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Se muestran los artículos pertenecientes a Marzo de 2009.

BUEN DÍA TENGA USTÉ. ARTE URBANO

 

Siempre me ha gustado esta figura pintada en la calla Santa María de Madrid, su juego sutil de la perspectiva de las piernas y su título. Frente a tantos graffitis repetitivos que sólo multiplican una estética vacía de contenidos, pequeñas sorpresas como ésta siempre resultan maravillosas de encontrar, ¿verdad, Guille?

Vicente Camarasa

 

01/03/2009 09:15. sdelbiombo #. Arte urbano Hay 2 comentarios.

CLAUDE DEBUSSY, PINTOR DE MÚSICA.(CUARTA Y ÚLTIMA PARTE). EL MAR

HOKUSAI: GRAN OLA. Uno de los pintores japoneses preferido por Debussy pero también por Van Gogh

Tomado de http://arelarte.blogspot.com/2008/07/la-estampa-japonesa-y-su-influencia-en.html

 

De todos los compositores se suele celebrar una obra como cumbre y sintética de todo su arte. En Debussy, esa obra se titula El Mar. De nuevo el título ya genera unas imágenes en nuestra cabeza y nuestra imaginación comienza a volar con las posibles representaciones musicales que puede tener. Espero que Debussy cumpla vuestras expectativas. Compuesta de tres movimientos, muchos han querido ver en ello un paralelismo con los de la sinfonía clásica. Os reto a que cada uno de vosotros juguéis a encontrar las imágenes que los movimientos sugieren: 1. Del alba al mediodía sobre el mar (escuchad la indeterminación, las brumas del comienzo, y cómo la música avanza hacia el máximo de sonoridad al final, el mediodía. Sentid el amanecer, que yo entiendo sobre 1.15 a 1.35, con ese dúo de flautas tan maravilloso), 2. Juegos de olas (que en definitiva es al modo de ver clásico un movimiento tipo scherzo, o literalmente juego) y 3. Diálogo del viento y del mar (creo que la representación del rugir del viento está magistralmente conseguida. Debussy muestra aquí el lado más salvaje e incierto del mar. Atentos a 1.10, la tempestad avanza, y esa melodía tan incierta de los oboes a continuación. Todo tiene un carácter fatal. Y por supuesto, el final arrollador). Como nota curiosa, os diré que la mayor experiencia marítima que Debussy vivió fue el cruce del Canal de la Mancha (claro que lo más cerca que también estuvo de Granada, fue en un pueblo de la frontera en los Pirineos)

 

 

 

 
http://www.youtube.com/watch?v=sXHud5Lxgk4

 

http://www.youtube.com/watch?v=a2udZdSWXyE&feature=related

 

http://www.youtube.com/watch?v=gz5pCCX7Y_M&feature=related

 

-El Mar

 

Hacia el final de su vida, en 1912, su música abandonó el descriptivismo característico, haciéndose más abstracta. A este período pertenece el ciclo de sonatas de las que os hablé en el artículo sobre los Neoclásicos franceses, aquí os propongo escuchar uno de sus Estudios (obras en las que se trabaja un aspecto técnico en concreto), el número uno, titulado Para los cinco dedos. No exento de humor, Debussy demuestra lo que es capaz de hacer a partir de las cinco primeras notas (do-re-mi-fa-sol-fa-mi-re-do), burlándose en cierto sentido de la poca imaginación de otros compositores de estudios.

 

http://www.youtube.com/watch?v=WJdRnWI1nI0&feature=related

-Estudio convencional, nº 1 de J.B. Cramer

 

http://www.youtube.com/watch?v=iS4kZ1vxuWY

-Estudio Para los cinco dedos

 

Puedes aquí consultar la primera parte, la segunda parte y tercera parte

 

Rafael Gordillo

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FOTOS PARA REPASAR ARQUITECTURA GÓTICA

 

 

El arte gótico cambió radicalmente frente al románico, pues se basa en una nueva sociedad burguesa, urbana, comercial… Del miedo románico pasaremos entonces a la Catedral llena de luz que quiere recordar a la Jerusalén Celeste.

 

En planta, sin embargo, la catedral gótica se basa en las iglesia de peregrinación románicas, y tiene sus características. Sólo iremos observando una cabecera cada vez más amplia que termina por incluir el transepto, haciendo que la forma en cruz se vaya perdiendo

 

 

Catedral de Reims

 

Lo que cambia de forma radical es el alzado y la cubierta Se intentará tener muros con muchos más ventanales, haciendo todo un nuevo sistema de sujeción. Se inventarán así los arbotantes que llevan los pesos a los contrafuertes exteriores que se equilibrarán con pináculos

 

 

Tomado de artetorrehebreros

 

 

Catedral de Sevilla

 

 

Catedral de León

 

Esto permite al interior grandes y luminosos espacios, que suelen tres pisos (alzados tripartitos) que se sustentan en baquetones y dejan espacios a numerosas vidrieras.

 

Vidrieras


Todo el sistema se culmina en una nueva bóveda (la de crucería) menos pesada. Se realiza por medio de dos nervios que se cruzan en su centro (clave) y se cubren los huecos con plementería

 

 

Catedral de Colonia

 

Catedral de León

 

Catedral de Colonia

 

También podremos encontrar numerosos elementos sacados del estilo interior junto a otros nuevos

 

 

Catedral de Colonia

 

 

Fachada normanda. Catedral de Colonia

 

 

Gárgola para sacar el agua de los tejados  Iglesia de Tomar

 

 

Rosetón

 


 Rosetón (desde el interior)

 

Como ves algunas de las fotos están sin completar para que puedas bajártelas y hacerlo tú como forma de repaso

 

También aquí tienes una presentación que te explica muchos de estos elementos

 

 Vicente Camarasa

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02/03/2009 20:11. sdelbiombo #. GÓTICO Hay 7 comentarios.

FOTOS PARA REPASAR EL PALEOLÍTICO

 

Tomado de

http://laboratoriodesociales.files.wordpress.com .

 

Estos son los instrumentos más antiguos que utilizó el hombre (homo habilis). Se denomina cultura Abbevillense y son muy rudimentarios. Apenas están tallados por un lado (En España estos instrumentos fueron utilizados por el homo antecesor de Atapuerca)

 

 

Hacha bifaz achelense utilizada por el homo ergaster en África y el heidelberguensis en España. Fíjate cómo ha mejorado la talla. Servía para cavar buscando tubérculos, despedazar la carne de la caza…

 

 

 

En el paleolítico medio, el hombre de Neardenthal evolucionó sus técnicas. Es la llamada cultura musteriense, en la que se utilizan lascas (trozos pequeños sacados de un núcleo), pues eran más cortantes y menos pesadas. Para que te hagas una idea de su tamaño las fotos las representan a tamaño natural

 

 

 

Hacha bifaz del paleolítico superior (magdaleniense), llamada de laurel. La talla ha progresado muchísimo y la pieza se ha vuelto mucho más delgada y con filo más cortante.

 

 

Durante el Paleolítico Superior también se comenzaron a realizar objetos en hueso, como estas puntas de lanza

 

Para ver muchas más cosas del Paleolítico:

http://aula2.elmundo.es/aula/laminas/lamina1134642346.pdf (DE LAS FORMAS DE ENCENDER FUEGO)

y sobre todo el artículo de JV en su blog, en donde encontraréis muchos enlaces

 

Vicente Camarasa

05/03/2009 15:31. sdelbiombo #. PREHISTORIA Hay 12 comentarios.

LA ALHAMBRA. EL AGUA OCULTA QUE LLORA

 

 

 

Fuente Sala de los Abencerrajes

 

El verso es de Machado y es tan cierto como bello; la Alhambra es una gran ciudad musulmana que tiene por habitantes millones de turistas y un rumor oscuro que corre bajo ellos, casi imperceptible. Es el agua, verdadera señora de esta Colina Roja.


EL RESTO DEL POST, REVISADO Y AMPLIADO, SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG DE ARTE Y VIAJES

 

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06/03/2009 18:59. sdelbiombo #. Al Andalus Hay 5 comentarios.

POR SI QUIERES SABER DÓNDE VIVE EL RATONCITO PÉREZ

 

El famoso Ratón Pérez que deja un regalo a los niños que se les cae un diente vive en el mismo centro de Madrid, si queréis saber dónde, entrad aquí y Aurora os contará algo sobre él

 

 

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08/03/2009 11:30. sdelbiombo #. Madrid Hay 6 comentarios.

UN ESPACIO PARA EL RECUERDO. EL MONUMENTO A LAS VÍCTIMAS DEL 11 M EN ATOCHA

 

 

 

 

Hacer buena arquitectura (y no sólo una exhibición de técnica o un pastelito de colores) es muy difícil. Más aún si esa arquitectura tiene tema (necesita contar una serie de cosas al espectador sin caer en el sentimentalismo barato), y este tema es algo tan terrible como la matanza que se sufrió en Madrid el 11 M.

Sin embargo, creo que todos esos retos fueron ampliamente superados con esta obra de arquitectura que, paradójicamente, resulta una absoluta desconocida pese a encontrarse en el mismo centro de Madrid. Por eso, por su asombrosa estética que es capaz de cargar con la terrible que llevan sus ladrillos de cristal, me parece oportuno recordar precisamente hoy este monumento y reivindicarlo, pues debería ser una visita obligada en la capital.

 

  

Desde el exterior apenas si podemos ver un extraño cilindro de cristal rodeado de tráfico. Escasa monumentalidad, como criticaron algunos, aunque muy lógica, pues el lugar ni era apetecible para una gran construcción (pues apenas podía ocupar espacio en una zona estratégica de las comunicaciones de la ciudad), ni servía para una contemplación tranquila, memoriosa. Por ello (con gran acierto) sus creadores se volcaron en su interior, recordando que aquello no eran fuegos artificiales (una tragedia así no los permite) y que la verdadera arquitectura es la creación de espacios internos (como ya hizo Mies van der Rohe en su Pabellón de Barcelona o actualmente Siza o Moneo), hechos tan sólo de aire y luz.

Por ello quien quiera verdaderamente saber debe bajar al intercambiador de Atocha (por cierto, una magnífica obra de moneo) y llegar a una especie de pared azul semitransparente en la que se abre una sencilla puerta para encontrarse con esta habitación vacía de todo menos de una color azul que casi puede tocarse.

 

 

En su centro encontramos la explicación del cilindro exterior. Es el único foco de luz de la estancia, una magnífica cúpula (que realmente no lo es) hecha con ladrillos de cristal.

 

 

En ella están escritas, en decenas de idiomas, las frases que los madrileños fueron dejando espontáneamente en la estación.

 

 

Y hasta aquí lo que se puede (y debe) contarse, pues lo demás lo ha de experimentar uno mismo con su sensibilidad y su memoria de aquellos días, e igual que uno no puede explicar verdaderamente un cuadro de Rothko o Klein, ni puede definir las esculturas de Kapoor, tampoco puede contarse nada más de esa capilla llena de un color suave que es espacio, silenciosa, un verdadero refugio zen en donde poner el contador de las emociones a 0 para comenzar a explorarse uno por dentro, y deambular por la sala o estar quieto, mirar hacia arriba para llenarse de luz o dejar que la mente se pueda mecer en el azul profundo que nos envuelve. Pasear, pensar, sentir en un espacio privilegiado a base de eliminar estímulos y dejarnos a solas con nuestra memoria, cada vez más saturada por los múltiples mensajes exteriores. (Quizás eso sea lo que verdaderamente aterra a los críticos de esta obra, estar solos consigo mismo y poderse ver por dentro como si fueran cristales del gran cilindro)

 

 

Sólo deciros que (como ocurre en el verdadero arte) la simplicidad de la habitación tiene una complejísima técnica arquitectónica utilizada para no poner soportes intermedios, así como una alta tecnología (para aislar de ruidos la habitación, para evitar que las vibraciones del tráfico afecten al cilindro de cristal, para conseguir esos ladrillos transparentes que no tuvieran dilataciones o contracciones excesivas…). Sus creadores fueron Esaú Acosta, Raquel Buj, Miguel Jaenicke, Mauro Gil-Fournier y Pedro Colón de Carvajal, que componen el estudio de arquitectos FAM (Formidable Aroma de Manzana)

 

EL BOSQUE DE LA MEMORIA (DE LOS AUSENTES)

 

Para saber más

http://www.elpais.com/fotogaleria/Diario/monumento/cristal/3699-13/elpgal/?aut=false (FOTOGRAFÍAS)

http://www.elpais.com/diario/madrid/?d_date=20070415 (TODOS SUS SECRETOS TÉCNICOS)

 

Vicente Camarasa

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EL PENSADOR DE RODÍN. UN MODERNO MUY CLÁSICO (Primera parte)

  

Ahora que tenemos la oportunidad de ver en Madrid algunas obras de Rodin (en el exterior de la Caixa, en el Paseo del Prado) sería un buen momento para conocer a este autor, el mejor escultor del siglo XIX que, sin embargo, uno nunca sabe muy bien dónde colocarlo, pues a veces es tan moderno como clásico.

 

EL ARTÍCULO SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG



 

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12/03/2009 08:07. sdelbiombo #. Rodin Hay 2 comentarios.

MONSANTO. UN ENCLAVE TEMPLARIO EN PORTUGAL

 

 

 

Muy cerca de la frontera española, al norte de Cáceres, existe un pueblo encantado lleno de grandes bolos de granito y recuerdos templarios...

ENCONTRARÉIS EL ARTÍCULO COMPLETO, con nuevas fotos EN NUESTRO NUEVO BLOG

 

 


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COCO CHANEL, CUANDO LAS VANGUARDIAS LLEGARON A LA MODA

 

 

Cocó Chanel y Salvador Dalí

Tomado de

http://losmediospelosargentinos.wordpress.com/2008/10/22/coco-chanel-y-el-pusilanime-paul-morand

 

A veces somos demasiado estrictos a la hora de estudiar el arte, olvidando que hay muchas más cosas que pinturas, esculturas y arquitecturas. Pero existen muchos más géneros y ámbitos que a veces explican mejor el sentir de una época.

Por eso os propongo que leáis este magnífico artículo que ha realizado Alejandra en su blog sobre Cocó Chanel, el Picasso de la moda que revolucionó toda la forma de vestirnos (y en el fondo de entendernos, pues la ropa no es otra cosa que la piel que mostramos a los otros).en la década de los 20, cuando Picasso volvía a su clasicismo, muy pocos años antes de que estallara la revolución surrealista o Le Corbusier diera la vuelta a la arquitectura.

 

En el fondo (si lo pensáis bien) la revolución de Cocó fue tan radical como el de las vanguardias y aún de ella vivimos.

 

Vicente Camarasa

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EL PENSADOR DE RODÍN. UN MODERNO MUY CLÁSICO (Segunda parte)

 

 

 

Otra de las características que siempre han llamado la atención en la obra de Rodin ha sido su tratamiento desmesurado de la anatomía, deformando sin piedad la misma.

 

 

Este rasgo que llegará a su máxima expresión en el Balzac o en los Burgueses de Calais cuyos bocetos también se exponen en la Caixa. Muchos autores lo consideran como otro rasgo moderno del escultor que influirá en el expresionismo del XX

 

Rodin. Balzac

Tomado de http://artevalor.blogspot.com/2009/01/arte-para-que.html

 

Sin embargo, la modernidad de Rodin resulta de nuevo muy clásica. Otra vez será Miguel Ángel el modelo que tomará. El Miguel Ángel viejo y cada vez más desesperado que triturará la anatomía y belleza clásica que él mismo había colaborado a crear. Fijaros en esta obras y no hará falta más comentarios sobre la pérdida de proporciones.

 

Esclavo. Miguel Ángel.

Tomado de http://escritoscarolina.wordpress.com/2007/07/05/miguel-angelmi-escultor

 

  

Sin embargo, la línea llega mucho más lejos, pues Miguel Ángel (además de sus motivos personales) tuvo dos grandes esculturas griegas como base para el desarrollo de esta masividad del cuerpo humano: el famoso Laocoonte y el Torso del Belvedere que os pongo a continuación.

 

 

Torso de Belvedere. Helenístico

Tomado de http://www.flickr.com/photos/josull78/540497374

 

De nuevo, Rodín un moderno muy clásico

 

OTROS ARTÍCULOS SOBRE EL PENSADOR

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La composición

 

 

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Vicente Camarasa

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16/03/2009 08:13. sdelbiombo #. Rodin Hay 2 comentarios.

CASEBERE. LA MAGIA DE LA MENTIRA

Tomado de

 http://muertoderisa.typepad.com/photos/uncategorized/2007/03/22/artwork_images_40_156643_jamescaseb.jpg

 

Recuerdo aún perfectamente cómo lo descubrí. Hará dos años, una tarde cualquiera, navegando por Google, buscando imágenes sobre los hamman o baños árabes. Aparecieron entonces sus fotografías sobre espacios inundados, y desde entonces no he podido sacármelas de la cabeza.

 

 

Tomado de http://www.galerietanit.com/bios/casebere/casebere.htm

 

 

Su trabajo se encuentra dentro de lo que algunos críticos (Bravo) ha llamado fotografía construida. Al igual que Chema Madoz, Stroare, Levinthal, Crewdson, Casabere realiza una serie de maquetas que, tras fotografiarlas, son destruidas, quedando sólo una imagen sin realidad sobre la que apoyarse, algo tan típico de la posmodernidad en donde la imagen ya ha sustituido a la realidad (pensad en todas las imágenes trucadas que nosotros pasamos por verdaderas, tanto en tv como en internet, o cómo supimos de 11-S).

 

 

Estudio de Casebere

Tomado de http://www.bombsite.com/issues/77/articles/2422

 

Pero además de este juego entre lo verdadero y lo falso que nos obliga a replantearnos si lo que vemos existe o no, lo que verdaderamente me atrae de Casabere son sus ambientes arquitectónicos. Si observáis las fotos de este artículo veréis que en ella aparecen habitaciones vacías, túneles, galerías subterráneas cada vez más limpias de detalles, espacios vacíos que, paradójicamente, están llenos.

Quizás esto os recuerde al zen

 y su importancia del vacío, así como otras tradiciones místicas como los sufíes o el monacato románico y cisterciense. En sus fotografías hay, más que arquitectura, aire y luz, unas luces misteriosas que crean espacios fascinantes, un tanto terribles, pero quizás por eso más atrayentes.

 

 

Tomado de http://www.frieze.com/issue/review/james_casebere

 

 

A todo esto el autor ha unido en sus últimas obras la presencia del agua y sus reflejos (por cierto, es resina, no agua, luego pasada por el photoshop) que le dan aún una mayor sensación de calma (calma dentro de lo terrible) y un juego de luminosidad difusa como la que tendrían los interiores musulmanes de la Alhambra en su momento de mayor esplendor, arrullados por el goteo incesante de las fuentes entre el aire tibio de las noches de verano.

 

 

Tomado de http://www.bombsite.com/issues/77/articles/2422

 

 

 

Tomada de http://mocoloco.com/art/archives/002089.php

 

Vicente Camarasa

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FALLAS 2009

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Falla del Pilar.

 

 

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Tras la mascletá

 

 

Iluminación calle Sueca

 

 

Mascletá

 

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Nit del foc

 

 

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Vicente Camarasa

23/03/2009 17:54. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 8 comentarios.

CUANDO LA POBREZA FUE EL PROTAGONISTA DE LA PINTURA. EL REALISMO

 

Courbet. El entierro de Ornans

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Courbet

 

Si os fijáis con una cierta atención en este cuadro no podréis olvidar los rostros de esos campesinos maltratados durante siglos, aprisionados por el control ideológico de una iglesia que se alza sobre sus cabezas en forma de cruz. Tampoco quedaréis indiferentes ante las figuras de los burgueses satisfechos, del campo seco del fondo, del extraño colorido que rompe con esa naturaleza vigorosa, bella y potente del romanticismo.

Y es que, ¡cuánto hemos cambiado desde los tiempos románticos! ¡Desaparecieron sus héroes magníficos que afrontaban la muerte con valor y decisión! Ya no queda nada de sus ideales, ni de su belleza, ni de su desesperado amor a la vida y la aventura…

Comprobadlo por vosotros mismos con estas dos imágenes

 

Chopin. Delacroix.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix

 

 

Daumier. El vagón de 3ª.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Honor%C3%A9_Daumier

 

Ahora los héroes han dejado de serlo y todo sucumbe a la realidad que oprime y dicta el destino de los personajes. Ya lo advertiría Zola; la herencia, el medio, traza el rumbo del hombre y de nada vale mirar más allá de lo que nos ha tocado en suerte.

Ha llegado un momento en que el artista, el escritor, no puede seguir explorando dentro de sí mismo, porque una realidad dura se presenta ante él y no es posible mirar a otro lado; pintores, escritores como Balzac, Tolstoi, Galdós…, salen a la calle a denunciar con sus obras lo que estaba pasando.  

 

 

Daumier. La lavandera

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Honor%C3%A9_Daumier

 

Y es que el nuevo movimiento artístico, el llamado realismo, se politizó y muy pronto comenzó a apostar por ese campesinado, por el proletariado explotado y miserable que había surgido de la revolución industrial. Gente humilde que sólo tiene tiempo para trabajar por un miserable salario, como aquellas que retratan autores de la época como Zola (Germinal), Dickens (recordemos las miserables condiciones en las que tenía que sobrevivir el pequeño Oliver Twist), Galdós (La Fontana de Oro o Misericordia, en la que la anciana Benina luchaba día a día por llevar algo de sustento a una casa donde sólo encontraba el desdén de sus amos), Blasco Ibáñez (La Bodega)…

Fijaros en un párrafo de esta última novela y comparadlo con la imagen de Millet

 

Los que quedaban eran semejantes a cadáveres, con el espinazo torcido y los miembros secos, deformados y torpes ¡Trabajar todo el día bajo el sol o sufriendo frío, sin más jornal que dos reales!

(Blasco Ibáñez, la Bodega)

 

 

Las segadoras. Millet

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Jean-Fran%C3%A7ois_Millet

El Ángelus. Millet

Tomado de wikipedia

 

Mucho de este sentimiento de empatía hacia los más pobres y sus miserables condiciones de trabajo lo seguiremos viendo en las primeras obras de un artista posterior, Vincent Van Gogh

 

 

 

Van Gogh. Comedores de patatas.

Tomado de wikipedia

 

TENÉIS AQUÍ LA SEGUNDA PARTE

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Rocío Romero y Vicente Camarasa

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24/03/2009 18:58. sdelbiombo #. Realismo No hay comentarios. Comentar.

EL REALISMO (Segunda parte) DE LA EXHIBICIÓN DE LA POBREZA A LA LLAMADA A LA REVOLUCIÓN Y LA UTILIZACIÓN DEL ESCÁNDALO

TENÉIS AQUÍ LA PRIMERA PARTE DEL ARTÍCULO



La revuelta. Daumier.

 

Ya conocéis la terrible situación de las clases obreras y sus intentos, frustrados durante mucho tiempo, de liberarse de esa nueva esclavitud (si quieres ver la primera parte pulsa aquí No parece entonces extraño que estos nuevos pintores realistas pasen la línea de mostrar la pobreza para buscar la rebelión social.

En Literatura, Galdós se pondrá del lado menos favorecido, presentando el día de unas gentes condenadas a la pobreza, a buscar el sustento y la ilusión en su vida miserable; y todo en contraste con una burguesía que se regodea en el poder absoluto que cree tener y que muchas veces se funda en las apariencias. ¿Qué son si no apariencias los bailes, banquetes, conversaciones vacías de los personajes que pueblan las páginas de La Regenta de Clarín?

Por su parte, Courbet participará activamente en la Comuna de París de 1860, Zola escribirá su famoso Yo acuso del caso Dreyfus

 

Litografía de Daumier

Tomada de wikipedia


Sin embargo, el más combativo de los realistas será Daumier, varias veces encarcelado por sus dibujos satíricos (un género típicamente moderno que aún utilizan nuestros periódicos) en donde criticaba a la burguesía y sus instituciones

 

 

Tomado de http://elranchochico.blogspot.com/2008/10/imagen-del-dia-daumier.html

Esta obra en concreto (Gargantúa) tanto serviría para criticar al poder político que todo lo devora como para poner en imágenes la avaricia del poder económico que se alimenta de las clases populares (Imaginad la gran figura como si fuera un banquero actual, uno de estos brokers de bolsa que nos han llevado a la crisis con su ansia de beneficios)

 

Daumier. Escena conyugal

Tomado de wikipedia


Pero además de la crítica directa a la situación social, los realistas fueron aún más lejos y empezaron a criticar el pensamiento conservador de la época de la gran burguesía. Y ¿qué mejor crítica que la que se hace desde dentro, desde donde pude doler más?

Los escritores realistas utilizaron la novela, ese género que tanto entretenía el tiempo de ocio de los burgueses para lanzar una crítica feroz y encubierta. Acumulan en ella un catálogo de avaros, donjuanes venidos a menos, arribistas… que luchan por el dinero y el poder a costa de lo que sea. Stendhal, en su novela Rojo y negro, aprovecha la ficción para lanzar una crítica feroz sobre la sociedad francesa de la época en la que la falta de escrúpulos y el fingimiento son los medios más adecuados para el ascenso social. Balzac, que una de sus mejores obras, Eugenia Grandet, cuenta la historia de un avaro que, en su febril obsesión por el dinero, impide la felicidad de su hija.

 Parecería que les gustara escandalizar a esta clase social, especialmente en lo referente al sexo. Así, su visión puritana no pudo aguantar las nuevas realidades que les proponían estos autores de sus cuadros, como esta escena de dos lesbianas que Courbet realizó en un lienzo de proporciones gigantescas (hasta entonces este formato sólo estaba dedicado a grandes cuadros de historia que alababan las grandes hazañas del pasado) 

 

 

Courbet. El sueño

 

 

Esa misma línea seguirá un artista que revolucionará el arte moderno. Eduard Manet creará una polémica gigantesca con dos de sus cuadros, el desayuno en la hierba (una escena de prostitución en el bosque de Bois) y más tarde en el retrato de una de las prostitutas más famosas (y caras) de todo París, Olimpia, que mira desafiante al espectador.


 

Manet. El almuerzo en la hierba


 

Olimpia. Manet

Ambas imágenes tomadas de

 http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89douard_Manet

 

 

Rocío Romero y  Vicente Camarasa

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26/03/2009 17:49. sdelbiombo #. Realismo Hay 1 comentario.

EL MONASTERIO CISTERCIENSE DE VERUELA

 

 

Tomado de http://analizarte.es/2008/04/01/hdr-con-mucho-arte

 

JV ha colgado en su blog una preciosa presentación sobre el Monasterio cisterciense de Veruela, uno de los menos conocidos del Císter español. Si quieres entrar pincha aquí, verdaderamente merece la pena (tanto las fotografías como las pequeñas explicaciones que separan lo que fue cisterciense de las adiciones posteriores)

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27/03/2009 15:55. sdelbiombo #. GÓTICO No hay comentarios. Comentar.

EL PENSADOR DE RODIN. UN MODERNO MUY CLÁSICO (tercera parte)

 

A menudo se ha calificado a Rodin como un escultor impresionista. El término es, por lo menos, discutible (como ya decía Rafa sobre Debussy).

 

 

Los que así hablan  se apoyan sobre todo en las superficies ondulantes con las que el autor remata sus esculturas. Una intencionada indefinición de los contornos que hace que la luz pueda ir jugando con ellos, cambiando la escultura según vaya variando la incidencia de la luz.

Sin embargo, esto tampoco es nuevo, Como ya podéis imaginar, de nuevo, se encuentra Miguel Ángel entre medias. Está su famoso non finito, que dejaba sin terminar las esculturas y que Rodin utilizará muy a menudo, creando extraños efectos de nacimientos de la escultura desde la cárcel de piedra.

 

Miguel Ángel. Prisionero (esclavo)

Tomado http://patrickmarini.wordpress.com/2006/07/19/la-forza-poetica-del-non-finito

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Rodin. Danae

Tomado de http://www.realmagick.com/articles/72/1972.html

 

También es cierto que esta técnica Rodín la llevará mucho más lejos, al crear muchas de sus grandes obras sobre un boceto de cera y arcilla, que le permitirá trabajar la piel de las mismas de una forma casi táctil, consiguiendo estos asombrosos (y tan criticados en su tiempo) juegos de luz, como podéis observar en una de sus obras sobre los Burgueses de Calais.

 

(Algo semejante podemos encontrar en Degas, pintor y escultor a ratos que trabajaría en esos mismos momentos, pero sobre todo en la de Rosso, cuyas esculturas verdaderamente se deshacen ante la mirada del espectador)

 

Degás. En la bañera

Tomado de

http://www.miguelangelbetancur.com/blog/index.php/2009/01/10/la-obra-escultorica-de-pintores

 

 

Medardo Rosso.

Tomado de http://www.canal-educatif.fr/Video/Arts/014-Porte-Enfer-Rodin/Anglais/Gates-Hell-Rodin.htm

 

Quizás fuera un signo de los tiempos, de la modernidad que comenzaba a afianzarse creando un mundo urbano y fugitivo, como ansiaba Baudelaire. Un mundo sin límites precisos, cada vez más falto de contornos que nos conduciría (quizás) a la modernidad líquida de Bauman.

 

 

 

OTROS ARTÍCULOS SOBRE EL PENSADOR

La composición.

La expresión

 


 

Vicente Camarasa

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28/03/2009 14:06. sdelbiombo #. Rodin No hay comentarios. Comentar.

BREVÍSIMA HISTORIA DEL COLOR (Primera Parte)

 

Tomado de http://campodifiore.wordpress.com/2008/04/23/probar-colorantes-en-un-jabon

 

Si queremos descubrir el importante papel que juega el color en una obra de arte, primero tenemos que intentar aproximarnos a lo que entendemos por color.

Al igual que la música, nos sirve para expresarnos (puesto que con él habitualmente reflejamos nuestro estado de ánimo) y es que muchas veces a lo largo de la Historia los artistas lo han empleado como canal a través del cual “materializar” sus sentimientos y emociones, es algo más psicológico que físico y por ello resulta difícil establecer una teoría del color. Aún así, son diversos los autores que de una u otra manera han intentado acercarse. Josef Albers ( profesor de la Bauhaus) en su obra La interacción del color descarta la parte más científica del color y se centra en pruebas experimentales muy sugerentes para los artistas. Considera que un color tiene muchas lecturas y sólo se puede conocer de forma objetiva cómo es de verdad si lo situamos en un entorno, pues un mismo color puede parecer diferente por la(s) interferencia(s) de otros.

También Goethe que, de una forma mucho más intuitiva considera que las personas incultas, los niños y las naciones salvajes tienen predilección por los colores llamativos, mientras que la gente refinada busca colores más suaves. 

 Por su parte, el filósofo griego Aristóteles considera que todos los colores están formados por los denominados principales (correspondientes al fuego, agua, tierra y cielo); tiempo después Leonardo da Vinci (creador del sfumato) para quien la atmósfera no es transparente sino que tiene color, define éste como propio de la materia...

 

Hace ya algunos años desde que, en 1666 e interesado por las cuestiones relacionadas con la óptica, Isaac Newton hace pasar un haz de luz blanca por un prisma para demostrar que ésta se descompone en lo que conocemos como los 6 colores básicos: rojo, naranja, amarillo (“cálidos”) verde, azul y violeta (“fríos”)

 

 

Tomado de http://www.gusgsm.com/book/export/html/122

 

Los colores se miden por longitud de onda (nanómetros), es decir, a nuestros ojos llegan ondas y dependiendo de su longitud vemos un color u otro ( entre los 400 y los 570nm “los fríos” y entre 570- 700nm “los cálidos”)

Asimismo, tres aspectos importantes a tener en cuenta son la luminosidad / brillo (hace referencia a la cantidad de luz de un color como característica propia), la saturación ( nivel de pureza respecto al blanco) y la temperatura ( que expresamos a través de sensaciones corporales como calor y frío)

Los colores tienen una serie de características objetivas o denotativas ( como el hecho de que los cálidos y los que tienen mayor luminosidad parece que están más cerca), pero también connotativas o subjetivas, en función del significado que cada uno le otorgue.

Por ejemplo, el rojo es un color dentro de la gama de los cálidos con múltiples significados, puesto que bien puede representar la vitalidad, la sensualidad, la virilidad, la energía, el amor, el peligro, la sexualidad o el erotismo. A continuación, algunos ejemplos en los que este color no se utiliza por casualidad.

 

 

MATRIMONIO ARNOLFINI. Van Eyck

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Arnolfini

En este cuadro llama la atención la cama (relacionada con las clases altas y la continuidad del linaje) de un rojo vivo como color fundamental ligado al principio de la vida y símbolo de la pasión ardiente y desbordada.

 

 

PAPA PABLO III. Tiziano

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Farnesio_(papa)

 

En este retrato de aparato, Tiziano consigue unir la introspección psicológica del personaje con su cargo, como podemos ver en el rostro (cansado) del Papa que sin embargo se rodea de un aparatoso y sensual manto de terciopelo de un rojo intenso que da idea de su poder.

 

 

EL EXPOLIO. El Greco

Muy habitual en las obras de este pintor la presencia de tonos cálidos (influencia veneciana) aquí aparece Cristo en el centro de la composición con un color rojo encendido que hace de él la figura principal en la obra (un gran óvalo central)

 

 

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO. Delacroix

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/La_Libertad_guiando_al_pueblo

 Un magnífico ejemplo de pintura romántica donde a través de colores cálidos como el rojo (con el que simboliza la fuerza, la guerra y la sangre) y la composición, logra acercar al espectador a la acción, involucrándole.

 

Mar San Segundo

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LA ARQUITECTURA DEL HIERRO Y DEL CRISTAL. UNA POLÉMICA REVOLUCIÓN

 

Palacio de Cristal. Madrid. Velázquez Bosco

 

El siglo XIX fue el de la expansión de la Revolución industrial por Europa Occidental y EE UU. Sus nuevas formas de producción (trabajo en cadena), sus materiales (especialmente el acero) y sus nuevas necesidades (estaciones de ferrocarril, puentes, mercados…) renovaron por completo la arquitectura del momento, iniciando la llamada arquitectura del hierro y cristal que es el antepasado directo de nuestros edificios actuales.

 

 

 Estación de Atocha. Madrid

 

Puente de Triana. Sevilla

 

Esta revolución arquitectónica se basó especialmente en un nuevo material, el acero. Sus cualidades le permitían una construcción más rápida y barata (las piezas ya llegaban hechas a la obra y sólo era necesario montarlas), a la vez que (gracias a su resistencia) conseguían eliminar los soportes internos, consiguiendo arquitecturas diáfanas (sin obstáculos visuales), con gran cantidad de generar un espacio interno muy amplio, adaptable a cualquier necesidad.

 

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Ambas imágenes pertenecen al Mercado Central de Valencia. Observa como no existen columnas intermedias lo que permite una visión diáfana (sin obstáculos visuales) que puede adaptarse a las necesidades prácticas.

 


 Mercado del Born. Barcelona

 


Mercado de San Miguel. Madrid

 

Junto al acero, otro material será protagonista: el cristal. Gracias a las nuevas tecnologías este cristal era mucho más resistente que el vidrio antiguo, pudiendo cubrir grandes espacios que permitían la iluminación natural de las arquitecturas a la vez que eliminaba peso muerto en las paredes de las obras.

 

 

 

Palacio de cristal en Madrid.

También fue utilizado como invernadero de la flora de Filipinas para una exposición Iberoamericana.

 

Sin embargo, y pese a todas estas ventajas, la nueva arquitectura tuvo serios problemas para imponerse. El principal de ellos era su falta de belleza (entendida en el sentido tradicional). Los arquitectos más clásicos sólo veían en estos edificios un puro amasijo de hierros.

El cable inglés. Almería

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Por ello, las primeras obras del estilo serán obras de ingenieros, no de arquitectos. Obras esencialmente práctica (utilitarias) como estaciones de ferrocarril, puentes… u otras simplemente efímeras (pensadas para ser utilizadas durante un cierto tiempo para luego ser desmontadas), siendo fundamental para su desarrollo las Exposiciones Universales.

Palacio de Velázquez. Madrid.

(Pabellón para la Exposición Nacional de la Minería de 1883)

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Quizás la obra más emblemática (y primeriza) de este nuevo estilo sea el Pabellón que Paxton realizó para la Exposición Universal de Londres.

 

 Paxton Pabellón Exposición Universal de Londres.(Cristal Palace, 18541)

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Joseph_Paxton

 

Su forma está inspirada en la estructura de los invernaderos (de los cuales era experto Pastón) y tenía las ventajas de su diafanidad, gran espacio interior e iluminación natural. Era, además, el perfecto lugar para exponer las últimas novedades generadas por la industria, precisamente en un marco arquitectónico puramente industrial.

 

Sin embargo, el gran éxito de la arquitectura del hierro y el cristal fue la famosa Torre Eiffel, también edificada para una Exposición Universal (la de 1889, primer centenario de la Revolución francesa).

 

Pensada de forma efímera se decidió mantener pese a no tener una clara utilidad. Ante esto hubo una gran polémica. Fijaros en la carta que escribieron artistas y personajes relevantes de la cultura francesa

 

Escritores, escultores, arquitectos, pintores y aficionados apasionados por la belleza hasta aquí intacta de París, queremos protestar con todas nuestras fuerzas, con toda nuestra indignación, en nombre del gusto francés mal apreciado, en nombre del arte y de la historia franceses amenazados, contra la erección, en pleno corazón de nuestra capital, de la inútil y monstruosa Torre Eiffel. ¿La ciudad de Paris será por más tiempo asociada a las barrocas y mercantiles imaginaciones de un constructor de maquinas para deshonrarse y afearse irreparablemente? Pues la Torre Eiffel, que ni la misma y comercial América querría, es, no lo duden, la deshonra de París. Todos lo sienten, todos lo dicen, todos se afligen profundamente, y no somos más que un débil eco de la opinión universal, tan legítimamente alarmada. Por último, cuando los extranjeros vengan a visitar nuestra Exposición, exclamaran sorprendidos:

“¿Cómo? ¿Éste es el horror que los franceses han encontrado para darnos una idea del gusto del que tanto presumen?

 

Tomada de http://habanemia.blogspot.com/2008/11/la-torre-eiffel.html

 

Realmente lo suyo no era la profecía, pues como todo el mundo sabe, la torre Eiffel muy pronto se convirtió en una de las imágenes más conocidas de París.

 

Se equivocaron por completo, pues el tiempo terminaría por demostrar que estos nuevos materiales (sin adornos) serían el gran futuro de la arquitectura. Primero en los rascacielos de la Escuela de Chicago, luego en toda la arquitectura del XX y XXI

 

 

Ciudad de las Ciencias y las Artes. Calatrava. Valencia. Aún en proceso de construcción en 2009

 

 

Frente a todo ello, es habitual que dentro de esta arquitectura, y pese a sus esqueletos y tectónicas radicalmente novedosas, exista toda una intención de recordar estilo anteriores (neos, historicismo, modernismo...) que dieran una máscara más clásica (y bella para el concepto de ese momento)

 

                  Mercado del Born. Barcelona

 

Mercado de San Miguel. Madrid

 

Galeria Humberto I, Nápoles

 


Pasaje Gutiérrez. Valladolid

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Y muy a menudo neo-orientalista

Estación del Orient Express (Estambul)

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OBRAS COMENTADAS

 

Torre Eifell (París)

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Mercado de San Miguel. Madrid

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Palacio de Velázquez (Madrid)

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Palacio de Crital (Madrid)

 

Mercado del Born. Barcelona

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Los tinglados del puerto. Valencia

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Puente de Triana, Sevilla

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Centro comercial Plaza de Armas. Sevilla


El cable inglés. Almería

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Galeria Humberto I, Nápoles

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Pasaje Gutiérrez. Valladolid

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Estación del Orient Express (Estambul)



 

 

Si quieres saber más

http://www.marcvidal.cat/pindoles/2007/07/el-proceso-cons.html (La Torre Eiffel)

http://es.wikipedia.org/wiki/Torre_Eiffel (Todo lo que quieras saber sobre la Torre Eiffel)

http://isg-cosasquehacenquelavidavalgalapena.blogspot.com/2008/10/arquitectura-del-hierro-y-el-cristal.html (Interesante artículo con muy buena selección fotográfica, tanto internacional como en España)

 

Vicente Camarasa

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30/03/2009 12:16. sdelbiombo #. Arquitectura XIX Hay 3 comentarios.


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