Facebook Twitter Google +1     Admin

Se muestran los artículos pertenecientes a Junio de 2010.

LOS RETRATOS REALES DE VELÁZQUEZ (Primera parte: la técnica)

 Cuando Velázquez llegó a la Corte en 1623 ya existía toda una larga tradición del retrato regio que arrancaba de Carlos V y Felipe II. Su creación había sido compleja y partía de dos escuelas.

Por un lado la tradición flamenca que los primeros Austrias traían por herencia familiar (los retratos de Moro caracterizados por su amor al detallismo en joyas y vestidos al que unían una imagen gélida, casi hierática del rey que no sería otra cosa que la idea del rey oculto que tanto utilizó Felipe II con su hermético Escorial)

 

Felipe II por Antonio Moro

 

Por otra parte se encontraba la novedad veneciana que Carlos V añadió por gusto propio. En especial Tiziano dio a estos retratos su capacidad colorística y su pincelada suelta que los hizo más realistas y ópticos.

 

Felipe II por Tiziano

 

La unión de ambos la realizaron los pintores reales de Felipe II (Coello o Pantoja de la Cruz), continuándola otros muchos más mediocres durante el reinado de Felipe III (Bartolomé Sánchez o Rodrigo Villandrado) que Velázquez retiró anticipadamente.

Felipe II. Pantoja de la Cruz

 

¿Qué le añadió a todo lo anterior?

Por una parte (y sin llegar a perder esa frialdad característica) Velázquez les dio a las figuras una penetración psicológica mayor que llegaría a su extremos en los últimos cuadros de Felipe IV en la década de los 50.

Felipe IV

 

Por otra parte añadió su extraordinaria capacidad para manejar el negro (color básico del protocolo austriaco)

 

Añadió también su enorme genialidad para sugerir el espacio a través de medio mínimos, como una silla o una sombra de los pies.

 

El infante don Carlos

Tomado de commons.wikimedia.org

 

Lo que mantuvo, sin embargo, es la construcción mental de la figura, un dato que se suele olvidar (quizás por la propia genialidad de su ejecución).

Si os fijáis, la figura estaba vista desde dos puntos de vista completamente distintos, con la cintura como unión. Así, mientras que la parte superior del cuerpo se ve desde la misma altura que la del personaje, todas las piernas están dibujadas desde un punto de vista bajo, lo cual las hace más altas y más esbelta a la figura, dándole más apariencia real a figuras que no eran nada altas (Tapad con la mano las distintas partes y os daréis cuenta)

Felipe IV en plata.

(Todas las imágenes tomadas de Wikipedia Commons)

 

En la segunda parte analizamos iconográficamente estos retratos

.

 Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , , ,

01/06/2010 08:28. sdelbiombo #. Velázquez Hay 2 comentarios.

LOS RETRATOS REALES DE VELÁZQUEZ (Segunda parte: la iconografía)

Felipe IV por Velázquez

 La tradición española del retrato se forjó, como vimos en el artículo anterior, (los retratos reales de Velázquez, la técnica) con los primeros Austrias. Se trataba de una imagen sobria y sin apenas aparato, claramente  condicionada por el estricto protocolo borgoñón que impuso Carlos V en la Corte y desarrollada (según Checa Cremades) por Felipe II y el rey oculto que muestra mayor majestad cuanto menos es visto, y si lo fuera cuando no deje traslucir con sus gestos cualquier tipo de humanidad, convirtiéndose en algo por completo inalcanzable para sus súbditos. Un verdadera estatua sin sentimientos, un perfecto engranaje que representa el poder por medio del alejamiento y la inaccesibilidad.

Para hacernos una idea de esta  frugalidad de sentimientos, de símbolos externos, sólo hace falta comparar un retrato español barroco con otro francés.

 

Luís XIV por Rigaud

 

 Felipe IV por Velázquez

 

Teniendo esta idea clara podemos ya entender la iconografía regia hispana.

Como ya estudió Gállego, además de este rey oculto, todos los cuadros de reyes españoles tendrán un pequeño número de símbolos que a veces nos pasan desapercibidos pero que eran en el momento perfectamente entendidos. Veamos algunos.

Por una parte se encuentra el mensaje corporal, hierático, como ya decíamos, pero con los característicos pies en compás (en ángulo) que se repiten sistemáticamente.

También se encuentra el papel doblado en la mano (símbolo de su capacidad legislativa, de hacer leyes, del reinado de papel que inició Felipe II en palabras de Benassar).

La silla o la mesa en donde se apoyan las figuras significaría el Imperio en el que se sustenta la monarquía (en periodos posteriores a Velázquez ya con patas de leones, como en los cuadros de Claudio Coello). El cortinaje posterior que a menudo aparece vuelve a remarcar la imagen del poder.

 

 Baltasar Carlos por Velázquez

 En cuanto a otros símbolos más visibles nos encontramos con la espada (el ejército) que a menudo puede cambiarse por la escopeta o el guante de cazador (la caza es un sustituto de la guerra) o ya por el propio bastón de mando de general (aunque el rey jamás presidió una guerra) o la iconografía ecuestre (ya utilizada desde los tiempos romanos y que Tiziano con su Carlos V en su batalla de Müllberg había consagrado como imagen imperial, aunque en tiempos barrocos se le añadirá la postura en corbeta, a dos patas, más dinámica)

Baltasar Carlos por Velázquez

 

Sin embargo, el gran símbolo del poder real será el Vellocino de Oro al que dedicaremos un artículo especial

(Todas las fotos tomadas de wikipedia)

 Vicente Camarasa


Etiquetas: , , , ,

02/06/2010 20:15. sdelbiombo #. Velázquez No hay comentarios. Comentar.


NUEVA PINTURA CHINA. EL LADO OSCURO DEL MILAGRO ECONÓMICO

 

Wang Guangyi

China será el futuro del mundo, nos dicen los analistas económicos. Su famosa Vía China hacia el capitalismo está triunfando y su crecimiento económico sigue aún en medio de la crisis.

Es, además, el mayor poseedor de bonos de Estados Unidos, una gran potencia demográfica, el creador de eventos como las últimas olimpiadas o la expo de Sangai…

Sin embargo todo este dorado (como diría Sennett) tiene su lado oscuro. Uno de los mejores medios de descubrirlo es la magnífica generación de pintores que, frente a una posmodernidad blanda, siguen apostando por un arte crítico, en ocasiones demoledor.

Así Wang Guangyi nos habla, de otra manera, de la famosa frase de Deng Xiao Ping: un país, dos sistemas. Un comunismo colonizado por los logos capitalistas por excelencia que sólo mantiene las poses anteriores mientras se vende al capitalismo global (o lo compra, quien sabe), con un giro a lo Warholl sumamente potente

 

 

En una línea semejante se mueve Yue Minjun . Lo suyo sin pinturas (de pop estridente, acaso la influencia más común en esta generación) de los triunfadores del nuevo sistema. Esos grupos de multimillonarios que sonríen de forma ¿siniestra? Mientras se tocan con los símbolos occidentales

 

 

 

Ante este espectáculo de autosatisfacción resulta verdaderamente conmovedor ver los rostros ensimismados, terriblemente tristes de Zhang Xiaogang

 

 

 

¿Y qué decir de las esculturas y fotomontajes de Gao Brothers? Creo que sobran las palabras ante estas estructuras que oprimen de los individuos?

 


Mi debilidad es Zhong Biao. Me fascina su uso del hiperrealismo mágico y sus imágenes son perfectas metáforas de la nueva sociedad China, acaso menos potentes que algunas anteriores pero con una gran cantidad de registros asombrosa. ¿Por qué levitan sus figuras, es acaso el ansia de libertad?

 


¿Qué más se puede decir ante esto?

 

 

 

 

Tomado de http://www.zhongbiaoart.com/portfolio.htm

 

Resto de las imágenes tomadas de un blog que os aconsejo

http://eldadodelarte.blogspot.com/search/label/20%20domingos%20orientales

 

Vicente Camarasa

 

Etiquetas: , , , , ,

UNA IGLESIA RENACENTISTA EN TORRES DE LA ALAMEDA

 

 

Al pueblo ya no le quedan ni unas ni otras, pero su origen fue romano (como atestigua una lápida que aún queda en los muros de una de sus ermitas) y luego visigoda y árabe.

 

 

Sin embargo lo más interesante es su iglesia renacentista (XVI) de alta torre rematada con chapitel (y con la parte inferior mudéjar, único resto de la antigua construcción) y una galería de arcos rebajados y bellos tondos en sus enjutas

 

.

 

 

En su interior destaca el artesonado, las pilastras y los arcos renacentistas de gran vuelo. El ábside conserva aún yeserías barrocas en su cimborrio y su ábside, así como un buen crucificado

 

 

  UNA RUTA TURÍSTICA DESDE AQUÍ

Texto e imágenes:

Vicente Camarasa

 

Etiquetas: ,

08/06/2010 16:56. sdelbiombo #. Alcalá de Henares y sureste Madrid No hay comentarios. Comentar.

UNA OBRA RENACENTISTAS COMENTADA POR UN ALUMNO. EL NACIMIENTO DE VENUS. BOTTICELLI

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus

TEMA. Se trata de una pintura mitológica en la que se representa el nacimiento de Venus

La TÉCNICA  es óleo sobre tabla

La COMPOSICIÓN es simétrica porque se cómo hay lo mismo en los dos lados si partiéramos la pintura por la mitad. Además tiene una composición geométrica que forma un triángulo entre Céfiro y Flora, con Venus en el centro.

LÍNEA Y COLOR. La línea predomina sobre el color ya que el pintor primero dibuja y luego colorea. En cuanto al color hay una combinación entre tonos fríos y cálidos que da equilibrio a la pintura.

La LUZ es representativa y tienen algo de claroscuro para dar volumen a las figuras.

La PERSPECTIVA es lineal, con líneas de fuga que se trazan hacia el punto de fuga que se encontraría en la cabeza de la Venus. También podemos saber que hay esta poerspectiva lineal porque los objetos se hacen más pequeños cuanto más nos alejamos pero siempre son igual de nítidos.

Las FIGURAS casi no tienen expresión y escaso movimiento. Son idealizadas porque no se dibujan tal y como eran las personas de esta época sino que buscan la perfección y la belleza.

 

COMENTARIO

Se trata de una pintura del Renacimiento, con un tema mitológico en el que se ve muy bien la ideología de la gente del momento. Los temas ya son humanistas y no se centran tanto en Dios, como ocurría en la Edad media.

Además, es un estilo en el que se busca la armonía, la belleza y la perfección, volviendo a los modelos de Grecia y Roma. Todo esto se consigue dando poca expresión o movimiento a las figuras o haciendo que predomine la línea sobre el color, combinando frríos y cálidos...

Álvaro Sánchez-Clemente (2º ESO B, Sies la Poveda en Campo Real)

 

Etiquetas: ,

UNA OBRA BARROCA COMENTADA POR UNA ALUMNA.La incredulidad de Santo Tomás. Caravaggio

Tomada de http://www.escuelacima.com

TEMA: es un tema religioso en el que podemos ver a santo Tomas metiendo el dedo en el costado de Jesucristo. El autor intenta que nosotros al ver el cuadro nos podamos relacionar con las figuras y que estas nos expresen sus sentimientos.

TECNICA: esta hecha con óleo (utilizando el aceite como aglutinante) directamente sobre el lienzo

COMPOSICION: tiene una composición simétrica ya que encontramos las mismas proporciones al dividir la imagen, también tiene una composición geométrica ya que podemos apreciar formas geométricas en las figuras.

LINEA Y COLOR: en esta imagen predomina la línea sobre el color y lo podemos ver en las arrugas de los  trajes, encontramos líneas horizontales que dan mayor estabilidad y líneas diagonales para dar mayor movimiento. Los colores que predominan son los colores calidos con los que el autor pretende dar mayor intensidad al cuadro.

LUZ: la luz es expresiva ya que pertenece el barroco y el autor crea intensos contrastes en los que deja zonas completamente oscuras frente a otras mas iluminadas(a eso se le llama tenebrismo).

PERSPECTIVA: debido al tenebrismo no encontramos un fondo y el autor utiliza escorzos para dar profundidad a la imagen e incluso los propios cuerpos de las figuras y los colores que hacen que se introduzcan hacia adentro o que parezca que salen de la imagen.

FIGURAS: las figuras son muy realistas y expresivas porque lo que pretende el autor es que nos relacionemos con ellas y que nos expresen sus sentimientos. En ellas podemos encontrar fuertes claroscuros para dar mayor volumen.

COMENTARIO: es una imagen perteneciente al barroco debido a su composición, su luz, su perspectiva, etc. Es una imagen perteneciente al siglo XVII y lo que el autor pretende transmitirnos son los sentimientos de la figuras y sobre todo se centra en la realidad. El barroco es un arte propagandístico en la que el autor nos transmite un mensaje religioso o político.

 

Eva Pastor (2º ESO B, Sies la Poveda en Campo Real)

 

Etiquetas: ,

11/06/2010 16:03. sdelbiombo #. BARROCO Hay 1 comentario.

UNA OBRA DEL RENACIMIENTO VENECIANO COMENTADA POR UN ALUMNO. CARLOS V EN LA BATALLA DE MULLBERG. TIZIANO

 

David, en su blog ha colgado este análisis. Para entrar, pinchad aquí

 

Imagen tomada de

http://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_V_a_caballo_en_M%C3%BChlberg

 

 

Etiquetas: , , , , ,

13/06/2010 12:06. sdelbiombo #. Pintura veneciana No hay comentarios. Comentar.

EL JUICIO FINAL DE RUBENS ANALIZADO POR UNA ALUMNA DE 2º ESO

Tomado de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/3538.htm

TEMA:El juicio final.En el arte barroco es muy tìpico las pinturas que tratan de comunicar un mensaje polìtico o religioso. En este caso,el tema es religioso.
COMPOSICIÒN: Asimètrica con suaves diagonales a los lados.
LÌNEA: En el barroco se le da màs importancia al color que a la lìnea,es màs gruesa y està realizada con la tècnica de pincelada suelta.
LUZ: Se realiza un fuerte claroscuro para darle màs importancia al ser que la requiere,en el centro,y màs oscuro a los lados.
FIGURAS: Con bastante movimiento ya que en este estilo se busca llamar la atenciòn del espectador,la mayorìa tiene una expresiòn similar,de sufrimiento.
COLORES: Los colores son càlidos,y nuestros ojos se sienten atraìdos hacia el color rojo,es un color muy vivo.
PERSPECTIVA: No se ve un fondo muy definido,ya que en este estilo se busca màs la sensibilidad de los personajes y no su posiciòn en el espacio. De todas formas es aérea
COMENTARIO: Esta pintura es de arte barroco.Debido al uso de las emociones para atraer al espectador,la sensaciòn de movimiento e intentar comunicar un mensaje al espectador.Se pretende realzar el poder de la iglesia.

Arlén Díaz (2º ESO B, Sies la Poveda en Campo Real)

Etiquetas: ,

15/06/2010 22:16. sdelbiombo #. Barroco Holanda y Flandes No hay comentarios. Comentar.

DOS AÑOS EN CAMPO REAL (Primera Parte)

 

 

 

 

 


 

 


 

 


 

 


 

 


 

 

 


 


 Vicente Camarasa

18/06/2010 19:04. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS No hay comentarios. Comentar.

DOS AÑOS EN CAMPO REAL (Segunda Parte)

 

 


 

 


 

 


 

 


 

 

 


 

 


 

 


 

 


 


 

 


 


 Vicente Camarasa

22/06/2010 09:26. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 3 comentarios.

EL PÚLPITO DE PISA DE NICOLÁ PISANO

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Nicola_Pisano

 

Que Italia inventara el Renacimiento no puede ser una sorpresa, pues el en fondo ya lo estuvo haciendo durante toda la Edad Media (así nos lo enseñó Panofsky en su famoso, y recomendable libro de Renacimiento y Renacimientos en la Edad Media Occidental de 1962).

Sólo hace falta mirar las sombras y los paisajes del Giotto, contemplar la catedral de Pisa como un nuevo acueducto, o echar un vistazo a esta magnífica obra del siglo XIII (1260) de Nicolá Pisano, el patriarca de una famosa familia de escultores y, si fuera poco, el maestro de Arnolfo di Cambio.

 

Si os fijáis en la foto que abre el artículo podéis ver el conjunto y sus numerosas influencias. Por ejemplo, las columnas y sus capiteles son de un claro clasicismo, o esa idea de apoyar alguna de ellas sobre leones son típicas del Románico italiano (acaso inspiradas en el Paleocristiano). Lo único que podría recordarnos al gótico sean las tracerías, aunque curiosamente no se utiliza en ellas el arco apuntado sino el medio punto.

 

Todo esto se ve mucho más claro si vemos los paneles superiores

 

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Nicola_Pisano

 

Todo parece clásico: el desnudo central (una especie de Buen Pastor que se mezcla con las imágenes de Hércules), la Virgen María que aparece en ambos relieves como una matrona romana, con unos paños plegados como si fueran una toga romana, los animales (especialmente los caballos) y su majestuosidad, o el mismo trabajo de relieve en varios planos que recuerda al Ara Pacis (por entonces perdida).

Y es que Nicolá Pisano se formó bajo el mecenazgo de Federico II, viajando con el por todo el sur de Italia donde podría ver decenas de muestras del arte clásico.

 

Para saber más

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/4135.htm

 

 Vicente Camarasa


 

Etiquetas: , ,

24/06/2010 07:56. sdelbiombo #. GÓTICO No hay comentarios. Comentar.

LA NUEVA VIDA DE LOS OBJETOS. DE DUCHAMP A LA POSMODERNIDAD PASANDO POR LOS NUEVOS REALISMOS DE ARMAN, CÉSAR Y KRAPOW

 Que la posmodernidad se inició en los ochenta es, una vez más, una pura denominación, pues en el fondo, y como cada vez estoy más convencido, la inventó decenas de veces y muchos años antes Marcell Duchamp. De hecho, la imagen que abre este artículo se realizó en 1914. Un simple portabotellas que Duchamp, por el simple hecho de elegirlo entre las miles de posibilidades, lo elevó a la categoría de arte.

Desde entonces dadaístas, surrealistas o Picasso los utilizaron (los objetos), pero ciertamente será desde mediados del siglo XX cuando su posición se volvió dominante. Evidentemente el hecho está conectado con la tercera globalización que entonces empieza y en la que nosotros seguimos viviendo. Un momento de reconstrucción tras la II Guerra Mundial con la instauración definitiva de la sociedad de consumo que ya lo es todo. Vivir para consumir; esta será la regla que nosotros mantenemos pese a todas las crisis que nos intentan enseñar lo falso de este axioma.

En los mismos años 50, Debord nos calificaba como una sociedad del espectáculo, un espectáculo en donde la compra se ha convertido en la forma de ocio predominante. En esta obra el objeto se convierte en el protagonista imprescindible. Mirad si no a vuestro alrededor para ver la multitud de objetos que rodean nuestra vida más cotidiana. Decenas, cientos, millones de objetos nos rodean o, tal vez, nos oprimen con su presencia.

Gracias a su éxito la industria prosperó, prosperaron las sociedades y nos enriquecimos. Nuestra vida se volvió más cómoda pero, ¿a costa de qué? Nos enriquecimos a fuerza de esquilmar los recursos naturales, de incrementar de forma exponencial las basuras, de privar a ¾ partes de la Humanidad de lo más básico. Ésa ha sido nuestra conquista.

 

Arman. Acumulación

 

Esto ya comenzaba a ser evidente en los 50 (en la actualidad es abrumador) y una serie de artistas comenzaron a retomar el objeto ya no de forma estética sino, tal vez, ética. ¿Cómo si no explicar estas acumulaciones de objetos iguales que llevaron a la fama a Arman? Bombillas o chapas, apiladas, repetidas, puestas en una vitrina como la mejor forma de explicar en qué consiste nuestro mundo.

Arman

 Pero aún más, el propio Arman quiso ir más lejos y creó sus famosos Poubelles o Cubos de basura, recipientes en donde acumulaba la basura doméstica de la burguesía. Casi un estudio sociológico de nuestro modo de vida o, tal vez, una denuncia de nuestro consumismo, de nuestra capacidad de generación de residuos.

 

Arman. Poubelle

 

 

En una línea semejante Krapow realizó una serie de trabajos como esta instalación (reconstruida para la exposición actual) en donde es el neumático el símbolo de nuestra civilización, su apilamiento por los pasillos de lo que en un tiempo fue hospital. Una obra sin otro argumento que su dura contundencia, un tanto amenazante: los residuos nos invaden y trepan apilados unos sobre otros.

 

 

 

 

Temáticamente muy cercana se encuentra la obra de César, sus comprimidos de lo que en un momento fueron coches, ahora convertido en basura museable de vivos colores. ¿Qué más se puede decir ante sus obras? Acaso simplemente sea necesario reflexionar un poco y replantearnos nuestra forma de vida

Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , ,

25/06/2010 19:00. sdelbiombo #. Después del 1945 No hay comentarios. Comentar.

DE LA MÁQUINA BURGUESA A LA MÁQUINA INÚTIL. DESDE DUCHAMP Y PICABIA A TINGUELY

 

I Guerra Mundial

Tomado de historiacultural.com/2010/11/primera-guerra-mundial.html

Entre 1914 y 1918 murieron más de 8 millones de personas en los campos de batalla europeos. Todo el avance científico e industrial que se había producido desde la Segunda Revolución industrial (finales siglo XIX y principios del XX) se puso al servicio único de la muerte, y aparecieron los primeros tanques, las ametralladoras, el zeppelin, las pequeñas avionetas, los gases letales o el mismo ferrocarril, que sirvió para alimentar de nueva carnaza las trincheras batidas por los disparos.

Con todo ello la máquina, el gran símbolo del progreso moderno, quedaba en entredicho, y con ella todo el proyecto iniciado en la Ilustración, basado en la razón y la ciencia que nos debería llevar a la felicidad.

 En el campo artístico esta crisis no pasó desapercibida, y coincidiendo con la I Guerra Mundial y con centro inicial en la Suiza neutral, iniciaría sus pasos el movimiento Dada

Profundamente irónico y descreído, demoledor en su actitud crítica contra los sacrosantos valores morales burgueses, este antiarte tuvo en la máquina uno de sus blancos favoritos.

Quizás el primero en hacer notar esta nueva sensibilidad fue Duchamp que ya en 1913 realizó su primer ready-made como máquina absurda: Rueda de bicicleta montada sobre taburete

Duchamp. Ready made. Rueda bicicleta sobre taburete

Tomado de

http://sobrehistoria.com/dada-el-anti-arte-al-extremo

También realizaría una de sus obras mayores (aunque curiosamente menos conocida por el público, acaso por su dificultad conceptual): El Gran Vidrio, en donde una especie de humanoides en la parte baja mueven una serie de resortes que desnudarían (arriba) a una novia monstruosa.

 

Duchamp. Gran Vidrio (1915-1922)

Tomado de http://tareasdelectura.wordpress.com/2008/12

 

Sin embargo, el autor que más profundizaría en esta crítica a la máquina será su amigo Francis Picabia.

Suya es la expresión de máquinas solteras, soliciptas, masturbatorias, pues su imposible funcionamiento no produciría nada

Picabia. Parada amorosa (1917)

Tomado de http://pintura.aut.org/BU04?Autnum=11904&Empnum=0&Inicio=16

 

Voila. ELLE

 

La cuestión en si misma ya era un absurdo. ¡Una máquina inútil!

Las máquinas se hicieron para realizar trabajos concretos y, por aquella época, repetitivos. El valor de esta máquina era, por tanto, su productividad.

Picabia, como buen dadaísta, dará la vuelta al sentido común y creará diagramas de objetos que ni son bellos ni útiles. Una máquina (si os fijáis en los títulos) sentimental. El mundo al revés o una locura muy cuerda

 

Picabia Totalisaeur

 

De una forma semejante, en los años 60, con una ideología cercana a la de mayo del 68, aparecieron los neodadaístas del Nuevo Realismo Francés.

Uno de los miembros más destacados ya lo conocéis, Yves Klein, el fecundo pintor de cuadros azules. Otro miembro, César, se dedicó a hacer sus primeros prensados con chapas de coches (el símbolo por excelencia del progreso en esos años), mientras Tinguely se especializó (de nuevo) en máquinas inútiles, justo en el momento donde una tercera revolución industrial (la que nos llevaría al mundo actual) iniciaba sus pasos.

 Más allá de Picabia o Duchamp, las máquinas de Tinguely se movían de veras aunque sus esfuerzos eran nulos, pues todo el entramado artesanal de bielas, cuerdas y engranajes no producía absolutamente nada, acaso una sonrisa ante aquel juego sin sentido que dejaba embobado al espectador. (sus primeras máquinas pintaban ellas solas, en una clara crítica al expresionismo abstracto. Metametics)

 

Su apoteosis fue la máquina que, en su proceso, se terminaba por autodestruir; bonita metáfora para un mundo (el actual) amenazado por el efecto invernadero, la lluvia ácida o los precios astronómicos del petróleo.

 

 

Existe un video sobre sus obras en http://www.youtube.com/watch?v=bFC0Qs_IC48

 

DADA. CARACTERÍSTICAS GENERALES

.

 

Vicente Camarasa


Etiquetas: , , , ,

LAS CIUDADES DE JORGE MACCHI

Este autor argentino me fascinó ya hace tiempo, cuando lo conocí en una muestra de la Casa Encendida. Desde entonces le sigo la pista y me gustaría mostraros algunas obras de él en relación con la ciudad.

En ellas aplica una visión poética que, sin esquivar los problemas, nos plantea nuevas visiones de ella.

Empecemos con esta pequeña obra maestra (Caja de Música) en la que el tráfico, en vez de ruido, compone música. Fijaros cómo (por un programa de ordenador) el paso de los coches crea una pequeña partitura

Pinchad aquí

Sin embargo una de las especialidades del artista es el plano, sus sugerentes asociaciones. Como corresponde a la posmodernidad no esperéis en esos planos certezas, sino por el contrario, están llenos de accidentes, de sentimientos, de asociaciones surrealistas.

En realidad hay en él mucho de Linch y su psicología de la ciudad o de los situacionistas parisinos de los años 60 que pretendían llenar la ciudad de elementos personales, de sentimientos, apropiándose así de ella justo en el momento en el que comenzaba a crearse la metrópolis antihumana.

Como ya hacía Benjamín, Maachi pasea la ciudad para hacerla suya y el plano resultante es el de SU ciudad, única y personal. A todo esto le añade un guiño que recuerda a Duchamp y su Gran Vidrio, pues los recorridos planteados fueron los de la rotura de un vidrio sobre el plano de la ciudad.

Azar y sentimientos; en gran parte la ciudad actual se reduce a esto

Tomada de http://www.universes-in-universe.de/car/istanbul/2003/antrepo1/s-tour-14.htm (Aquí se pueden ver más fotos de la instalación)

 Otras veces el plano en sí mismo es el que desarrolla sentimientos, como en esta Ciudad Cansada

Tomado de http://www.grayareasymposium.org/blog/category/francisca-kweitel-nelli-tanner/page/2

 

O el río toma la ciudad, y el Sena (partido entre sus puentes) invade el viario

Tomado de http://www.jorgemacchi.com/cast/obras_1.htm

 

Vicente Camarasa

Etiquetas: , , ,

28/06/2010 20:59. sdelbiombo #. PENSAR LA CIUDAD No hay comentarios. Comentar.

RAÚL GOÑI NOS ENSEÑA A SENTIR EL PAISAJE

Entendemos que la identidad de cada territorio es única y que su patrimonio natural y cultural debería susurrar mensajes de inclusión y respeto. Entendemos que el medio ha de ser vivido para poder ser comprendido. Entendemos que el juego es una buena manera de aprehender el entorno.

Tomado de http://www.inclusivestudio.com (web del proyecto de la que también se han tomado las imágenes. Muy interesante su visita)

 

 Unas gigantescas orejas artificiales…

 

 

… para poder escuchar los susurros del paisaje (Garraf)

 

 

Una lanzadera de madera de pino para que nos atrevamos a meter las manos en el arbusto y lo podamos sentir, oler.

 

 

Un aro que nos obligue a tocar la roca caliza, su granulado

 

Raúl Goñi realiza un trabajo muy especial a mitad de camino entre el arte, la ecología y el diseño. Lo suyo, más que hacer, es mostrar, permitir a través de mecanismos tan básicos como originales, que el hombre recobre su capacidad de sentir el paisaje.

Para ello nos guía sin tensión, ofreciéndonos pequeñas actividades que estimulen todos nuestros sentidos, intensificando la experiencia de la Naturaleza de la que cada vez nos encontramos más lejos.

Sus proyectos incluyen paseos guiados, como los de Garraf (fotos superiores) o los del bosque de Bertiz

 

Fijaros en esa simple cuerda que nos permite reseguir el tronco muerto del árbol, su textura.

 

Este estanque sonoro

 

Este abraza árboles, una actividad que tan poco practicamos y tan fascinante es, os lo aseguro

 

En toda su obra hay una intención didáctica (y esto no sólo quiere decir niños, por supuesto) que nos puede ayudar a descubrirnos mejor.

Una verdadera gozada.

Vicente Camarasa

Etiquetas: , , , , ,

30/06/2010 07:32. sdelbiombo #. Mirar el PAISAJE No hay comentarios. Comentar.


Blog creado con Blogia. Esta web utiliza cookies para adaptarse a tus preferencias y analítica web.
Blogia apoya a la Fundación Josep Carreras.

Contrato Coloriuris