Facebook Twitter Google +1     Admin

Se muestran los artículos pertenecientes a Junio de 2009.

VILLAR DEL OLMO, UNA SORPRESA JUNTO A MADRID

 

 

 

 

Si se llega desde Campo Real o desde Alcalá, de repente, parece como si el suelo por el pasábamos fuera mentira. La llanura inmensa se abre en una grieta y tras una curva terrible lo que pensábamos que era un llano se ha convertido en una meseta, pues a nuestros ojos se abre un valle por cuyo fondo corre el Arroyo de la Vega.

 

EL RESTO DEL POST LO TENÉIS ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG DE ARTE Y VIAJES



Etiquetas: , ,

03/06/2009 07:11. sdelbiombo #. Alcalá de Henares y sureste Madrid No hay comentarios. Comentar.

ALEJANDRÍA Y SU BIBLIOTECA

 

Reproducción de la Alejandría de la Antigüedad.

Tomada de de:.egiptoaldescubierto.com

 

Ideada por Alejandro, Alejandría pronto será una de las principales capitales del helenismo, ciudad  famosa por la esplendorosa cultura que arropará en su Biblioteca y su Museiom, centro de rutas comerciales y cuna de una importante escuela filosófica que tendrá gran influencia en la Edad Media.

Durante el reinado de Ptolomeo I, Alejandría comenzaba a estar conformada como ciudad, tal y como Dinócrates la había diseñado. Una de las primeras medidas tomadas por Alejandro, y que se finalizará con Ptolomeo, había sido  mandar construir un malecón (llamado Hepstastaion) que uniera la ciudad con la isla de Faros, para así hacerla contar con un puerto estratégico que dominaría sobre el Mediterráneo.  La ciudad había sido trazada siguiendo un plano hipodámico, organizado a partir de dos grandes avenidas perpendiculares entre sí: la Vía Canopea y el Argeos, en torno a las que se distribuían las demás calles. En el mismo cruce entre las calles principales se edificó un santuario dedicado a Alejandro, que albergaría su sepulcro. Se levantó también un gran palacio en el monte Loquias, además de otras edificaciones imprescindibles para la población griega, como teatros, palestras, hipódromo, baños…así como edificios administrativos.


  

Tomado de culturaclasica.com

 

Alejandría se hallaba dividida en diferentes barrios, según sus habitantes: griegos, macedonios, judíos y egipcios. Tanto griegos como macedonios tenían derecho a habitar donde quisieran, pero no así los egipcios ni los judíos, que debían permanecer en los barrios establecidos para ellos. Esta convivencia entre diversas culturas llevará en ocasiones a conflictos internos. Los egipcios vivían en el Serapeum, el barrio egipcio, y conservaban sus tradiciones y costumbres, aunque hubo quienes se helenizaron y fueron adoptando parte de la cultura griega, así como su lengua.

A pesar de que los egipcios superaran con creces en número al resto, serán los greco-macedónicos los que tendrán el control de la ciudad, por lo que no resulta extraño que en siglo y medio el griego se hubiera instaurado como idioma oficial, del que se hablaba un dialecto de reciente formación, conocido como alejandrino. De hecho, hacia mediados del siglo II las diferencias entre distintos grupos habían dejado de ser tan evidentes, por lo que, según El-Abbadi, cuando Polibio visitó la ciudad en el 145 a. C. dividió la ciudad en tres grupos: egipcios, mercenarios y alejandrinos. (El Abbadi, 54, 1994).

 

La Biblioteca  

Construida entre los reinados de Ptolomeo I y Ptolomeo II, será el principal centro cultural de Alejandría y de todo el mundo helenístico. Formaba un conjunto que acogía varios jardines, un zoológico, un museo, laboratorios y salas de reuniones.


 

Hipótesis sobre la biblioteca

Tomado de http://www.culturaclasica.com

 

 La Biblioteca, en un principio un anexo del museo, fue  la más grande de su época, llegando a reunir unos 700.000 volúmenes.. Al estar dedicada a la investigación y el aprendizaje, contaba con diez salas de investigación, divididas según las distintas materias. Predominaban las obras griegas, siendo de especial importancia las redacciones que se hicieron de los textos homéricos, aunque también las había provenientes de  zonas como Persia, India o Palestina, entre otras.

Ptolomeo II encargó su clasificación y organización a Zenódoto de Éfeso, que será su primer bibliotecario, ayudado por el poeta Calímaco. El resultado de esta clasificación fue el Pinakes, primer catálogo temático de la Historia.

En ella  se inició  la erudición, consistente en el estudio de estos textos, de los que se realizarán comentarios, críticas y correcciones, con lo que destacarán dos grupos de sabios: los filósofos y los filólogos. La filología comprendía también la historiografía y la mitología, y la filosofía, además de al pensamiento, comprendía varias ciencias, como la física, las matemáticas, la química, la astronomía, la geografía o la ingeniería. Entre estos eruditos destacarán personajes como Arquímedes, Galeno, Apolonio de Rodas, Erastótenes o Hipatia de Alejandría.


 

Fragmento de la Biblia de los Setenta, traducida del hebreo en Alejandría

Tomado de wikipedia.org

 

La antigua biblioteca fue destruida por un gran incendio  durante el reinado de Cleopatra VII. Se atribuyó a Julio César haber incendiado al defenderse de la flota egipcia, que pudo haberse extendido por la ciudad y arrasar los almacenes de la Biblioteca. A pesar de esta hipotética destrucción, se tiene constancia de que siguió funcionando más adelante.

A finales del siglo XX una nueva biblioteca ha vuelto a nacer


 


 

Vistas de la nueva Biblioteca de Alejandría.

Tomadas de wikimedia.org

 

Para saber más:

http://www.luventicus.org/articulos/02Tr001/index.html (Sobre la biblioteca de Alejandría)

 

Nuria Zapardiel

Etiquetas: ,

04/06/2009 07:07. sdelbiombo #. Arte griego Hay 3 comentarios.


EL GÓTICO COMO NECESIDAD INTERIOR. UNA EXPLICACIÓN SOCIOLÓGICA DEL ESTILO

 

 Catedral gótica de León

 

Como decía Kandinsky, el verdadero arte nace de una necesidad interior del artista. Con ello, realmente, no hacía otra cosa que ratificar la idea-fuerza de una de las corrientes más fecundas de la Historia del Arte: la sociología del arte.

Según ésta, el arte es la expresión (metafórica o simbólica) de una sociedad, de sus relaciones económicas y de dominio pero también de su ideología, de sus necesidades y de sus certezas y miedos. Cuando estos varían, también lo hace el arte, incluso un poco antes, abriendo caminos que sólo el paso del tiempo deja ver en sus verdaderas dimensiones.

Frente a esta teoría (que deriva de una lectura del marxismo que va más allá del materialismo histórico), en el XIX se intentaba explicar el arte ya desde las personalidades singulares o (derivado del positivismo decimonónico) de los avances técnicos del momento. Así, por lo ejemplo, lo creía Viollet le Duc, el gran restaurador de las catedrales francesas.

Su idea era, en el fondo, una respuesta al mundo en el que le tocó vivir (mediados del XIX), cuando los avances materiales como el acero y el cristal revolucionaron la arquitectura. Por eso ponía la máxima atención en la dinámica de tensiones de los distintos elementos (bóvedas de crucería, arbotantes, nervios…) para explicar el origen y evolución del estilo gótico.

 

Sin embargo, hoy sabemos que las cosas no ocurrieron verdaderamente así, y como ya demostró Simson (La Catedral Gótica) el arco apuntado, la bóveda de crucería e incluso los arbotantes ya se habían utilizado en el románico y luego en el Císter. Lo único diferente es que los arquitectos románicos le sacaron muy poco partido a estos elementos, infrautilizándolos, pues (y regreso así al título) no existía una verdadera necesidad interior que les obligara a ello.

 

 

Monasterio cisterciense de Santa María de Huerta. Refectorio

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Imagen:Refectorio_santa_maria_huerta.jpg

 

 

Por todo ello, para entender verdaderamente por qué surgió el gótico, necesitamos saber de la nueva sociedad que lo hizo necesario.

Hacia mediados del siglo XII (y en especial en Francia) comienzan a suceder una serie de fenómenos económicos y sociales que irán cambiando poco a poco la mentalidad feudal que sustentó el arte románico.

El primero de ellos será el auge de las antiguas ciudades (burgos) gracias al aumento del comercio. Esto se debió a tres grandes fenómenos entrecruzados: desaparición de los factores que generaban disturbios y generaban una sociedad violenta y puesto a la defensiva tras el castillo feudal (vikingos y húngaros se cristianizaron, los islámicos andalusíes se fueron debilitando), el clima se mantuvo en unos óptimos climáticos especialmente beneficiosos para el centro de Europa (con menores lluvias e inviernos menos rigurosos), haciendo que la economía llegara a unos rendimientos elevados que permitieron un aumento de la población y una generación de excedentes con los que comerciar.

Tomado de http://otrocontinente.blogspot.com.


Fue así como aparecieron lugares libres de señor feudal en donde se comerciaba y se producía todo tipo de productos (textiles, cerámica, metalurgia…). En ellos apareció a su vez un nuevo grupo social que no era ni noble ni campesino, la famosa burguesía dedicada a la artesanía y el comercio.


Fragmento de la Alegoria del  Buen y Mal gobierno de la ciudad. Ambrosio Lorenzetti. Finales del Trecento.

Tomada de wikipedia  

 

Muchos de estos lugares fueron protegidos por las nuevas monarquías (Capetos en Francia, Lancaster en Inglaterra, Fernando I o Alfonso VI en España) que daban a estas ciudades unas libertades propias (fueros), que las permitían prosperar a la vez que las unían a su causa en la lucha entre monarquía y feudalismo.

 

 

En esta nueva sociedad urbana el pensamiento religioso fue poco a poco cambiando. Por una parte ganó fuerza el clero secular (los obispos) sobre el claro regular (monasterios, tan típicos del románico, como Cluny)

Por otra, la tradicional idea de la religión vista desde el punto de vista negativo (el pecado y el castigo tan típico de la ideología románica) también fue variando ante la nueva clase burguesa. A esta burguesía (especialmente los comerciantes) ya no les valía la explicación románica de Cristo como un juez (el famoso Pantocrátor), y fueron dos nuevas órdenes, urbanas y mendicantes, las que iniciaron el cambio.

Los dominicos fueron sustituyendo el famoso ora et labora (reza y trabaja) de los cluniacienses por el estudio de la religión (teología) y la preparación de sermones que les sirvieran para enfrentarse con las nuevas herejía, como los famosos cátaros.


 

Santo Domingo de Guzmán, creador de los dominicos

Tomado de corazones.org


En torno suyo fueron creciendo las universidades y una nueva forma de ver y analizar la realidad, la escolástica, que introdujo junto a la fe, la razón como instrumento de conocimiento.

 

La otra congregación del momento fueron los franciscanos, que buscaron en todo momento una nueva relación con lo divino, mucho más dulce y humana, y actuaron en la ciudad ganándose el aprecio de sus habitantes gracias a sus escuelas primarias y sus hospitales.

 

San Francisco Asís. Trecento. Cimabue

Tomado de http://www2.ofmconv.pcn.net/es/index.php?option=com_content&view=article&id=39&Itemid=47

 

 

Sin entrar por el momento más en el tema, estas nuevas órdenes introdujeron la fuerza de la razón y la de los sentimientos en la nueva sociedad urbana y su religión.

 

Unido a todo esto (tal vez por el contacto con Bizancio por medio de las Cruzadas o por un resurgir, según Simson, del neoplatonismo), se volvió a recoger la idea de Dios como Luz.

Atrás quedaban las penumbras temerosas del románico y tanto el abad Suger como San Bernardo comienzan a hablar de la Iglesia como una Jerusalén Celeste, el paraíso prometido a los buenos fieles que, tal y como se comentaba ya en el Apocalipsis, tenía sus muros realizados en piedras preciosas.

 

Vidrieras de la catedral de Aquisgrán

 

Con todo esto las condiciones necesarias ya estaban creadas, una religión más dulce, racional y luminosa hecha para un nuevo grupo social, la burguesía, fue el paso previo al gótico. Ahora sí se podían (se debían) utilizar todas las técnicas para hacer de la Catedral un lugar pleno de luminosidad, vertical y gigantesco, que reflejara al nuevo Dios que estaba naciendo en las ciudades

 

Vicente Camarasa

06/06/2009 07:15. sdelbiombo #. GÓTICO Hay 1 comentario.

UN MAGNÍFICO BLOG DE EGIPTO

 

Templo de Debod. Madrid

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Templo_de_Debod

 

Juan Aranda me ha mandado este magnífico enlace sobre Egipto. Un blog de muchísima calidad que le encantará a los amantes de esta civilización. Varios de sus artículos analizan diversas cuestiones sobre el Templo de Debod

Su dirección es ésta: http://www.tendencias21.net/egipto

08/06/2009 07:08. sdelbiombo #. Arte egipcio No hay comentarios. Comentar.

CLAUDE MONET. NINFEAS, PAISAJE ACUÁTICO, NUBES

 

 

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2012/04/


Tema: Monet no quería contar nada en sus cuadros, sólo  le interesaba la luz; por  lo tanto el tema es antiliterario, es  decir que no tiene ninguna historia para contar, por  eso inició series en distintos horarios del día para tener distintos tonos de luz y sombras para jugar con el mismo objeto. Algunas  de las series realizadas por Monet fueron la catedral de Rouen,las estaciones y las ninfeas . Llegó a hacer una gran cantidad de cada motivo todos ellos con diferentes tonos de luz, más  azules, rojizos,  y con el descubrimiento de la rueda cromática y la mezcla de los colores consiguió mas tonos.

Composición: la composición la forman líneas horizontales creando profundidad transformadas en nenúfares florecidos que están sobre el agua jugando con colores para formar el reflejo del cielo y los alrededores en el agua. Gracias  a los avances científicos ocurridos en esta época Monet consigue nuevos encuadres y técnicas como el picado o contra picado que son planos usados en la fotografía.

Línea y color: las pinceladas ya no suelen ser en esta etapa sueltas sino que las convierte en manchas. Son las pinceladas iniciadas por Velázquez pero llevadas al extremo;en concreto la base del cuadro esta compuesta por grandes manchas con los colores de fondo y después, por encima, ha usado pinceladas muy sueltas, manchas  para dar la forma a los componentes del cuadro e incluso pinceladas abocetadas.En los colores no se encuentra ningún negro pero sí algunos tonos oscuros como verdes y azules que reflejan la naturaleza   ( todos los colores usados para sombras y reflejos no son negros ni grises sino mas colores). 

Luz: la luz es representativa porque la poca que hay se refleja en el agua resaltando a los nenúfares y dando vida al cuadro.

Perspectiva: tiene una perspectiva cónica donde el punto de fuga son los nenúfares que se encuentran en el centro causando profundidad; y creando un plein air

Comentario:

Monet logra captar en sus cuadros la vida, la forma de la naturaleza mientra juega con todos los colores por el cuadro, y todo lo hace pintando sólo lo que ve; duda posee una vista privilegiada ayudada de una memoria gráfica que poseía para acabar sus cuadros.

Este  cuadro de ninfeas, como muchos otros con motivos de nenúfares, los fue realizando en la ultima etapa de su vida en un jardín con un lago y un puente que a veces parecía darle un aire japonés como los famosos jardines de este país. También se encuentra en estos motivos el tema antiliterario buscando la luz en la naturaleza y los planos picados y contrapicados (tuvo  una gran influencia sobre esto al tener un estudio flotante en un bote y  salir a pintar al campo para captar los colores, qué  cada vez va haciendo todo mas complejo en sus pinturas).

A medida que el estilo incomprendido de Monet crecía con el paso del tiempo, pintores como van Gogh, Gauguin o Cezanne comenzaron a realizar cuadros muchos de ellos sin tema alguno, solo jugando con los colores en forma de sinestesia, es  decir como si los colores fueran notas musicales y tuvieran que componer una canción. Todos  estos pintores bohemios fueron desarrollando su estilo propio como puede ser van Gogh que utilizaba sus cuadros para pintar su realidad tenebrosa o Gauguin que quería reencontrarse con la naturaleza de una forma espiritual, o Cezanne que influirá en el cubismo de Picasso pintando formas geométricas en sus cuadros de distintos puntos de vista y encuadre.

 

Sara Gómez (4º ESO, A, SIES LA POVEDA DE CAMPOREAL)

09/06/2009 14:09. sdelbiombo #. De MANET a VAN GOGH No hay comentarios. Comentar.

LA ORDEN DE SANTIAGO EN SEGURA DE LA SIERRA

 

Ya era hora que JV nos diera el gustazo de enseñarnos algo de lo que es verdaderamente especialista, pues no en vano su tesis doctoral fue sobre las órdenes militares.

En este artículo analiza la importancia geográfica, política y económica de la Sierra del Segura (Jaen) y nos muestra unas curiosas fotos sobre la misma.

Esperamos más artículos del tema, claro; todo un menú de degustación entero y no sólo un plato (aunque eso sí, maravillosamente emplatado). Queremos el Bulli entero.

 

Vicente Camarasa

 

12/06/2009 22:35. sdelbiombo #. Templarios y órdenes militares No hay comentarios. Comentar.

JUAN MUÑOZ, UN BARROCO POSMODERNO QUE HACE DEL ESPECTADOR UNA NUEVA OBRA DE ARTE

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2009/04/21/sentidos-de-juan-munoz

 A Juan Muñoz, como buen barroco, le fascinaban los espejos que multiplican la realidad; le gustaban los suelos de baldosas que crean trampantojos a la mirada, figuras que hablan y se relacionan.

Como artista Barroco amaba el enigma que tienen las Meninas de Velásquez en donde la realidad y la pintura se confunden; amaba que el espectador se integrara en sus obras, se pasera entre ellas Me gustaría que el espectador pudiera entrar en la obra de arte como un actor entra en su propia escena... Me gustaría que quien acude a una exposición, ya sea en un museo o en una galería, se comportara como lo haría un actor, un actor inmóvil

 

Tomado de http://misiglo.wordpress.com/2009/04/21/sentidos-de-juan-munoz

 

Y es que Juan Muñoz vivía para engañarnos con las apariencias, para decirnos que lo más importante es el espacio o el movimiento. Como buen artista barroco disfrutaba tanto haciendo sus figuras como ideando las escenografías que las iban a envolver, y gustaba de los enanos, de la música, del gesto y la luz expresiva y sus grandes sombras provocadas, como un nuevo Caravaggio

Tomado de http://latadezinc.blogspot.com/2008/08/juan-muoz-madrid-1953-ibiza-2001.html

 

Decenas de veces, mientras vemos sus obras, podemos recordar a Velázquez, a Bernini escultor, a Borromini, Rembrandt incluso. Su obra está tan llena de ellos que no le falta ni siquiera la música que debieron acompañarlas en su momento.

Pero Juan Muñoz es algo más que un artista barroco, le sobra cinismo y la faltan certezas para serlo. Es un artista posmoderno que encaja tan fácilmente en nuestro tiempo que es lógico las masas de gente que han invadido el reina Sofía.

Él ya no tiene un rey ni una iglesia que defender (como haría Bernini o Velázquez), ni siquiera una burguesía a la que alabar (como hacía Rembrandt).

Él vive en un tiempo en el que ha dejado de haber tiempo. Un tiempo cíclico y sin grandes discursos, un mundo plural, acaso quisiéramos que multicultural en donde los chinos se mezclan con los enanos y los dibujos animados, las bailarinas sin pies con los desastres ferroviarios.

 

 

Tomado de http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

 Un mundo sin Dios, asesinado por Nietzche y finiquitado por la propia Iglesia. Un mundo en donde todo cambia pues la vida se ha vuelto líquida y se adapta a cada nuevo vaso que pretendemos llenar.

 

Pieza de conversación

Tomado de http://www.elmundo.es/albumes/2009/04/21/exposicion_juan_munoz_reina_sofia/index_1.html

 

Y nada permanece, nada es real del todo, el mundo se ha vuelto un simulacro, como las Vegas y sus hoteles que remedan los canales venecianos.

Por eso todo nos sorprende, porque nos intenta engañar y luego, como un buen y disciplinado agnóstico, nos enseña los trucos del engaño. Las esculturan parecen hombres pero no lo son, para que paseemos entre ellas sabiendo que se parecen a nosotros mismos pero son mentira.

Es tal la brutalidad de sus esculturas que éstas hablan y mueven los labios para luego… no decir nada, o contárselo sólo a una pared. ¿Acaso porque no hay ya nada que decir, sólo murmullos, como una televisión encendida para nadie?

 

 

Tomado de http://latadezinc.blogspot.com/2008/08/juan-muoz-madrid-1953-ibiza-2001.html

 

Y todo parece realista, pero no lo es. Los ojos están pellizcados en su resina para que, cuando nos acerquemos nos encontremos con una realidad muy distinta a la que nos parecía, igual que a menudo realiza Barceló

 Y es que, como ocurría en Dubufet, las obras de Juan Muñoz tienen algo de risa y algo de miedo. Nos sorprende y nos divierte, primero, para provocarnos un escalofrío después. Sus obras se dejan mirar fácilmente, pero se olvidan con mucha dificultad, pues en el fondo todo nos recuerda la triste condición humana, su desvalimiento, lo poco que somos frente a lo mucho que nos creemos

 

 

Tomado de http://www.elpais.com/fotografia/cultura/i/Hanging/figures/i/1999/elpfotcul/20080124elpepicul_3/Ies

 Y si todo lo dicho ya sería bastante, no es suficiente para la obra de Juan Muñoz. Pues falta el público, quizás mucho más importante que su obra. Como ya hiciera Duchamp con su famosa fuente su arte queda incompleto sin un espectador que lo mire y lo sienta.

Tomado de http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

 

Para eso sus figuras no son sólo figuras, sino piezas en un espacio. Las obras no se cierran en sí mismas sino que se abren a las salas y las transforman sólo para que el espectador pueda entrar en el juego y andar entre ellas, pararse, darse la vuelta, sentirse incómodo entre chinos sonrientes ,  un verdadero dios ante otras diminutas o formar parte de ellas convirtiéndose en una sombra junto a la sombra proyectada.

 

Lo vi en Bolonia

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Mu%C3%B1oz_(escultor )

 

Quizás sería muy interesante, acaso más interesante que ver las propias obras, fijarnos en dos cuestiones: cómo modifican el espacio circundante haciéndonos visible nuevas formas de percibirlo y qué curiosas relaciones establece con el espectador al que obliga a convertirse en un verdadero mirón, como hacía el Picasso último, haciéndole entrar en la intimidad de los grupos que hablan entre sí, obligándole a agacharse para contemplar un rostro que luego no podrá ver, reflejándose en los espejos mientras gira en torno a una obra, escuchando la pared por si acaso hay algo que oír tras ella… Un verdadero espectáculo, sobre todo el de los niños que aún no conocen la vergüenza y se dejan arrastrar por las sugestiones de esta obra rica, múltiple, divertida y terrible, de la que hemos intentado destacar algunas clave, aunque es IMPRESCINDIBLE ir a conocerla en persona y sentirla por uno mismo, pues seguro que encontrará nuevas ideas que nos encantaría que compartiérais en este artículo.

Yo, por el momento, pongo un enlace con la más joven colaboradora de nuestro blog, Aurora, que desde su sensibilidad increíble (jamás he visto a un niño ver las obras de arte con esa facilidad, sacar el mensaje oculto en ellas como si estuviera escrito en letras fosforescentes), nos cuenta sus experiencias

 Si queréis ver más, aquí tenéis vídeos interesantes

http://www.youtube.com/watch?v=SOXCBkODfeg&feature=related (Un niño viendo la exposición)

http://www.youtube.com/watch?v=hkUuylN9tF0&feature=related (Las esculturas que respiran)

http://www.youtube.com/watch?v=Qlw-6WuKCUM&eurl=http%3A%2F%2Fblogs%2Elarioja%2Ecom%2Fnoesundiacualquiera%2Fcategory%2Farticulos&feature=player_embedded (general)

 

Para leer más cosas sobre Juan Muñoz

http://delianegro.wordpress.com/2008/11/16/many-times-juan-munoz-y-la-escultura-del-murmullo-y-el-silencio-espanol-1954-2001

http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Juan/Munoz/2255

 

Vicente Camarasa

Etiquetas:

INTERPRETENDO TEXTURAS. A PROPÓSITO DE KLIMT. UNA PEQUEÑA REFLEXIÓN SOBRE UN CURSO ENTERO

Como fin de fiesta, y después de tantas aportaciones y sugerencias, Ana nos ofrece el trabajo que han realizado los alumnos de 4º ESO jugando con las texturas. Se eligió para ello obras del modernista Klimt, y poco se puede decir sobre los resultados.

 IM-PRESIONANTES.

Verdaderamente, el año ha sido pródigo en hallazgos de todo tipo, tanto personales como profesionales. Como un niño pequeño he reaprendido a ver el mundo desde unas nuevas sensibilidades (artística en Ana, literaria en Rocío, vital sin perder la racionalidad en JV, maravillosamente irónica en Ignacio, tan tierna en Alejandra, tan profesional en Juanjo, musical casi renacentista en Jorge…) que me han enriquecido sobremanera, me han sacado de la triste tranquilidad de una fase ya acabada de mi vida y me han abierto muchos horizontes nuevos.

Otro tanto ha ocurrido con muchos nuevos alumnos que me han permitido conocer una nueva forma de vivir y tanto cariño me han dado, contagiándome su alegría de vivir, su ternura a veces brusca pero auténtica, los bellos paisajes de su entorno…

A todos ellos, muchas gracias, sólo eso, por una vez prefiero no poner más palabras que estropearían lo que verdaderamente siento.

 

Y pasado el rollo, os dejo con lo verdaderamente importante. Las fotos pertenecen a las obras realizadas por :Noelia Sanz, Mónica Pertínez e Itziar López (el beso); Sara Gómez, Sergio e Ismael (el abrazo); Noelia Díaz y Elena (La Sirena), Las tres edades( fragmento): Gema y Sonia (la tres edades, fragmento);  Bárbara y Juliana (Friso de Beethoven); Vanessa y Catalina. Todos alumnos de 4º ESO A del SIES La Poveda en Campo Real

 

.

.

.

.

 

.

.

.

 

Vicente Camarasa

17/06/2009 06:55. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 5 comentarios.

BREVÍSIMA HISTORIA DEL COLOR (Segunda Parte)

 

 

Julian Schnabel.

Tomado de elsindromechejov.blogspot.com/2007/01/cheever

 

Aquí puedes consultar la primera parte

 Con frecuencia decimos que si el aspecto externo de un objeto ha cambiado (su apariencia) es debido a la variación de la luz que lo ilumina, pero para ser conscientes de esa “modificación” en la apariencia, los cambios cualitativos de la luz deben ser bruscos y evidentes, ya que si no pasan inadvertidos para la gran mayoría de personas.   Algo que no ocurre con los pintores puesto que captan mejor los elementos que matizan cada color y son ellos los que tienen una gran capacidad para convertir los colores de superficie (permanentes) en colores de estímulo.

Esto lo saben muy bien los impresionistas para los cuales la luz captada en ambientes naturales se convierte en objeto central en sus composiciones 

 

 

Catedral de Rouen. Monet. Una serie en la que, desplazándose progresivamente, quería estudiar las variaciones de la luz en la fachada con el paso de las horas.

 

En el post-impresionismo Vincent Van Gogh con una pincelada muy pastosa, emplea colores agresivos y saturados para mostrar así el mundo hostil que percibe y Cezanne para quien “un cuadro no representa más que colores”, mezcla unos colores con otros para conseguir un todo armónico (sinestesia; la pintura como música)

 

 

El sembrador. Van Gogh.

Tomado de lasonceyonce.blogspot.com/

 

En el siglo XX surgen numerosas tendencias basadas en una forma de expresión más libre del artista. Algunas vanguardias como el Fauvismo (Matisse, Derain) darán mucha importancia al color (con su uso no se pretende representar la realidad sino generar relaciones con otros, al igual que Cezanne) y el Expresionismo (Munch, Kirchner) que combina la deformación en el dibujo y la utilización de colorido exagerado y distorsionado

 

 

El grito. Munch.

Tomado de miriadas.wordpress.com/.../una-soledad-asistida/

 

A partir de este momento somos conscientes de que en arte contemporáneo las formas de entender el significado del color son diferentes ya que aquí podemos encontrar desde intenciones simbólicas y emocionales (KANDINSKY. ,u experto en el estudio del color y para quien los colores representan estados anímicos) y en una línea parecida, Mondrian que también cree en el contenido espiritual de los colores (COMPOSICIÓN?) hasta el empleo puro del color en el expresinismo abstracto de los años 50 (MARK ROTHKO donde se elimina la forma y cuyas obras buscan emocionar al espectador, envolviéndole con colores representados en franjas, el color field).

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Mark_Rothko

 

Pollock, a través de la técnica de goteo de la pintura (dripping) crea una obra en la que no hay principio ni fin sino un recorrido continuo) Otra figura destacada es el artista  Yves Klein  (con influencia de Goethe) que aspira a la sensación de “absoluta espiritualidad” a través de obras monócromas de un azul especialmente intenso, el color IKB (International Klein Blue).

 

 

Sin embargo, no debemos pensar que el color es algo exclusivo de la pintura, pues en escultura también puede tener sobre nosotros unos efectos sorprendentes y esto donde mejor se puede ver es en la figura de Anish Kapoor, nacido en la India en 1954 y cuyo uso del color en sus obras hace introducirse al espectador en un mundo inmaterial donde la intensidad del pigmento puro esparcido sobre las formas de montaña le aporta un aspecto mágico que supone un verdadero deleite para los sentidos.

 

Tomado de Tomada de http://mollytate.wordpress.com/geometric

 

 

Mar San Segundo

UN AÑO EN CAMPO REAL (Primera Parte)

 

.

.

 

.

.

.

.

.

Vicente Camarasa

(Las fotografías son libres, pero si váis a utilizarlas citad su fuente, por favor)

22/06/2009 15:41. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 2 comentarios.

VISTO EN LA RED. ¿ACASO SOMOS INVISIBLES? Emma Hack y Liu Bolin

Me ha llamado la atención dos obras recogidas en la ventana del zulo que hablan de un tema que cada vez me interesa más: el camuflage o la invisibilidad.

 

 

Resulta curioso que en plena era del individualismo militante nuestra propia personalidad vaya quedando cada vez más camuflada dentro del paisaje global. La moda (tanto en las vestiduras como en los propios pensamientos) nos hace cada vez más iguales al mundo, seres planos perfectamente invisibles (integrados, como diría Umberto Eco).

 

 

 

Es la pérdida del pensamiento crítico del ser diferentes no por pura pose sino por necesidad vital, aunque eso signifique darnos visibilidad y estar expuestos a la crítica o la simple risa.

 

 

¿Sería eso una nueva señal de los tiempos o, por el contrario, uno de los problemas que deberíamos resolver para salir de esta crisis, que más económica es moral y de ideas, en la que estamos sumergidos?

 

Las dos primeras fotos pertenecen a Emma Hack , y además de lo ya dicho, me resultan extremadamente sutiles, una verdadera reconversión del art nouveau  a los tiempos posmodernos en donde toda belleza tiene su lado oscuro

En cuanto a las dos siguientes, el artista es Liu Bolin, un artista plástico chino mucho más contundente, que elimina los rasgos de esteticismo para dar una mayor fuerza a este mensaje de no ser nadie

Todas las imágenes han sido tomadas de

http://laventanadelzulo.blogspot.com/search/label/Arte?max-results=20

 

Vicente Camarasa

24/06/2009 07:02. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

UN AÑO EN CAMPO REAL (Segunda Parte)

 

.

.

.

.

.

.

.

.

 

Vicente Camarasa

25/06/2009 07:04. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 2 comentarios.

AMARILLO VERMEER.

  

Vermeer. La joven de la perla.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla

 

Un acercamiento interesante y bastante fiel a cómo era el mundo de los pintores en la Holanda del siglo XVII , se nos muestra en la Película “La joven de la perla”, que retrata la gestación de este famoso cuadro de Johannes Vermeer.

Vermeer es, probablemente, uno de los pintores más fascinantes que se pueden contemplar en nuestra vieja Europa. Vivió como un oscuro pintor provinciano, sin apenas salir de su ciudad natal, Delft, sobreviviendo gracias a la fortuna familiar de su esposa y al trabajo que, lentamente, hacía salir de su taller. El artista era muy meticuloso, trabajaba con gran minuciosidad, en cada uno de sus cuadros, que no solían ser muy grandes.

Vermeer fijaba un motivo frente a su caballete, estaba especialmente atento a las variaciones de la luz, por lo que en sus obras suelen aparecer cerca de la ventana, e intentaba captarlo a través de las lentes de la cámara oscura. No obstante, este post no trata sobre su forma de trabajar, lo que indudablemente es importante, sino de cómo influyeron las circunstancias históricas y comerciales del momento en el resultado de su pintura.

 

 

Vermeer. La lechera

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Vermeer_-_The_Milkmaid.jpg

 

En 1660 , cuando empieza a desarrollarse su producción más importante, Holanda ha conseguido, tras varios años de luchas, su independencia de España. La República de los Países Bajos, las Provincias Unidas, son un estado aristocrático con importantes intereses comerciales, ya que su única riqueza viene de su posición estratégica , entre Inglaterra, Francia Alemania y los Países Nórdicos, su marina y la importancia de su mercado , especialmente textil y productos de lujo.

Pero además de independizarse de España, Holanda ha conseguido expansionarse en el Indico y en el Atlántico. Se ha fundado la Compañía holandesa de las Indias Orientales en 1602 y  Holanda consigue importantes enclaves portugueses , como las Molucas , Indonesia , o establecer compañías que comercien con los nativos. Las principales importaciones son las especias alimentarias: canela, clavo, pimienta, azafrán. Pero hay otras.

En los cuadros de Vermeer es frecuente un elemento que también se ve en otros pintores de la época: los mapas. Las casas de alcurnia ostentaban con orgullo este elemento decorativo, no sólo símbolo de estatus, sino también toda una declaración de principios. Los mapas suelen mostrar el territorio holandés, ganado después de tantos esfuerzos, pero también aparecen mapamundis, que muestran la vastedad de enclaves en los que se asienta el imperio holandés : América del Norte, Brasil, Indonesia, India...  y en uno de los barcos que hace el trayecto de vuelta a Amsterdam, entre otras mercancías, viaja una carga preciosa.

 

 

Vermeer. Alegoría de la pintura.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_arte_de_la_pintura

 

Si observamos las siguientes obras : “La lechera”, “ Mujer con collar de Perlas” , o la” Alegoría de la pintura”, notaremos la presencia de un color cálido, brillante, envolvente: es el amarillo índigo.

Inútilmente lo buscaremos en Velázquez o en Murillo. Este color está en los cuadros de Vermeer porque era Holanda quien controlaba el comercio con sus productores. Resultaba un color caro por cómo se obtiene: a partir de la orina de la vaca que se haya alimentado de hojas de mango. El sistema, además de costoso, era cruel, ya que el estómago de la vaca no tolera bien este alimento, por lo que a la larga se acabó desechando. El brillo es intenso, casi aúreo, y no es extraño que el pintor lo empleara muy a menudo. El hecho de que aparezca en los vestidos de las mujeres da cuenta de la importancia que tenía como tinte. Las ropas teñidas con él parecen ser de seda, tejida del tipo raso o satén, que también era un objeto de importación, y por tanto de prestigio. Por tanto, mapas y sedas situaban inmediatamente al modelo en una categoría, la de los favorecidos por la fortuna del próspero comercio holandés.

No olvidemos por último la protagonista de su cuadro más famoso, la perla. El tamaño de la misma es considerable, sin duda es un objeto exquisito.  Su llegada a Amsterdam pudo provenir de la isla de Ceilán , donde pescarlas era una tradición nativa. 

 

Ana Molinero

Etiquetas: , ,

Ä. Un fotógrafo y diseñador muy prometedor

Valla xenofobia

 Gracias a Ana (a la que tantos nuevos horizontes le debo este año), he conocido un blog sumamente interesante. Se llama simplemente Ä.

Detrás suyo se encuentra Ángel Constantino, un interesante fotógrafo y diseñador (no sé si este orden es el correcto), que ha comenzado a realizar un blog con su propia obra.

  

Ser humano.

 De su obra me gustan especialmente dos características. La primera de ellas es su fina ironía, tanto en sus puros juegos visuales como en otras piezas más elaboradas

 

 Bon Profit.

  

Don not disturb.

 

Me gusta también su rigor conceptual que elimina la paja superflua para centrarse en el mensaje.

 Siglo XXI

 

Pues son obras de una estudiada y calculada sencillez bajo la cual siempre hay una lectura más profunda. Fotos que ganan con el tiempo, cuando se las frecuenta y se va descubriendo en ellas que nada falta pero tampoco sobra.

Algunas verdaderamente inquietantes en cuanto logran resumir en una imagen, ideas profundas, rotundamente actuales.

En ese sentido una de mis favoritas es ésta. Me gusta por su sensación de que somos personas reconstruidas, hechas por decenas de vendas que van apilándose sobre lo que fuimos, que serán cubiertas por lo que seremos.

 

 

De la serie Máscaras.

 Si queréis entrar en el blog ésta es su dirección

http://a-dieresis.blogspot.com

 

Vicente Camarasa

29/06/2009 07:18. sdelbiombo #. FOTOGRAFÍA, Video y net art No hay comentarios. Comentar.


Blog creado con Blogia. Esta web utiliza cookies para adaptarse a tus preferencias y analítica web.
Blogia apoya a la Fundación Josep Carreras.

Contrato Coloriuris