Facebook Twitter Google +1     Admin

Se muestran los artículos pertenecientes a Febrero de 2009.

LO SUBLIME

 

 

Una de las famosas Cárceles de Piranesi

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Giovanni_Battista_Piranesi

 

A estas alturas de la película, ya todos sabemos que “lo sublime” es la base de todo el pensamiento romántico, pero, en realidad, ¿qué es “lo sublime”? Lo cierto es que es mucho más fácil sentirlo, que poder explicarlo con palabras… Porque no tiene una definición. Definiciones tienen las cosas racionales, las que podemos explicar. Y, siento mucho decirlo, pero “lo sublime” no tiene nada que ver con la razón. Es justamente todo lo contrario. 

Es algo que se nos escapa, que no podemos controlar, y yo creo que precisamente  por eso nos encanta. ¡Así es el ser humano! No os digo nada nuevo… siempre queremos tener lo que no podemos. Y si no, ¡qué se lo digan a Bécquer!, que todas las mujeres se rendían a sus pies y él sólo quería tener a la que no le hacía ni caso. Aunque bueno, eso no sólo le ha pasado a Bécquer… porque si hacemos memoria seguro que nos ha pasado a todos. Pues eso, el amor no correspondido, forma parte de “lo sublime”.

 

 

Fotograma de la película Casablanca, la historia de amor y desamor (pero también de heroísmo, traición y destino trágico) más famosa del cine

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Casablanca_(film)

 

Otra cosa que nunca podremos controlar es la naturaleza y la fuerza de los elementos. No, no, os digo que no lo podemos controlar. ¿O es que no se siguen hundiendo barcos? ¿Es que el fuego no sigue achicharrando nuestros montes cada verano? Madre mía, y la que se lió con la famosa nevada… Pues a los románticos les encantaba la naturaleza desatada. Sólo hay que ver como crecen los paisajes en la pintura romántica. Y no, no son paisajes cualquiera, que va. Son mares de hielo, cumbres de montañas repletas de nubes, mares en medio de la tempestad… Vamos, cuanto más incontrolado y más inhóspito para el ser humano, mucho más sublime. Y también mucho más bonito, porque a pesar de que llevamos viéndolo toda la vida, ¿a quién no le encanta ver un atardecer en el mar, o un amanecer en la montaña? No sabemos por qué, pero nos encanta. Pues ese sentimiento de “no sé por qué pero me encanta” es “lo sublime”

 

 

El naufragio. Goya

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/2477.htm

 

La verdad es que somos muy románticos, aunque a veces no nos demos cuenta. Cuando vemos en el telediario los enfrentamientos entre judíos y palestinos y nos ponemos de parte de los palestinos, estamos siendo románticos. Nos estamos poniendo del lado de los oprimidos, de los que sufren, de los que están siendo pisoteados por los poderosos. Y esa idea es romántica. En otras épocas históricas lo normal era ponerse de parte de los vencedores, es el sentido heroico de la guerra. Pero ¿Y Delacroix? ¿No pintaba él cuadros como “La matanza de Quíos”, en el que reivindicaba el derecho a la libertad de los griegos frente al opresor turco? Pues es la misma historia. Y si, eso también forma parte de “lo sublime”.

 

 

Matanza de Squíos. Delacroix. 1828

Tomado de

https://sdelbiombo.blogia.com/upload/externo-75294b2a43eaf1f4b8d85f8ace62da74.jpg 

 

 Y ya por último el tema estrella. Lo sobrenatural. Las leyendas, los cementerios, los fantasmas… otra cosa que no podemos controlar, como el propio miedo que nos dan por ser algo que desconocemos.

Friedich

 

¿No me diréis que no es romántico? ¡Muchísimo! Paisajes con neblina, mujeres fantasmagóricas, voces de niños y sitios misteriosos no sólo son esenciales en una película de miedo, sino que son temas que aparecen muy a menudo en la literatura y la pintura romántica. ¿Por qué? Pues creo que ya lo sabéis, o, ¿es que soy yo la única que cada domingo se engancha a Cuarto Milenio? Pues esa sensación de no querer mirar, pero no poder dejar de hacerlo, también es “lo sublime”.

 

El Gabinete del doctor Caligari, película expresionista de los años 20 que desarrolló esta estética de lo sublime

Tomado de http://lrizaev.blogspot.com.es/2013/02/el-gabinete-del-doctor-caligari-nace-el_28.html

 

Estefanía Zorita García

Etiquetas: ,

01/02/2009 17:38. sdelbiombo #. Romanticismo No hay comentarios. Comentar.

FOTOS PARA REPASAR PINTURA Y ESCULTURA ROMÁNICA

 Deberías empezar viendo cómo se compone una portada románica

El arte románico (especialmente su escultura y pintura) es docente (intenta enseñar y controlar ideológicamente a los campesinos y nobles a través del miedo).

Por ello no intentarán imitar la realidad (serán antinaturalista), ni tendrá perspectiva (fondo plano y pies danzantes), ni claroscuro (luces y sombras), perspectiva jerárquica (las figuras más importantes serán más grandes para que el espectador comprenda rápidamente)…

Santa María de Tahull

.

Las figuras serán hieráticas (sin expresión) a menudo deformadas y repetidas (isocefalia), frontales, con escasos detalles…, como ya había hecho el arte bizantino o los beatos mozárabes

 

Cristo de Doña Sancha


Muchas de estas características están presentes en las esculturas de Silos.

 


  La duda de Santo Tomás. Silos

 

Por cierto, fíjate cómo están colocadas las cabezas superiores, en función del arco. Recuerda que eso se llamaba ley del marco, cuando las figuras se intentan adaptar a la arquitectura

 

 

Frontal de los Apóstoles Urgell.

 

Las más típicas representaciones (portadas de la iglesia, ábsides) serán las del Pantócrator rodeado por el tetramorfos.

 

 

Ábside de Tahull. 


 

 

San Trófilo de Arles

Tomado de Galería de lyceo_hispanico

   

 

Si quieres ver más fotos y saber muchas más cosas de románico, pincha aquí

 

Si quieres ver fotos para repasar arquitectura las tienes aquí

.

Si quieres comparar románico y gótico, pincha aquí

 

Si quieres hacer actividades interactivas, AQUÍ

 

 

 Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , , ,

02/02/2009 07:05. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 3 comentarios.

UNAS IDEAS BÁSICAS SOBRE NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO. RAZÓN VS SENTIMIENTOS

Es habitual en la Historia del arte utilizar la comparación entre dos estilos contrarios para comprender mejor las diferencias y particularidades de cada uno de ellos. Este método ya fue utilizado por Wölfflin con el Renacimiento y el Barroco, y aunque en ocasiones resulta un tanto artificial (se comparan categorías muy amplias) sí parece muy útil para comenzar a comprender.

Así, si queremos saber qué era el romanticismo, lo más fácil es comprenderlo en función del estilo contra el que reacciona, el neoclasicismo. Tomaremos para ello dos famosos cuadros, uno neoclásico (El Juramento de los Horacios de David) y otro romántico (La muerte de Sardanápalo de Delacroix)

 

 

David. El Juramento de los Horacios (Neoclasicismo)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Juramento_de_los_Horacios

 

Si os fijáis en el primero veréis que el tema (además de estar inspirado en la época clásica, la preferida por el neoclasicismo) plantea un problema moral. Los hombres que juran ante las espadas van a combatir contra la tribu cercana, los Sabinos, los padres y hermanos de las mujeres que lloran en un rincón. Se trata, por tanto, de decidir entre los sentimientos familiares y la patria, el bien individual frente al común. Por supuesto que triunfará  la razón de estado y los hombres lucharán. (En realidad David pretende con este tema clásico hablarnos de algo de su propio momento, la importancia de la comunidad sobre los individuos, de las razones sobre los puros sentimientos; algo muy relacionado con la Revolución Framcesa)

 

La muerte de Sardanápalo. Delacroix

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_muerte_de_Sardan%C3%A1palo

 

El segundo cuadro es por completo diferente. En él ya no se habla del mundo clásico sino del oriental (mucho más fascinante para los románticos por sus leyendas y su exotismo, tan distinto al mundo europeo). En él, Sardanápalo, sentado sobre mullidos cojines ve con indiferencia la muerte de sus caballos preferidos y de todo su harén. En realidad ha sido él mismo el que ha ordenado esta matanza pues ha perdido la guerra y no quiere que sus más preciados bienes caigan en manos de sus enemigos. Prefiere acabar él mismo con ellos.

Como veis aquí predomina el sentimiento, el puro orgullo del sultán, y todo el cuadro es un verdadero canto a las emociones (el dramatismo de la muerte, la sensualidad de las concubinas, la opulencia de todas las riquezas esparcidas por la escena…) Parece como si Delacroix nos quisiera decir, amad la vida hasta la misma muerte, disfrutar de todos los placeres, no hay normas, sólo existe vuestra propia voluntad.

 

Las diferencias no pueden ser más evidentes, pero no sólo en el tema sino también en la composición, en la pincelada, en el uso del color o en las propias figuras.

 Os propongo que las intentéis descubrir con lo que ya vais sabiendo de arte (que es mucho más de lo que creéis) y las vayáis dejando en los comentarios de este artículo (con VUESTRO NOMBRE, POR FAVOR).

Evidentemente revisaré estos comentarios y si hay algún error lo quitaremos. Así tendremos un tema desarrollado entre todos que os servirá para repasar estos dos movimientos y, de paso, como nota extra para la evaluación. No podéis pedir más

 

Por cierto, si pensáis en Renacimiento (para el Neoclasicismo) y Barroco (para Romanticismo) será aún más fácil.

 

Estefanía Zorita y Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , ,

02/02/2009 19:18. sdelbiombo #. Romanticismo Hay 10 comentarios.

LA REVOLUCIÓN ROMÁNTICA (tercera parte y última parte) LA PREHISTORIA DE NUESTRA MIRADA

 

 Retrato de Byron por Thomas Phillips, 1835

Tomado de

 http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lord_Byron_in_Albanian_dress.jpg

 

Los románticos amaban ante todo la libertad y eran hombres profundamente individualistas y subjetivos (les gustaba ver la realidad desde su propio punto de vista, sin hacer caso a las generaciones anteriores).

Esta ansia de libertad, sin embargo, chocaba demasiado a menudo con la dura realidad. Ante ello unos decidieron luchar (como Byron, que ayudó a los griegos en su defensa de la libertad contra los turcos), otros se rindieron (como, (como Larra, que terminó suicidándose con una pistola delante del espejo) y los más se refugiaron en un mundo propio de fantasía. Recurrieron entonces a dos fuentes: la historia y la literatura, que manipularon a su antojo para crearse una realidad más cercana a sus ideas.

 

La historia que buscaron ya no fue la típica de los Neoclásicos (Grecia y Roma) sino que se inclinaron mucho más por la Edad Media (un lugar en donde las aventuras del héroe, los amores pasionales, eran todavía posibles) como W. Scott (Ivanhoe), las sagas artúricas, o la toma de Constantinopla de Delacroix. A la Edad Media viajó Ángel Saavedra –Duque de Rivas- para ambientar su obra El Moro expósito, que trata la leyenda del bastardo Mudarra y de sus hermanos: en esta obra habla mucho de su ciudad natal, de Córdoba –que nos remite al sentimiento de la patria propio del Romanticismo-, pero en el romance cuarto refiere que Giafar, el rival de Almanzor, el que tienen prisionero al padre de los infantes de Lara, después de mostrar a éste las cabezas de sus hijos, las coloca como bárbaro trofeo a las puertas de su alcázar, de donde Zaide, el ayo de Mudarra, las recoge para enterrarlas en el jardín de su castillo 

 

 

Delacroix. Entrada de los cruzados en Constantinopla.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Cuarta_Cruzada

 

 

 También les fascinó el mundo oriental (aquí lo explicamos) o mundo barroco (perfecto para ellos por sus excesos) como los Mosqueteros de Dumas, el Don Juan Tenorio de Zorrilla (lleno de duelos, amores, cementerios habitados por espectros, apuestas…), . ¿Quién no recuerda la escena famosa del Don Juan en la que este cuenta todas sus tropelías por el mundo para ganarle una apuesta que había hecho a su amigo Don Luis Mejía?:

 

Por donde quiera que fui,

la razón atropellé,

la virtud escarnecí,

a la justicia burlé

y a las mujeres vendí.

Yo a las cañadas bajé,

yo a los palacios subí,

yo a los claustro escalé,

y en todas partes dejé

memoria amarga de mí.

[...] A quien quise provoqué

con quien quise me batí,

y nunca consideré

que pudo matarme a mí

aquel a quien yo maté.

 

Pero esta manera temeraria de actuar se diluirá, desaparecerá cuando Don Juan llegue a sentir el amor verdadero de Doña Inés, dispuesta a perder el alma para salvar la de él. Rememoremos la inolvidable escena en la que Don Juan sucumbe al poder  del amor intenso y verdadero:

 

¿No es verdad, ángel de amor, 
que en esta apartada orilla 
más pura la luna brilla 
y se respira mejor? 

Esta aura que vaga llena 
de los sencillos olores 
de las campesinas flores 
que brota esa orilla amena; 
esa agua limpia y serena 
que atraviesa sin temor 
la barca del pescador 
que espera cantando al día, 
¿no es cierto, paloma mía, 
que están respirando amor? 

Existieron sin embargo dos autores que les atrajeron especialmente: Dante y su Divina Comedia (que inspiró a Delacroix, a Blake, alucinados por su visión del Otro Mundo, sus cielos, infiernos…) y Shakespeare, un verdadero romántico casi dos siglos antes de inventarse el movimiento, con su amor apasionado y fatal de Romeo y Julieta, los celos de Otelo, Macbeth y sus espectros.

 

Fuseli. Macbeth.

Tomado de

 http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Johann_Heinrich_F%C3%BCssli

 

 ¿No tienen algo que ver las palabras de Romeo a su amada Julieta con las de nuestro apasionado Tenorio?:

 

 Pero, ¡silencio!, ¿qué resplandor se abre paso a través de aquella ventana? ¡Es el Oriente y Julieta, el sol! ¡Surge esplendente sol y mata a la envidiosa luna, lánguida y pálida de sentimiento porque tú, su doncella, la has aventajado en hermosura!

 

En todas estas ocasiones, los románticos se sintieron atraídos por el abismo y prefirieron a menudo los finales terribles. Al contrario de las películas más rosas de Hollywood, sus historias suelen terminar de forma trágica, pues el destino siempre se vuelve contra los hombres, es una fuerza ciega que los aplasta y nos conduce hacia la muerte (como el famoso Saturno devorando a sus hijos de Goya

Volvamos al ejemplo de Shakespeare, cuyos finales inspiraron a muchos de nuestros románticos por su intensidad y dramatismo. En Romeo y Julieta, la pasión entre ambos es tan fuerte que desafía lo establecido, las normas impuestas; pero el destino les gasta una broma cruel y un malentendido los lleva  a la muerte cuando más se amaban: -dice Romeo antes de morir

 

 Oh! Amor mío, esposa mía! La muerte, que ha extraído la miel de tu aliento, no ha tenido poder aún sobre tu hermosura. Amada Julieta, ¿por qué luces tan bella aún? permaneceré a tu lado eternamente y jamás tornaré a retirarme de este palacio, de la densa noche. Aquí, aquí voy a sacudir del yugo de las estrellas enemigas este cuerpo cansado de vivir. -¡Echad la postrer mirada, ojos míos! ¡Por mi amor! -(Apura el veneno.) Así, besando, muero.

 

Así Delacroix pintará a Grecia lamentándose sobre sus ruinas, o Gericault hablará de la tragedia humana en su famosa Balsa de la Medusa

Una actitud ambigua en donde el tiempo y la fatalidad nos persiguen pero (tal vez por eso mismo) no hay que rendirse, y aprovechar realmente el momento (carpe diem, como dirá Nietzche, un fruto maduro del romanticismo que es, a la vez, uno de los pensadores que más han influido en nuestra historia moderna). Sí, aprovechar el momento, pero conscientes de sentirnos vivos y de que podemos rebelarnos; en eso consistía el sentimiento de rebeldía romántico que aún pervive en muchos de nuestros corazones inquietos. Exagerando un poco, alguna vez habríamos hecho nuestras aquellas palabras de Don Álvaro en la obra del Duque de Rivas, cuando vemos que la injusticia y la maldad dominan nuestro mundo actual:

 

¡Qué eternidad tan horrible

la breve vida! Este mundo,

¡Qué calabozo profundo

para el hombre desdichado

a quien mira el cielo airado

con su ceño furibundo!

Parece, sí, que a medida

que es más dura y más amarga,

más extiende, más alarga

el destino nuestra vida.

 

El tiempo fugaz; el mundo que limitad la libertad, los sueños; el hombre indefenso, confuso e incomprendido; el sentimiento de melancolía, amargura, tristeza …, pero también el amor sincero, la tenacidad, la esperanza de libertad y la lucha por unos ideales; el sentirse vivo en cada momento de nuestra vida. De ahí nació el Romanticismo y ahí, porque esos sentimientos nunca han muerto, podemos vernos reflejados como hijos tardíos de una época que supo valorar la vida, sin adjetivos, sin disfraces; la vida sin más.

 

 

Blake. El Anciano de los días

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/William_Blake

 

 

Rocío Romero y Vicente Camarasa

03/02/2009 13:38. sdelbiombo #. Romanticismo Hay 4 comentarios.

DE LA CIUDAD SENTIDA. INTERPRETACIONES PSICOLÓGICAS DE LA CIUDAD

Tradicionalmente, el urbanismo siempre se había estudiado como la organización de las calles y principales edificios y su relación con el poder religioso o político. En el fondo se entendía a la ciudad como un gran teatro en donde se representaba el poder (lo cual, en ciertos momentos como el Barroco o el XIX era totalmente cierto)

Sin embargo, en la ciudad contemporánea los poderes son múltiples. Además, y con la progresiva democratización de las sociedades cada vez se da mayor protagonismo al individuo. Fruto de ambas ideas surgió en torno a los años sesenta del siglo XX una nueva metodología dentro de la Geografía de la ciudad: la psicológica.

Su iniciador será Lynch  (La imagen de la ciudad, 1960) y su método será sumamente original. En vez de utilizar planos y cifras se dedicó a pasar cuestionarios a los habitantes de diversos barrios. En ellos se les preguntaba cuáles eran sus lugares favoritos del barrio o ciudad, dónde realizaban las celebraciones colectivas, qué zonas eran las preferidas para tener casa, cuáles son las que se intentaban evitar, cuáles eran sus recorridos habituales por la ciudad…

Otra de sus técnicas fue la clasificación y estudio de los planos mentales de los ciudadanos (en un simple papel y sin ayuda de libro o imagen alguna, pedía a las personas que dibujaban un plano sencillo de su barrio, ciudad o pueblo). Un estudio de los mismos (de los tamaños que daban a ciertos lugares, de los olvidos de otros…) se podían sacar conclusiones sobre la ciudad, mejor dicho, sobre cómo sentían y vivían la ciudad sus habitantes.

 

Sobre todo este material, Lynch creó una serie de categorías nuevas en el estudio del urbanismo. Algunas de las más importantes fueron:

Los lugares simbólicos, aquellos que utiliza la comunidad para sus fiestas y celebraciones públicas. Podéis ver un ejemplo en el propio Madrid en Ha nacido un lugar simbólico

 

 

 

Puerta del Sol, uno de los lugares más simbólicos de Madrid: las uvas de nochevieja o una manifestación como la que se muestra que eligen especialmente este espacio por su simbolismo y visibilidad en los medios de comunicación

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Manifestacion_UGT.jpg

 

Bordes. Barreras físicas (pero también psicológicas) de la ciudad, como vías de tren, circunvalaciones, parques (en horas nocturnas), ríos… Estas zonas actuaban como límites de la ciudad y sus habitantes intentaban buscar alternativas para no tenerlos que cruzar

 

 

 

Las grandes autopistas de circunvalación crean grandes bordes, pues aunque tengan puentes rompen la circulación normal de las personas. M-30 a la altura de Ventas

 

Las sendas. Aquellos recorridos preferidos por los habitantes para moverse por la ciudad, que no tenían que ser los más cortos, sino los más apetecibles.

 

La calle Alcalá ha sido siempre una de las grandes sendas de Madrid. Fotografía siglo XIX

Tomado de http://www.madridpedia.com/fotografias-de-madrid-del-siglo-xix/panoramica-de-la-calle-de-alcala

 

Hitos. Son elementos del paisaje fácilmente visibles que se utilizan como puntos de referencia (torres, plazas, accidente del relieve)

 

 

Las nuevas torres de la Ciudad Deportiva del Madrid se han creado como nuevo hito urbano ya no sólo de la ciudad sino de todo el territorio cercano. La foto está realizada desde Campo Real, a más de 30 kilómetros de Madrid

 

Las zonas de temor. Zonas que por el tipo de vivienda, entorno, población residente… intentaban ser evitadas por los habitantes tanto en sus desplazamientos como a la hora de elegir piso.

 

Las zonas de casas bajas, descuidadas, no asfaltadas, con descampados o falta de luz son algunos de los rasgos de las zonas de temor

 

A todo esto se han añadido numerosas investigaciones, pero quizás una de las más atractivas (por la novedad) sea la creada por Yi Fu Tuan (Topofilia, 1974), que desarrolla la idea que, además de razones prácticas, existen zonas de la ciudad deseadas (topofilia) o descartadas (topofobia) por razones simbólicas. Así una zona sagrada suele ser ocupada civilización sobre civilización (sobre los templos romanos se hicieron iglesias o mezquitas), mientras que otras zonas tienden a ser siempre rechazadas, y antes eran lugares de minorías (juderías, morerías) y ahora de emigrantes, o zonas de botellón o de grafittis…

También analiza cómo ciertas ideas o modas (como la ecología) puede influir en la visión de la ciudad, como podéis ver en De la ciudad amurallada a la naturaleza enclaustrada

   

Como veis esta manera de estudiar la ciudad es completamente diferente a la tradicional. Seguro que en el lugar que vivís habrá lugares simbólicos, sendas, bordes, hitos, zonas de temor o de topofilia…Sólo hace falta preguntar a la gente de tu zona y luego estudiar sus respuestas para empezar a entender cómo ven el territorio las personas, sus diferentes visiones, pues seguro que la gente anciana tiene otra visión de su lugar que la gente joven (tal vez porque une el lugar actual con sus recuerdos), o la de los emigrantes, o la de los recién llegados o la de las parejas con o sin hijos…

Si empezamos a comprender todas las visiones que existen sobre el lugar en el que vivimos, también seremos capaces de entender los comportamientos de las personas que viven en torno nuestro (y quizás las nuestros propios)

 

Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , , , ,

03/02/2009 14:13. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD Hay 3 comentarios.

EL MONASTERIO SUSPENDIDO

Tomado de http://jazminloboc.blogspot.com/2009/01/xuan-kong-si-el-monasterio-suspendido.html?showComment=1231029120000

 

En su blog, JV ha colgado una espectacular presentación del Monasterio Suspendido de Jintang (China), construido en el siglo VI y en el que se unen cultos confucionistas, taoístas y budistas

Si queréis verlo, pinchad aq

Etiquetas:

03/02/2009 20:47. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL No hay comentarios. Comentar.

LOS JERÓNIMOS, ANTES DE SERLO, ESTUVIERON EN ORUSCO

A mediados del siglo XIV, en el panorama de apocalipsis que había comenzado la extensión de la Peste Negra y llegaba ahora a su momento más terrible con la guerra civil por el trono de Castilla entre Pedro I y Enrique II de Trastamara, tres hombres renunciaron al mundo y, tras una estancia en Toledo, eligieron Orusco, lo más abrupto de sus páramos, para vivir en la más absoluta pobreza y total oración. Era 1350, y se situaron cerca de la actual ermita de Bellaescusa.

 

http://www.pbase.com/chemita23/orusco (EN ESTA PÁGINA PUEDES ENCONTRAR NUMEROSAS Y MUY BUENAS FOTOGRAFÍAS DE ORUSCO)

 

Pero vayamos por partes, ¿quiénes eran y qué pretendían estas tres personas?. Sus nombres los conocemos por los documentos. Se trataba de Fernando Yáñez de Figueroa (amigo de Pedro I el cruel) y los dos hermanos Pedro y Alfonso Fernández Pecha (el último obispo de Jaén y conoció a Santa Brígida de Suecia en Roma). Sus pretensiones eran claras: imitar a San Jerónimo, un conocido santo eremita del siglo IV que, tras sus estudios en Roma y Tréveris, había abandonado el mundo y, encerrado en una cueva, curó a un león que para siempre acompañó. En aquellos lugares inhóspitos siguió su labor bibliófila y suya será la traducción autorizada de la Biblia, la llamada tradicionalmente Vulgata.

 

 

Leonardo da Vinci. San Jerónimo. Boceto.

 

Entre sus ocupaciones Jerónimo utilizaba una gran piedra con la que se arañaba y marcaba el pecho desnudo, intentando con esta penitencia arrancar de raíz el mal que habita en todo hombre para poder así dedicarse a Dios por completo. Estas prácticas fueron corrientes en los primeros siglos del cristianismo, especialmente a partir del siglo III, cuando la Iglesia gana protagonismo y se termina aliando con el poder imperial desde tiempos de Constiniano. Frente a ello y la relajación de costumbres que trajo entre la comunidad cristiana, numerosas personas renunciaron a la ciudad como fuente de peligros morales y se retiraron a sus propios desiertos para vivir en una pobreza absoluta.

 

La lista en estos primeros siglos fue enorme: San Simeón el Estilita (que vivió encima de una columna), San Antonio Abad, San Sabas… Su ejemplo sería continuado por numerosas personas durante toda la Edad Media, siendo el origen de cenobios y monasterios al ir uniéndoseles discípulos ante su fama de santos.

 

Por tanto ya sabemos qué pretendían estas tres personas pero, ¿por qué precisamente en Orusco?

Aquí nos internamos en la leyenda, tan fiable como la propia historia para la gente del medievo. San Dámaso, papa reformador y muy pronto encumbrado como santo, tuvo como secretario personal a San Jerónimo antes de su huída al desierto y suya fue la idea de que el santo escribiera la ya citada Vulgata (que desde el siglo XVI será considerada única versión admitida de la Biblia que nosotros ahora conocemos).

Esta papa del siglo IV nació en algún lugar de España, siendo Orusco una de las posibilidades (para entonces creída la cierta). Fue por ello que los tres ermitaños acudieron a su entorno, viviendo en las grutas que la caliza ha ido formando en sus páramos y reuniéndose en el entorno de la actual ermita durante casi 20 años, cuando en 1370 se trasladan a Lupiana (Guadalajara).

 

 

Tomado de http://www.aache.com/monaster/guadalajara_lupiana.htm

 

Tres años después el ejemplo de estos tres primeros hombres conseguirá sus primeros frutos, y la orden Jerónima será sancionada por el Papa. Desde entonces esta comunidad, tan típicamente hispana, que pronto creó grandes centros espirituales como Guadalupe, y se vinculó con la monarquía hispana, que los integró en sus grandes palacios (Monasterio de Yuste de Carlos V , el famoso Escorial de Felipe II, los jerónimos de Madrid en donde pasaba sus retiros Felipe II y que fue el futuro Palacio del Buen Retiro del que hoy conservamos sus jardines.

Idéntica actitud mantuvieron los reyes portugueses, que financiaron el gran monasterio de San Jerónimo en Lisboa, una de las grandes iglesias del país que estuvo vinculada a la aventura atlántica que les llevó a descubrir la ruta africana a las indias.

 

En Hispanoamérica la orden jerónima tuvo su más alta expresión en Sor Ines de la Cruz, poeta barroca, muy compleja de leer, que es una de las lecturas favoritas de Berthlod

 

 

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Sor-Juana.jpg

 

Y todo ello comenzó en Orusco, hace más de 600 años, en cualquiera de las decenas de cuevas escondidas que guardan sus páramos que se asoman al Tajuña

 

 

Vicente Camarasa

Etiquetas: , ,

05/02/2009 15:03. sdelbiombo #. Alcalá de Henares y sureste Madrid No hay comentarios. Comentar.

SÓLO FALTAN DOS MESES

 

Palio de la Estrella.

 

Hoy me ha escrito un amigo de Sevilla recordándome que sólo faltan dos meses para el mayor espectáculo barroco del mundo: la Semana Santa de Sevilla.

Parece mentira, pero ya está ahí al lado, y en la hermandad de la Esperanza de Triana ya están limpiando la plata para que pueda relucir su palio en la noche mágica de la Madrugá. La verdadera noche de los dones, la noche de la magia y los resplandores.

Por eso no me he podido resistir y he tenido que escribir este post en un día tan amargo.

Os dejo un vídeo de la Esperanza entrando en Campana

 

http://www.youtube.com/watch?v=E0EucUAS5Tg&feature=related

 

Vicente Camarasa

06/02/2009 22:42. sdelbiombo #. Semana Santa Hay 3 comentarios.

IGLESIA DE SANTA MARÍA EN EL CAPITOLIO. COLONIA

Ahora presentamos la Iglesia románica más grande de Colonia, con tamaño casi catedralicio, midiendo unos 70 metros de largo y 45 de anchura en el coro. Se trata de Santa María en el Capitolio. Como su nombre venerable indica, en esa colina céntrica, cerca de las orillas del Rin, se había encontrado ya un templo romano, remplazado hacia el año 50 d.C. por una primera capilla cristiana. Hacia el año 700, esa pequeña iglesia fue remplazada por una mucho más grande, consagrada a Santa María. Durante el Siglo XI, derribaron ese edificio para construir el templo majestuoso, cuyas características han llegado a nuestros tiempos por la reconstrucción después de la Segunda Guerra Mundial.

Es que una abadesa benedictina la que perteneció a la casa imperial de los Otones (fue nieta del Emperador Otto II.) mandó esa construcción ambiciosa. La galería interior en el remate occidental donde se encuentra la entrada principal recuerda por su estructura  a la famosa Capilla Palatina de Carlomagno en Aquisgrán, lo que subraya el rango imperial de Santa María en el Capitolio. El grandioso coro en forma de una hoja de trébol, tan singular y única en el Románico de esa región, reproduce sorprendentemente la planta de la Iglesia de la Natividad de Belén. Como la abadesa poderosa Ida pertenecía a la familia del Emperador Otto, no había duda de que la casa imperial del Sacro Imperio otorgaba generosos privilegios a ese convento benedictino y a su soberbio templo, consagrado en 1065. Debajo de Santa María en el Capitolio se puede descubrir una de las criptas más grandes de toda Alemania, una auténtica iglesia subterránea, austera y espaciosa - (y el escenario ideal para rodar una película de vampiros).

 

Mirando atrás al entrar, lo primero que sorprende es la galería encima de la puerta principal que recuerda los arcos de la Capilla de Carlomagno en Aquisgrán - otra referencia imperial. En su interior, el templo románico más grande de Colonia guarda ricos tesoros que pertenecen a la decoración original. A la derecha de la entrada, se encuentra un interesante relieve que muestra el Santo Entierro, de estilo gótico del Siglo XIV.

 

 

El detalle más famoso y quizás también el más precioso de Santa María en el Capitolio es la puerta románica original de 1065, considerada la más antigua de su estilo en toda Alemania y una de las más antiguas del Arte Románico, perfectamente conservada. Es un milagro que haya sobrevivido la Segunda Guerra Mundial. Esa puerta tan singular muestra escenas de la vida de Jesús, algunas con detalles muy originales y graciosos. Hay que fijarse en la Virgen sentada en el burro durante la huida a Egipto y en el parasol etíope (un parasol como los que los sacerdotes en Etiopia suelen utilizar durante misas al aire libre, por ejemplo en la fiesta de Epifanía).

 

 

 

Otras joyas de esa iglesia son las losas del sepulcro de la fundadora del convento, Plektrudis, una románica que data de 1160 (en el suelo cerca de la pared de la nave lateral norte) y otra gótica del año 1280 (en la pared de la nave lateral sur). Ésa última destaca por un soberbio relieve que muestra una Virgen majestuosa llevando un modelo de la iglesia Santa María en el Capitolio en sus manos.

Pero lo más espectacular es el famoso atril  renacentista que data de 1523, una de las pocas obras de arte del Renacimiento en la ciudad de Colonia, tan marcada por el Románico y el Gótico. Se trata de una obra excepcional, labrada en piedra blanca y mármol negro y contiene una galería de estatuas de santos y de relieves originales presentando escudos y caballitos, de una estructura tan filigrana que recuerdan el estilo plateresco de España. Delante del atril se encuentra la "Virgen de Limburgo" con el Niño Jesús, una estatua gótica del Siglo XIII ricamente policromada. El atril separa las tres naves de la iglesia del espacio del famoso coro trebolado.

 

 

En el recinto del coro se concentra la mayoría de las obras de arte que pertenecen a la decoración original del templo. Enmarcando el coro románico, hay dos capillas góticas, añadidas a la iglesia en los siglos XIV y XV. La capilla a la izquierda, bien austera, está dominada por una Cruz de la Peste del temprano Siglo XIV que muestra un sencillo Crucificado gótico lleno de heridas de la peste.

 

 

A la derecha del coro está la Capilla de la familia Hardenrath, algo posterior. En esa capilla suntuosa destacan una vidriera gótica con una escena del Calvario en el centro,  la bella estatua de una Virgen gótica y un retablo bien tallado del Siglo XV.

Enfrente de la capilla de Hardenrath, en una columna del coro se puede contemplar la llamada "Virgen de la Pera" que data de 1180. Hay una bonita leyenda acerca de esa virgen. A finales del XVIII o principios del XIX, durante años, un niño le puso cada semana una pera fresca a los pies de la estatua, ofreciéndola a la Virgen, así que aparte de la pera de piedra en sus manos, la Virgencita siempre tuvo otra fresca a sus pies. Y desde entonces, casi siempre hasta el día de hoy se encuentra al menos una pera fresca al lado de la estatua.

Quizás la escultura más sobrecogedora que podemos encontrar en la Iglesia de Santa María en el Capitolio es una magnífica Piedad gótica que se encuentra en el coro, a la izquierda de la Capilla de Hardenrath y delante de una vidriera antigua de vivos colores. 

Aparte de vidrieras modernas, el templo conserva pocos pero preciosos ejemplos de las vidrieras góticas originales. Una de esas vidrieras muestra un Calvario y otra presenta una Magdalena melancólica y llorando (esa última vidriera debe de ser ya del XVI y renacentista)

 

 

Lo más impresionante de la Iglesia románica más grande de Colonia no se concentra en una obra de arte singular, sino en la atmósfera mística del coro trebolado, el que no sólo es excepcional por su planta, sino por la luz difusa que entra por las vidrieras pequeñas y por una magnífica galería gótica, obra filigrana dentro del coro románico que parece como si fuera un claustro dentro del templo. Con motivo de festivos religiosos como la pascua o la Navidad se encienden cientos de cirios encima de esa galería y entonces, inundada por una luz mágica,  esa bella iglesia se convierte en un milagro

 

Texto: Berthold Volberg. Fotografías Thomas Jaeckel y Vicente Camarasa

Etiquetas: , ,

07/02/2009 19:53. sdelbiombo #. Colonia Hay 1 comentario.

LA BALSA DE LA MEDUSA. GERICAULT. EL PRIMER CUADRO ROMÁNTICO

 

 

Tomada de wikipedia.org

 

Aprovechando el magnífico artículo de Alejandra, vamos a saber más sobre uno de los primeros cuadros del romanticismo que nos puede ayudar a entender el estilo

 

Tema. Gericault elige para este cuadro un tema contemporáneo y polémico (por lo que tenía de crítica antigubernamental), el naufragio del buque de la Medusa frente a las costas africanas. Los náufragos de esta nave harán, con sus restos, una balsa en la cual tres personas conseguirán llegar a tierra. Sus testimonios, publicados por los periódicos, le servirán al pintor para recrear la escena, buscando el momento de mayor dramatismo, cuando, a la vista de un barco lejano, los náufragos se esfuerzan en llamar su atención haciendo ondear sus camisas sobre la plataforma desvencijada y llena de muertos.

Esta elección del momento nos acerca hacia una de las claves del pensamiento romántico, la tragedia. Entendida ésta como una confrontación entre el hombre y su destino, representado en el cuadro por las poderosas y ciegas fuerzas de la naturaleza (mar embravecido, tormenta) que hacen inútil toda lucha, conduciéndole al fracaso. El marco natural (el paisaje) utiliza un concepto típicamente romántico: lo sublime. Esta categoría estética se refiere a todo aquello que supera la razón a través de lo abrumador o irracional, enfrentando al hombre con aquello que le es superior y le conmociona.,

Soporte y técnica. Óleo sobre lienzo de grandes dimensiones.

Composición. La escena se construye sobre el eje de una gran diagonal que nos llevaría desde el cuerpo muerto y extendido de la izquierda hasta el momento culminante del hombre que, alzado por sus compañeros, ondea la camisa. Frente a ella, y en sentido contrario, se cruza una segunda diagonal desde el cuerpo de la esquina derecha que culmina en la improvisada vela hinchada. (Composición en aspa).

Tomado de beatrizcollado.wordpress.


Gracias al enlace de las posturas de los personajes, el cuadro se nos presenta como una masa humana en pleno dinamismo que, preservando los caracteres y gestos individuales, busca la expresión de un movimiento unitario y dramático. (Tal composición nos recuerda a las barrocas  de Rubens o Caravaggio).

Caravaggio. Crucifixión de San Pedro

 

El dibujo es preciso, predominando en la zona ocupada por las figuras humanas en donde podríamos hablar de un cierto detallismo. Por el contrario, para el cielo y el mar utiliza una pincelada mucho más suelta que consigue una mayor verosimilitud e integra perfectamente la escena.

El color. Al igual que Caravaggio, el tono general del cuadro lo determinan los tonos cálidos de los marrones sobre los que se destacan los puntos rojizos del hombre de la camisa o la vela. Su elección responde a la idea ya comentada. Buscan acercar al espectador la tragedia a través de la emoción.

La luz es fuerte, dirigida y con claros valores expresivos. Con indudables recuerdos del tenebrismo de Caravaggio, Gericault busca con ella la creación de un ambiente dramático, acentuando los gestos de los personajes. La luz, sus fogonazos, nos arrancan los distintos ademanes para dirigirnos la atención hacia ellos (muertos del primer plano, personajes que se abalanzan hacia delante en busca de su última oportunidad, hombre que ondea la camisa...). En el fondo, el fuerte resplandor del atardecer sobre el cielo nuboso, sirve como cierre luminoso y dramático de la escena.

 

Tomado de estudiandoloartistico.wordpress.com


El espacio. Su tratamiento busca, ante todo, dar una mayor importancia a la escena que ocurre en la balsa. Para ello, el pintor elige un punto de vista elevado que nos permite apreciar todos los distintos sentimientos de los náufragos, cerrando el espacio por una línea de horizonte muy alta que reserva el tercio superior del lienzo a la representación de un cielo tormentoso que acentúe la tragedia.

En el tratamiento del paisaje pueden observarse ciertos recuerdos de Tintoretto y sus cielos cargados que utilizaba, también, para dotar de un escenario dramático y heroico a sus escenas. (Al igual los barrocos utiliza la técnica de la perspectiva aérea).

 

Tintoretto. El traslado del cuerpo de San Marcos.

Tomado de wikimedia.

Tomado wikipedia

 

Figuras. Existe una fuerte tendencia hacia el realismo. Busca gestos expresivos y fuertes escorzos que le permiten intensificar el clima emocional a la vez que demuestran su exquisito dominio de la anatomía humana aprendido tanto del natural (utilizó numerosos estudios anatómicos realizados sobre miembros y cabezas de criminales ejecutados) como de los grandes maestros, como Caravaggio, Tintoretto o Miguel Ángel. (cánones hercúleos, posturas inestables o la forma serpentinata).


 

Miguel Ángel. Detalle del Juicio. Capilla Sixtina

Tomado de wikimedia.org

Tomado de estudiandoloartistico.wordpress.com

 

COMENTARIO

 

Esta obra puede considerarse perfectamente como un verdadero manifiesto de lo que será la escuela romántica, tanto en lo temático (visión trágica y pesimista de la realidad con un hombre enfrentado a fuerzas poderosas ante las que termina sucumbiendo, naturaleza sublime, sentimientos...), como en lo técnico (uso del repertorio manierista y barroco de diagonales, tenebrismo, colores cálidos, escorzos en busca de una imagen dramática y perturbadora que convenza al espectador a través de los sentimientos). Con todo se alejan por completo de la didáctica y la concepción ética del estilo anterior del Neoclasicismo.(Comparar con el juramento de los Horacios de David)

 

Tomado de estudiandoloartistico.wordpress.com


El propio Delacroix la tomará como base de una de sus primeras obras maestras (Virgilio y Dante o la propia Libertad guiando al pueblo), añadiendo a su estilo barroco las sugestiones del color y la pincelada suelta heredadas de Velázquez, Rubens y Veronés. Se conformará así la plena visión romántica, fruto, entre otras cosas, de la circunstancia histórica, inmersa en el carácter revolucionario del siglo XIX en donde las verdades tradicionales ya no se aceptan, se critican y se terminan derrocando a favor de los ideales, tan modernos, de individualidad, libertad y culto a las emociones.

  

 

Para saber más

No dejéis de leer el artículo de Alejandra que cuenta toda la historia del cuadro (y seguidlo hasta el final, pues merece la pena y hay un vídeo que os puede ayudar a entenderlo mejor)

 

El cuadro está comentado en

http://arte.observatorio.info/2008/06/la-balsa-de-la-medusa-gericault-1819

Esta página es muy interesante para los que comienzan a estudiar arte, pues las explicaciones son sencillas y muy visuales

 

Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , ,

08/02/2009 13:35. sdelbiombo #. Romanticismo Hay 2 comentarios.

ANISH KAPOOR. EL ARTE CONTEMPORÁNEO INDIO

 

Tomado de http://www.ngv.vic.gov.au/ngvwa

Ahora que vuelve Arco y que el país invitado es la India, quizás fuera el momento de hablar de uno de los artistas más fascinantes del panorama internacional, que une su origen (y filosofía) india, con las formas de expresión occidentales.

 

Las primeras obras que pude ver de él (todavía en fotos) eran pequeñas esculturas geométricas sobre el propio suelo que llamaban la atención por el color intenso, lleno de fuerza y contrastes, como el que se puede ver en un zoco de especias.

 

Tomada de http://mollytate.wordpress.com/geometric

 

Y es que algo de especias, de sensaciones a la que se unía una difusa espiritualidad. Las figuras estaban cubiertas por pigmento en polvo que se derramaba por el suelo, una técnica que recordaba a los templos hinduistas en donde el creyente saca su propio recuerdo del templo en las pisadas que llevan parte del polvo esparcido en su suelo.

 

Luego pasó mucho tiempo hasta que me volví a encontrar con Kapoor. Esta vez gue en directo, en el Reina Sofía. Se trataba de una gran piedra vaciada y pintada de un profundo negro el interior.

Realmente pocas veces he tenido una sensación tan vívida del vacío, de ese vacío oriental del que ya tantas veces hemos hablados en este tema. Un vacío lleno de sentido, un absorvente, hipnotizante vacío que era, en rigor, mucho más importante que la propia piedra que lo cobijaba.

 

 

Tomado de http://www.museoreinasofia.es/museoreinasofia/live/coleccion/autores/kapoor-anish.html

 

Más tarde la obra de Kapoor ha ido evolucionando a grandes instalaciones qque, aunque han dado más intensidad a sus emociones, han perdido un poco de esta suave intimidad de las primeras obras

 

 

Tomado de http://theloveumake.vox.com/library/posts/tags/anish+kapoor

Y es que Kapoor es la perfecta representación de la estética oriental, de su fascinante revelación de lugares más allá de los sentidos, apresados por estos pero en el fondo inconcebibles. En él viven esas sensaciones de vacío y plenitud, de encuentro con lo misterioso, de meditación silenciosa que hemos comentado en Rohtko o en Yves Klein.

 

Tomado de http://i2.photobucket.com/albums/y25/Hhyaena/AK282_m.jpg

 

Hay también un culto al color que es un Matisse evolucionado, una tactilidad (¡qué maravilla sería tocar sus obras, o quizás mejor, vivir en ellas!) que recuerda a Chillida y sus espacios interiores, suavemente apresados.

 

Tomado de http://visualarts.qld.gov.au/designyourowntour/details.php?id=55&pnum=20&project=APT5

 

Pues la escultura de este autor es, en el fondo, una simple excusa para contener el vacío y el color. Un objeto que distorsiona la realidad de la sala, la sacraliza sin necesidad de dioses y , como el proverbio chino, se convierte en un dedo que señala a la luna, un mediador entre nosotros y el resto, una gran maquinaria sensitivo-espiritual que más parece música, como un cuenco tibetano para los ojos (y los dedos).

 

Tomada de http://www.studio-international.co.uk/studio-images/kapoor/21b.asp

 

Ahora en Madrid se pueden ver cosas suyas en Arco y la Fundación el Canal, además de la pieza del Reina Sofía. Realmente merece la pena acercarse a ellas pero con un espíritu abierto: sólo veremos en ellas lo que tengamos dentro, son grandes espejos (Como su último Espejo Islámico de Murcia) de emociones, de suaves pero profundas sensaciones que rompen la dualidad entre sentidos y razón. Lugares sagrados  pero no divinos, sino profundamente humanos.

Quizás quede más claro con alguna de sus declaraciones recientes extraídas de http://www.elpais.com/articulo/arte/color/sustancia/valor/fisico/elpepuculbab/20060128elpbabart_2/Tes

Yo hago un arte abstracto que busca el significado, el contenido. El contenido que he descubierto es el del interior del ser humano

 

No tengo nada que decir como artista, no creo que decir algo sea importante pero pienso que es posible crear lugares cargados de energía. Ámbitos de cierta intensidad

 

La belleza de ser artista es que el significado está siempre en proceso, la obra está sólo señalando hacia una probabilidad. Eso permite que surja la poesía

 

 

 

Para saber más y ver más obra suya

http://www.enriquecastanos.com/kapoor.htm

http://www.ritnit.com/2007/09/13/anish-kapoor-bombay-india-1954

http://theloveumake.vox.com/library/posts/tags/anish+kapoor

 

Vicente Camarasa

Etiquetas:

LOS TEMPLARIOS, UN POCO DE HISTORIA SOBRE TANTA ESPECULACIÓN

Castillo templario de Ponferrada

 

En numerosas ocasiones la historia de los Templarios se ha escrito a partir de una supuesta mística que les vincula con el Grial y su defensa a lo largo de la historia pasando por rosacruces, masones y toda una suerte de cabalistas y cantamañanas que han generado mucha pseudo literatura y también un gran número de películas auténticamente surrealistas sobre el particular. Todas estas teorías a históricas fueron puestas en solfa por una gran escrito Umberto Eco, quien en el  Péndulo de Foucault, Ed. Lumen, 1989, criticó a esta literatura “fantástica” que ha intentado ver intriga en lo que fue una realidad histórica perfectamente verificable.

 

Me parece especialmente sugerente el párrafo de Eco, en el Péndulo, pág. 260, con curiosas especulaciones en torno a un kiosco: “No. Pero un tal Jean-Pierre Adam lo hizo con otro kiosco” Supongo que estos kioscos tienen más o menos las mismas dimensiones. Con los números se puede hacer cualquier cosa. Si tengo el número sagrado 9 y quiero obtener 1314, fecha en que quemaron a Jacques de Molay, una fecha señalada para quien como yo se considera devoto de la tradición caballeresca templaría, ¿Qué hago? Multiplico por 146, fecha fatídica de la destrucción de Cartago. ¿Cómo he llegado a ese resultado? He dividido 1214 por dos por tres, etcétera, hasta encontrar una fecha satisfactoria. También hubiera podido dividir 1314 por 6,28, el doble de 3,14 y habría obtenido 209. Que es el año en que ascendió al trono Átalo I, rey de Pérgamo. ¿Están satisfechos?

Muchos autores de los que no citaré nombres se han hecho millonarios haciendo supuestas investigaciones que no eran sino fabulas numéricas sobre símbolos de cantería que se atribuían a templarios, como los supuestos de la iglesia de la Veracruz de Segovia, que nunca perteneció a los templarios y que ya hace varias años documentamos claramente vinculada a la Orden del Santo Sepulcro de Jerusalén (Vid. VV.AA,  Actas del Primer Simposio Histórico de la Orden de San Juan en España, Toledo 2003)

 

 

Parece que todo empezó, allá por 1118, en tiempos de la primera Cruzada, bajo el reinado de Balduino II, en un lugar de por sí vinculado a la leyenda donde llegaron nueve personajes, guiados por un tal Hugo de Payns, que constituyeron el primer núcleo de una Orden de los Pobres Caballeros de Cristo, una orden monástica, pero de espada y armadura. Ellos cumplirían los tres votos de casi todos los cistercienses: pobreza, castidad y obediencia al que unirían el de defensa de los peregrinos. Se les instaló en le viejo claustro del Templo de Salomón, de ahí su nombre la Orden del Temple.

Su presencia peninsular se inicia de forma espectacular formando parte de los herederos de Alfonso el Batallador y esto les permite extenderse por la Península, en diferentes lugares Calatrava, se les atribuye la fundación de Coimbra y un largo etcétera. Bien es cierto que esta Orden junto con otras internacionales como los Hospitalarios, tuvieron poco peso en la Península Ibérica, inicialmente recibieron muchos territorios, pero sus intereses estaban fuera de la Península, por lo que fueron rápidamente sustituidos por Ordenes hispánicas, baste recordar que la huida de Calatrava ante el empuje de los almorávides, provocó que naciera en torno a este lugar una de las Ordenes más importantes en Castilla y León, la Orden de Calatrava.

 

 

Canecillos de San Bartolomé en el río Lobos. Soria

La Orden del Temple como el resto de órdenes militares peninsulares, fueron la base de la implantación del feudalismo en la Península. La ocupación, organización y puesta en explotación de la Submeseta Sur se les debe atribuir a estas organizaciones cuyo peso socioeconómico es bastante más importante que su función militar, lo siento por los exotéricos pero estas “multinacionales” medievales tuvieron sobre todo un gran peso en el desarrollo de la economía feudal, siendo las escaramuzas militares, tras las Navas, más que una justificación de su labor de organización de un espacio de frontera.

 

Castillo templario en Tomar. Portugal.

Esta será también la explicación de su declive, ellas contribuyeron a la consolidación monárquica que una vez establecida vio en ellas un peligro para su poder y en unos casos las controló copando todos los puestos de poder (maestrazgos y prioratos) y en otros como el Temple se decidió acabar con ellas con acusaciones muy del estilo de la Inquisición pero buscando controlar lo realmente importante: su patrimonio económico.

  

 

No es menos cierto que en la Península Ibérica, la persecución a los templarios fue mucho menos contundente que en Francia y su continuidad quedo asegurada en otras órdenes como Montesa en Aragón, Avis en Portugal y Alcántara y Santiago en las zonas leonesas, siendo a nivel internacional la Orden de San Juan (los hospitalarios), los continuadores de estos caballeros que lejos de ser unos místicos fueron muy pragmáticos poniendo en práctica ya desde antiguo esas teorías de la asunción de la multiculturalidad que tanto gusta a los políticos actuales. Podemos decir que las OOMM en general y los Templarios en particular fueron los primeros agentes de la globalización económica, eso si, no de la capitalista sino de la feudal y esto les costó caro en un contexto de consolidación de las monarquías nacionales.

 

JV

 

Etiquetas:

NAVEGAD POR INTERNET, PERO CON SEGURIDAD

JV lleva unos días de frenética actividad y parece estar en todos los sitios. Ayer, en su blog publicó un interesante artículo sobre Internet y jóvenes

Se trata de una reflexión sobre los peligros de Internet y los menores, con estupendo enlace a un artículo de Cristóbal Suarez, de la Universidad de Salamanca, del que extrae el DECÁLOGO que todos, no solamente ellos, deberíamos cumplir a rajatabla a la hora de navegar por internet. Merece la pena no sólo leérselo, sino copiárselo para tenerlo siempre a mano

Vicente Camarasa

13/02/2009 00:41. sdelbiombo #. CUIDADO, TELEVISIÓN No hay comentarios. Comentar.

ESCENAS MARROQUÍES II

 

 

Tras la lluvia

 

 

Arabescos

 

 

 

 

 

Tras la ventana se encuentra el camino

 

 

Y detrás, el desierto. Atlas

 

 

De cuando aún existían ángeles

 

 

Hoy tampoco hay colegio. Las zapatillas

 

 

El escritor de dunas

 

 

El tiempo sin tregua

 

 

La promesa del paraíso. Marrakech

 

 

Los palacios encantados

 

El grito.

 

 

Personaje. La mirada devuelta.

 

 

El sol atrapado del zoco. Vendiendo sombras

 

 

Los dos Marruecos

 

AQUÍ TIENES LA PRIMERA PARTE

 

Vicente Camarasa

 


13/02/2009 17:40. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 4 comentarios.

MARIA ANTONIETA. DESDE EL ROCOCÓ A LA GUILLOTINA DE LA REVOLUCIÓN

 

 

Tomada de

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3b/Marie_Antoinette_Adult4.jpg/425px-Marie_Antoinette_Adult4.jpg

 

He encontrado una serie de pequeños vídeos en You Tube de la película Maria Antonieta de Sofía Coppola. Son verdaderamente magníficos para entender el espíritu rococó francés y su brusco final derivado de la revolución francesa (el Terror).

La película, vista globalmente, es bastante mala, pero la ambientación de la época y la fotografía son fantásticas. Quizás lo único que os puede chirriar un poco es la banda sonora, pues la directora apostó por eliminar la típica

 

La escena de la compra de vestuario es verdaderamente alucinante. Maria Antonieta y sus cortesanas eligen entre un amplísimo catálogo de ropas y complementos, a cual más rococó (zapatos, abanicos…) La riqueza desborda todo, la riqueza y una gran frivolidad típica del final del Antiguo Régimen. Por favor no os perdáis al perrito. Seguro que muchas cosas os recordarán al Goya de los cartones para tapices

 

http://www.youtube.com/watch?v=cLJ1vuUWprA&feature=related

 

Aquí tenéis la fiesta de coronación de Luis XVI y Maria Antonieta. Todo es frívolo, artificial, exquisitamente elegante. Hay unos exóticos chinos decorando, juegos, comida por doquier, pelucas blancas, plumas, pasteles de un estética…,galanteos. El rococó en movimiento

 

http://www.youtube.com/watch?v=aKlIHvOFTOk&feature=related

 

En éste nos enseña una faceta que también llegará a España, cómo esta aristocracia redescubre la Naturaleza (todavía pintoresca, no sublime como será la romántica) y charlan y ríen en ella, como su fueran campesinos, aunque no lo sean. Por favor, no perderos la ovejita, es el espíritu rococó condensado.

 

http://www.youtube.com/watch?v=Mn3tu3ZxCjw&feature=related

 

La película termina con la decapitación en la guillotina de Maria Antonieta. El final del un Antiguo Régimen y el principio (brutal) de la modernidad. Es una gran metáfora del final del mundo rococó, de su exquisitez que los sans culottes destrozarán y darán paso al famoso Terror (en Historia) y al neoclasicismo (en Arte)

 

http://www.youtube.com/watch?v=uHRAdMLDwjA&feature=related

 

Si queréis ver más sans culottes gritando y el juicio hecho por los jacobinos en su famoso Comité de Salud Pública, existe otra versión más antigua

 

http://www.youtube.com/watch?v=JFkcflVjAAY&feature=related

 

Vicente Camarasa

15/02/2009 21:42. sdelbiombo #. ARTE SIGLO XIX Hay 2 comentarios.

MÁS PAISAJES EN GEOBIOMBO

Al igual que el tema de la ciudad, existen muchos más artículos sobre paisajes naturales, paisajes geológicos o climas en Geobiombo

17/02/2009 17:50. sdelbiombo #. Mirar el PAISAJE No hay comentarios. Comentar.

MÁS CIUDAD EN GEOBIOMBO

En el nuevo blog de geografía que estamos iniciando, GEOBIOMBO,  tenéis más artículos sobre la ciudad y el urbanismo.

17/02/2009 17:56. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD No hay comentarios. Comentar.

ARTE VIKINGO

 

Una antigua alumna ha escrito en su blog que tenemos ya vinculado un interesantísimo artículo sobre arqueología vikinga. Lo podéis encontrar http://laculpalatienewarhol.blogspot.com/2009/02/una-de-vikingos-por-fin.html

Etiquetas:

17/02/2009 17:58. sdelbiombo #. Prerrománico No hay comentarios. Comentar.

EL ORIGEN DEL PAISAJE

Piero della Francesca. Reverso de los retratos de Federico de Montefletro y Batista Sforza. Quettrocento

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Piero_della_Francesca

 

Estamos tan acostumbrados a utilizar algunos términos que nunca nos hemos planteado que no siempre han existido o significado lo mismo. Pero es importante analizar el momento en el que han surgido y cómo han ido cambiando o evolucionando a lo largo de la historia para comprender mejor a la sociedad que los creó  y también a la que los ha cambiado. En este caso el concepto que vamos a analizar es el de “paisaje”.

 

El concepto “paisaje” es relativamente moderno en nuestra sociedad. De hecho aquí en Europa es un concepto que surge en el renacimiento. No es casual que surgiera en esta época y no antes, ya que anteriormente la naturaleza, que es más o menos lo que hoy denominaríamos paisaje, no era algo que contemplar, sino algo incontrolable que delimitaba el medio en el que se podía vivir. Algo inhóspito, oscuro, donde nadie debía adentrarse… de tal modo que nadie, evidentemente, podía detenerse a observar el encanto paisajístico de una montaña o un bosque por ejemplo. Esta es la situación con la que nos encontramos en la edad media y que irá desapareciendo poco a poco a partir de mediados del siglo XIII en el que el crecimiento de las ciudades dará  paso a un nuevo concepto de la naturaleza.

 

 

 

Jam Van Eyck. Detalle de la Virgen del Canciller Rolin

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jan_van_Eyck

 

Si bien es cierto que el concepto paisaje surgió en el renacimiento, también es cierto que las civilizaciones griegas y romanas, ya se detuvieron a mirar con otros ojos la naturaleza que les rodeaba. No llegaron al actual concepto, pero eran capaces de ver lugares bellos, con encanto, tranquilidad… que les hacía construir fincas maravillosas a las afueras de las ciudades, en el campo, en lugares a los que hoy calificaríamos como paisajes maravillosos. Además no debemos olvidar que en los mosaicos y pinturas, las pocas que se conservan, romanas y de copias anteriores griegas, encontramos también motivos a los que hoy denominaríamos paisajes.

 

 

 

Complutum. Posible decoración de domus al estilo ilusionista.

 

Lo cierto es que todo estaba preparado para que Roma descubriera el paisaje, pero entonces apareció el cristianismo y lo volvió a ocultar. O al menos eso nos demuestran los propios escritos de San Agustín, en los que se afirmaba que la naturaleza no debe ser admirada para encontrar la verdad y la belleza divina… Realmente fue esta ortodoxia agustiniana la que impidió el descubrimiento del paisaje.

 

Pero volvamos al renacimiento. Estamos ya en ese momento en el que la naturaleza es un elemento controlado y el ser humano puede empezar a disfrutar de ella y dejar de verla como un entorno hostil o como un medio de vida. Es esta época en la que las villas empiezan a ser construidas con todo su esplendor. La gente quiere salir de las ciudades y recrearse en sus casas en la naturaleza, ese es el origen del término actual “paisaje”, es decir, la naturaleza propiciando un disfrute tanto físico como psíquico. Ahora empieza la verdadera pintura de paisaje que había tenido sus primeros indicios en los detalles paisajísticos que Giotto introducía en alguna de sus obras, o en algunas de las obras de los Lorenzzeti.

 

 

Giotto. Asis. Escena de San Francisco partiendo la capa con un pobre

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Giotto_di_Bondone

 

Pero, ¿qué es lo que realmente distingue un entorno natural de un paisaje? Yo creo que es algo evidente. Si algo nos enseñó el romanticismo es que lo que le aporta a la naturaleza el carácter de paisaje es la proyección de los sentimientos de cada uno en ella. Esto hace que el concepto “paisaje” sea algo puramente subjetivo, ya que depende exclusivamente de la persona que lo está observando y de lo que allí quiera ver y proyectar. Luego lo que es paisaje para un individuo no tiene por qué serlo para otro.  Entonces no sé hasta qué punto es del todo correcto que empleemos un término o concepto universal como es “paisaje” para denominar algo que realmente es personal. El paisaje es una apreciación estética de la naturaleza, o lo que es lo mismo, subjetiva, ya que cualquier apreciación estética siempre, a mi modo de ver, será subjetiva.

 

Giorgione. La tempestad.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Giorgione

 

Después de todo lo dicho… ¿no se parece un poco el término “arte” al de “paisaje”? Yo diría que sí. Son dos términos que no existen desde siempre y que no están implícitos en todas las culturas ni períodos históricos. Como pasa con el término “paisaje”, el “arte” también es un concepto universal, siendo realmente un término individual. El arte, como el paisaje, está en la persona que lo está mirando, no directamente sobre la obra o sobre la naturaleza. El más claro ejemplo es el del arte prehistórico. Somos nosotros, la sociedad actual, los que así lo denominamos y los que vemos en él lo artístico. Es decir, lo que hoy es arte prehistórico no lo fue en el momento en el que fue realizado, y no lo fue durante siglos y siglos a través de la historia. Empezó a ser arte prehistórico cuando alguien lo miró y descubrió en él un valor estético, al igual que pasó con el paisaje.

Estefanía Zorita

 

Etiquetas:

CLAUDE DEBUSSY, PINTOR DE MÚSICA.(PRIMERA PARTE)

 

Debussy fotografiado en 1908 por Nadar, el fotógrafo que cedió su estudio para la primera exposición impresionista

 

En palabras de Jesús S. Villasol “la música moderna tiene fecha y lugar de nacimiento: el 22 de diciembre de 1894 en París, Société Nationale de Musique”. Se está refiriendo al estreno de la primera obra de altos vuelos del compositor Claude Debussy (1862-1918). Y es que la música del francés es al siglo veinte lo que la música de Beethoven al diecinueve, el verdadero referente técnico y estético del que parten los compositores siguientes.

 

Os contaré un poco de las primeras andanzas de Debussy para situaros en el contexto. Si recordáis el artículo sobre Ravel, os hablé sobre el Concurso de Roma, como el más alto galardón al que un joven compositor estudiante del Conservatorio de París podía aspirar. A diferencia de Ravel, Debussy, pese a su rebeldía como estudiante y su fama de enfant terrible, sí gano el concurso, en 1884. Si el fracaso genera rebeldes, el éxito genera una categoría de disidentes muy sutiles y a veces muy profundos. Nada le podía resultar más irritante que la aprobación del mundo oficial: 22 de los 28 jurados votaron por él. Por tanto Debussy se trasladó a vivir a Roma para disfrutar de la beca de tres años que el Estado le concedía. Su estancia allí, en vez de suponer un motivo de inspiración, devino en una asfixia artística e incapacidad para componer. Escribió que visitó la Capilla Sixtina como “un hombre al que arrastran hacia el patíbulo” y se quejaba del “cielo eternamente azul”. Consideraba la Villa Medici, donde se alojaban los galardonados del resto de categorías como “una prisión” y llamó “tumba etrusca” a su habitación. Necesitado de París, regresó allí en 1887, antes de que finalizara su beca para zambullirse en el Montmartre de los años de la bohemia. Se convirtió en asiduo a los cafés de moda: el Chat Noir, la Taverne Pousset o el Reynold´s donde frecuentó las amistades de Toulousse-Lautrec, Marcel Proust, Stéphane Mallarmé o Collete quién describía sus actuaciones en los conciertos improvisados que organizaban de la siguiente manera: “La música parecía embriagar a Debussy... su cabeza, que recordaba al dios Pan, coronada por una maraña de rizos, sólo habría necesitado de un fondo de vides. Se sentaba tembloroso, como poseído por una excitación íntima. Sus ojos se deslizaban de un rincón a otro del local, como los animales de presa cuando están cazando. Reaccionaba ante la música como un cristal en forma de campana capta hasta las mínimas vibraciones para producir su perfecta pureza de tono”.

 

Monet. Port Goulphar. 1886

 

Pero sin duda, el acontecimiento social que marca un antes y un después, no sólo en la vida de Debussy, sino en la de tantos otros de sus contemporáneos, es la Exposición Universal de París de 1889, donde se pudo escuchar por primera vez en Europa músicas de oriente, como la de las orquestas de gamelanes de Java y Sumatra. Además del timbre especial de los instrumentos y de los juegos rítmicos, lo sorprendente para el músico occidental de la época fue descubrir la existencia de música hecha a partir de otras escalas. Me explico: para el músico occidental, la escala está dividida en 12 semitonos (o si pensáis en un piano, desde un do hasta el siguiente pasamos por 12 notas distintas: do sostenido, re, re sostenido, mi....) Sin embargo, la orquesta de gamelanes divide la escala únicamente en 5 o 6 notas. Estas escalas, denominadas pentáfonas y  hexátonas, serán empleadas por Debussy en su música junto a otras escalas de origen medieval de una manera nunca antes vista: como colores. Os propongo escuchar un fragmento de una obra de la época, los Juegos de Agua, de Ravel. El comienzo es música propia de “nuestro mundo”, pero a los pocos compases de su inicio, en el minuto 00.14 se escucha un ejemplo de estas sonoridades atípicas para la época, como una inmersión momentánea en un paisaje distinto.

 

http://www.youtube.com/watch?v=ldPMifPbngc 

 

-Orquesta de gamelanes.

 

http://www.youtube.com/watch?v=J_36x1_LKgg 

-Juegos de agua, de Maurice Ravel.

 

Rafael Gordillo

Etiquetas:

20/02/2009 14:39. sdelbiombo #. APRENDAMOS A ESCUCHAR No hay comentarios. Comentar.

LOS JARDINES ORIENTALES (I). LA SEGUNDA NATURALEZA

 

Tomado de

 http://foroarchivos.infojardin.com/foro-paisajismo/infojardin/foroarchivos/foro-paisajismo/180656-ejecucion-obras-jardineria-jardin-entrada-casa-zgz-5.html

 

Una brisa susurra, ligera, entre los juncos;

Abro la puerta: es una lluvia de luna que invade el lago (…)

En esta noche profunda en la que hombres y cosas se ignoran,

Solos, mi cuerpo y mi sombra juegan.

El oleaje nocturno dibuja versos de tierra sobre la orilla;

La luna que se cae se agarra a los sauces como araña suspendida

(Su Che, 1035-1100)

 

En el mundo oriental será China quien inicie su peculiar historia de la jardinería en la que iremos viendo diversos modelos (jardines imperiales, de letrados…) e influencias (taoísmo, confucionismo, budismo) que irán evolucionando en el tiempo e influirán de forma directa en el mundo japonés.

Sin embargo, y antes de introducirnos en sus distintas variantes, deberíamos hacer una pequeña introducción sobre alguno de los elementos fundamentales del su concepto de naturaleza y, derivado de él, de jardín.

 

Como ya se ha visto, la Naturaleza y su relación con el hombre es muy distinta en el ámbito oriental que en el occidental. Mientras el europeo intentó desde el primer momento hacer jardines como una forma de dominar la naturaleza, considerada en gran parte hostil, el oriental intentará en todo momento integrar el jardín en la Naturaleza para acercarla al hombre y hacerle partícipe de los ritmos de la naturaleza. No habrá, por tanto, grandes divisiones entre jardín y entorno, que, aunque separado por un muro, se intentará integrar, siendo el interior tan cuidado como el exterior para que la vista consiga confundirlos e integrarlos en un todo. Por ello, a la hora de planificar el jardín, se intentará tener en cuenta su entorno, normalmente boscoso o las propias montañas, que se incluirán en el proyecto.

 

Tomado de http://www.zazen.es/mkyoto.html

 

El espectador podrá así pasar de lo interior a lo exterior sin ningún tipo de choque visual, y las copas de los árboles exteriores se confundirán con los motivos interiores, haciéndolas de telón de fondo, al igual que las montañas reales que se convertirán en ecos de las construidas.

 

 

Tomado de http://www.construyendounacasa.com/2008/02/21/jardines-japoneses

 

Siguiendo esta idea, el  jardín, salvo raras excepciones como el jardín zen japonés, huirá de las formas geométricas (demasiado humanas) y se lanza a las formas curvas e irregulares. Esto es visible desde sus famosos puentes curvos que tanto fascinaron a los impresionistas (les hemos terminado por llamar puentes japoneses, aunque su origen sea chino), a los arroyos serpenteantes y con orillas pedregosas, cascadas naturalizadas, grandes lagos de bordes inciertos… Sólo la arquitectura será regular (jugando así a la típica  contradicción del yin yang) creando una contradicción dinámica entre lo natural y lo artificial)

 

 

Tomado de http://www.amueblarcasa.com/jardin/21/el-jardin-japones-un-universo-en-miniatura

 

Por otra parte, y como es también habitual a partir del taoísmo (y reforzada luego por el budismo) el jardín (como cualquier realidad) tiene una doble dimensión: la de su propia materialidad que es percibida por los sentidos) y la de ser un ejemplo, una metáfora de la armonía universal (Ki). Todo se refiere a todo, cada cosa es el índice de la universalidad, pues todo se encuentra relacionado y en plena mutación.

Este ideario (vitalista, antirracional, profundamente intuitivo y subjetivo) será el responsable, entre otras cosas, del empleo de una vegetación que con sus cambios estacionales marque el paso el tiempo como uno de los grandes temas budistas (lo efímero), con sus famosos almendros y floración que indique la primavera, o la utilización de especies de hoja caduca que alcancen gran esplendor en otoño, marcando el paso al invierno por medio de un estallido de colores.

 

 

Tomado de http://www.aguasingas.com/index.php?pg=expos_visites/hasselt_aster1

 

De la misma forma el agua, se mostrará dinámica o reposada, como río o como lago, hablando del paso del tiempo pero también de la serenidad que ha de alcanzar el budista o taoísta que, de tan introducido está en la Naturaleza, que se mueve con ella en sus ritmos cíclicos, un movimiento constante que parece quietud, como sería el círculo, tan utilizado en el arte zen.

 

Para reforzar esta sensación irracional pero cierta, será habitual la presencia a la poesía que, como el título de un cuadro, ayudará al paseante a comprender los valores del jardín

Así habrá pabellones en donde se escucha el fluir del viento entre los pinos, aquellos desde los que se observa levantarse la niebla desde los estanques o por los querube el olor del bosque…, toda una serie de suaves pistas para que la experiencia del jardín se vuelva sinestésica, haciendo utilizar todos los sentidos para, como dice Baridon, crear espacios que buscan la serenidad; lugar propicio a la meditación y los amigos.

 

Biombito jardinero. Sara Gómez.

 

Vicente Camarasa

Etiquetas: ,

22/02/2009 08:22. sdelbiombo #. ARTE ORIENTAL Hay 1 comentario.

CLAUDE DEBUSSY, PINTOR DE MÚSICA.(SEGUNDA PARTE). PRELUDIO PARA LA SIESTA DE UN FAUNO

 

Picasso. Fauno

Tras habernos ocupado de sus primeras obras, ahora nos trasladamos al día del estreno de su famosa obra: Preludio a la siesta de un fauno. Inspirado en una égloga de su amigo Mallarmé, la obra propone una serie de novedades que rompían con todo lo anterior. Por un lado, en el aspecto técnico, está la orquestación (de la que Ravel es heredero directo). Para que entendáis cómo era la manera de componer para orquesta en la época (la manera genuinamente alemana) os propongo escuchar un fragmento de la 9º sinfonía de Bruckner.

 

http://www.youtube.com/watch?v=SL1cudMMUvI

-Bruckner, novena sinfonía, fragmento.

 

Es decir, una gran masa homogénea de timbres, como pintar una pared lanzando la pintura a cubazos. Todos fuerte, todos piano. Sin embargo, Debussy propone una orquesta de colores, y cuando hablo de colores me refiero a que la sonoridad propia y característica de cada instrumento se escuche independientemente. Fijaros cómo tras el célebre solo inicial de flauta (melodía por otro lado cargada de erotismo, sugerente, que ya nos introduce en el mundo mágico del fauno, como un despertar), suena la trompa, en respuesta, apoyada por un glissando del arpa. Por otro lado, en el plano estético, Debussy plantea una objetividad y un descriptivismo que choca con el tema del “yo” y la subjetividad de los compositores postrománticos. Debussy pretende no imitar, sino evocar una serie de sensaciones mediante los sonidos. Por ello, es una música sin desarrollo: los materiales se gestan, surgen y se diluyen, sin desarrollo temático alguno. Además de la versión orquestal, os propongo que escuchéis y veáis la versión con la coreografía que Nijinski preparó para los ballets rusos de Sergei Diaghilev y que se estrenó en 1912 (Debussy dijo que la coreografía le pareció “nauseabunda”, sin embargo, se convirtió en la piedra angular de todo el ballet moderno). Aún así, más allá de la técnica o de la estética, están las sensaciones que este fauno, símbolo del hedonismo y lo dionisíaco, despiertan en cada uno.

 

Picasso Suite Vollard.

Tomado de http://procultura10.blogspot.com/2008_06_01_archive.html

 

http://www.youtube.com/watch?v=B7tE1PvoSYI&feature=related

 

-Preludio a la siesta de un fauno (versión orquestal)

 

 

Suite Vollard. Picasso

Tomado de http://cotarelo.blogspot.com/2008/06/clasicismo-y-pasin.html

 

http://www.youtube.com/watch?v=Ncz-D1Vf13M&feature=related

-Preludio a la siesta de un fauno (versión coreográfica)

 

Rafael Gordillo

Etiquetas: , ,

LA MÁS JOVEN COLABORADORA DEL BLOG YA TIENE TAMBIÉN EL SUYO PROPIO

Interpretación de Vivaldi

Aurora, una niña de 11 años que comenzó a colaborar con nosotros desde el principio con sus maravillosos dibujos, ha abierto un blog nuevo. Si queréis entrar en él tenéis que pinchar en

http://nannysusi.wordpress.com

Esperemos que esto no le haga olvidarse de nosotros y seguir mandándonos dibujos, pues pocas veces en mi vida he visto tanto talento en un cuerpecito tan pequeño aún

EL VAN GOGH TODAVÍA IMPRESIONISTA

 

Siempre ocurre. Cada primavera, cuando veo el primer almendro florecido, recuerdo a Van Gogh.

Pero recuerdo a un Van Gogh muy concreto, aquel que aún era un poco feliz (o por lo menos creía en la posibilidad de la felicidad), y aún gritaba de alegría unos días después de llegar a Arlés y le escribía a su hermano Theo:

 

Estoy en un arrebato de trabajo, ya que los árboles están en flor y quisiera hacer un vergel de Provenza de alegría monstruosa (…) No dudo que amaré siempre la naturaleza de aquí; es algo parecido a las japonerías

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh

 

Era todavía un Van Gogh profundamente impresionista que había visto a los grandes maestros (Monet, Renoir, Pisarro…) en la galería de su hermano. Impresionista en su amor a la luz de ese nuevo sur que acaba de encontrar en Arlés pero también en su gusto por las estampas japonesas llenas de cerezos en flor. Bajo esas influencias pintó y pintó hasta agotarse, haciendo del color poco a poco el protagonista del paisaje.

 

Luego poco a poco su salud iría cediendo; demasiado tabaco y alcohol, un trabajo extenuante y mucha soledad en aquel Arlés que fue pasando de ser el Paraíso a irse convirtiendo en el Infierno de sus ataques (¿epilépticos?) que le dejaban días enteros postrado en la cama.

En todo ese camino su pintura iría perdiendo alegría mientras ganaba en concentración, haciendo de un pintor poco dotado en lo técnico un verdadero icono de la visión de la modernidad.

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh

 

Se perderán las flores y aparecerán los troncos secos

 

 

Vicente Camarasa

CLAUDE DEBUSSY, PINTOR DE MÚSICA.(TERCERA PARTE). EL IMPRESIONISMO?

 

 

Hablar de impresionismo en la música de Debussy es siempre un tema escabroso. Él tan pronto aceptaba el calificativo como lo denostaba. Sin embargo, lo que es indudable es la deuda con las artes plásticas que tiene su obra en general, con títulos como Imágenes, Estampas, En blanco y negro....  A menudo hablaba de la importancia de las asociaciones poéticas: “Mi música no tiene más fin que el de disolverse en las mentes de las personas bien dispuestas ante ella y capaces de identificarse con escenas y objetos”. A mí me gusta pensar en las obras de Debussy como acuarelas sonoras. Unas en un sentido más realista, con todas las comillas posibles, como las Estampas (Pagodas, El atardecer en Granada, Jardines bajo la lluvia) y otras quizá en un sentido que hoy podríamos llamar zen, como algunos de sus Preludios.

 

http://www.youtube.com/watch?v=FjBrR7mc44Q

-Estampas: Pagodas

 

http://www.youtube.com/watch?v=wuS-bupLsrU&feature=related

 

-Estampas: Atardecer en Granada y Jardines bajo la lluvia

 

http://www.youtube.com/watch?v=m91uefVNWJw&feature=related

-Imágenes: Peces de oro

 

catedral

http://www.youtube.com/watch?v=NsdIkUSjXv8&feature=related

viento

http://www.youtube.com/watch?v=1N5fvYejvXk&feature=related

pasos

http://www.youtube.com/watch?v=jFKfuanIfdU&feature=related

-Preludios: La catedral sumergida, Pasos sobre la nieve, El viento en la llanura

 

Puedes aquí consultar la primera parte y la segunda parte

 

Rafael Gordillo

 

Etiquetas:

28/02/2009 08:56. sdelbiombo #. APRENDAMOS A ESCUCHAR No hay comentarios. Comentar.


Blog creado con Blogia. Esta web utiliza cookies para adaptarse a tus preferencias y analítica web.
Blogia apoya a la Fundación Josep Carreras.

Contrato Coloriuris