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Se muestran los artículos pertenecientes a Julio de 2009.

¿QUÉ ES ESO DE LA POSMODERNIDAD? (Primera parte: de la modernidad a lo posmoderno)

 Buena pregunta. La posmodernidad es esto.

 

 

Tomado de http://clemenciasenil.blogspot.com/search?updated-max=2009-04-20T00%3A47%3A00-07%3A00&max-results=15

 

Es el momento cultural que nos ha tocado vivir. La etiqueta que le han puesto a la cultura desde los años ochenta (aunque sus raíces se encuentran en pensadores de finales de los 60). Intentaré explicarlo un poco.

La modernidad habría comenzado en torno al siglo XVIII con un movimiento llamado ilustración. Sus pensadores (Rousseau, Montesquieu, Voltaire, Newton…) querían llegar a la felicidad por medio de la razón. La razón aplicada a la política (de la que saldría nuestra actual democracia), a la ciencia (con el método científico), al arte (con el neoclasicismo) o a la vida cotidiana (eliminando todo tipo de supersticiones, de tradiciones ilógicas…).

 

 

Goya. Detalle de uno de sus famosos caprichos

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Caprichos

 

Este proyecto generó un enorme avance en todos los campos, y nos aportó el modelo tecnológico actual en donde nuestra vida está cada vez más ayudada por la ciencia, la tecnología, las máquinas…También consiguió enormes avances sociales (desde el voto universal a los derechos humanos) y económicos (la revolución industrial de finales del XVIII que fue haciéndose cada vez más potente hasta llegar a la actual globalización).

Todo esto estuvo muy bien, pero a mediados del siglo XX la modernidad comenzó a presentar cada vez más puntos oscuros. La ciencia que nos había ayudado tanto también sirvió para provocar las matanzas de la I y II Guerra Mundial o consiguió crear la bomba atómica. Las máquinas nos hicieron más poderosos y ricos, pero también comenzaron a destrozar el medio ambiente de nuestro planeta. La economía cada vez se agrandó más pero eso provocó crisis y también una pobreza cada vez mayor en algunos países (los subdesarrollados) y sectores de población.

Pero ahí no acabó todo. La teoría de la relatividad abrió caminos nuevos a la ciencia, que cada vez vio con mayor claridad que todo no era tan lógico como parecía (e incluso comprobó que el propio científico interfiere en los resultados de sus experimentos).

En el terreno del pensamiento las investigaciones de Freud demostraron que, además de la razón, el hombre se encuentra dominado por instintos subconscientes, y Marx y sus seguidores pusieron en evidencia que el capitalismo no era tan armonioso como parecía, y que llevaba dentro suyo el germen de su destrucción. El golpe de gracia lo daría Nietzche cuando, más que la razón, dio más valor a la voluntad, a los sentimientos, al poder. En sus escritos también mató a Dios, que ya era innecesario ante el superhombre.

En el terreno artístico la evolución pasa del culto al sentimiento (Romanticismo), a la denuncia (realismo) o al final de la representación (post-impresionismo). El mundo se romperá en pedazos con las señoritas de Avignon de Picasso.

 

 

Señoritas de Avignon. 1907. Picasso

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/363.htm

 

Como veis todas las grandes verdades (la felicidad que nos daría el capitalismo o la ciencia, la idea de Dios, la razón, la idea de igualdad…) se fueron poco a poco rompiendo, y nos fuimos dando cuenta de que el proyecto ilustrado tenía sus límites. Comenzó entonces una época de sospecha. ¿Qué era verdad, que podía serlo para siempre, qué deberíamos conservar?

La nueva sociedad nacida de todos estos cambios cada vez se fue volviendo más individualista, más consumista, y ni siquiera la idea de la diferencia de sexo se mantuvo. En los años 60 del siglo XX el feminismo explota de forma incontenible y busca para la mujer un nuevo papel distinto al tradicional. En esos momentos también se rompe la idea de sabiduría tradicional. La edad ya no es un mérito, no hay que obedecer a los mayores (a menudo anclado en ideas que muy pronto se quedan antiguas) y ser joven se pone de moda. Se rompe también con el tradicional sistema de poder vertical (de arriba abajo), que se cuestiona desde todos los puntos de vista, se acaba con el tabú del sexo, con el de la propia obra de arte (y del autor, y del mérito, y el de la belleza) por parte de Duchamp que expone un urinario…

 

 

Duchamp. Fuente

Tomado de vagaquimera.blogspot.com/2007/09/marcel-ducha...

 

Una serie de pensadores (Foucault, Lacan, Derrida) comienzan a desmontar hasta los propios mensajes ya sean visuales como lingüísticos, haciéndonos conscientes de todas las trampas que tiene el lenguaje y la imagen. Todo se analiza y se revisa, se deconstruye (una palabra mágica para la época, reconstrucción) y se pone en cuarentena, pues han acabado ya los grandes discursos (Lyotard).

El muro de la modernidad se ha derribado a base de grandes mazazos y ahora sólo nos quedan las ruinas, pedazos de la antigua grandeza del proyecto moderno que pretendió hacernos felices y ahora parece un solar derribado. En este paisaje tras la batalla, surgirá la posmodernidad

 

Vicente Camarasa

 

LA CIUDAD VIGILADA

 

Desde hace ya algún tiempo, en las calles que se acercan a la Plaza Mayor de Madrid, se pueden leer unos grandes carteles en donde se informa al ciudadano que entra en una zona de videovigilancia. Todos sus actos quedarán grabados y conservados por un tiempo en pro de la seguridad.

 

 

Este ejemplo no es único y en las proximidades de embajadas, sedes oficiales, bancos, policía o grandes cruces… podemos encontrar estas cámaras que nos miran fijamente, sin pestañear jamás.

 

 

Contado así, la realidad parecería el Gran Hermano de Orwell ¿Dónde estarán nuestras imágenes circulando? ¿Para qué se utilizarán? ¿No están haciendo una campaña en televisión para que los jóvenes no dejen sus imágenes en las redes sociales? ¿Para qué nos graban entonces?

 

 

De la misma forma, ¿quién no ha tenido la sensación de sentirse como un peligroso sospechoso en los controles de los aeropuertos con su ridícula bolsita de congelados para los líquidos contados y medidos, o quitándose el cinturón o los zapatos ante el pedido insistentemente del detector de metales? Incluso en el Museo del Prado te pueden cachear electrónicamente si has cometido la gran incorrección de no sacar las llaves del bolsillo.

 

Y es que en nuestras sociedades occidentales, como ya anunciaba Bauman, la seguridad se ha convertido en la gran prioridad. ¿La seguridad o la sensación de seguridad?  ¿Qué pretendemos? ¿Cómo se pueden eliminar todos los miedos que nos acechan, tanto reales como imaginarios como los de los correos electrónicos que nos mandan mensajes diarios de un Apocalipsis ineludible?

 

Pero regresemos a la ciudad vigilada, pues ya no son sólo las administraciones las que colocan cámaras, sino que este control panóptico del que ya hablara Foucault se extiende a centros comerciales, a tiendas, hasta a los mismos portales que nos avisan con su cartel de que estamos en una zona videovigilada y podemos dirigirnos para proteger nuestros derechos a tal o cual dirección digital. ¿Tendremos tiempo para consultarlas todas y dejar en ellas un mensaje de me pueden dejar de grabar de una puñetera vez?

 

 

Y es que la ciudad está perdiendo su anonimato (una de sus grandes formas de libertad) para convertirse en una especie de videojuego gigantesco en donde nuestra imagen se replica en miles de espejos que serán utilizados… ¿Verdaderamente sólo serán utilizados para nuestra propia seguridad?

 

 ¿Ninguna empresa utilizará las informaciones para corregir su marketing, buscar nuevas formas de publicidad? ¿A nadie se le ocurrirá la malévola idea de montar las imágenes? ¿Todos somos tan justos?

 

Si queréis seguir pensando sobre el tema podéis consultar

 

http://opinatiotemasactuales.blogspot.com/2008/02/la-ciudad-vigilada-javier-otaola.html

http://www.uoc.edu/uocpapers/5/dt/esp/rojas.pdf

 

Vicente Camarasa

05/07/2009 11:31. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD No hay comentarios. Comentar.

LOS JARDINES DEL EGIPTO ANTIGUO

 

(Reproducción del Jardín de Nebamún)

Tomado de http://alenar.wordpress.com/2007/07/14/jardines-de-la-antiguedad-egipto-por-virginia-segui-collar

 

Aunque ahora nos parezca imposible, las construcciones del Egipto faraónico contenían jardines a los que se les daba una especial importancia. De ellos, lógicamente, apenas nos han quedado otros restos que las imágenes pintadas que las excavaciones arqueológicas están confirmando.

 

En torno a los templos se crearon grandes jardines que tenían un diseño estrictamente geométrico, en donde las líneas de árboles (sicomoros, palmeras, granados, higueras, tarajes), arbustos y flores (crisantemos, anémonas,...) se unían a grandes estanques rectangulares, algunos de ellos unidos directamente al Nilo. En torno suyo había largas galerías con pérgolas para dar sombra en las que crecían parras.

Para todo ello había que cavar pozos hasta de diez metros de profundidad para encontrar la capa freática, utilizando hasta casi el Egipto Ptolemaico balancines para extraer el agua.

 

 

Tomado de http://www.arqueoegipto.net/articulos/egipto_tematico/egipto_tematico/vegetacion2.jpg

 

Pero estos jardines también se encontraron en los palacios y sabemos por inscripciones que la reina Hapsesut creó un jardín botánico como muestra de su poder, plantando en él las especies de los territorios conquistados. También Akenaton  plantó árboles en sus amplias avenidas de su nueva capital, Amarma, haciendo traer tierra fértil para los alcorques

El faraón Snefrú disponía de un estanque lo bastante amplio para navegar en él con una embarcación impulsada por 20 remeras, mientras que un sacerdote llegó a introducir (por medio de un conjuro) un cocodrilo en el de su palacete, que devoró a un molesto intruso

Estos jardines (según Desroches-Noblecourt) presentaban forma de damero, con un estanque central en donde nadaban peces de colores y en cuya superficie flotaban las hojas y flores del loto

 

Jardín privado

Tomado de http://alenar.wordpress.com/2007/07/14/jardines-de-la-antiguedad-egipto-por-virginia-segui-collar

  

Existieron también jardines funerarios, con pabellones, junto a las tumbas.

 

Entrar y salir de mi tumba, refrescarme a su sombra, beber el agua de mi estanque cada día (…), que me pasee por mis vergeles de mi estanque cada día indefinidamente, que se pose mi alma sobre el follaje de los árboles que he plantado

 

Los egipcios también fueron los pioneros de la poesía sobre jardines que luego tanto cultivaría la cultura musulmana. En ella la mujer y la naturaleza son actores del ciclo vital que se renueva constantemente (Claire Lalouette)

 

 

El loto azul, una de las flores favoritas de Egipto

Tomado de http://www.egiptologia.com/images/stories/sociedad/arb_flo/image029.jpg

 

Para saber más

http://alenar.wordpress.com/2007/07/14/jardines-de-la-antiguedad-egipto-por-virginia-segui-collar

 

http://www.egiptologia.com/content/view/509/45 

 

http://www.arqueoegipto.net/articulos/egipto_tematico/vegetacion.htm

 

Vicente Camarasa

07/07/2009 08:13. sdelbiombo #. Arte egipcio Hay 1 comentario.

¿QUÉ ES ESO DE LA POSMODERNIDAD? Segunda parte: recogemos los fragmentos.

 

Decíamos en el artículo anterior que el proyecto moderno cayó por sus propias contradicciones pero también empujado por postestructuralistas y deconstruccionistas. Al someterlo todo al análisis despiadado saltaron las resistencias y todo acabó terminando en un paisaje tras la batalla.

Ahora sólo nos quedan ya más que fragmentos, ideas sueltas que ya no se unen en grandes relatos. Restan los restos de un naufragio sobre la playa que volvemos a recoger y unir, aunque sabiendo que ya no es posible reconstruir el pasado, pues estas serán dos de las grandes marcas que arrastrará la posmodernidad: el fragmento y la falta absoluta de ingenuidad. Nunca podremos volver a la inocencia y nuestra cultura posmoderna será la de un viejo que todo lo supo pero ya ha olvidado los nexos de conexión entre los recuerdos.

Mirad como representa los campos de concentración nazis Kiefer, sólo rastros de lo que fue

 

 

 

U observar en qué se ha convertido la historia de una vida (Pettibon, 2007)

 

 

Son los famosos atlas de Richter (iniciados en los 60) en donde se mezclan fotografías propias, dujos, recortes, memoria propia, social, artística… Una forma acumulativa de aprehender el mundo

 

 

Tomado de http://www.gerhard-richter.com/art/atlas/atlas.php?11591

 

Las esculturas de objetos encontrados de Tony Cragg

 

 

Tomado de tancarloscomoyo.blogia.com/2007/septiembre.php

 

Pues ya somos conscientes que las grandes historias (los metarrelatos, como los denomina Lyotard) son completamente falsos, y solo podemos rescatar pequeños trozos de ellos, como el arqueólogo que nunca encontrará un vasija entera y se tendrá que conformar con pedacitos arrasados por el tiempo. Por eso el cuento breve será una de las grandes géneros de la posmodernidad, como ya no enseñó Borges, Calvino o Monterroso, los famosos microcuentos de este último

 

Cuando despertó, el dinosaurio continuaba allí

 

Una visión fugaz de la realidad que se corresponde a nuestro atención actual, como la que desarrollamos ante el ordenador (según Verdú más emotiva que análítica, sin profundidad, constantemente móvil de una información a otra, dispersa); nuestro famoso corta y pega que no sería otra cosa que esa sociedad líquida de la que habla Bauman, en donde nada es estable, permanente

 

 

Vicente Camarasa

09/07/2009 08:07. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

FRAGMENTOS DE JOSEM HURTADO. UN MAGNÍFICO BLOG

Siempre me produce una envidia increíble ver cómo alguien es capaz de sacar una imagen de una hoja en blanco. Me asombre esa capacidad de que unos cuantos trazos construyan una cara. Me quedo como un niño pequeño frente a lo que no comprende pero le fascina, un instante verdaderamente prodigioso.

Todo esto sentí ante el dibujo que encabeza este artículo que apareció en apenas un minuto. Su responsable, el autor de este blog que os presento

En él podéis encontrar cómics, viñetas, bocetos…Tenéis a Tiroloco, a espadachines o a ositos de peluche, pues quizás lo que más me fascina de Jose sea su capacidad de jugar con distintos estilos según sea el tema que trate, pudiendo pasar de una imagen realista a dibujos esenciales (que he de reconocer que son los que más me gustan a mi).

 

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Pero si tuviera que destacar un solo post de todos los que componen el blog yo me quedaría con la que titula Con las manos en la masa, en donde los dibujos están saliendo de su lápiz como una sustancia fluida. Ese acto íntimo de creación bajo la luz de un flexo (debe ser deformación profesional)

 

 

Por cierto, si os interesa conocer más su obra, también tiene una página web

http://josemhurtado.com

 

Vicente Camarasa

13/07/2009 08:29. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS No hay comentarios. Comentar.

ELE-GANTES. La música a finales del XVIII

 

Watteau. Embarque para la isla de Citerea

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Antoine_Watteau

 

Supongo que recordaréis el artículo sobre el Neoclasicismo francés (Poulenc y compañía)

http://www.youtube.com/watch?v=bPwh0ncixdc
-F. Poulenc, Sonata para clarinete y piano (3º mov)

 

Pues bien, entre eso y esto otro, apenas hay diferencia:

 

http://www.youtube.com/watch?v=oiebZLfvIhA

-D. Scarlatti (músico de Fernando VI), Sonata K. 119 (en piano)

 

Igual que el Grupo de los Seis reaccionó contra una estética que ellos consideraban pasada de moda y alejada de las mayorías (todo aquello relacionado con el postromanticismo y el impresionismo), en el segundo cuarto del siglo XVIII surge una corriente de compositores, los Preclásicos, que reaccionarán contra la estética barroca (que en música se extiende hasta la década de 1750,  en la que aún vivían dos gigantes como Bach y Handel), preparando el camino a los compositores del clasicismo maduro, como Haydn y Mozart.

 

El lenguaje barroco partió de la base de simplificar el lenguaje musical del Renacimiento, muy abundante en contrapunto (componer un tejido muy elaborado de voces) Con el tiempo, este lenguaje se había contaminado en exceso de ciertos elementos como las figuras retóricas: frases musicales asociadas a una idea o palabra del texto (por ejemplo: si el texto hablaba de descendimiento, la música copiaba esa idea mediante una escala descendente), haciéndose más y más difícil de entender para la mayoría del público. Un ejemplo muy claro de figuras retóricas lo podemos encontrar en el Réquiem de Mozart (¡no os penséis que llegaron los clásicos y borraron todo lo que había del mapa!), en el movimiento Lacrimosa: la melodía inicial de los violines, que aparece como truncada, se trata de una figura retórica barroca denominada suspiratio (suspiro, llega el día de lágrimas) A continuación, en la frase “qua resurget et favilla” (en que resurja del polvo) la melodía realiza una escala ascendente, una figura retórica denominada anábasis.

 

Lacrimosa dies illa                                           Día de lágrimas aquél

Qua resurget et favilla                                      en que resurja del polvo

Iudicandus homo reus  (...)                                         para ser juzgado el hombre reo (...)

 

http://www.youtube.com/watch?v=gqPz5B-TA1w

-W. A. Mozart, Réquiem (Lacrimosa)

 

Los compositores preclásicos quisieron desarrollar una nueva manera de hacer música, basada en un nuevo lenguaje, caracterizado por lo que ellos denominaban “buen gusto”, y que se sustentaba en dos grandes pilares:

Por un lado, la naturalidad: música fácil, clara, espontánea, inmediata (por oposición a una música en la que necesitaras reflexionar, como sucedía con las figuras retóricas). La claridad es sinónimo de universalidad, y recordad que estamos en la época de los enciclopedistas...

 

Por el otro lado, la galantería: se huye de los mensajes moralizadores que tenía la música barroca, que había estado al servicio de la Iglesia prácticamente en su totalidad, para buscar una música agradable, recreativa y optimista. Pensad que el fin de la Ilustración era emplear la razón para alcanzar la felicidad, y de esto se contagiaron estos compositores.

Toda esta forma de pensar se resume en una frase del teórico musical más importante de la época, Matheson: “La música es la justa combinación de melodía, armonía y buen gusto”.

 

 

Goya.  Baile a la orilla del Manzanares (cartón para tapiz)

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Francisco_de_Goya_y_Lucientes

 

 

En el marco del Preclasicismo, convivieron distintos estilos, con algunas particularidades muy bien delimitadas. Así, dentro del catálogo de obras de un compositor, se pueden encontrar piezas de cada una de las tendencias.

-Rococó: muy relacionado con la arquitectura y la decoración. En música, se relaciona con el tipo y la cantidad de ornamentaciones o adornos, que se aligeran y se hacen más delicados comparados con el barroco. http://sdelbiombo.blogia.com/2008/113002-felipe-v-y-el-nuevo-mundo-de-los-borbones.-los-inicios-del-rococo-espanol.php

 

http://www.youtube.com/watch?v=uSj24ge6sew

http://www.youtube.com/watch?v=6Gubohd0nO8&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=ojINbsrUdVw

-D. Scarlatti, Sonatas K. 119, K. 175 y K. 545 (en clave)

 

-Galante: estilo más clarificado y transparente. Muy vinculado a las cortes francesas e italianas. Hace primar la melodía sobre los acompañamientos.

 

http://www.youtube.com/watch?v=wQ___qXk6_c

-C. P. E. Bach, Sonata Wq 73 (fortepiano y traverso)

 

http://www.youtube.com/watch?v=vkqgLzfU78U&feature=related

-P. A. Soler, Sonatas nº 88 (piano)

 

http://www.youtube.com/watch?v=wjWM__spr70

-P. A Soler, Sonata nº 90 (clave)

 

-Sentimental: estilo propiamente alemán, vinculado al movimiento pictórico y literario del Sturm und Drang, que se centra más en la búsqueda de un carácter más pesimista. Este estilo permanecerá más soterrado a lo largo del siglo XVIII, pero resurgirá a principios del XIX, siendo el precursor del Romanticismo.

 

http://www.youtube.com/watch?v=CzYcNY8tDCc

http://www.youtube.com/watch?v=64U6EE1l9Ig&feature=related

-C. P. E. Bach, Sonatas Wq 65/27 y Wq 62/4 (clavicordio)

 

http://www.youtube.com/watch?v=OgNdJ341Uzk

-D. Scarlatti, Sonata K. 32 (piano)

 

En esta época se empezaron a introducir cambios en los instrumentos de tecla, que hicieron evolucionar el clave hasta el piano moderno (que aún hoy sigue experimentando innovaciones). El clave tenía el problema de que no se podían hacer matices: daba igual lo fuerte que pulsaras las cuerdas, siempre iba a sonar con la misma intensidad. Por eso veis que se construían con varios teclados, llamados manuales (no os penséis que Nacho Cano fue el primero, no). Tocando en el superior, las teclas pulsan un solo juego de cuerdas; tocando en el medio, dos (las suyas y las del superior) y tocando en el inferior, tres juegos de cuerdas, consiguiendo mayor volumen sonoro. El mecanismo del clavicordio es más parecido al del piano moderno: en el clave, las cuerdas se pulsan como en una guitarra, mientras que en el clavicordio como en el piano, las cuerdas son golpeadas.  Sin embargo, su sonoridad es muy limitada, además de ser un instrumento muy delicado (más de un pianista nos hemos cargado alguna cuerda al ponernos a tocar en ellos) Por último, el fortepiano es el verdadero antepasado del piano, con mecanismo de cuerdas percutidas, en el que se puede variar la intensidad del sonido en función de la presión que se ejerza.

 

Con la idea de que la música no debe estar siempre apoyada en la palabra, durante estos años se crean las primeras orquestas en el sentido moderno de la palabra con una plantilla fija y dividida en secciones. En ciudades como Milán, Berlín, Mannheim o Viena, trabajaron compositores como Sammartini, J. C. Bach (hermano de C. P. E Bach e hijos ambos de de J. S. Bach), Stamitz o Richter.

 

http://www.youtube.com/watch?v=1lQ-DQV_tyw

-G. B. Sammartini, Sinfonía en Re Mayor

 

http://www.youtube.com/watch?v=_g7xypfDdFE

-J. Stamitz, Sinfonía nº 3

 

De esto a esto otro, no hay más que un pasito:

 

http://www.youtube.com/watch?v=2VD1SqWQXrE

-W. A. Mozart, Sinfonía nº 25

 

Rafael Gordillo

A VUELTAS CON EL TIEMPO. MUELLE EN ESPIRAL DE SMITHSON

  

Tomado de prisonphotography.wordpress.com/.../

 

En el centro del Gran lago Salado, en Utah, una gran espiral de tierra emerge periódicamente de sus aguas. Es la obra de un artista visionario, Robert Smithson , el principal representante de la corriente artística llamada land art. A grandes rasgos, podemos decir que el land art abarca aquellas obras que trascienden el marco del lienzo, o  la escultura, que se exponen en un espacio reducido, como un museo, o una galería, para realizarse en el medio natural, con materiales propios del paisaje, y que  está sujeta a cambios en el devenir espacio-tiempo.

Esta corriente surge en Estados Unidos a finales de los años 60 en un marco de referencias culturales concretas: Por un lado, la crítica al progreso destructor de la naturaleza, y la necesidad de volver a las raíces naturales, por otro, la llegada del hombre a la luna y el cambio de punto de vista : la mirada humana puede contemplar por fin desde el exterior el propio planeta, lo que contribuye a una sensación nueva, de intrascendencia en la magnitud del universo, y de formar parte de un orden cósmico superior. Superadas las tradicionales formas de espiritualidad, el hombre se vincula con sus orígenes, con la tierra,  de ahí que, frente al tiempo lineal, aquel que siempre se considera avanzando hacia un progreso, recupere otras formas de estructuración del espacio-tiempo, esto es, el tiempo cíclico.

 

 

Tomado de merodeoseinquisiciones.blogspot.com/2008/11/s...

 

Un devenir de solsticios y equinoccios, estaciones, días y noches  marcaban con su eterna repetición el mundo de nuestros antepasados prehistóricos. Por ejemplo, si contemplamos el monumento megalítico de Stonehenge,  su estructura circular, y la trascendencia de la posición de sus piedras en los solsticios no dejan duda sobre su importancia para la comunidad que los construyó y utilizó.

 

Stonehenge

 

 

Stonehenge

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Stonehenge

 

Esa misma preocupación astronómica lo heredaron estos artistas, como se puede ver en los tubos solares de Nancy Holt. Son cuatro tubos de hormigón colocados en sentido Este-oeste y Norte Sur. Por tanto según la posición del espectador puede contemplar la salida y puesta de sol, centrada en su punto más importante, simplemente cambiándose de posición, eligiendo un tubo u otro. Allí la magnitud del paisaje queda constreñida por una geometría que obliga al espectador a manejar con parámetros artificiales los fenómenos naturales.

 

Tubos solares. Nancy Holt

Tomado de rudegarden.blogspot.com/2007/12/sun-tunnel-na...

 

Sin duda los artistas del  land art transmitieron en sus obras sus preocupaciones particulares. En el “Muelle en Espiral”, que comentábamos al principio, el artista interviene en la naturaleza,  a través de un proceso que documenta con una película según lo va construyendo. La espiral es una metáfora del laberinto, que lleva a recorrer las vueltas de un camino que va enroscándose sobre sí mismo. Es la imagen perfecta del tiempo circular, el eterno retorno. Pero al mismo tiempo es una obra viva, sujeta al tiempo. Al poco de construirse, se hundió en el lago, lo que no importó a su creador, que consideró que así formaba parte de la evolución natural del espacio que ocupaba.   El “muelle en espiral “ cumple una función telúrica, de fusión con los procesos de la tierra, pero su sentido conceptual se articula en tres discursos principales, todos ellos relacionados con la espiral.

 

 

Tomado de commons.wikimedia.org/wiki/File:Spiral-jetty-...

 

Por una parte, la espiral cósmica, que entronca con la forma de la galaxia, un espacio no lineal cuyas puertas abrió la teoría de la relatividad de Eisntein.

En segundo lugar, la espiral petrificada que vuelve realidad la leyenda. Según se dice, el Gran Lago guarda en su interior una salida al océano , lo que remite cierto parecido con un agujero negro espacial, o con un famoso cuento de Edgar Allan Poe , el Maellstrom, en el que un remolino marino engulle a los barcos que se aventuran cerca de sus aguas.

 

 

Tomado de www.vueltaalmundo.com/

 

 Finalmente, a nivel microscópico, las espirales están presentes en el material de construcción, ya que las sales adheridas a la tierra cristalizan según esta forma. La espiral de Smithson  destila un deseo de transcendencia que vincula al hombre a la tierra en un momento concreto , pero sujeto a un tiempo superior, el tiempo geológico, en el cual nuestra existencia es una mínima parte.  La intervención del artista en el medio se convierte en una forma de transcender la existencia humana y al mismo tiempo fundirse con el espacio natural.

 

Ana Molinero

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16/07/2009 08:44. sdelbiombo #. Después del 1945 No hay comentarios. Comentar.

PINTURAS ROMÁNICAS REDESCUBIERTAS EN 2009. SAN MIGUEL DE GORMAZ

 

 

 

Tomado de http://www.luzrasante.com/san-miguel-de-gormaznuevas-pinturas-romanicas

 

Una de las grandes aportaciones de la última edición de las Edades del hombre de Soria ha sido la inclusión de un edificio recién restaurado en el que han aparecido tras numerosos revocos unas maravillosas pinturas románicas.

Se trata de una ermita prerrománica, San Miguel de Gormaz, que en el siglo XII fue redecorada con gran ciclo pictórico.

Este se encuentra en la zona destinada a los fieles y el clero. En la nave nos encontramos con una banda superior que nos habla del nacimiento de Cristo (acaso la Pasión se encontraría sobre el arco toral que la separa del presbiterio, pero en esta zona no se ha conservado apenas restos). Desde la Anunciación y visitación, el Nacimiento, la anunciación a los pastores (pared norte) a los Reyes Magos y la Matanza de Inocentes.

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

En la zona baja aparecen otras escenas mucho menos corrientes. En el lado Norte un hombre barbado (¿Cristo?) nos señala a su izquierda una curiosa escena de lucha entre dos ejércitos, flanqueados por sendas torres almenadas en la que vemos la multitud resguardada ante el asedio y un ballestero. (Muy probablemente sería la expresión de la batalla final del Apocalipsis tras la que Cristo impondría su nuevo reino, aunque también sería una cita a la propia historia del lugar, zona fronteriza durante casi un siglo entre cristianos y musulmanes, convirtiéndose así la Reconquista en una guerra espiritual contra el Anticristo, el poder musulmán)

 

 

Tomado de http://ojosoria.blogspot.com/2008/10/san-miguel-de-gormaz.html

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

En el muro sur la escena se divide en tres grandes partes. En la zona más cercana al altar una serie de personajes llevan en su seno a los bienaventurados que han llegado al cielo (Acaso sería el tema de el Seno de Abraham multiplicado y entre vegetación que señalan la gloria, como la palmera o el trigo)

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

En la otra zona nos encontramos un magnífico infierno de demonios, serpientes y el propio Satanás que devoran a los condenados. Según Milagros Guardia (2006) su organización estaría inspirada en iluminaciones (Liber Floridus de la Biblioteca Central Van de Rijksuiversiteit de Gante).

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

Entre ambas se encontraría San Miguel (al que está dedicada la iglesia) en su labor de psicopompo, pesando las almas.

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

Como puede verse la lección es clara: la vida es una lucha contra el mal con un final preciso: la Gloria o el Infierno. Una historia que sería bien comprensible por aquellas gentes de fronteras que se enfrentaban a razias musulmanas.

 

En el presbiterio la decoración recurre de nuevo al imaginario apocalíptico. En la bóveda aparecerá el típico pantocrátor en su mandorla, flanqueado por arcángeles y querubines (con seis alas) que le adoran y unas enigmáticas copas (6, o cuatro y dos incensarios).

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

Bajo ellas se encuentran los ancianos del Apocalipsis que dan fe de la Parusía (el final de los tiempos)

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

En la pared oriental nos encontramos con el Cordero Apocalíptico (Agnus Dei o Cristo resucitado) en un clípeo (círculo que habla de su eternidad) sobre una cruz. A ambos lados, muy perdidos, dos ángeles lo sustentan y separan de dos figuras arrodilladas (Caín y Abel o Abel y Melquisedec). En la propia ventana, una paloma (Espíritu Santo) centra la composición.

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

 

Tomada de

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006&cont_id=1768

 

En la pared contraria se encontraría la creación de Adán y su expulsión del Paraíso.

 

Los especialistas lo han emparentado con el mismo taller que trabaja en Maderuelo y San Baudelio de Berlanga en el primer tercio del siglo XII. Según Olaguer este taller tendría un doble origen: el poso bizantino de Santa María de Tahull (en estos momentos Gormaz pertenece a Aragón) con otras influencias autóctonas de origen mozárabe que explicarían sus anomalías (o novedades) iconográficas.

Lo que también es evidente que trabajaron al menos dos manos en San Miguel, una más cercana a Maderuelo en la cabecera y otra más popular en las naves.

 

Para saber más

http://www.luzrasante.com/san-miguel-de-gormaznuevas-pinturas-romanicas (Sobre el proceso de restauración)

http://www.circuloromanico.com/index.php?menu_id=9&jera_id=1284&page_id=1006 (Para ver muchas imágenes).

 

                                       UNA RUTA TURÍSTICA DESDE AQUÍ

 

Vicente Camarasa

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20/07/2009 11:13. sdelbiombo #. ROMÁNICO Hay 3 comentarios.

DOROTEA LANGE VS ANNE LEIBOVITZ. De la mirada a la posmirada

 

 

Dorotea Lange

Tomado de imagespublicdomain.wordpress.com/.../

 

Leibovitz

Tomado de asthetimegoesintheactualart.blogspot.com/2009...

 

Hoy he estado de exposiciones por Madrid y me he encontrado con dos fotógrafas fantásticas que me han hecho pensar precisamente en el libro que había llevado para leer en el metro, Los bárbaros de Baricco

El libro, que es un extraño (pero fantástico) ensayo, habla de la posmodernidad como una forma nueva de relacionarse con el mundo (vs la modernidad basada en el fondo en el pensamiento romántico). Algo basado en la ligereza (vs la profundidad), la espectacularidad (vs la inmediatez), el movimiento perpetuo (vs el andar pausado), el pensamiento oblicuo (vs al vertical que profundiza en las cosas), la conectividad (vs la concentración)…

Por esos extraños azares (¿?) que tiene la vida, las dos exposiciones unidas eran la perfecta demostración del texto.

La exposición de Lange presenta sus trabajos americanos durante la Gran Depresión. Pero no el de las grandes estructuras, sino de las personas. Mujeres como Florence Owens (que encabeza el artículo) que aquel mismo día había vendido las ruedas de su coche para variar su comida: los pájaros que cazaban los niños.

Por el contrario Leibonitz es la fotógrafa del glamour, el ojo privilegiado que es capaz de plasmar eso tan difícil como es la sofisticación, la vida sutil de la fama, el erotismo… Toda la serie de virtudes que adornan al individuo satisfecho de la actualidad, construido (tanto en lo físico como en el carácter) más que vivido, visto más que sentido

 

 

Lange

Tomado de blogdofavre.ig.com.br/tag/dorothea-lange/

 

 

 

Leibonitz

Tomado de antoncastro.blogia.com/2008/062901-ricardo-fe...

 

Los retratos de Lange lo son de personas; los de Leibonitz de cosas que parecen personas; probablemente ahí radique la diferencia. Lange fotografía la cara amarga (pero cierta) de la realidad, Leibonitz crea una realidad en donde el color, las referencias al pasado, la perfecta escenografía … crean un nuevo personaje.

 

 

Tomado de lembranzas-ines.blogspot.com/2009/03/fotos-pa...

 

Tomado de www.nytimes.com/.../books/review/Mallon-t.html

 

Incluso a la hora de expresar la tragedia su forma de trabajar es distinta. Lange nos muestra algo a nuestros sentimientos, imágenes directas que nos permiten un acercamiento puramente empático. Liobonitz construye un relato para espectadores que ya han visto demasiado, que nos muestra el horror a través de la elipsis (como si fuera una película) a través de símbolos, de rastros…

 

Tomado de www.historylink.org/index.cfm?DisplayPage=out...

 

Tomado de eldiapason.wordpress.com/.../

 

Son el mirar y el posmirar, el retratar y el construir, el dar fe y el recrear, la realidad frente a la fantasía, dar un paso adelante o andar en oblicuo… Como decía Baricco la profundidad de Lange frente a la superficialidad de Liebonitz, la inmediatez frente a la compleja espectacularización…

Dos formas de mirar que se adaptan al mundo al que corresponde. Las dos geniales. Fijaros en estas fotografías. La del gabinete Bush que quiso dominar el mundo de Leibonitz; (de la que tenéis un maravilloso análisis en el blog de Ana) la de los efectos de la crisis. No se puede hacer mejor

 

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Tomado de geometriacanibal.blogspot.com/2008_11_01_arch...

 

Tomado de lacomunidad.elpais.com/.../2009/2/3/el-equipo-o-

 

Vicente Camarasa

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22/07/2009 09:01. sdelbiombo #. FOTOGRAFÍA, Video y net art No hay comentarios. Comentar.

¿CAFÉ O TÉ? FRANÇOIS BOUCHER. El Desayuno

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fran%C3%A7ois_Boucher

 

Porque la sencillez no está reñida con la belleza. Y si no que se lo digan al autor de este cuadro, el pintor y decorador François Boucher, a quien muchas de sus obras de temática religiosa, mitológica, paisajes y desnudos  sitúan como uno de los mejores representantes del arte que se desarrolla en Francia en torno a los siglos XVII y XVIII: el Rococó.

 

 

EL COLUMPIO/ Fragonard

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Fragonard,_The_Swing.jpg

 

La muerte en 1715 del rey francés Luis XIV, el famoso Roi Soleil, marca un antes y un después en la forma de concebir la pintura, pues a partir de ese momento se encargan pinturas que se correspondan con la intimidad de los palacios, desarrollándose el gusto por lo privado y lo sentimental como ya ocurre en Holanda desde el XVII donde  los retratos, bien individuales o en grupo (doelen), ganan terreno a los hasta entonces frecuentes temas mitológicos.

Boucher. Venus y amor


Así, autores como Watteau, Fragonard o Murillo (en España) contribuyen a dar una visión del mundo muy idealizada, exquisita y delicada donde no hay lugar para la tensión, la cual se transforma en armonía, amabilidad y sensualidad en las tan habituales escenas de fiestas palaciegas, campestres  y aventuras amorosas que muestran la vida de la corte.

 

 

Diana después del baño. Boucher

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fran%C3%A7ois_Boucher

 

Con luz y colores muy suaves que generan un ambiente vaporoso (colores pastel), gestos artificiales que resultan excesivamente afectados y, especialmente en arquitectura, una tendencia al horror vacui (exceso de decoración) en un intento por plasmar todos los objetos de manera refinada y elegante (que en ocasiones roza el límite con lo kistch).

A primera  vista este cuadro de Boucher, donde se aprecia la importancia de lo ornamental, el lujo y el cual muestra a una familia rica burguesa tomando el desayuno, parece ser una réplica de la suya propia (pues este pintor estaba casado y tenía dos hijos que contaban por entonces aproximadamente la misma edad que los niños del cuadro). Sin embargo, tras esa escena tan cotidiana y de apariencia simple se esconden algunas “anécdotas” pues, aunque no en muchas ocasiones nos hallamos detenido a pensar en ello, lo cierto es que el desayuno tal y como lo conocemos hoy en día, procede de la Francia del siglo XVIII con el rey Luis XV que, según cuentan, comenzó a tomar un panecillo acompañado de una bebida caliente, adelantando así el comienzo del día que otros monarcas tenían fijado a eso de las 10, haciéndose además popular gracias a las bebidas calientes como el café, el té y, sobre todo el chocolate que, desde que Ana de Austria (madre de Luis XIV) lo introdujese en la corte, rápidamente se convirtió en una bebida muy apreciada por la aristocracia quedando reservado el café para los trabajadores que lo tomaban antes de comenzar su jornada de trabajo, hábito que, por otra parte, parece haberse mantenido a pesar de los años.

En la escena, los personajes de esta familia adinerada aparecen disfrutando de la deliciosa bebida del momento, servida por el criado (conocido en la Francia del XVIII como un garçon limonadier, en honor a las bebidas que éstos vendían por las calles de París en el momento en que se pusieron de moda las ya mencionadas bebidas calientes) en una jarra que destaca por su forma abombada, que no tenía otra finalidad que la de ayudar a servir y repartir el chocolate sin derramarlo.

Los niños no están ahí por casualidad y, en mi opinión, se podría decir que indirectamente desempeñan un papel de denuncia contra un aspecto muy concreto de la sociedad de entonces. Y es que este cuadro supone “una revolución” en lo que respecta al cuidado de los hijos.

 En él, las mujeres aparecen con una actitud maternal y muy pendientes de los más pequeños de la casa, algo nada habitual en aquella época en la cual había cierta tendencia a la falta de atención hacia los niños, que no eran considerados como personas sino más bien como animales y por ello la educación que tenían que recibir.

 En las mejores familias, los padres se separaban de sus hijos apenas recién nacidos a quienes se enviaba con la nodriza al campo donde ella misma los amamantaba, perdiéndose así los lazos de afecto que algunos historiadores intentan justificar como un mecanismo de defensa de los padres, debido a la alta mortalidad infantil de la época.

Esto no pasó desapercibido a los ojos del filósofo Rousseau quien, en su obra Emilio, trata el tema de la educación de los niños y defiende que las madres amamanten a sus hijos para desarrollar de esa manera los  vínculos y la protección que hoy conocemos.

 

Los hijos permanecen vinculados a sus padres, el tiempo necesario para su preservación, para ser protegidos, cuando desaparece esa necesidad, ese lazo natural también desaparece.”

 

Mar San Segundo

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GUILLERMO PÉREZ VILLALTA. EL NEOMANIERISTA

 

 

Ahora que estamos hablando tanto de posmodernidad, mi primer contacto con ella lo tuve gracias a Pérez Villalta, este pintor andaluz de la perspectiva y los mundos míticos-modernos.

 Su obra madura se inicia a finales de los 60, cuando se traslada a Madrid y conoce a una serie de autores con los que conformará una nueva tendencia realista que terminará desembocando en la movida madrileña de los 80 (Alcolea, Franco, Gordillo…).

  

Es, por tanto, hijo de toda la gran revolución en torno al 68 (mayo del 68, manifestaciones contra la Guerra de Vietnam, movimiento hipie, revueltas estudiantiles contra Franco…) que marcarán el inicio de la posmodernidad. Será un lector de Guy Debord, de Foucault, de Perec; un amante de la pintura Pop (especialmente británica)… que están comenzando a reconstruir el mundo del capitalismo para ir abriendo las grietas en las que vivimos en la actualidad.

 

Sin embargo, toda esta agitación quedará encubierta en su obra, sólo se conocerá en una lectura más profunda, pues en un típico guiño posmoderno Pérez Villalta, abandona la realidad histórica para centrarse en los mundos manieristas y mitológicos.

Manierista en la concepción del espacio pictórico por medio de la perspectiva. Sus cuadros se organizan a través de suelos, pasadizos y arquitecturas que son manipuladas por efectos de perspectiva sumamente potentes. Perspectivas falsas, por supuesto, que demuestran su propia fragilidad sólo con que el espectador se fije un poco en ellas y vea como se deforman según se recorre el cuadro, normalmente armado en torno a varios puntos de vista, como haría un Broncino o un Pontorno. (¿No es esto la estética del fragmento de la que hablábamos el otro día?)

 

Tomado de paradoxportal.blogspot.com/2007/12/paradoja-d...  

 

Otro de sus rasgos son los personajes que habitan estos espacios ficticios. Aunque existen personajes actuales (pintores de su generación, personajes de esta famosa movida tras un concierto), es habitual en su obra la aparición de seres mitológicos, de seres deformes que a duras penas actúan en estos espacios que les vienen grandes, que les son extraños, como un nuevo Giorgio de Chirico o Juan Muñoz.

 

Sus acciones se muestran cercanas a la magia o, por el contrario, a los actos más cotidianos (esos hombres que duermen, como en la novela homónima de Perec); una nueva unión de fragmentos sin hilo conductor que terminan generan lugares fascinantes en donde el tiempo se encuentra detenido, invadido por un espacio amenazante. Somos nosotros en este nuevo mundo sin certezas (ya no existe la del espacio) realizando ritos monótonos o sutiles (acaso es lo mismo)

 

En su obra existen otras influencias, como podéis ver en este texto extraído de LUX ATENEA (un blog cultural sumamente sugerente)

Utiliza la estética minimalista para aumentar la intensidad emocional del espectador, usando tonos cromáticos no muy frecuentes que se mueven entre los tonos pastel (de aparente tacto algodonoso) y los tonos crudos (que parecen tener vida propia). Bajo la influencia posmodernista, a Villalta le gusta mostrar las vidas privadas de sus personajes ante el público, mientras estos permanecen abstraídos de todo lo que está sucediendo alrededor suyo.

OTRAS OBRAS ANALIZADAS EN NUESTROS BLOG

El instante preciso (Granada)

 

Vicente Camarasa

27/07/2009 08:38. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

UN EREMITORIO VISIGODO: LA CUEVA DE LOS SIETE ALTARES

 

 

Una constante en numerosas religiones es la huida del mundo, la búsqueda del desierto y la soledad como una forma de autoconocimiento personal a través de la penitencia del cuerpo y la soledad. Son los llamados eremitas, anacoretas o ermitaños.

 

 

Las tentaciones de San Antonio (siglo III-IV) por el Bosco

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Abad

 

Probablemente su origen habría que buscarlo en Oriente, entre las religiones hindúes y taoístas en donde la naturaleza y la relación con ella son piezas fundamentales de su pensamiento.

En Occidente, aparecerán fundamentalmente con el judaísmo (Elías, San Juan Bautista) y el cristianismo, pero será especialmente a partir del siglo IV d C. cuando estas costumbres sean cada vez se extiendan más. Según algunos especialistas las razones serían varias pero podemos destacar dos especialmente: el desprestigio de la ciudad y de la religión que se va popularizando y masificando.

Según Le Goff desde el siglo VI, el papa Gregorio I, Gregorio Magno, hace hincapié en la figura de Job (…) Job es un justo que, de repente, se ve sumergido en una serie inexplicable de calamidades, hasta conocerla indigencia extrema y ser objeto de desprecio. Representa la humillación completa del hombre ante Dios, pero gracias a esta humillación, devuelta en forma de humildad, se eleva a la reconciliación

A semejanza de Job, el cristianismo de la Primera Edad Media se salva humillándose ante Dios

Le Goff, (J En Busca de la Edad Media. Paidós 2003)

En el 313, con el famoso edicto de Milán, la religión católica es aceptada en el Imperio Romano y muy pronto (edicto de   ) se convertirá en la religión del Imperio. Las grandes ciudades se convierten en las primeras sedes episcopales y se comprueba una rápida adhesión de las capas populares a la nueva religión que pasa de ser una secta (en el buen sentido de la palabra) elitista y con miembros muy comprometidos a una religión oficial, íntimamente relacionada con el poder y cada vez más reglada.

 

 

Frente a ellos el anacoreta o ermitaño buscará vías más personales de unión con Dios, sin necesidad de Iglesia. Es lo que se denomina vía ascética, que será seguida, entre otras tantas opciones, por los sufíes islámicos o la mística cristiana. Se basará en el retiro del mundo para la lectura y la meditación a las que se unirá las privaciones de todo tipo, las penitencias en formas de azotes, golpeo con piedras… Se trataría de considerar al cuerpo y sus vicios (lujuria, gula, orgullo…) como una cárcel para el alma. Por eso se castigará a la carne para dejar que el alma pueda elevarse y conocer a Dios. (Como el famoso San Simeón el Estilita, 20 años subido a una columna)


 

 

San Jerónimo del Greco

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Saint_Jerome

 

Muchos de estos ermitaños comenzaron a tener fama de santones y sanadores por lo que muy pronto comenzaron a recibir visitas de personas interesadas por seguir su modelo de vida. Se crearán las primeras comunidades o cenobios, al principio sumamente libres, y poco a poco organizados a través de Reglas, siendo el origen del monacato.

 

En España este movimiento eremita llegó con el cristianismo, y alcanzó un primer momento de éxito a mediados del siglo VII, cuando Recaredo abjura del arrianismo y se convierte al cristianismo. Uno de los cenobios de esta época es esta Cueva de los Siete Altares, en el cañón del Duratón (Segovia).

 

 

Aprovechando una cueva natural, la comunidad debió agrandarla  y crear en la propia roca una serie de arcos de herradura que servirían de altares (y quizás sobre ellos, pequeños relicarios)

 

 

Como es habitual en estas primeras comunidades, cada anacoreta viviría en plena soledad lugares como éste serían los únicos lugares de reunión semanal en donde la comunidad realizaría algún tipo de rito conjunto.

 

 

Estas costumbres anacoretas seguirán vivas durante siglos en la zona, siendo San Frutos (siglo VIII) el ermitaño más conocido

 

 FOTOGALERÍA ENLAZADA DE ARTE VISIGODO

 

 Vicente Camarasa 

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29/07/2009 08:00. sdelbiombo #. Prerrománico Hay 3 comentarios.


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