatro) obras orquestales suyas de gran importancia.

 

Bolero (1928)

Un experimento: tararear (hacedlo mentalmente si os da un poco de vergüenza escuchar vuestra voz) lo que sepáis de la 5º sinfonía de Beethoven o de la “Pequeña Serenata Nocturna” de Mozart, acaso dos de las obras más populares del repertorio clásico. Como mucho seréis capaces de recordar el tema principal de cada una de ellas (el: chan chan chan chaaaaaaaaan, chan chan chan chaaaaaaaan; y el: tariri, tariri, tariritó, torirá tarorá tarirete) pero el resto de los materiales seguramente no los recordaréis (a no ser que sean la sintonía de vuestro móvil) Si sois capaces de tararear la melodía del Bolero, no olvidáis nada, ya que toda la obra, en torno a 14 minutos de música (¡), está construida con el mismo material melódico.

 

¿Cómo es esto posible? Una de las grandes virtudes de Ravel, en la que es uno de los más grandes de la historia, es su capacidad de orquestación. Me explico.

Cuando el compositor compone, la mayoría de las veces, la música es pensada “en abstracto”, esto es, se imaginan las melodías, las armonías, ritmo, etc. Pero el timbre, es decir, la instrumentación que va a ejecutar tu composición es algo que se decide después. En muchos casos, como os demostraré después, las obras orquestales nacen de obras para piano, que sirven de boceto a la orquestación posterior. Ravel es un verdadero mago en este campo y domina a la perfección los recursos tímbricos de la orquesta como para ser capaz de edificar una obra tan extensa con los recursos mínimos, solo jugando con la instrumentación.

 

El tema único, compuesto de dos frases (que llamaremos A y B) va pasando de un instrumento a otro, mientras la cuerda acompaña con pizzicatos (pulsar la cuerda sin el arco, como si se tratase de una guitarra) y el tambor mantiene el ritmo de bolero. Toda la obra se organiza a través de un crescendo gradual, de escalón en escalón, conseguido mediante la adición de instrumentos. La versión que os propongo escuchar podéis seguirla con esta pequeña guía que os ayudará a reconocer los diversos instrumentos (hay instrumentos propios de la orquesta como flautas, oboes, clarinetes y otros “invitados” como los saxofones). Notad cómo la melodía A, ondulante, sugerente y evocadora cambia de color (que es en definitiva de lo que se trata) según pasa de un instrumento a otro y qué instrumentos emplea para B, más provocadora y canalla que A. Las primeras apariciones del tema se realizan mediante instrumentos solistas, pero poco a poco la obra se va “coloreando” con otros instrumentos que doblan el acompañamiento o la propia melodía, consiguiendo generar timbres artificiales mediante la suma de instrumentos de distintas familias.

 

Vídeos del Bolero (son dos partes)

http://es.youtube.com/watch?v=S2q-gWMAGjw

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http://es.youtube.com/watch?v=MP3qwZxm7p4&feature=related

 

 

A1 flauta travesera (empleada en el registro medio, que es más cálido), A2 clarinete, B1 fagot (en el registro agudo del instrumento, donde suena más incisivo y menos cálido), B2 requinto (clarinete más pequeño y agudo que el usual).

 

A3 oboe de amor (tipo de oboe más grave que el usual. Fijaros en la actitud del director Barenboim y en sus gestos mínimos: la música camina ella sola y no necesita los gestos afectados que otros directores emplean), A4 trompeta con sordina (añadido en la campana del instrumento que “apaga” el sonido) doblada por la flauta (poco a poco la música crece en intensidad y Ravel emplea mezclas de instrumentos), B3 saxofón tenor (instrumento “invitado”. Fijaros cómo emplea los saxos para B, realzando el carácter canalla de esta melodía), B4 saxofón soprano (por analogía con el requinto)

 

A5 trompa, celesta y flautín (auténtica amalgama: la trompa, de viento metal; el flautín, de viento madera y la celesta, instrumento similar al piano pero en el que se golpean varillas de metal que producen un sonido muy agudo), A6 oboe y corno inglés (instrumento de la familia del oboe, más grave que éste y de sonido más aterciopelado),  B5 trombón (fijaros en los glissandos, que volverán al final de la obra), B6 todas las maderas (flautas, oboes, clarinetes y fagotes, sale a relucir el carácter más oriental de la obra. Momento desfile persa total, casi se ven los elefantes).

 

A7 violines primeros (¡por fin la cuerda!), A8 violines primeros y segundos con los instrumentos de viento madera, B7, B8, A9 y B9 son secciones de tutti instrumental siempre en crescendo. En torno al minuto 7.35 del segundo vídeo, se produce la única modulación de la obra: todo estaba en Do Mayor y pasamos a Mi Mayor durante un breve instante, como si se produjera una gran desafinación en toda la orquesta, que le concede brillantez a la sección final. En 7.58 volvemos al Do Mayor de toda la obra para acabar en un tremendo caos (escuchad los glissandi de los trombones y las percusiones “escacharradas”, una pequeña nota de ironía del compositor) y el redoble final.

 Puedes  a la segunda parte. Ravel. La Valse y a la tercera parte. Ravel. Concierto para piano 1931

Rafael Gordillo

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ENLACES PARA CLIMOGRAMAS

JV ha puesto en su blog enlaces sobre climas y climogramas que os pueden resultar muy interesantes para el tema del Clima que estamos trabajando.

También climogramas para repasar y una forma de analizarlos en este artículo de Geobiombo

 

10/01/2009 12:06. sdelbiombo #. Mirar el PAISAJE No hay comentarios. Comentar.

LA GRAN NEVADA

 

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Vicente Camarasa

10/01/2009 13:29. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 6 comentarios.

MAURICE RAVEL, COMPOSITOR FRANCÉS. (SEGUNDA PARTE) La Valse

Puedes acceder a la primera parte. Ravel. El Bolero 

Danubio azul:

http://es.youtube.com/watch?v=e4rUaITuXSg&feature=related

 

Digamos que el tempo de vals en Ravel siempre ha ejercido un magnetismo difícil de explicar. El ritmo del vals, no del todo regular, ya que la tercera parte es un poco más amplia, dando la sensación de que el ritmo “cojea” levemente (pun chim chiiim, pun chim chiiim), unido a las connotaciones propias de un estilo completamente pasado de moda (los valses de la familia Strauss que se interpretan en el famoso concierto de Año Nuevo en Viena se habían compuesto e interpretado durante gran parte del siglo XIX en Viena, ciudad que históricamente rivalizaba con París por la hegemonía cultural) seguramente encantaban a Ravel, tan amante de lo exótico (en el espacio y en el tiempo) y de los retos.

 

Cuando rondaba los 25 años de edad, se presentó al Concurso de Roma, organizado por el conservatorio de París, donde estudiaba Ravel, y que premiaba con una beca para estudiar en la Villa Médici de Roma durante 3 años. Las pruebas del concurso eran francamente duras. Los aspirantes eran encerrados literalmente en un recinto donde debían entregarse a un trabajo de composición académica durante 15 días, aislados del exterior y realizando sus comidas en común bajo la tutela de unos guardianes. Pasaban a la fase final 6 aspirantes que volvían a ser internados en las mismas condiciones  para componer una cantata (obra para coro y orquesta de tema generalmente religioso). Ravel pasó sin dificultad a la fase final (recordad su gusto por la ingeniería, mientras los demás compañeros odiaban el trabajo escolástico, Ravel se sentía perfectamente a gusto con él) y no ganó precisamente por componer la cantata en ritmo de vals. Para el jurado, formado por profesores del conservatorio completamente conservadores significó un insulto el hecho de atreverse a componer una obra religiosa en ese ritmo.

 

Desde aproximadamente 1906 Ravel albergaba la idea de componer una gran obra sinfónica, titulada Viena, poema sinfónico, como un homenaje a Johann Strauss. En una carta a un amigo escribió “Ya conoces mi profunda simpatía por esos maravillosos ritmos, y que valoro la joie de vivre (alegría de vivir) que expresa la danza (...)”.

 

Por lo pronto, en su suite inspirada en cuentos para niños Ma Mère l´Oye (Mi Madre la Oca) ya nos había legado un maravilloso vals que describe las conversaciones entre la Bella y la Bestia.

 

-Mi madre la oca:

 http://es.youtube.com/watch?v=xSjPDgSx6wM&feature=related

 

Sin embargo, el claro ejemplo anterior a La Valse de la atracción de Ravel por el vals (y no sólo por la elegancia de este ritmo, sino por las connotaciones de decadencia y de algo pasado de moda, a la vez que el componente hedonista, exuberante y dionisíaco que expresa la danza) es su obra titulada Valses Nobles y Sentimentales, de la que os propongo escuchar el primer movimiento.

 

Valses nobles y sentimentales (1º mov):

http://es.youtube.com/watch?v=enTY_KoITDA

 

Fijaros cómo se mezclan a la vez las líneas melódicas elegantes con las disonancias que le dan el carácter fatal que Ravel siente también propio del vals.

 

Como ya os digo, Ravel proyectaba escribir la obra desde 1906. Sin embargo, no fue hasta pasada la Gran Guerra, en la que Ravel participó como camionero, cuando, tras la muerte de su madre, compuso La Valse a modo de terapia para salir de la depresión en que se hallaba sumido.

 

La Valse es del tipo de obras denominadas “poemas sinfónicos”, o la llamada “música programática”, esto es, música basada en un argumento literario: “Torbellinos de nubes dejan entrever a través de sus claros las parejas de bailarines. Se disipan poco a poco y aparece una sala inmensa poblada por una muchedumbre que gira incesantemente” Además Ravel había dicho sobre su obra: “Concebí la obra como una suerte de apoteosis del vals vienés, al que se mezcla en mi espíritu, la impresión de un remolino fantástico y fatal” Grosso modo, dos partes forman la obra, dos grandes crescendos. El primero conserva en el vals su ritmo vienés, fresco, insinuante y sensual. Por el contrario, el segundo da entrada a un elemento, por así decirlo, diabólico, que orienta en el sentido de la tragedia a una obra que se anunciaba sonriente.

 

 

-La valse (version de piano, son dos partes:

(1) http://es.youtube.com/watch?v=l2_IlVXQp60
(2) http://es.youtube.com/watch?v=kdaU-_vFH3g&feature=related

 

Versión de orquesta, son dos partes:

(1) http://es.youtube.com/watch?v=MmboDwY7Sas&feature=related

(2) http://es.youtube.com/watch?v=TGn5hZYis6s&feature=related

 

Puedes acceder a la tercera parte. Ravel. Concierto para piano 1931

Rafael Gordillo

11/01/2009 18:50. sdelbiombo #. APRENDAMOS A ESCUCHAR No hay comentarios. Comentar.

EL DESIERTO ARENOSO. EL ERG CHEBBI. MERZOUGA

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Un polvo tan fino como la harina, rojizo, que se escurre entre los dedos como recuerdos antiguos. Millones de años de erosión implacable han sido necesarios para crear estos pequeños moviditos  nacidos de la ruptura de las grandes rocas volcánicas que una vez vivieron allí

 

Es un paisaje siempre distinto y siempre igual a sí mismo. Unas pocas horas, una tormenta de viento es suficiente para tumbar y reconstruir estas montañas frágiles de más de cien metros de altura.

Ellas se amontonan en un mar sin agua formando grandes conjuntos (ergs), con un viento que clasifica los granos, dejando en el fondo de las depresiones la arena volcánica más gruesa, las plantas de largas raíces que buscan el agua con desesperación.

 

 

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Y el hombre, tan pequeño, se adapta a la miseria y crea pequeñas tiendas (jaimas)

 

 

 

hechas con las pieles de los propios camellos que le sirven para navegar sin rumbo,

 

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y excavan enormes pozos buscando el agua

 

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Durante el día los colores cambian durante el día sin cesar

 

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pero al caer la tarde

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todavía queda un regalo más: la noche estrellada. Un mosaico reluciente en donde el cielo se entiende curvo, tan plagado de tan estrellas que un vértigo momentaneo te fascina… Muchas de esas mismas estrellas que ahora ves hace milenios que dejaron de existir y sólo es su luz la que sobrevive.

 

Si quieres saber más cosas del desierto (clima, fauna y flora, habitantes…) entra en este artículo

También puedes saber más cosas y ver fotos en

 http://vicentecamarasa.wordpress.com/2009/02/14/el-desierto-pedregoso-hamada

 

Vicente Camarasa

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12/01/2009 18:55. sdelbiombo #. Mirar el PAISAJE Hay 6 comentarios.

MÁS NIEVE , AHORA DE COLOR

Por fin hemos conseguido que Melinda nos dé permiso para publicar algunas de sus fotos.

Los que la conocéis ya os imaginaréis todas las excusas que pudo poner para no mandarlas (que si son muy malas…, muy normalitas…, que si no merecen la pena…)

Pero a mi me encantan. Me gusta la soledad de la fuente bajo el frío, el puente que se vuelve bellamente angustioso, los trenes dibujando sus caminos en el manto blanco, o los cristales sobre las ramas. Pero sobre todo me fascina la última, sus luces inquietantes (prometo que casi no la he retocado el color, sólo lo he saturado un poco, nada más). Parece un Van Gogh inicial, aún impresionista en sus sombras violetas, con ese árbol torturado que se corta en la parte superior. Todo respira un silencio inquieto

 

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12/01/2009 22:38. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 5 comentarios.

CINCO GOYAS PARA OBTENER POSITIVOS

Como os comenté esta mañana cuelgo 5 obras de Goya con dos objetivos: que podáis repasar para el próximo examen (pues se encuentran representados los principales periodos del autor) y, de paso, sacaros un positivo extra.

Se trata de que PINCHÉIS EN COMENTAR Y PONGAÍS UN MENSAJE en el que identifiquéis la etapa de alguno de ellos, justificando las causas que os llevan a adjudicarlo a ese periodo (no olvidéis añadir el número de la imagen y vuestro nombre)

Todas las adjudicaciones correctas (y justificadas con varias razones) tendrán un positivo, aunque, evidentemente, no se tendrán en cuenta a las que repitan los comentarios ya hechos (por lo menos habréis de añadir una razón nueva para que se admitan). Esta noche borraré las que no sean correctas para que no os equivoquéis, pues leyendo los comentarios de vuestros companeros también podréis repasar.

Vamos a ver qué sale

 

IMAGEN 1

IMAGEN 2

IMAGEN 3

IMAGEN 4

IMAGEN 5

 

Las imágenes 1, 3 y 5 tomadas de wikipedia

Las imágenes 2 y 4 tomadas de http://goya.unizar.es

13/01/2009 17:53. sdelbiombo #. GOYA Hay 4 comentarios.

EL AQUELARRE DE GOYA COMENTADO

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_Aquelarre

 

TEMA. El cuadro representa, como su propio nombre indica, un aquelarre (reunión o invocación al demonio) en el que bastantes brujas rinden culto a éste, situado a la izquierda del cuadro.

COMPOSICIÓN. Es simétrica ya que están sentadas en círculo (composición similar a La gallinita ciega).

Podríamos decir que el centro de esta composición lo forma la mujer del pañuelo blanco a cutos lados se encuentra el demonio el cual destaca en la escena por su tamaño y su enorme mancha negra) y una mujer sentada en la silla (el retrato de Leocadia, amante de Goya, no demasiado favorecida al encontrarse junto a las brujas.

LÍNEA Y COLOR. Como en la mayoría de sus pinturas negras, Goya, utiliza una paleta sucia (varios colores mezclados con negro). La pincelada es muy suelta, pero en algunas figuras Goya realiza el contorno con líneas bastante finas, como por ejemplo la figura de la izquierda. Todo esto hace crear una escena de terror, macabra.

LUZ. Es expresiva, da fuerza, energía a la imagen, y se centra en las figuras de delante, donde tiene mayor movimiento la escena. Nos permite ver con mucho realismo en la escena y percibir el morbo de la situación junto con el hecho tan tenebroso que representa una invocación al diablo. Se utilizan fuertes claroscuros, como el pañuelo de la bruja sentada en la silla.

PERSPECTIVA. Es aérea, ya que a las brujas que están situadas más lejos su rostro no se puede distinguir del todo bien, en cambio en las de delante sí, aunque (como ya decíamos) le interesa sobre todo el primer plano

FIGURAS. Los rostros de las brujas están deformados (quizá Goya nos quiso hacer ver la típica imagen de bruja como alguien monstruoso y malévolo). Éstas, rindiendo culto al demonio, muestran su atención puesta en el demonio y a la bruja de la silla. Además de un espectáculo tenebroso; al parecer, Goya nos intenta hacer ver una iniciación diabólica entre ambos. Las figuras están muy juntas y no hay espacio visible entre ellas, por ello nos da la sensación de que son bastantes brujas observando el espectáculo, lo cual es una verdadera novedad, crear un efecto de masa, no de figuras juntas.

 

COMENTARIO.

Goya realizó este cuadro entre 1819 y 1823, y fue parte de la decoración de su casa, la llamada Quinta del sordo.

Ya pasada su época en la que retrataba con entusiasmo y alegría (cartones para tapices, primeros retratos), una serie de sucesos personales (se queda sordo tras superar una enfermedad, lo que supone un gran cambio para el pintor tanto en lo personal como en lo artístico, la posterior guerra de independencia) inicia una nueva fase en la que se dedica a pintar sus famosas pinturas negras

Este cuadro, perteneciente a las pinturas negras, tiene mucho que ver con alguno de los caprichos (grabados realizados con un punzón sobre una plancha y pasados a tinta posteriormente) que éste mismo realizó. Ambos representan temas terroríficos, reuniones con el demonio y la brujería, temas de supersticiones populares heredadas a lo largo de los siglos.

Esta visión de lo terrible, del mundo de las emociones y los miedos, la heredarán los pintores románticos.

 

Por cierto, si quieres saber más de los Aquelarres en los que se inspiró Goya, entra aquí

 

 

Marta Martínez (4º ESO A. SIES Campo Real, La Poveda)

 

GOYA BÁSICO

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14/01/2009 15:16. sdelbiombo #. GOYA Hay 2 comentarios.

COMO SI FUERAN MANDALAS

En clase de plástica, con Ana, los alumnos de 4º ESO A realizaron una serie de ejercicios de dibujo técnico que, en realidad, pueden funcionar perfectamente como mandalas, dibujos para la concentración que se utilizan en la filosofía zen para alejarse del mundo y descubrirse a uno mismo.

 

Noelia Díaz

 

 

Sonia Martin

 

 

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Noelia Sanz

 

Sara Gómez

 

Ismael Sánchez

 

Elena Gómez

 

 

Adriana Baraín

 

Gemma Pastor

 

Vicente camarasa

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15/01/2009 15:25. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 1 comentario.

MAURICE RAVEL, COMPOSITOR FRANCÉS. (TERCERA PARTE) Conciertos para piano (1931)

 

Puedes acceder a la primera parte. Ravel. El Bolero y a la segunda parte. Ravel. La Valse

a la tercera parte. Ravel. Concierto para piano 1931

 

 

Componer un concierto para piano y orquesta es algo así como escribir una pieza de teatro en tres actos con muchos personajes y un solo protagonista. Ravel, artesano meticuloso, solo se vio seguro de componer un concierto para piano hacia el final de su carrera, cuando se sabía completamente dominador de toda su técnica compositiva.

 

Desde 1918 con la muerte de Debussy, Ravel era considerado el compositor francés vivo más importante. Su fama, ya inmensa, aumentó si cabe debido a la composición de su obra más famosa, el Bolero, por lo que fue contratado para realizar una gira de conciertos por Estados Unidos para interpretar y dirigir su propia música. En ese tiempo, conoció entre otras personalidades, a George Gershwin, compositor estadounidense cuya música estaba enormemente influida por el jazz. Al regreso de su gira, comenzará la composición de su Concierto en Sol dejándose influir por la frescura del jazz y por la claridad estilística del neoclasicismo.

 

Preludio de Gershwin:

 http://es.youtube.com/watch?v=qKo9czgSAtA

 

El primer y el tercer movimiento de dicho concierto buscan el virtuosismo brillante propio de un concierto de solista, mientras que el segundo movimiento, una de las páginas más conocidas de Ravel, es famoso por su intimismo y lirismo.

 

Concierto en sol: mov 1:

 http://es.youtube.com/watch?v=H78Sj3pTg_o

mov 2:

 http://es.youtube.com/watch?v=NPQKINSB2W0&feature=related

 mov 3: 

http://es.youtube.com/watch?v=o9pMtmE6clM&feature=related

Y si componer un concierto para piano es complicado, componer dos a la vez, es tarea al alcance de muy pocos. En los días que comenzó a componer el Concierto en Sol, el pianista austriaco Paul Wittgenstein (hermano del filósofo), que había perdido la mano derecha durante la guerra, pidió a Ravel que compusiera un Concierto para la mano izquierda, tarea que Ravel asumió gustosamente (ya hemos hablado del gusto de Ravel por la resolución de grandes retos). El problema de componer un concierto para la mano izquierda es precisamente conseguir en la escritura pianística que no se note el hecho de que el piano se toca solamente con una mano, por lo que debéis imaginar la dificultad que entraña la partitura. Elaborado en un solo movimiento al estilo de un poema sinfónico, el carácter de esta obra es más profundo que el del Concierto en Sol. Ravel deja entrever sus recuerdos de la guerra, compartidos con los del intérprete, así como la angustia por los primeros síntomas de la enfermedad mental que empiezan a asomar en estos años y que progresivamente limitará sus facultades. En efecto, los dos conciertos, publicados en 1931, serían la antepenúltima y penúltima obra escrita por el autor, que poco a poco caería en un estado semi-vegetativo que le impedirá componer desde 1932 hasta su muerte en 1937.

 

-Concierto mano izquierda (son dos partes):

 http://es.youtube.com/watch?v=9k75oGTJ-fU


http://es.youtube.com/watch?v=9PdadK2U6AI&feature=related

Rafael Gordillo.

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MATISSE. LA PINTURA COMO UN SILLÓN PARA LA MIRADA

 

La alegría de vivir

Tomado de http://todoelarte.blogspot.com/2006/07/la-alegra-de-vivir.html

 

Normalmente solemos asociar el nombre de Matisse con el color saturado, intenso. Esto, con ser cierto, no es del todo justo, pues la pintura de Matisse va mucho más allá de un colorido muy fuerte. De hecho, e igual que le ocurre a Picasso (su gran rival, ídolo y enemigo a la vez), Matisse fue uno de los últimos grandes clásicos que, tras las primeras rupturas, muy pronto enfocó su arte hacia la armonía. Casi un griego.

Estas palabras pueden sonar extrañas, pero a mi juicio son las verdaderas. El propio autor así lo declaró en numerosas ocasiones.

 Lo que sueño es un arte de equilibrio, de pureza, de tranquilidad, sin asunto inquietante o preocupante, que sea para todo trabajador o intelectual un lenitivo, un calmante cerebral, algo análogo a un buen sillón en que descanse de sus fatigas físicas

(Matisse)

Fidias podría haber firmado estas últimas palabras, ¿no es cierto? Y Leonardo. O Rafael. Todo el clasicismo quiso hacer del arte un lugar de equilibrio, un verdadero sillón para la mirada, y si los antiguos recurrieron al gesto suave, compensado, a la composición triangular, al contraposto o a la armonía cromática, la genialidad de Matisse fue llegar al mismo lugar por medios radicalmente distintos.

 

Mujer con raya verde

Tomada de wikipedia

El primero de ellos fue el color. Su independencia de la realidad ya se había producido a finales del XIX, especialmente en Gauguin y su Visión sobre el sermón. El rojo fulgurante superior junto a un enfoque original había dejado evidente que a partir de ese momento el color funcionaría por sí mismo. Un color fisiológico. Una pura sensación que renunciaba a las sombras y los matices para llenar los ojos del espectador.

 

 

Paul Gauguin.

Tomado de wikipedia

 Matisse comprendió rápidamente esta lección, pero la llevó mucho más allá y comenzó a utilizar el color para generar espacio (perspectiva cromática, pues los fríos como el verde o azul alejan y los cálidos como el rojo o el amarillo acercan, como se puede ver en la famosa Habitación Roja)

  

La habitación roja

Tomado de http://fauvismosigloxx.wordpress.com/imagenes

 Investigó el color y (aunque sin las resonancias místicas de Kandinsky), encontró en él la forma de expresar sensaciones, especialmente en las distintas relaciones que establecían entre ellos y con otras artes.

Sinestesia; ésa fue una de las palabras de moda en el cambio del siglo. Entremezclar artes (como nos contará Rafa en sus post sobre la música en el principio del XX) y en este caso pintar como si fuera música, los colores como notas de música que componen una canción para los ojos. A partir de entonces, ya no es necesario fijarse en el detalle, sino dejarse llevar por el ritmo cromático de los lienzos, dejar que los ojos bailen en ellos. Miradlo en este cuadro.

  

La danza

Tomada de enseñarte

 Si quieres saber más de este cuadro entra en http://www.razonypalabra.org.mx/espub/2005/julio.html

 Las figuras se mueven, se ondulan sobre el fondo frío, bajo el ritmo de una melodía cada vez más rápida. A mi siempre me ha recordado al famoso Bolero de Ravel, igual que en él, el tema principal de posee poco a poco hasta terminar por ser un torbellino del que no puedes bajar.

El efecto es producido por ese rojo intenso y su gran forma elíptica (pero a la vez ondulada) que vibra constantemente sobre el fondo frío (y a la vez también ondulante, como una segunda voz dentro del cuadro)

Es, por tanto el color, pero también la línea la que consigue estas sensaciones. Y es esto lo que se suele olvidar muy a menudo en la obra de Matisse. Su capacidad cromática siempre ha dejado al dibujo en un segundo plano, pero quizás haya sido el pintor del siglo XX (de nuevo junto a Picasso) que mejor haya dibujado, especialmente la curva.

  

Tomado de http://www.aulafacil.com/dibujo/curso/Lecc-2.htm

 Sus cuadros nos invitan a deslizarnos en sus ondulaciones que Matisse recogió de su estancia en Marruecos, fascinado por el arte islámico.

El arabesco, la línea que se enlaza, anuda, se ralentiza para luego volver a expandirse en un juego infinito que el pintor cada vez fue utilizando más, especialmente en sus famosas odaliscas, un verdadero concierto a muchas voces en donde podemos escuchar los movimientos de varios arabescos moviéndose a un tiempo.

 

 Figura femenina sobre fondo decorativo 

 

 A dibujo y color se irá uniendo poco a poco una cada vez mayor influencia del arte oriental no en sus detalles sino en su despojamiento. Matisse irá poco a poco comprendiendo que lo menos es más, e irá eliminando detalles. Sólo hace falta comparar la anterior odalisca con este Desnudo Rosa para darse cuenta del proceso

  

 Desnudo en rosa

Tomado de http://stillalive.ch/blog/?m=200705

 El cuadro es sencillamente genial. Como un puzzle gigantesco, todas las piezas encajan, y el rosa y las curvas voluptuosas han conseguido una feminidad tan sensual como pudo hacer Velázquez en su Venus del Espejo o Delacroix en su Muerte de Sardanápalo.

La mujer se ha reducido a su esencia (el famoso chi oriental), tomando todo el espacio que se rellena con un fuerte azul que vira hacia el negro y una cuadrícula (masculina?), tan humana en su imperfección. (¿No os recuerda este último párrafo al famoso yin-yang oriental en donde los masculino y femenino se unen, interceptan y se necesitan)

Mujer en azul

Tomada de https://xgfk12din.wordpress.com/m3/

 En sus últimos años Matisse dará un paso más en sus papeles recortados y su serie jazz, pero eso tendrá que esperar un poco, por ahora disfrutar con los sentidos (oyendo esta pintura como las músicas que nos propone Rafa) los colores más bellos del mundo, una verdadero festín para los ojos. Pues Matisse no nos pide nada más que eso, que nuestra mente repose y disfrute en sus cuadros como si fuera un sillón para la mirada.

Tomado de Gredos San Diego

 Podéis encontrar cuadros suyos en

http://www.famousartistsgallery.com/gallery/matisse-jl.html

 Para saber más

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/matisse/index.html (Artículo muy completo)

 

Vicente Camarasa

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LAS VACAS DE MADRID, ¿ARTE O ENTRETENIMIENTO?

La noche del viernes quedé con unos amigos para ver una película y, yendo hacia el cine me encontré con las famosas vacas (el cowparade) que llevan más de 10 años dando vueltas por el mundo. Luego, el sábado me las volví a encontrar rodeadas de decenas de curiosos que las fotografiaban

Yo también les hice fotos, por supuesto, pero mientras las hacía me preguntaba en qué parte del blog debería ponerlas, en esta de arte urbano o en la de horrores floridos dedicada al arte kitsch.

 

 

Y es que, por mucho que se nos venda la moto, esto de arte tiene bastante poco. Es un entretenimiento público, una pequeña anécdota, un poquito de circo posmoderno. Algo divertido, cierto, pero ya está.

Y es que el arte (a mi juicio, por supuesto) debe conmovernos, darnos una nueva visión de la realidad, obligarnos a replantearnos cosas, y me parece que nada de esto consiguen las vacas puestas (además) en rebaños, que apenas si sirven para jugar un poquito con la cámara, pues ni siquiera se puede obtener una buena foto de la vaca en lalación con los monumentos que la rodean (por lo menos las que he visto).

 

 

Y es que todo este montaje me parece algo demasiado manido. Como un chiste demasiadas veces repetidos que ya ha perdido su gracia a fuerza de contarlo. Tal vez al que nunca las haya visto le puedan sorprender y disfrutará con esta inocente disrupción de una vaca fotocopiada en la ciudad

 

 

De todas formas, y pese a lo dicho, he encontrado algunas cosas que sí me han interesado. Me ha gustado el diseño de una vaca en la plaza de Santa Ana

 

 

Pero sobre todo la que (a mi juicio) sí que merece verdaderamente la pena es una vaca rara y simpática, diseñada por un niño de 7 años que me encontré muy cerca de Cibeles.

 

 

.

 

Obras como ésta te demuestran (una vez más) que el arte no es una cosa de unos pocos elegidos, sino que vive en nosotros y sólo deberíamos aprender a sacarlo fuera, sin prejuicios

Prometo seguir investigando en estas vacas por si logro encontrar algún nuevo tesoro oculto en ellas.

 

Si queréis ver más cuestiones del proyecto, saber su historia o encontrar un plano de localización bovina lo tenéis todo en

http://www.cowparademadrid.com/tabid/509/Default.aspx

(Por cierto, si queréis podemos ir ampliando este artículo con vuestras fotos y comentarios. Mandádmelos al mail si queréis que los publiquemos)

 

Vicente Camarasa

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18/01/2009 09:44. sdelbiombo #. Arte urbano Hay 1 comentario.

EL CINE INCUMPLIDO DE SALVADOR DALÍ

 

Decorados de Recuerda de Hitchcock, por Dalí

Tomado de http://mural.uv.es

 

Además de las colaboraciones que hizo con Buñuel en los años veinte (el famoso Perro Andaluz  sería la obra paradigmática), Dalí se sintió siempre interesado por el mundo del cine y en su autoexilio estadounidense colaboró con Hitchcock (los decorados de Recuerda), Walt Disney o los Hermanos Marx

En su blog, María nos habla de las dos últimas, que nunca llegaron a culminarse por completo. Son los sueños que se hacen realidad

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE DALÍ

 

 

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18/01/2009 13:18. sdelbiombo #. Dada y Surrealismo No hay comentarios. Comentar.

LOS SECRETOS GEOMÉTRICOS DE LOS AZULEJOS DE LA ALHAMBRA

 

 

 

 

Alicatados de la Alhambra. Cuarto Dorado

 

Recojo del blog de JV un magnífico video de You Tube en donde se habla de las relaciones matemáticas que se producen en los azulejos de la Alhambra

 

http://www.youtube.com/watch?v=oNnK28Eqmj8

 

Otro tema distinto es qué significan estas fórmulas matemáticas, si son simplemente un método para cubrir superficies o enseñan algo, tienen su propio mensaje.

El tema crea numerosas polémicas entre los investigadores. Oleg Grabar habla de formas esencialmente decorativas que crean un entorno en donde se trastocan las formas perceptivas habituales (un juego de positivo negativo que puede cambiarse en cualquier momento que provoca una sensación de inestabilidad, de fugacidad, de cambio en el espectador).

Otros como  Lomba o Vilches relacionan esta geometría con la música (que en el fondo es pura matemática) y buscan sus antecedentes en las tradiciones pitagóricas recogidas en el ambiente helenístico de Damasco en tiempo de los Omeyas (siglo VII-VIII). Según estos autores la decoración geométrica generaría una especie de ritmos interiores (un tan tan continuo) al que la contempla (el que la contempla, no el que la mira apresuradamente) que transmitiría una sensación de paz y, en último extremo sería el trampolín para meditaciones superiores.

MarÇais o Titus Burckhardt coincide en esta idea y la conecta con las prácticas sufíes en donde la danza rítmica (los derviches), o la salmodia (recitación) del Corán son técnicas utilizadas por los para alcanzar la iluminación (el llamado tafarruy, algo muy semejante a lo que ya hablábamos en el zen o la mística)

 

Si queréis saber más datos concretos de las investigaciones matemáticas en la Alhambra de Pérez Gómez podéis consultar

http://divulgamat.ehu.es/weborriak/TestuakOnLine/HasierakoIkasgaiak/RafaelPerezFMA2004.pdf

 

Vicente Camarasa

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18/01/2009 20:29. sdelbiombo #. Al Andalus Hay 3 comentarios.

LA VIDA COTIDIANA DE UN MONASTERIO MEDIEVAL

 

 

 Tomado profesoradoreligion.blogspot.com.es

San Benito (480-547), al establecer su famosa regla , creó el modelo que se repitiría durante toda la Edad Media e influyó decisivamente en la evolución de la arquitectura románica (Cluny) y gótica (Císter).

Como idea general, San Benito organizará toda la vida de la comunidad en torno a unas horas (por ello se denomina la liturgia de las horas) en las que realizar los rezos comunes, dividiendo así el día en distintos fragmentos de tiempo que se ocupaban en trabajos manuales e intelectuales (el famoso ora et labora, reza y trabaja).

 

Aquí tienes un pequeño video que lo explica 

 

Los monjes se levantaban muy temprano, antes de amanecer y, se preparaban para la primera oración del día, las Vigilias.

Como el resto de las oraciones eran comunes, hechas en el coro (espacio junto al altar con un grupo de sillas fijas, llamada sillería).

 

 

Sillería gótica del convento Santo Tomás. Ávila

Tomado de http://www.arteguias.com/monasterio/realmonasteriosantotomasavila.htm

 

En ellas se leían y cantaban ciertas partes de la Biblia y otros cantos (antífonas, himnos…), escritos en latín, la lengua oficial de la Iglesia. Estos son los famosos cantos gregorianos que aún se siguen realizando en algunos monasterios, como el de Silos, en Burgos. (Aquí puedes saber más de ellos y escuchar algunos)

  

Tras ello los monjes se aseaban en las letrinas que tenían muchos monasterios (con agua del río cercano) y se volvía a la iglesia, pues apenas una hora después de Vígilias, empezaban los Laudes (una nueva oración)


  

Fuente para el aseo. Monasterio de Poblet. Cister

Tomado de www.urbipedia.org

 

Comenzaba entonces realmente el día, con una hora y media para el trabajo, volviéndose a rezar hora y media después. La hora Tercia, normalmente utilizada para oficiar misa.

Hasta la una de la tarde, los monjes se ocupaban entonces del propio huerto (que servía para su autoconsumo) o se encerraban en el scriptorium o biblioteca, lleno de atriles

 

 

Scriptorium y atriles del monasterio Alcobaça. Portugal

 

En esta habitación se copiaban libros prestados por otros monasterios. Se hacía sobre pergamino (piel de cordero), utilizando distintos colores de tinta en las que se mojaban plumas de ave. El trabajo era minucioso y lento, pues no debían equivocarse y se copiaban también (o se creaban otros nuevos) los dibujos o iluminaciones que correspondían al texto.

En estos scriptorium no sólo se copiaban libros religiosos, sino también obras greco-romanas, y gracias a ellos se salvaron muchos libros de la antigüedad

(Entra aquí para ver una pequeña escena de la película El Nombre de la Rosa en la que verás cómo es un scriptorium y cómo se trabaja en él)

 

 

Manuscrito con iluminaciones. Gótico

Tomado de wikipedia.org

 

Los monjes volvían a reunirse para rezar junto en la hora Sexta (en torno a la 13.20), tras la cual iban a comer.

La comida también era común, en una habitación llamada refectorio. En ella se colocaban largas mesas en donde los monjes lo hacían en completo silencio, pues uno de ellos (por turno) leía desde el púlpito la Regla o la Biblia.

 

 

 

Refectorio de Santa María de Huerta. Císter

Tomado de wikipedia.org

 

 

Púlpito de Santa María de Huerta. Císter.

 

El menú era bastante monótono, aunque sano. Normalmente se comían verduras y hortalizas cocidas en una gran olla y aderezadas con un trozo de tocino o manteca. Se les daba también a los monjes un trozo de pan y un cuartillo de vino. La carne se reservaba para los domingos y celebraciones especiales, al igual que el pescado (algunos monasterios llegaron a tener sus propias albercas en donde se criaban peces).

Puedes saber más cosas de su comida aquí

 

 

Cillería de Tomar (Almacén de alimentos)

 

Evidentemente los monjes no se echaban la siesta, sino que volvían de nuevo a rezar conjuntamente en la hora Nona (sobre las tres), para después seguir con su trabajo encomendado.

Además del huerto o el scriptorium los monjes se dedicaban a otros trabajos, como el de la botica. En los principales monasterios existía una botica o farmacia en donde se realizaban fórmulas magistrales (medicinas hechas con hierbas) para la comunidad y los pueblos cercanos. Muchas de estas fórmulas venían del mundo romano o se aprendieron de los musulmanes y judíos (aunque existían numerosas supersticiones, como creer que el cuerno de rinoceronte, que ellos creían que era el famoso unicornio, era un antídoto contra el veneno)

 

Botica del monasterio de Samos

Tomado de memoria de Samos

.

Antes de la nueva oración se reunía toda la comunidad en la llamada Sala Capitular, leyéndose en ella un capítulo de la Regla de San Benito. En esta reunión el abad (aquel que gobernaba el monasterio) informaba sobre cuestiones cotidianas, se hacían confesiones públicas de los pecados y se castigaba a los monjes que hubieses cometido alguna falta (faltar a algún rezo, hablar durante la comida, discutir con un hermano…)

 

 

Sala Capitular monasterio Caracedo. León

Tomada de http://www.celtiberia.net/verimg.asp?id=8157

 

Tras un rato de tiempo libre en el que los monjes podían charlar, pasear por el claustro, rezar particularmente…, de nuevo a la iglesia para oficiar las Vísperas (19 h), cenar (20 h) y, antes de dormir, volver al rezo en la ceremonia llamada Completas, en la que se pedía protección a Dios ante los peligros de la noche.

Los monjes se retiraban entonces al dormitorio, que tanto en Cluny como Císter era común (sólo el abad tenía su dormitorio y despacho propio) en donde las camas estaban colocadas en largas filas. Si existían dos pisos, este dormitorio se colocaba sobre la cocina (y en el lado sur del claustro) para combatir el frío.


  

Dormitorio. Monasterio Santas creus. Císter.

Tomado de www.urbipedia.org

 

Y ahora que has visto todo esto, ENTRA EN ESTE CRUCIGRAMA PARA VER SI TE QUEDA TODO CLARO

 

Para saber más

http://www.sbenito.org.ar/regla/rb.htm (Aquí tenéis acceso a toda la regla de San Benito)

El nombre de la rosa de Umberto Eco, o la película. Ambas son fantásticas para ver cómo se vivía en un monasterio medieval

Monjes y Monasterios españoles en la España medieval, de Juan de Atienza (Un libro fácil de leer pero muy completo para ver toda la evolución del monacato en España).

 

Vicente Camarasa

 

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20/01/2009 07:15. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 22 comentarios.

UNA IMAGEN ZEN

 

 

Acaso sea ésta la fotografía que más me gusta de mi último viaje a Marruecos, pues es tan simple como compleja, tan visual como profunda.

Es, simplemente, la sombra de una balaustrada de una escalera al amanecer. Es eso y tres cosas a la vez, la pared rosada del desierto, la escalera que no está en la imagen pero está presente en ella y a la vez el sol recién amanecido. Es todo el entorno de aquella mañana en una sola imagen, lo natural y lo artificial, el color, la luz pero también la sombra, la exquisitez de los balaustres que se apoya, existen, sobre el basto muro de adobe

. Algo simplemente complejo, toda la información reducida a su mínima esencia donde las cosas están presentes sin ser visibles. Una pequeña iluminación, al menos para mi

 

Las sombras de los bambúes rozaban la escalera,

pero sin levantar el mínimo átomo de polvo.

La luz desciende hasta el lecho del profundo río

pero las aguas no acusan la menor cicatriz

 

Chia Sang

 

Vicente Camarasa

20/01/2009 19:55. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 1 comentario.

EL MIEDO ROMÁNICO

 

 Infierno románico

Tomado de romaniconorte.org

 

Una iglesia que controla ideológicamente al pueblo a través del miedo. Esta sería una forma (aunque no la única) de entender el arte románico

Si pensamos en la sociedad de los siglos XI y XII podremos entenderlo mejor.

 

EL RESTO DEL ARTÍCULO, REVISADO, AMPLIADO Y CON NUEVAS IMÁGENES SE ENCUENTRA ALOJADO EN SEÑOR DEL BIOMBO


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21/01/2009 17:34. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 1 comentario.

LA REVOLUCIÓN ROMÁNTICA, LA PREHISTORIA DE NUESTRA MIRADA (PRIMERA PARTE)

 

 

Viajero sobre un mar de nubes. Friedrich.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo

 

Por mucho que queramos, nunca veremos nada por primera vez, pues ya lo habremos visto en una revista, un powerpoint enviado a nuestro correo, una televisión o nos lo habrán contado. Pero eso no es lo importante, sino que, cuando sintamos por primera ver un sentimiento, cuando nos emocionemos con un paisaje, con una nueva ciudad, con una novela o una película, tampoco será exclusivamente nuestra esta emoción, pues mucha parte de ella estará derivada de nuestras lecturas, viajes y experiencias anteriores. No somos una página en blanco, somos una larga historia en la que escribimos junto a nuestros amigos, padres, medios de comunicación y, sobre todo, por el IMAGINARIO COLECTIVO que ya existía antes de que nosotros naciéramos.

Este imaginario no es otra cosa que la memoria (casi inconsciente) que nuestro pasado nos ha transmitido desde los cuentos infantiles a las ideas hechas que circulan en las conversaciones, los programas de televisión.

 

Esta situación de saber que vivimos mucho más la idea de otros que la nuestra propia es una de las claves de la posmodernidad. Hemos perdido ya la inocencia de creernos los únicos, los primeros y, como ya decía la Biblia, “No hay nada nuevo bajo el sol”.

La construcción de este imaginario colectivo se produce desde múltiples fuentes (por ejemplo, nosotros ya no seremos nunca más capaces de ver un rascacielos sin pensar en un avión incrustándose en él, ¿no es cierto?, o de relacionar numerosos momentos de nuestra vida con películas o incluso con anuncios).

Sin embargo, a efectos prácticos, lo fundamental de él se encuentra en dos grandes revoluciones culturales (que van unidas entre sí): el romanticismo y su sucesor, el surrealismo.


 Libertad guiando al pueblo. Delacroix

Tomada de wikimedia.org

.

Si nos centramos en el primero nos sorprenderíamos de ver la cantidad de cosas que perviven de los románticos. Fijaros en algunas.

Cuando pensamos en un héroe, ¿cómo lo imaginamos, como Indiana Jones? Un ser capaz de vivir por un ideal, que lucha (y arriesga la vida) por una estatuilla de una civilización perdida que luego regalará a un museo. Eso ya lo habían imaginado los griegos y reconstruido los románticos. ¿Qué si no son los Tres Mosqueteros de Dumas que vivirán mil aventuras para recuperar una joya que evitará la ruina del imperio francés?; ¿o el pirata de Espronceda, cuyo barco hacía del mar su patria desafiando al destino en búsqueda de la libertad, sabiéndose marginado y olvidado por todos?

La voluntad, eso es lo que le caracteriza al héroe, capaz de hacerle enfrentarse al mundo. La genialidad de ser único y saber anteponerse a las circunstancias más adversas, como un jugador de fútbol que confía en él mismo, regatea al equipo contrario y marca un gol en el último minuto. Es el vicario (el que habla y actúa por la comunidad) para sobreponerse al destino, como Guillermo Tell (que arriesga a su propio hijo para vencer) o, aún mejor, Robin Hood, los dos héroes reconstruidos en el romanticismo y que todavía viven con los nombres de Benji y Oliver. Harry Potter sería el aprendiz de héroe que debe imponerse al destino ya fijado, el que no se conforma y lidera la voluntad de los demás para cambiar el mundo (¿no se parece esto demasiado al “podemos” de Obama?) Y más aún; quizá quede en nosotros algún resquicio de esa rebeldía de Larra al querer cambiar el mundo… “una ingenuidad”, pensaron muchos, el querer cambiar el curso de la historia con un puñado de papeles de periódico. Pero esa crítica ferviente permanece en las páginas de nuestros diarios. Aún queremos cambiar el mundo, y aún existen personas que toman la pluma, el ordenador, o la propia voz para hacerlo. Seguimos teniendo algo del “Fígaro” que se fue con nuestro famoso articulista. 


 

Gericault. La balsa de la Medusa

Tomado de wikimedia.org

 

Y el amor, ¿cómo pensamos en el amor? Los griegos lo despreciaban por ser un sentimiento que nos aleja de nosotros mismos y nos lleva a la locura, pero fueron los románticos los que le devolvieron su magia y lo hicieron centro y sentido de la propia existencia; era el amor lo que les hacía sentirse realmente vivos. El héroe romántico es un enamorado eterno, ya sea en su versión más nostálgica y llena de lamentos de las Rimas de Bécquer (qué bello es sufrir por desamor), ya como el eterno luchador de los folletines decimonónicos que aspira a una mujer casi inalcanzable y realiza planes descabellados para conseguir una sola mirada de ella. Ya lo dijo el mismo Bécquer, cuando su imaginación huía a contemplar el rostro de su amada:

Por una mirada, un mundo;

por una sonrisa, un cielo;

por un beso … yo no sé

qué te diera por un beso.

 

Retrato de Bécquer

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Becquer

 

¿Quién de nosotros no ha hecho esto alguna vez y se ha sentido solo ante el peligro, rodeado por una sociedad hostil que nos intenta apartar del objeto amado? Pero el amor era, y es muchas veces la salvación del hombre; no importaba la incomprensión, las dificultades: por amor se luchaba y en el amor cobra sentido la existencia del hombre. El propio Larra dio vida al personaje de Macías para que pusiera voz a sus sentimientos proclamando la universalidad del amor:

Ven; a ser dichosa

¿En qué parte del mundo ha de faltarnos

un albergue mi bien? […]

Si en las ciudades no, si entre los hombres

ni fe, ni abrigo, ni esperanza hallamos,

las fieras en los bosques una cueva

cederán al amor ¿Ellas acaso

no aman también? Huyamos […]

 

¿No hemos querido huir alguna vez, romper con todo? Fijémonos en las series que tanto nos gustan y seguro que existe algún Macías incomprendido sufriendo por amor.

Ese llamado flechazo que nosotros aún deseamos en lo más íntimo, la extraña situación en donde sólo una mirada nos cambia de repente la vida y nos hace soñar con imposibles, la reinventaron los románticos y todavía lo podemos seguir leyendo en Bécquer o Byron. Recordemos cómo hace pocos años aquel jovencísimo Alejandro Sanz saltaba a la fama con la famosa estrofa “Si tú me miras” … quizá por un momento él también se dejó seducir por Bécquer y sus sencillos versos repletos de un amor tan intenso como sincero.

 

 

Rocío Romero y Vicente Camarasa

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23/01/2009 07:11. sdelbiombo #. Romanticismo Hay 3 comentarios.

ESTRENAMOS NUEVO BLOG

Para hacer más sencilla la consulta hemos abierto un nuevo blog, GEOBIOMBO que vamos a dedicar a aspectos relacionados con la Geografía y la Geopolítica actual.

Así, los alumnos de 1º y 3º ESO podrán consultar más fácilmente los temas (aunque seguro que a muchos de 2º de Bachillerato les puede resolver dudas) y podremos incluir artículos de política y economía actual que no tenían sentido mezclar con los de arte.

Por el momento, MIRAR EL PAISAJE seguirá estando en este blog, aunque en un futuro lo trasladaremos a GEOBIOMBO

Como es habitual en sdelbiombo, el nuevo blog está abierto a vuestras sugerencias y artículos que me podéis mandar a mi email o dejar el vuestro para ponernos en contacto.

Vicente Camarasa

24/01/2009 19:12. sdelbiombo #. COLABRADORES DEL BLOG No hay comentarios. Comentar.

LOS SONIDOS INTERIORES. UN CONCIERTO DE CUENCOS TIBETANOS

  

La semana pasada tuve la oportunidad de asistir a un pequeño concierto de cuencos tibetanos que realizó mi maestro de taichi, Javier Colmenar.

Como ocurre siempre en todo lo relacionado con lo oriental, era música, pero distinta, sobre todo  en lo que se refiere al que la percibe. Me intentaré explicar mejor.

Nosotros, los occidentales, tenemos la costumbre (cómoda pero a la larga fastidiosa) de asistir pasivamente a las cosas. Escuchamos un concierto, vemos un cuadro o una escultura y todo nuestro gran interés es acumular información. Por eso nos fascina poder tener tal o cual grabación, realizar miles de fotos (con nosotros delante, tapando el monumento, si podemos), contar a los amigos nuestros viajes o (en el peor de los casos) amargarles la vida con interminables videos y pases de fotos.

Los occidentales somos así; capitalistas del recuerdo. Nos gusta acumular, clasificar por estrictas categorías, organizar, sacar diferencias y semejanzas… Todo ello está bien, pero como paso previo, no como fin. Si sólo coleccionamos, ¿para qué nos sirve esto? La propia colección se acumula en nuestras estanterías y ordenadores sin que pueda servirnos para otra cosa que la revisión una tarde de domingo lluviosa. No nos aporta nada más.

 

 

En un paso superior a esta colección algunos tienen la osadía de relacionar, de interrogar a los recuerdos para buscar sus causas, sus consecuencias o conexiones. Esta gimnasia mental necesita de esfuerzo, claro, pero asegura al menos que seguimos vivos y en el mundo, que somos sujetos activos, que generamos nuestra opinión e, incluso, podemos ser capaces de entender mejor nuestro presente, aprender de los errores y planificar el futuro. Esto fue la gran lección de la ilustración: el uso crítico de la razón nos hace más libres pero también más felices, no necesitamos de un dios que nos otorgue su atención constante.

Sin embargo aún existe un paso más allá de esto. Nos queda saber que la inteligencia o razón sólo es una de nuestras capacidades, no la única. Deberíamos descubrir lo que Oriente supo desde hace milenios (y que ahora la posmodernidad resulta que inventa con gran ruido de cohetes): somos también sentimientos, emociones… De nada nos vale saber si no utilizamos estos conocimientos para hacernos mejores, crecer. Como decía JV en uno de sus artículos, de nada nos vale la justicia sin piedad.

 

Toda esta larga digresión viene a cuento de unos cuencos, precisamente. De un concierto al que no se podía simplemente asistir, sino en el que hay que involucrarse. De una experiencia que se podía racionalizar (para el que quiera saber más de esta música y los armónicos le recomiendo que consulte ésta página) sino que había que sentirla, relacionarla con nosotros, interiorizarla para que el sonido te atravesara de un oído a otro, girara en tu interior y te provocara distintas reacciones.

 

 

Pero ni siquiera con eso era suficiente. Aquellos sonidos sin melodía iban mucho más lejos y te ayudaban a comprender sin razones numerosos conceptos para los que no tenemos palabras.

Comprendí entonces la constante tendencia del arte oriental por la metáfora, pues hay cosas que no se pueden decir, ya que al convertirlas en palabras se rompe su verdad. Es como la poesía cuando se explica, cuando sesudos investigadores intentan adjudicar valores simbólicos a los colores de Kandinsky, convirtiéndolo casi en un crucigrama de definiciones.

Pues yo durante aquella hora escasa pensé (no es la palabra correcta, tal vez, sintonicé) con la actitud de un poeta, con las sensaciones que me causan cada vez más Kandinsky Rothko Klein o Tápies. Fue un concierto de sensaciones frágiles como el aroma de una flor, que se aleja apenas percibido, como el susurro de las olas de la playa cuando terminas por no oírlas pero continúan allí, por la caída de esponja de los copos de nieve que veía el otro día.

Algo difícil de explicar, como lo es un beso o el amor, pero no por ello menos cierto. Sensaciones físicas que también eran espirituales; sonidos que te hacían flotar por dentro como lo hacen los cantos gregorianos de Silos y te invitan a confundirte con la penumbra de la iglesia, como si tú no fueras tú y te desintegraras levemente en un sueño de las manzanas de Lorca. Un sentimiento de plenitud y vacío, todo al mismo tiempo, en donde las ideas se disipaban como humedad en el aire, presente pero invisible.

 

Sólo eso. Todo eso

 

 

Vicente Camarasa

 

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25/01/2009 19:52. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 6 comentarios.

FOTOS PARA REPASAR ARQUITECTURA ROMÁNICA

 Planta románica. San Isidoro de León

 

Cabecera (ábsides) de San  Vicente de Ávila

 

 

 

 Esquema de la nave central

 

 

Interior. San Sernin

 

Interior. Spira. Alemania

 

 

Nave central. Bóvedas. Santa Fe de Conques

TrompaSan Jaume de Frontayá


 

 

 

Bóveda de arista en la cripta (subterránea)



 

Ventana de medio punto abocinada (arcos metidos unos dentro de otros).


 

Y ahora una ventana abocinada hacia el interior. San Juan de Ortega

 

Muro exterior con contrafuertes.

 


Tomada de http://rubenmiriam.blogspot.es

 

Tomado de eraseunaitalia.blogspot.com.

Catedral de Santiago de Compostela. Está señalado el recorrido que hacían los peregrinos para visitar las reliquias puestas en los ábsides (este pasillo se llama girola). Como véis podían hacerlo sin molestar a la misa que se haría en en altar hacia las naves

 

 

 

La cabecera con girola.


 

Canecillos. San Martín de Frómista

 

 

PUEDES SABER MUCHAS MÁS COSAS

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UNA FOTOGALERÍA DE ROMÁNICO LOMBARDO

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MUCHÍSIMAS ARQUITECTURAS ROMÁNICAS

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ROMÁNICO EN EL CAMINO DE SANTIAGO

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Si quieres comparar románico y gótico, pincha aquí

 Si quieres hacer actividades interactivas, AQUÍ

 

AQUÍ TIENES UN BUEN VIDEO PARA REPASAR

 

 

 

 

 Vicente Camarasa

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26/01/2009 21:02. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 2 comentarios.

ENLACES PARA EL TRABAJO DE ROMANTICISMO

Como introducción general y muy esquemática

http://portales.educared.net/wikiEducared/index.php?title=La_pintura_rom%C3%A1ntica

 

Aquí tenéis un power point hecho sobre el romanticismo. A mi juicio mucha información al principio y luego sólo fotos. Vamos, que enseña mal. Debería ir poco a poco, ilustrando cada concepto con una foto y luego remarcándolos más. Os lo pongo más como ejemplo de lo que no habría que hacer

 http://historiasauces.blogspot.com/2008/05/pintura-romantica.html

 

Gericault

http://arteyartistas.wordpress.com/2008/06/24/theodore-gericault-1791-1824 (tanto para su vida como para sus cuadros)

 

Delacroix

En el blog tendréis numerosos artículos de él en el tema ROMANTICISMO

http://sdelbiombo.blogia.com/temas/romanticismo.php

 

Friedrich

http://www.reproarte.com/painter/138_Caspar+David+Friedrich/2/index.html (varias páginas sobre los paisajes más sublimes del romanticismo)

 

Fuseli

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Johann_Heinrich_F%C3%BCssli (Aquí tenéis gran parte de sus cuadros, siempre lleno de misterio)

 

Turner

http://commons.wikimedia.org/wiki/J._M._W._Turner (Aquí tenéis la obra de Turner, pero Cuidado, todos sus cuadros no son románticos, sólo aquellos que busque el movimiento, la intensidad, la emoción)

 

Blake

http://www.youtube.com/watch?v=LWJbKVNuoXI&feature=related (Un vídeo con sus más famosas pinturas). En Wikipedia tenéis todas sus obras

 

El Goya prerromántico en los Caprichos

http://sdelbiombo.blogia.com/2008/121501-los-caprichos-de-goya.-dos-mundos-por-el-precio-de-uno-segunda-parte-.php

y las Pinturas Negras

http://sdelbiombo.blogia.com/2008/120901-las-pinturas-negras-de-goya.-un-mundo-de-sombras-y-delirios.php

 

Se pueden buscar cosas del paisaje sublime

http://sdelbiombo.blogia.com/2008/092401-axel-hutte-primera-parte-.-el-retorno-del-paisaje-romantico-de-verdad.php

 

Sobre la película de Copola de Drácula

http://membres.lycos.fr/vampiras/coppola/coppola.htm (Para encontrar fotografías de la película)

 

Página donde encontrar toda la información necesaria para el Romanticismo literario español:

http://www.rinconcastellano.com/sigloxix/

 

Para textos completos de autores españoles:

http://www.cervantesvirtual.com

 

Página de información sobre el Romanticismo con enlaces a autores extranjeros:

http://www.ale.uji.es/romuniv.htm

 

 

Música.

Puedes utilizar una gran cantidad de músicos románticos para tu trabajo: Chopin, Beethoven, Schubert, Verdi, Bellini, Donizetti, Wagner, Chaikovski, Berlioz … Aunque algunos son posteriores a los escritores o pintores románticos su música es plenamente del estilo (existe un cierto retraso de la música frente a otras artes)

28/01/2009 18:14. sdelbiombo #. Romanticismo No hay comentarios. Comentar.

POSIBILIDADES DE LOS TRABAJOS DE ROMANTICISMO

1.- Desarrollar uno de sus temas como puede ser: la libertad, los sentimiento, el miedo, el héroe, la historia, el orientalismo (se pueden usar tanto contenidos literarios como artísticos)

3.- Desarrollar el tema del paisaje romántico (Friedirch, Fuseli) o de lo sublime. Como es algo que hemos visto en clase, se puede analizar la aparición de ese tipo de paisajes en las Leyendas de Bécquer que habéis tenido que leer.

2.- Desarrollar la obra de uno de estos autores: Gericault, Fuseli, Goya (Caprichos románticos y pinturas negras).

3 Analizar una de estas obras: La balsa de la Medusa, la libertad guiando al pueblo.

4 Analizar lo que tiene de romántico (tanto en tema como en formas técnicas) la película de Drácula de Coppola. Podéis analizar el personaje de Drácula desde el punto de vista literario haciendo hincapié en sus rasgos románticos al igual que van a hacer con la película. Así verán la relación entre las artes.

5. Intenta escribir un poema o un fragmento en prosa que siga los presupuestos del Romanticismo.

6.- Hacer un pequeño trabajo de investigación sobre alguno de los escritores románticos extranjeros (biografía, obras fundamentales y características).

28/01/2009 18:17. sdelbiombo #. Romanticismo No hay comentarios. Comentar.

LA REVOLUCIÓN ROMÁNTICA, LA PREHISTORIA DE NUESTRA MIRADA (SEGUNDA PARTE)

 

Cementerio. Friedrich


Si en la primera parte analízábamos dos temas románticos (el héroe y el amor) aún presentes en nuestros días, ahora nos vamos a centrar en su reverso más tenebroso, en la maldad, el miedo y el destino trágico.

 

Fuseli. Lady Macbeth

Tomado de http://en.wikipedia.org/wiki/Henry_Fuseli


Nuestra actual idea de maldad es obra suya. Es el malo malísimo (que así hace bueno buenísimo al protagonista) de Malfoy de Harry Potter, Dar Weyder contra los jedais o los supervillanos de los cómics de superhéroes. Stendhal ya sabía esto cuando escribió Rojo y Negro, o Dumas, cuando imaginó la tragedia de Edmundo Dantés y su tardía venganza en el Conde de Montecristo. 

Y es que los románticos supieron convertir al malo en contrapunto del héroe (creando el juego bien vs mal que aún repiten miles de películas), y aún fueron más lejos: convirtieron al malo en el verdadero protagonista con el que terminamos por identificarnos. Así, nos ponemos del lado de Drácula, el muerto viviente que reconvirtiera Bran Stoker desde leyendas anteriores, pues en el fondo nos fascina como sigue probando el recentísimo éxito mundial de la saga Crepúsculo en la que el joven vampiro protagonista es capaz de buscarse un final imposible, dada su condición inmortal, para salvar a su amada de una muerte qué él mismo puede ocasionarle. (Si quieres saber más cosas del carácter romántico de Drácula de Coppola, pincha aquí, si quieres saber la verdadera historia, aquí)

 

Fotograma de Drácula de Coppola

Tomado de http://nachogrimfandango.blogspot.com.es/2010/07/critica-dracula-de-bram-stoker.html

 

Y no sólo el malo, sino también el monstruo. El romanticismo supo convertir a un horrible ser hecho de pedazos de otros, el famoso Frankenstein de Mary Shelley, en un personaje brutal y tierno a la vez, que asusta tanto a los demás como miedo tiene él mismo. Los ejemplos son incontables Cuasimodo del Jorobado de Notre Dame de Víctor Hugo, los locos que pintara Gericault, las brujas de los Caprichos y los monstruos de las Pinturas Negras de Goya (un prerromántico), el pirata de la Canción de Espronceda, que en el fondo no es más que un delincuente, pero al que terminamos admirando. (Esta idea, como tantas otras románticas, será retomada por los surrealistas)

 

Nabucodonosor. Blake

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Nabucodonosor_II

 

Los románticos también pusieron de moda el miedo. Suya es la invención de la llamada “literatura gótica” llena de fantasmas, cementerios, monstruos, asesinatos , vampiros… El propio Bécquer llenó sus Leyendas de lugares misteriosos (El monte de las ánimas), de terribles venganzas después de la muerte por parte de espíritus más vivos que muertos que dejaron asuntos pendientes en este mundo y se empeñan en regresar una y otra vez. Los cuentos de Poe siguen aterrorizándonos y son, en el fondo, la base de una gran parte del cine del terror.

Fuseli, pintor prerromántico, se especializó en cuadros llenos de espectros, fantásmas, íncubos... Verdaderas imágenes de pesadilla

Tomado de http://en.wikipedia.org/wiki/Henry_Fuseli


¿Qué puede haber más terrorífico que darte cuenta el día de tu boda que bajo el velo de tu esposa se encuentra el rostro deshecho de una antigua novia que abandonaste? … podríamos preguntárselo a Don Félix de Montemar, el famoso Estudiante de Salamanca; sólo Espronceda podía tener estas ocurrencias que, sin embargo, perduraron en el tiempo y en los 80 Michael Jackson se volvía a convertir en zombi ante la mirada atónita de su novia mientras pasean … ¿No tiene esto algo que ver? 

 

 

Fuseli. Silencio

Tomada de

 http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Johann_Heinrich_F%C3%BCssli

 

Y es que somos tan hijos de los románticos… ¿No os habéis fijado lo absurdo que es (visto desde el lado de la razón) ir al cine a pasar miedo, gritar en el Túnel del Terror, practicar puenting o engancharnos con el Internado y toda su estética romántica de pasadizos secretos, bosques nocturnos, pasados inconfesables, villanos terribles?

Al igual que ellos seguimos buscando las emociones que nos saquen por un instante de la monotonía y nos gusta asustarnos, gritar en las montañas rusas ante la sensación de peligro, igual que los románticos se fascinaban ante los Alpes, un mar tempestuoso, un cementerio en medio del bosque y su neblina o un tigre atacando (ellos lo llamarán a todo esto lo sublime).

 

 

 

Friedrich. El naufragio de la Esperanza.

Al principio no se ve, pero si os fijáis, a la derecha, hay una mancha oscura que es el barco a punto de hundirse. Entonces, por comparación, uno se da cuenta de los bloques de hielo que componen el paisaje terrible, sublime.

Tomado de http://zeroizquierdo.wordpress.com/2008/08/11/el-naufragio-de-la-esperanza 

 

Rocío Romero y Vicente Camarasa

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28/01/2009 18:59. sdelbiombo #. Romanticismo Hay 3 comentarios.

DELACROIX (Primera parte). EL PINTOR ROMÁNTICO

 

 

 

Autorretrato

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix 

Observar cómo se parace al cuadro de Bécquer (posición, mirada intensa, fondo, has el propio peinado y traje, aunque éste, evidentemente, de mayor calidad)

Si hay una pintura que caracterice al romanticismo es la de Delacroix. Tanto sus temas como sus técnicas son la perfecta explicación del movimiento y por eso lo utilizaremos para ir explicando las características del estilo.

Sus propias amistades fueron también grandes artistas románticos, como Víctor Hugo, George Sand o su amante, el músico Chopin

 

Chopin

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix

Otra vez un retrato de época.

 

Si os fijáis en este retrato ya podéis ver dos grandes características románticas: la pincelada suelta (heredada de los pintores barrocos y de Goya, al que admirarán), y la importancia que tienen los sentimientos.

 

Y es que Delacroix tuvo la capacidad de llenar emociones todos los temas. Uno de los más novedosos serán los cuadros de animales. Estos se presentarán en la típica atmósfera romántica, como este caballo asustado por un rayo

 

Caballo junto al mar

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix

 

Si os fijáis en él veréis de nuevo la pincelada muy suelta y las típicas diagonales barrocas que nos muestran al caballo en pleno movimiento, dando así dramatismo a la escena.

 

Más brutal aún es el boceto (pues no está acabado) del tigre que ataca a un caballo. Un tema trágico, terrible, lleno de intensidad y fuerza, tal y como les gustaba a los románticos que intentaban llenar de emociones la vida

 

 

Tigre y caballo

Tomado de http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/rousseau/lifeandtimes/page2.shtm

 

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PARA SABER MÁS:

 

Segunda parte: el color

 

Vicente Camarasa

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29/01/2009 23:45. sdelbiombo #. Romanticismo Hay 1 comentario.

EL VERDADERO CONDE DRÁCULA

 

Señor de Rumanía cuyo nombre es Vlad Tepes, que mata a personas ricas para darles comida a personas pobres. Para ser mas claros hablamos de muy el conocido Conde Drácula (Vlad Dracul), que nunca fue vampiro (siento decepcionaros) y vivió en Sighisoara.

 

Cuenta la leyenda que a cada enemigo que se acercara a su castillo, le mataba, le clavaba en una lanza muy afilada y lo ponía en la entrada para que otros que se atrevieran a acercarse tuvieran miedo e idea de lo que les podía pasar...

 

Su famoso castillo, que no era negro ni tenebroso.

 

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Había diferentes lanzas, de distinto tamaño y significación.

Normalmente los ejecutados eran la gente rica o mejor dicho ’’Varones’’ que robaban a la gente pobre hasta de lo poco que tenía. El tamaño de la lanza en donde les clavaban dependía de lo rico que fuera, es decir, si el varón no tenía tanta riqueza la lanza era pequeña y si el varón era exageradamente rico la lanza era exageradamente de grande para que todo el mundo lo viera y que tomara ejemplo de lo que podría pasarle, pese a todas sus riquezas.

 

Sighisoara desde el castillo.

 

Y eso es todo. Siento deciros que eso fue lo que pasó en la realidad.

 

Continuará….

 

Texto y fotos: Stefanía Nistar. 3º ESO B SIES La Poveda en Campo Real

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30/01/2009 00:27. sdelbiombo #. VIAJES Hay 4 comentarios.


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