Facebook Twitter Google +1     Admin

Se muestran los artículos pertenecientes a Octubre de 2009.

LA CAPILLA DE CARLOMAGNO EN AQUISGRÁN (2). LA DECORACIÓN

En el artículo anterior estudiábamos la arquitectura de la capilla; ahora vamos a ver su decoración

No todo lo que existe en la actualidad es original (el techo es una reconstrucción moderna). Sin embargo en el deambulatorio (pasillo) nos quedan numerosos mosaicos.

Estos mosaicos se realizan pegando sobre la pared pequeñas piedrecitas de colores (que se llaman teselas), como si fueran un puzzle.

Su origen se encuentra en el mundo griego y romano (aunque ellos lo utilizaban parea los suelos). A partir de Bizancio se colocarán sobre el muro, como puedes ver en la iglesia de la que hablábamos en el artículo anterior, San Vital de Ravena. (En ella se inspira también en la decoración)

En alguno de ellos se utilizan formas geométricas (grecas) y flores muy esquemáticas (roleos) enrolladas

  

Sin embargo, lo normal es que aparezcan escenas. Muchas de ellas son simbólicas (recuerda que la Edad Media es un momento teocéntrico, en donde Dios es lo más importante, por esto la mayoría de los temas se referirán a la religión)

 

El pelícano (según los bestiarios medievales) representa a Cristo, pues alimenta con su propia sangre a sus hijos (Cristo morirá en la cruz para salvar a la Humanidad)

 

 

 

Aquí os encontráis con el árbol del Paraíso (el de Adán y Eva) con la representación del mal (la serpiente) y el bien (las aves de losdos lados)

 

 

La fuente representa a la religión, que calma la sed. Las palomas son los fieles, aquellos que beben en la verdad

 

 

En el centro se encuentra el Paraíso (la Jerusalén Celeste) rodeado de cuatro figuras tumbadas que son los cuatro ríos del Paraíso (una curiosa imagen que toma elementos romanos y los vuelve cristianos)

 

Texto y fotografías: Vicente Camarasa

01/10/2009 14:24. sdelbiombo #. Prerrománico Hay 1 comentario.

FOTOS PARA REPASAR EL ARTE BIZANTINO

ARQUITECTURA

 


 Santa Sofía.

 

 

Planta espacios centralizados (cruz griega, octógonos) normalmente cubiertos por cúpula  y sustentada en pechinas (triángulos curvos) Antes del altar suele aparecer un muro decorado con pinturas (iconostasio).


  

Planta y alzado San Vital de Rávena

Tomado de http://www.flickr.com/photos/8449304@N04/sets/72157601058197542

 

Tomado de flickr 


Pechina de Santa Sofía

.


Alzado Santa Sofía


 

 

Cúpula de Santa Sofía

.

 

Iconostasio (que luego retomarán las iglesias ortodoxas)

 

Alzado se emplea la piedra en sillares, el ladrillo y el hormigón, con columnas de capitel corintio trepanado y una pieza sobre el capitel llamada cimacio.


 

Cimacio trepanado sobre capitel. Santa Sofía

 

 

El peso de la cubierta suele estar dirigido a grandes pilares o machones. Es normal la aparición de segundos pisos en las naves laterales llamados tribuna.

 

Tribuna. Santa Sofía. Los arcos son de medio punto

 

La cubierta. Además de las cúpulas  sobre pechinas, bóvedas de cañón y de arista. Para los ábsides se utiliza la de horno o de cuarto de esfera.


 

Theotokos Pammakaristos, Estambul 

 

Para la decoración se utiliza el mosaico y las placas de mármol.

Los edificios más importantes: Santa Sofía, Sergio y Baco, San Vital de Rávena


EL ICONO y los MOSAICOS 

En el mundo bizantino iconos eran todas las imágenes sagradas, aunque las más típicas son aquellas hechas sobre tabla (iconos) y debían ser realizados por monjes o sacerdotes tras hacer ayunos, oraciones… Técnica. Temple sobre tabla, con el uso del pan de oro para los fondos. Los temas más habituales son las imágenes de la Virgen y el Niño, el Pantocrátor (Cristo que juzga) o los santos.

 

Virgen con niño con fondo de pan de oro

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_bizantino

 

Pantocrátor. Theotokos Pammakaristos

 

Características. Típica del teocentrismo: antinaturalista y simbólica. Entre sus principales rasgos destacan: la isocefalia, bidimensionalidad de las figuras (al no existir el claroscuro), fondos planos y dorados (como símbolo de la divinidad), frontalidad, hieratismo, esquematismo, pies danzantes (no apoyan de forma natural en el suelo), perspectiva abatida (algunos objetos se plasman como si fueran vistos desde un punto elevado)...


 

Mosaico. Sacrificio de Isaac. Monreale. Sicilia

 

 

Mosaico Santa Sofía


Todas estas características las puedes ver en fotos pinchando aquí

 

 

Los mosaicos están hechos de pequeñas piedras llamadas teselas. Tienen las mismas características. Mosaicos de Justiniano y, mosaico de Teodora .

 

 

Mosaico de Justiniano

 

Tomado de flickr  


 

Para ver más fotos y más temas, pincha aquí 


 

 Vicente Camarasa

Etiquetas: ,

EL ZOCO ISLÁMICO CON MARRAKECH COMO EJEMPLO


La civilización islámica medieval llegó a un extraño grado de equilibrio entre el campo y la ciudad; el gozne que unía ambos mundo era el zoco (mercado), ya fuera semanal (en las zonas rurales o algunos especializados como el de animales, que se hacía en grandes explanadas junto a la ciudad como el Zocodover toledano, la plaza de Bibrambla granadina o la de Jemma fna de Marrakesch).

 

EL ARTÍCULO COMPLETO SE ENCUENTRA ALOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG

 

 

.

07/10/2009 20:13. sdelbiombo #. ARTE ISLÁMICO Hay 5 comentarios.

LAS DOS GRANDES DAMAS IBÉRAS. ELCHE Y BAZA

El Museo arqueológico de Madrid es un bello desconocido que, en la actualidad, está siendo remodelado para ofrecer sus colecciones de una forma más visual y atractiva.

En él se encuentra numerosos tesoros que ya os he ido poniendo en algunos artículos de Prehistoria y España en el I Milenio.

 Hoy vamos a fijarnos en dos de sus mejores esculturas. Las Damas de Elche y Baza.


Ambas son de origen íbero, en torno al siglo VI-V a C. La de Baza apareció en su propia sepultura, con todo el ajuar funerario, mientras que la de Elche fue un hallazgo puramente casual y con una larga historia de idas y venidas que puedes leer aquí


 

 

Dama de Baza

 

Si os fijáis en la dama de Baza, tiene todas las características de la escultura arcaica (Egipto, arcaica griega, etruscos). Se trata de una representación frontal (pues su trono estaba colocado contra la pared), simétrica, estática (sin movimiento), hierática (sin expresión), policromada (aún le quedan restos) de bloque cerrado (los brazos y piernas no salen del bloque general)…

 

Dama de Baza

.

En un lateral del trono existe un hueco en donde se depositarían las cenizas del difunto que, por el ajuar funerario, debía ser un noble guerrero.

 


La Dama de Elche mantiene las mismas características (en este caso el hueco está en la nuca), aunque su calidad es muy superior, tanto en los maravillosos detalles de sus adornos como en el acabado de su piel y sus telas. Se ha pensado incluso que su autor fuera un griego venido hasta esta zona.

 

 

 


 Posible reconstrucción policromada

 

En cuanto a la interpretación de ambas esculturas se piensa que podían tratarse de diosas de la vida y la muerte, a la manera de la Tania fenicia (diosa que proporciona la muerte pero también está unida a la resurrección de la primavera). Sin embargo, algunos especialistas hablan de que podrían tratarse (al menos la de Elche) de sacerdotisas con su traje y adornos rituales

 

Este tipo de esculturas debieron ser más habituales de lo que pensamos en la actualidad, tal y como demuestra un reciente hallarzo (1987) de la llamada Dama de Cabezo Lucero (Guardamar del Segura), muy detoriorada y en la actualidad reconstruida


 


 

Para saber más 


ANÁLISIS Y COMENTARIO DE LA DAMA DE BAZA


http://www.dearqueologia.com/dama_de_elche.htm (Dama de Elche) 


http://www.dearqueologia.com/dama_baza.htm (Dama de Baza)


http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/10/09/arte-ib-rico-escultura-y-cer-mica-caracter-sticas-e-iconograf (Un buen artículo sobre la escultura ibérica)

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE ARTE ÍBERO

 

Vicente Camarasa

 

Etiquetas: , , , , ,

ÁGORA DE AMENÁBAR. UNA MAGNÍFICA HISTORIA DEL ARTE

 

Tomado de www.bcnsystemwall.com/spip.php?article112

 

La Alejandría antigua debió ser una de las ciudades más fascinantes del mundo y una de las posibilidades que tenemos de redescubrirla es la nueva película de Amenábar.

En esta ciudad rica y cosmopolita se puede resumir todo el arte antiguo, y el director ha tenido la sensibilidad (y el acierto técnico) de hacernos testigos de toda su grandeza.

En la película podemos ver el mundo egipcio vivo en el templo de Serapis, con su sala hipóstila levemente iluminada por lucernas, sus grandes esculturas, sus relieves y pinturas.

 

 

Tomado de www.sensacine.com/film/galerievignette_gen_cf...

 

Alejandría también fue grecorromana y veremos en la película un magnífico teatro (más griego que romano, con su decoración efímera incluso), sus calles porticadas, el pequeño senado (curia), los peristilos de sus casas, sus esculturas, sus baños e incluso sus letrinas.

 

 

Tomado de www.sensacine.com/film/galerievignette_gen_cf...

 

Sin embargo la imagen arquitectónica por excelencia es la recreación que realiza de la famosa biblioteca de Alejandría con su rotonda central cubierta con cúpula y su gran estructura de columnas y arcos.

 

 

 

 

Tomado de http://cinevip.mforos.com/1202792/6930569-agora-de-amenabar

 

Las vistas aéreas son verdaderamente impresionantes, tanto para entender la situación geográfica como su trazado hipodámico.

Incluso nos presenta una primitivísima iglesia paleocristiana con sus arquerías y relieves.

 

Y ante tanta grandeza sólo dos pequeñas críticas.

Es una verdadera lástima que el famoso faro de Alejandría sólo aparezca de forma tan limitada.

La segunda sí es un verdadero error histórico, el que aparece la Loba Capitolina ¡con las esculturas renacentistas de Rómulo y Remo! Aunque en la Antigüedad existieron tales esculturas (perdiéndose en un naufragio), las que aparecen en la película son del siglo XV, tal vez de Antonio Pollaiuolo.

 

Para que os podáis hacer una idea de todo esto podéis ver su trailler

http://www.youtube.com/watch?v=-WSU-hh2j2g

 

Vicente Camarasa

EL ARDIPITHECUS RAMIDUS

Tomado de  ttp://fanaticussaurus.blogspot.com/2009/10/ardipithecus-ramidus.html

 

El Ardipithecus Ramidus es una especie de homínido (primate bípedo), tal vez un ancestro del hombre.

Esta especie fue definida por Tim Whait y su equipo a partir del descubrimiento de varios maxilares en África Oriental (Afar, Etiopía), en el año 1983. Los restos fósiles tenían una antigüedad de 4.4 millones de años.

Eran hembras, medían 1.20 metros y pesaban unos 50 Kg. El ejemplar más completo y antiguo se le ha bautizado como Ardi.

 

Tomado de http://www.portalciencia.net/antroevorami.html

 

Los científicos se preguntan si Ardi andaría erguido o sobre sus nudillos. Lo más seguro es que sobre los árboles andara a cuatro patas pero sobre el suelo fuera bípedo.

Ardi tenía las manos prácticamente completas y era relativamente diestra para utilizar utensilios y objetos. En cuanto a su cerebro, se dice, era pequeño, como el de un chimpancé actual (350 cm3). Por sus dientes los científicos opinan que tenía la cara pequeña

 

 

 

Tomado de http://neanderthalis.blogspot.com/2009/10/ardipithecus-ramidus-ha-llegado-patear.html

 

Paula Soria, Maite Sardiña y Natalia Ponce (1º ESO D, SIES LA POVEDA EN CAMPO REAL)

14/10/2009 15:00. sdelbiombo #. PREHISTORIA No hay comentarios. Comentar.

LA KAABA. EL CORAZÓN DE LA MECA

Vista general con la Kaaba al fondo

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Kaaba

 

Según la tradición islámica, cuando expulsaron a Adán del Paraíso su cuerpo cayó sobre la Roca de Jerusalén portando una piedra del cielo (la Kaaba), clara como el desierto.

Eva había caído sóla en Arabia, y Adán se desplazó en su búsqueda hasta encontrarla en las cercanías de lo que luego fuera la Meca.

Ya juntos tomó la piedra sagrada, la colocó en el monte Abu Qubays, protegiéndola con una tela.

Esta piedra, vuelta negra por los pecados de los hombres, fue recogida por Abraham para (ya en el lugar actual) colocarla en La Meca. Para protegerla creó una habitación de piedras y madera de forma cúbica, incrustando la roca en su ángulo suroeste.

 

Ya en tiempos de Mahoma el recinto sufrió un incendio y más tarde fue de nuevo destruida en la guerra civil que enfrentó a chiítas y sunnitas (Omeyas) en tiempos de Abd al Malik. En ambas ocasiones el tabernáculo se volvió a construir, cubriéndolo con una tela negra.


 

 La Kaaba

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Kaaba 

 

En ambos casos se volvió a incrustar la piedra, rodeándola de un aro de plata, pudiéndose ver desde el interior del recinto

 

Roca Sagrada

Tomado de kaaba-taaba.nl


Esta piedra y su habitación eran, por tanto, un lugar sagrado mucho antes de que Mahoma predicara el Corán, y la Meca se había convertido en un lugar de peregrinación de la zona frecuentado por las caravanas beduinas y con una potente burguesía que se enriquecía gracias al comercio.

En aquellos momentos, los de la Ignorancia, como los denomina el Corán, la Kaaba servía como santuario a múltiples dioses representados en piedras o pequeñas esculturas, y así lo será hasta casi el final de la vida del profeta, que tuvo que exiliarse a Medina en el 622 (esta es la famosa Hégira, año cero del calendario islámico).

Sólo en el 628 Mahoma recupera la Meca gracias a la yihad o guerra santa . Elimina entonces todos los dioses de ella y la deja como lugar sagrado por excelencia del Islam que servirá para orientar las mezquitas (excepto la de Córdoba) y referente principal de la peregrinación a la Meca que todos los musulmanes deben hacer una vez al menos en su vida. En torno suyo deben realizar siete vueltas mientras recitan el Corán.

 

Vicente Camarasa

 

Etiquetas: , , , , ,

15/10/2009 19:24. sdelbiombo #. ARTE ISLÁMICO Hay 2 comentarios.

VELÁZQUEZ Y LA MELANCOLÍA. MARTE PENSATIVO

 

 

 

 

Velázquez. Marte pensativo

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Descanso_de_Marte

 

Como ya señaló Angulo, esta imagen de Marte pensativo que adornaría la torre de la Parada (lugar de cacerías), se basa directamente en una obra clásica, el Ares Ludovisi de Apoxiomeno.

 

Ares Ludovisi. Copia de Lisipo. Siglo IV a. C.

Tomada de

 http://en.wikipedia.org/wiki/File:Ares_Ludovisi_Altemps_Inv8602_n2.jpg

 

Esto vuelve a reafirmar (como ya se vio en la exposición del año pasado) tanto la cultura clásica que tuvo Velázquez como lo provechoso que le fue su primer viaje a Italia (del que mantendría recuerdos durante toda su vida, inspirando obras como las Hilanderas desde la Capilla Sixtina o la Venus del Espejo del Hermafrodita dormido).

Otra cosa muy distinta es saber para qué se realizó esta obra, cuál es su verdadero significado. Tradicionalmente (Gállego) se ha interpretado como una visión pesimista de la realidad histórica de nuestro propio imperio, las derrotas a sus tercios, antaño invencibles. Por ello, Marte (el dios de la guerra) se muestra pensativo (recordando así a las Capillas Mediceas de Miguel Ángel), de una manera totalmente antiheroica (el escudo caído, la musculatura flácida, el bigote sin fuerza…). Una especie de Alastriste llegado a su extremo, comprendiendo la caída fatal del Imperio.

 

Sin descartar esta interpretación últimamente se insiste  en una visión más global, la del desengaño y melancolía que invade la segunda mitad del siglo XVII (De la Flor). No hace falta que busquemos demasiado para encontrar estos síntomas de desengaño en intelectuales de la época: Quevedo, Lope o Calderón

 

Miré los muros de la patria mía,

si un tiempo fuertes ya desmoronados

de la carrera de la edad cansados

por quien caduca ya su valentía.

 

Salíme al campo: vi que el sol bebía

los arroyos del hielo desatados,

y del monte quejosos los ganados

que con sombras hurtó su luz al día.

 

Entré en mi casa: vi que amancillada

de anciana habitación era despojos,

mi báculo más corvo y menos fuerte.

 

Vencida de la edad sentí mi espada,

y no hallé cosa en que poner los ojos

que no fuese recuerdo de la muerte.

 

Quevedo

 

Y mucho antes incluso el propio Cervantes, especialmente en su segunda parte del Quijote, en donde el caballero andante poco a poco recobra el juicio y con él retorna una realidad gris y monótona, sin aventuras que emprender.

  

Es la cultura del desengaño que invade una gran parte de nuestro siglo de Oro. Una consecuencia de la situación política, moral o científica que hace desconfiar de la realidad y del mundo, fuente de de engaños y tristezas.

Su posición más extrema ya la hemos visto en ese culto a la muerte que vimos en un capítulo anterior. La multiplicación de calaveras, vanitas, la espectacular conmemoración de la Semana Santa. (Es la vía del Ecliasastés, lectura bíblica referente de la época, de una desesperanza casi suicida, De la Flor, un desesperado pensamiento que considera la historia como un cúmulo de tragedias que culminarán en la derrota final, una historia triste (Benjamín) que nos llevará hasta la salvación con la llegada de la tercera Parusía, la tercera vuelta de los Reinos de los Cielos ante la cuel debemos, antes, penar)

 

Una segunda salida será la de esconderse ante el mundo, negándolo a través de la idealización completa. ¿Para qué recrearse en una realidad tan descorazonadora?, pensarán artistas como Alonso Cano o Murillo mientras  pintan o esculpen sus Vírgenes bellas, los pilluelos de la calle, sucios pero alegres.

 

 

Murillo. Inmaculada

Tomado de http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_murillo.html

 

(Habría otra tercera vía, la de vivir la vida apurándola en tragos largos, aquella del que brillará fulminantemente pero sólo unos instantes, como la del Conde de Villamediana)

 

 Frente a estos dos caminos, Velázquez opta por una vía intermedia. Ni arrastrarse por la desesperanza ni inventarse un mundo, simplemente representar lo que hay con una melancolía del que sabe que todo se destruirá . Basta pensar en algunos de sus bufones que miran el mundo sin comprenderlo, y no por falta de capacidad sino porque ya es imposible hacerlo. Son, en el fondo, un retrato colectivo de la sociedad, una exaltación de la locura lúcida (como la del licenciado Vidriera de Cervantes) que no quiere abandonar la enajenación, pues de nada valdría

 

El bufón calabacillas. Velázquez

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Diego_Vel%C3%A1zquez

 

Son los retratos últimos de Felipe IV y su íntimo descorazonamiento. Son, también, los juegos teatrales, la multiplicación de la realidad que generan los espejos, que abundan en la obra final de Velázquez. ¿En que termina la exquisita belleza de la Venus del Espejo? En un espejo emborronado que sólo consigue darnos la imagen confusa de un espectro. (¿Será acaso una vanitas encubierta?) ¿Quiénes son realmente las hilanderas? La fábula moral de final inapelable: no nos podemos atrever a rebelarnos contra los dioses o nuestro destino, pues seremos castigados.

 

 

 

Las Hilanderas

Tomado de

 http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Diego_Vel%C3%A1zquez

 

Bajo esta perspectiva las Meninas cobrarían una nueva luz. Una corte llena de bufones que comparten espacio con los reyes, las monjas y los servidores, en una habitación oscura ; un gran cuadro vuelto al revés en el que aparecería ¿la realidad? Velázquez mirando fijamente para pintar la melancolía de un mundo en sus últimos alientos que ya es más teatro que realidad. Se ha abusado tanto de las apariencias que sólo ellas han conseguido sobrevivir en el naufragio y habrá trajes de telas preciosas en un palacio en donde no había para cenar algunas noches los reyes, movimientos pausados, gestos graves que sólo (de nuevo) el loco (Pertusato) no quiera entender y juega con el perro

 

 

Las Meninas

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Diego_Vel%C3%A1zquez

 

Pues las certezas han desaparecido. El rey se ha convertido en un turbio reflejo, Dios les ha abandonado en los campos de batalla frente a los herejes, que al final han triunfado. Los grandes planes del Conde duque naufragaron y entre la multitud de los nuevos validos hay una monja de clausura (Sor María de Ágreda) que mantiene una compleja relación epistolar con el rey y marca la ideología de sus decisiones.

La visión del mundo un segundo antes de desaparecer. Acaso son eso las Meninas (también), como tal vez volviera a comprender Goya con su familia de Carlos IV, utilizando para ello el ejemplo de las Meninas

 

Para saber más 

Un comentario muy interesante del cuadro de Marte pensativo lo tenéis en

http://es.wikipedia.org/wiki/Descanso_de_Marte

 

Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , , ,

18/10/2009 09:14. sdelbiombo #. Velázquez Hay 1 comentario.

UN JARDÍN ILUSTRADO: EL PARQUE DE “EL CAPRICHO

 

Escondido entre el mastodóntico parque Juan Carlos I y la A-2, se encuentra esta pequeña joya del arte paisajístico , que os animo a visitar, especialmente durante el otoño. Es el jardín del palacio de recreo de los Duques de Osuna, mecenas de Goya, y refleja muy bien las tendencias de pensamiento, la evolución artística y la moda cortesana de finales del siglo XVIII.

 

En la Corte de Carlos IV, tres mujeres eran las más relevantes y las que dictaban tendencia: La Reina María Luisa, de nacimiento y formación italiana; la Duquesa de Alba, atractiva y al tanto de las modas populares, y la más ilustrada y culta, Duquesa de Osuna. Según las indicaciones de ésta se construyó el palacio y sus jardines, que luego copiaría en Aranjuez la propia Reina.

La estructura del jardín se inspiraba en el modelo hasta entonces conocido, el jardín francés o italiano, que se caracteriza por su deseo de dominar y ordenar la naturaleza, construyendo grandes avenidas, orladas con setos podados milimétricamente, y que formaban dibujos geométricos. El racionalismo sometía al espacio, estructurándolo en diseños artificiales, a la manera de trazados urbanos.

 

Esta filosofía se conserva en las principal avenida del jardín, y en su lado derecho, con parterres a la francesa. Pero el jardín de el Capricho es el primero en introducir la concepción del jardín rococó, que luego se denominaría jardín inglés. La filosofía en la que se inspira es la de los ilustrados franceses, especialmente Rousseau, y su “Eloísa”, y “Emilio”, que promueven la vuelta del hombre a la Naturaleza y a la sencillez. Fue la reina María Antonieta quien recogió ese espíritu y construyó, dentro de la geometría de Versalles, un pequeño espacio más libre, alrededor del Petit Trianon, donde jugaría con otras damas de la nobleza a hacerse la campesina, en una pequeña aldea, el Hameau. El Parque de El Capricho se hace eco de  esa moda con la construcción de una casa campesina, la “Casa de la Vieja”, que daría pintoresquismo a los jardines.

Para los diseñadores del parque, el jardín cumplía varias funciones, según los dictados de los ilustrados: ser productivo- por lo que se dedicó una parte a huertos , abejero , y una aldea para los criados de los duques-, instruir, y deleitar.

El disfrute en un jardín inglés proviene de una ilusión, la de haber logrado imitar la naturaleza. Desaparecen las grandes avenidas con perspectiva, y surgen los caminos recónditos que se adentran en la espesura, sin que el paseante sepa a dónde le conducen. Tras un recodo, surge la sorpresa: un lago, un templete, una rosaleda…

 

Para conseguir fundirse con la naturaleza, los árboles deben ser variados, incluso se introducen vistosas especies exóticas traídas de Asia y América, siguiendo el principio “instruir deleitando”.

El terreno se mantiene con sus elevaciones y cuestas naturales, e incluso se proyectan cuando no existen para provocar la sensación de cambio y movilidad que es tan querida al rococó.

En lo alto de las colinas se construyen los hitos del paisaje. Es característico de los jardines ingleses los templetes, tipo tholos o de planta circular, que en este caso es elíptico. Escondido entre los árboles, el templete cumple perfectamente el efecto de sorpresa para el visitante, idealizando un mundo clásico en comunión con la naturaleza. Desde el lago, escondido hasta que no se está muy cerca, un pequeño canal comunica con el pabellón de baile, donde las damas de la nobleza se acercaban en barcas.

 

La Duquesa encargó para la decoración del palacio a Goya varios cuadros: “EL Columpio”,” La Pradera de San Isidro”, “La Merienda”, además de los retratos de los miembros de su familia.

 

Los duques de Osuna por Goya

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Los_duques_de_Osuna_y_sus_hijos.jpg

 

Como mujer al tanto de las tendencias de la época, la Duquesa también era conocedora de las corrientes que anunciaban el romanticismo, como el gusto por el concepto de lo sublime, entendido como aquello que atrae y horroriza a un tiempo, y encargó a Goya una serie seis cuadros sobre brujería, entre los que destacan “El Aquelarre” y “las Brujas”, que recuerdan a temas de Füsseli y que decorarían el palacio.

 

 

El aquelarre (Goya)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_aquelarre_(1798)

 

Éste, muy deteriorado, pero que se restaura actualmente, es una construcción pequeña, concebido como sitio de recreo, para breves estancias.

 

Cuando la Duquesa eligió el nombre “ El Capricho”, lo declaraba un escenario de artificio y sofisticación, en definitiva , un sitio de diversiones , que refleja la despreocupación de la nobleza y la fragilidad de un mundo que se vería sacudido por la guerra pocos años después.

 

Texto e imágenes: Ana Molinero

 

Etiquetas: , ,

SAN GEREÓN. LA MÁS ESPECTACULAR IGLESIA ROMÁNICA DE COLONIA

 

De las 12 iglesias románicas de Colonia, la Basílica de San Gereón es indudablemente la más bella e impresionante. Lleva el nombre del primer mártir pacifista cuyo sarcófago se encuentra en la cripta subterránea del templo. San Gereón fue un soldado romano de Colonia quien después de convertirse al cristianismo, se negó a matar, y por ello el emperador Maximiniano mandó decapitarlo junto a 318 otros de su legión en el año 304 (así la leyenda). Más tarde, Santa Elena, madre de Constantino, primer emperador romano quien se convirtió al Cristianismo, tomó la iniciativa de construir una primera basílica para las reliquias de San Gereón ya en el Siglo IV. Posiblemente, aquella basílica antigua fue aún más espectacular que la actual, ya que investigaciones de restos de la antigua muralla demostraron que la antigua cúpula, con un diámetro de casi 24 metros, era algo más amplia (aunque menos alta) que la de la iglesia que vemos hoy. Además, la cúpula del Siglo V fue decorado con un mosaico riquísimo, totalmente dorado y comparable a los mejores mosaicos bizantinos de Constantinopla o Ravenna. Debido a esa decoración magnífica, la antigua basilica de San Gereón obtuvo el nombre ad sanctos aureos. De ese edificio antiguo se conservan restos de los muros hasta una altura de 14 metros.

 

 

Lo que hoy podemos admirar es una reconstrucción en su mayor parte (salvo la cripta subterránea que aparte de las pequeñas vidrieras modernas es auténtica, y una parte de los muros).

Si nos acercamos hoy a la Basílica de San Gereón, viniendo desde la Catedral, ya desde lejos impresiona la fachada con sus dos torres que enmarcan la galería palatina en medio. Pero el elemento inconfundible de ese templo no son las torres, sino la cúpula monumental.

 

 

Cuando se concluyó esa cúpula nueva en el año 1227, ese magnífico Decágono, único en su estilo, fue la cúpula medieval más grande y la tercera más grande del mundo detrás del Panteón romano y la Hagia Sofía en Constantinopla, con un diámetro de 21 metros y una altura de 35 (hoy con el techo piramidal llega a 48 metros). Debajo de una galería románica ya contiene vidrieras de estilo gótico temprano que pertenecen a los primeros ejemplos de vidrieras góticas en la región de Colonia.

 

 

Entramos primeramente en un atrio donde la obra de arte más importante es un Santo Sepulcro de estilo gótico. En el suelo hay un plano arquitectónico del templo hecho de bronce.

 

 

Al entrar en la única nave del templo, el recinto del decágono, se pasa por las puertas de una reja que guarda una sorpresa: tiene forma de un ángel.

Lamentablemente, esa grandiosa iglesia nunca será lo que era antes de la Segunda Guerra Mundial, su decoración interior es sólo una sombra de lo que era antes de la guerra. Es una pena que ese templo no haya llegado como edificio medieval auténtico a nuestros días. No se ha reconstruido el mosaico de la cúpula, también debido al coste tremendo, es que poco después de la guerra no hubo ni dinero ni tiempo para una obra de esas dimensiones.

La discusión, si es preferible tratar de reconstruir un edificio totalmente fiel a su aspecto original o hacerlo integrando elementos modernos, será eterna y habrá argumentos para cada punto de vista. En el caso de San Gereón, se ha optado por respetar la forma y estructura arquitectónica y por una integración de vidrieras de estilo moderno. Al menos el espectro de colores de esas vidrieras creadas por Georg Meistermann es dudoso para una iglesia románica. Predominan unos colores llamativos nunca vistos en un templo de ese estilo: verde chillón, naranja, turquesa y rosa. Pero hay que admitir que el coloniense Georg Meistermann (1911 - 1990), uno de los pintores alemanes más importantes del Siglo XX, ha logrado llenar esa cúpula con una luz muy especial. Empleando unos colores tan fuertes y atrevidos, parece como si Meistermann haya arrojado los colores del arcoiris por las vidrieras hacia adentro con cada rayo de luz que las ilumina. Ese maestro ha dicho la bonita frase: "El color es un idioma por sí, no puede ser remplazado por ningún otro." En San Gereón, los colores del arcoiris que aparecen en las vidrieras de Meistermann, reconcilian el hombre con Dios y el pintor ha llamado esa obra terminada en 1986 para el templo coloniense (una de sus últimas) su testamento religioso.

 

 

La parte del coro de la iglesia, normalmente cerrada y solamente abierta para grupos de visita guiada, guarda unos tapices barrocos del 1765, una bella escultura de San Gereón, un retablo barroco pintado a mediados del Siglo XVII y en el ábside los restos algo borrosos de un gran fresco que aún visto de lejos transmite una idea del esplendor riquísimo que ese templo tuvo antes del infierno del 1945. 

De ese infierno se salvó la cripta subterránea. En su oscuridad no es tan tanto el sarcófago de San Gereón que llama la atención, porque es muy austero, de piedra simple sin decoración.

 

 

Al entrar, a la izquierda del sarcófago, hay un pequeño fresco del Siglo XIII bien conservado que muestra un Calvario. Caminando por esa capilla subterránea en la que reina un silencio tenebroso de atmósfera mística, se llega a uno de los muy pocos retablos de estilo renacentista que hay en Colonia. Es de piedra y su diseño y sus esculturas evocan en un par de detalles el estilo plateresco.

 

 

Pero el detalle más interesante de la cripta es un ciclo de mosaicos en el suelo alrededor del altar que datan de finales del Siglo XII y dominan escenas del Antiguo Testamento, como Sansón luchando con el león o Sansón portando las puertas de la ciudad. A los niños les gustan mucho, porque recuerdan a dibujos de un cómic.

 

 

Más graves y solemnes se presentan los frescos medievales. Lamentablemente, aquí no son tan brillantes como en Santa María Lyskirchen, sino mucho más dañados.

Dejamos esa "cueva mística" para subir de nuevo y dirigirnos a las dos capillas.

Los frescos de la capilla del baptisterio datan del Siglo XIII y como están bastante borrosos, a veces apenas se pueden distinguir las representaciones de los santos. El baptisterio es un octógono, un recinto pequeño y austero. Aparte de los frescos, hay un tríptico de estilo gótico y al lado de la entrada, nos saluda una Virgen gótica.

 

 

A la derecha de la entrada, aún nos queda una obra maestra. En el centro de una capilla neobizantina añadida a finales del Siglo XIX, cuya bóveda está cubierta con un mosaico dorado, se encuentra una Piedad bellísima del escultor alemán Joseph Reiss de 1897. Aunque bastante inspirada en la de Miguel Ángel, esa obra tiene una profunda unción mística y siempre hay creyentes arrodillados que encienden velas y pasan minutos u horas meditando.

 

 

 

La más bella iglesia de Colonia no es un museo, sino invita a reconciliarse con Dios, por más grandes que sean las dudas... 

 

Texto Berthold Volberg

Fotografía: Thomas Jäckel

22/10/2009 15:27. sdelbiombo #. Colonia Hay 1 comentario.

COMPLUTUM: LA ALCALÁ ROMANA (1). EL FORO

 Alcalá tuvo una vida anterior, y se llamó Complutum. Todavía hoy se puede ver algo de sus restos en las afueras de la ciudad monumental, entremezclada con industrias y construcciones de ladrillo.

 

Su centro se encontraba en el foro, muy cerca del río Henares. Esta zona ha sido objeto de excavaciones en los últimos años que nos permiten hacernos una idea de alguna de sus construcciones, aunque todavía es mucha la labor que queda por hacer.

 

 

Entre los restos mejor conservados nos encontramos con una basílica de pequeñas dimensiones en donde se ejercía la justicia.

 

 

  

Recreación informática de una basílica

 

También se pueden ver los restos de sus termas, en especial el hipocausto o doble suelo sustentado por pequeños pilares de ladrillo por el que circulaba el aire caliente procedente de un horno  y que servía para calentar las estancias.

 

 

Otro edificio (esta vez poco habitual) es el criptopórtico, en origen subterráneo y del que podemos ver sus paredes y el arranque de sus bóvedas.

 

 

 

Recreación informática edificio superior al criptopórtico

 

 

 Sin embargo, el mayor tesoro de este foro se encuentra todavía semioculto. Es la casa de los Grifos, con pinturas murales, en la que se está trabajando para dar una cubierta que proteja sus restos

 

 

 

Más cosas de la Complutum romana: La casa de Hipolitus

.

Una magnífica colección de videos

 

 

Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , ,

25/10/2009 17:18. sdelbiombo #. Alcalá de Henares y sureste Madrid No hay comentarios. Comentar.

NEARDENTHALES EN MADRID

 

Tomado de

http://www.elpais.com/articulo/sociedad/Neandertales/Valle/Alto/Lozoya/elpepusoc/20091026elpepusoc_13/Tes

 

Me entero por el blog de JV de un extraordinario hallazgo. En el valle de Lozoya se han descubierto uno de los mayores campamentos de neardenthales de la Península Ibérica, acaso sólo comparable con Atapuerca.

Datado entre los 77.000 y los 40.000 años de antigüedad se han encontrado en él restos de herramientas de la cultura musteriense, así como hogares, huesos de animales consumidos.

Su investigación aún está en los inicios, por lo que tendremos que estar pendientes de la información que nos puede dar

Para saber más

http://www.elpais.com/articulo/sociedad/Neandertales/Valle/Alto/Lozoya/elpepusoc/20091026elpepusoc_13/Tes

 

Vicente Camarasa

29/10/2009 16:07. sdelbiombo #. PREHISTORIA No hay comentarios. Comentar.

HOY, DÍA DE DIFUNTOS, LA MUERTE EN EL BARROCO ITALIANO. ENTRE ESQUELETOS Y CALAVERAS CON BERNINI AL FONDO

Santa María del Popolo. Roma

 

El año pasado, en la misma fecha, publicábamos un artículo sobre la muerte en el barroco español (por cierto, con mucho éxito, pues es una de las entradas más visitadas del blog). Veamos hoy otra forma de plasmar este mundo de ultratumba que tanto le debe a Bernini, completamente distinto al hispano.

 

Como ya comentara Mâle, el esqueleto y la calavera serán las grandes iconografías del barroco romano. Un esqueleto curiosamente alado que nos interpela, sustenta los clípeos, acaso nos sonríe malignamente.

 

 

San Pietro in Vincoli

 

 Quizás el primero de ellos lo imaginara Bernini para una capilla en San Lorenzo in Dámaso. Su éxito fue extraordinario y el modelo se repetiría en esculturas, estucos, pinturas y composiciones de piedras duras.

 

 

Bernini? San Lorenzo en Damaso

 

También lo utilizaría en el solado de la capilla de Santa Teresa en Santa María Della Victoria

 

 

A partir su uso se vuelve constante

 

.

.

 

San Francesco in Ripa

 

.

.

 

San Pietro in Vincoli

 

.

 

San Francesco in Ripa

 

Quizás la representación más inquietante de esta muerte la realizará de nuevo Bernini para la tumba de dos Papas: Urbano VIII y Alejandro VII , ambas en el Vaticano. Mientras en la primera el esqueleto se aplica en arrancar los títulos (la memoria) del fallecido.

 

 

En el segundo, aún más escenográfico, un nuevo esqueleto levanta un pesado paño de mármol anaranjado dejándonos ver la puerta que se convierte en una puerta al más Allá.

 

.

 

Junto al esqueleto, también será redundante la calavera. Una calavera de nuevo alada que recuerda a un putti (la imagen del amor de Cupido) a la que el pensamiento barroco (tan amante siempre de las contradicciones) cambia el sentido, pasando del amor y la carne de sus sonrosados mofletes a la muerte y la aridez de los huesos que nos miran sin ojos, sólo las cuencas vacías.

 

 

Santa María in Cosmedin

 

 

Santa María sopra Minerva

 

Pero la presencia de la muerte no sólo queda en esas figuras. Hace unos meses hablábamos aquí de las reliquias en el mundo barroco italiano.

   

 

 

 

 

 

Relicario. San Crisogomo

 

Su constante presencia, a menudo obsesiva, nos hablan perfectamente del mundo barroco, tan amante de los placeres como gran frecuentador de la muerte, algo que en nuestra sociedad, laica y materialista, ha desaparecido y no nos deja percibir con claridad la importancia que tenía la muerte en la vida cotidiana (en aquella vida cotidiana del siglo XVII en donde las personas agonizaban y morían en sus casas y las grandes epidemias la mostraban con una cotidianidad que a nosotros nos resultaría verdaderamente terrible pero al hombre barroco le recordaban, de nuevo la paradoja, la importancia de vivir ante lo incierto que siempre se presenta el destino)

 

 

 No deberíamos olvidar tampoco el aspecto morboso de todas estas manifestaciones (que atraían peregrinos y donativos), ni tampoco el mensaje de poder que tienen los sepulcros y monumentos funerarios que cimentan el prestigio de unos apellidos.

 

 

 Se creó también toda una nueva iconografía, la del martirio, que analizaremos en un próximo artículo

 

 

UNA FOTOGALERÍA enlazada DE BERNINI

 

Texto e imágenes: Vicente Camarasa

 

 

 

 

Etiquetas: , , ,

30/10/2009 19:21. sdelbiombo #. BARROCO Hay 2 comentarios.

ANA YA TIENE SU BLOG

Ana Molinero, que tantas veces nos ha deleitado con sus artículos, ha abierto su nuevo blog, Nadie es perfecto.

Seguro que encontraremos en él muchos nuevos artículos que iremos vinculando y podremos aprender muchísimo de ellos.

Enhorabuena

 

Vicente Camarasa 

31/10/2009 10:23. sdelbiombo #. COLABRADORES DEL BLOG No hay comentarios. Comentar.


Blog creado con Blogia. Esta web utiliza cookies para adaptarse a tus preferencias y analítica web.
Blogia apoya a la Fundación Josep Carreras.

Contrato Coloriuris