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Se muestran los artículos pertenecientes a Abril de 2011.

LAS AGUSTINAS DE MONTERREY EN SALAMANCA (2) LA OBRA DE RIBERA

 

Si la arquitectura, escultura y trabajo en piedras duras es verdaderamente excepcional (como se puede ver en la primera parte), aún lo es más la calidad de sus pinturas, muchas de ellas realizadas por Ribera, al que el conde de Monterrey conociera y encargara en el mismo Nápoles en donde fuera Virrey.

Un pequeño estudio sobre ellas nos habla de la pluralidad estilística del pintor, como ya comentamos hace un tiempo.

Así, podemos encontrar modelos y formas más tradicionales en su quehacer en la Piedad que corona todo el retablo central, con sus maneras tenebristas, su composición cerrada y ese colorido macilento de la piel que le hiciera famoso en Roma.

En esta obra el paisaje no tiene cabida y la belleza es sustituida por la expresión.

 

En un camino tenebrista, pero con ciertas concesiones al color y la belleza nos podemos encontrar otras obras, como el nacimiento.

 

Y frente a todo esto nos aparece el Ribera más veneciano, tanto en el color como en el culto a la belleza.

Nos llega en la figura de San Genaro (que luego será reutilizada, años después, para la capilla del santo de Nápoles).

Su amplia composición en diagonal se acomoda perfectamente al vuelo, con una gran riqueza cromática y el paisaje reaparecido, el eterno Vesubio y la bahía de Nápoles.

Estos modos llegarán a su perfección a su inmaculada, verdadera obra maestra del pintor.

Se trata de un cuadro de una riqueza insuperable, con un colorido lleno de anaranjados, azules, rosas… que se combinan con maestría

Un cuadro que retoma toda la tradicional iconografía inmaculatista (extraída de las letanías medievales) con su pozo de aguas vivas, su torre de marfil, su espejo sin mácula, o la luna creciente que se retoma de la mujer apocalíptica

 

Su composición marca una amplísima diagonal animada por las curvas de mantos y movimientos de ángeles, todo en pleno movimiento acompasado (como un Rubens contenido)

Y en el centro de todo la mujer de una belleza idealizada (¿tal vez su hija?) que nos parece increíble en el pintor de monstruos y mendigos

 

Pero además de todos estos valores, la Inmaculada de Monterrey significa todo un cambio compositivo en el modelo tan típicamente español, pues Ribera, tomando como modelo la Assunta de Tiziano, creará un modelo abierto, de amplios ropajes en vuelo, que acabará con las Inmaculadas cerradas e inmóviles anteriores (Pacheco, Velázquez, Zurbarán) y dejará el camino abierto a las famosas composiciones de Murillo.

Os pongo las tres imágenes para que podáis verlo

 

Pacheco

Ribera

Murillo

 

Imágenes y texto

 Vicente Camarasa

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01/04/2011 15:42. sdelbiombo #. Barroco español XVII No hay comentarios. Comentar.

EVOLUCIÓN BÁSICA DE LA ARQUITECTURA EGIPCIA (2) EL TEMPLO

Templo de Luxor

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Luxor_Temple

 

No se trataba (excepto casos aislados como los speos, que luego se verá) de un lugar de enterramiento, sino de un lugar devocional, que servía como residencia del dios. Éste era atendido por numerosos sacerdotes que servían al dios en el aspecto de una pequeña figurilla que era bañada, vestida y alimentada diariamente, dejándola reposar durante la noche en un pequeño armario de piedra llamado naos que se encontraba en su zona más privada. Fundamentalmente serán realizados en el Imperio Nuevo, aunque ya existieran templos en relación con las zonas de enterramiento desde el Imperio Antiguo.

Naos del dios Anubis

 

Aunque los grandes templos como Luxor o Karnac  eran inmensos conjuntos de construcciones, el modelo básico sigue una misma estructura:

Tomado de http://desarrollodelarte.blogspot.com/2010/07/monumentos-funerarios-de-los-egipcios.html

 

Avenida de esfinges que conectaban el templo con el Nilo para las grandes procesiones que se celebraban anualmente. Estas esfinges eran entendidas como animales apotropaicos (defensores mágicos) del templo, siendo un mezcla de mujer y león.

Tomado de http://www.lugaresbiblicos.com/templo_de_luxor.htm

 

Obeliscos. Estilizados monolitos con punta piramidal que se levantaban a la entrada del templo sirviendo como lugar de representación (por medio de jeroglíficos) del poder del faraón que hacía erigir el templo. Junto a ellos era habitual la presencia de grandes esculturas que representaban al faraón.

Tomado de http://desarrollodelarte.blogspot.com/2010/07/monumentos-funerarios-de-los-egipcios.html

 

Pilonos. Puertas monumentales con muros en talud y coronados por la típica gola egipcia (cornisa cóncava que creaba una línea de claroscuro superior). En ellos se colocaban grandes mástiles en los que se izaban banderolas con los símbolos del dios y del faraón.

Tomado de http://laluzdemisangeles.blogspot.com/2010_09_01_archive.html

Gola egipcia

Patio hípetro. Patio porticado con grandes columnas de acceso libre, antesala a la parte fundamental del templo.

Tomado de http://algargosarte.lacoctelera.net/categoria/03-2-egipto-artes-figurativas

Tomado de misterzeus.blogspot.com.es

Sala Hipóstila reservada a los privilegiados. Gran sala techada y sustentada por gigantescas columnas de diversos capiteles decoradas con relieves y pinturas.

Con muros sin ningún tipo de vanos, la luz entraba de una forma cenital (por la parte superior) por medio de celosías de piedra que aprovechaban la diferencia de altura entre la nave central y las laterales.

Tomado de http://www.deyave.com/Arte/HistoriaDelArte_Egipto.html

Tomado de http://elfalsomundo.blogspot.com/2010/07/la-computadora-antigua-de-edfu.html

Tomadas de La Salle

Salas del dios. Grupo de habitaciones reservadas al dios, los sacerdotes a su servicio y el propio faraón que acudía para las distintas ceremonias anuales.

Tomado http://es.wikipedia.org/wiki/Naos_(arquitectura)

Además de este modelo, el más habitual, se crearon otros tipos de templos. Entre ellos destaca el speo o templo funerario (con doble función, devocional y funeraria) cuyo ejemplo más característico es el de Ramsés II en Abu Simbel excavado en la roca como un hipogeo y antecedido de cuatro monumentales esculturas sedentes del faraón. Antes de su traslado, debido a la creación del gran embalse de Assuán, la construcción estaba realizada para que, el día del nacimiento del faraón, un rayo de sol iluminara la sala final en donde reposaba su sarcófago.

Tomado de http://www.loquehayqueverenegipto.es/abu-simbel

Tomado de tribusyurbes.wordpress.com

Tomado de egiptologia.org/arte/templos/abu-simbel-ramses/

Otro modelo de templo es el realizado en los tiempos ptolomaicos (aquellos en los que el imperio egipcio estuvo dominado por los griegos). Su estructura y tamaño es mucho más reducido del habitual, apareciendo numerosos pilonos y desapareciendo las salas hípetra e hipóstila, entrando directamente a las salas del dios.

De esta tipología es el templo de Debod (Madrid), regalo del gobierno egipcio por la ayuda de equipos de arqueólogos españoles en el traslado de Abu Simbel y otros templos amenazados por la moderna presa de Assuán.

 

Texto

Vicente Camarasa

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04/04/2011 20:07. sdelbiombo #. Arte egipcio No hay comentarios. Comentar.


UNA MAGNÍFICA PÁGINA PARA ORGANIZAR A DUCHAMP

Boite en valise (the red box)

Me ha mandado una amiga una magnífica página (aunque en inglés) en donde se encuentran ordenadas cronológicamente todas las obras y trabajos de Duchamp (muy interesante)

La tenéis aquí

05/04/2011 07:52. sdelbiombo #. Duchamp No hay comentarios. Comentar.

FALLAS 2011 (2)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Para ver más fotos de estas fallas puedes entrar en mi flickr

 

Vicente Camarasa

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06/04/2011 21:14. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS No hay comentarios. Comentar.

EL ARTE POLÍTICO DE AUGUSTO (I). EL FORO DE AUGUSTO

 

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A9sar_Augusto

Octavio, hijo adoptivo de César, divinizado como Augusto, es una de las figuras más fascinantes de la Antigüedad clásica. Una mente prodigiosa que supo imponerse entre las conjuras para convertirse en el primer emperador. Una inteligencia que supo no sólo triunfar en la guerra y la política y, lo que aún es más complicado, triunfar en el triunfo, manteniéndose en el poder hasta que le llegara la muerte natural.

En este artículo nos interesa ese Octavio vencedor y los mecanismos que supo engranar para mantener en el poder después de casi medio siglo de guerras civiles. El Augusto reformador pero también el que supo recoger la tradición, el que supo asumir las herencias de César o de Alejandro Magno, y el que creó nuevos sistemas de control y dominio. Un Augusto que refinó los mecanismos del arte para imponer su poder, convirtiéndose en el modelo del arte romano como esencia de poder que hablábamos en un pasado artículo.


Augusto y la arquitectura.

Me encontré una ciudad de ladrillo y la convertí en una ciudad de mármol, solía decir (él o sus voceros, da lo mismo). Octavio comprendió rápidamente el poder que tenía la ciudad de Roma en el imaginario colectivo y organizó una capital a la altura de su imperio. Para ello no sólo se convirtió en el gran comitente de obras nuevas sino que realizó numerosas reformas que dieran la nueva imagen de su poder a través de la desmesura, el lujo.

 

 Tomado de http://es.mercatiditraiano.it/sede/area_archeologica/foro_di_augusto

 

Destaca especialmente su foro, construido junto al de César, en el que el punto focal era el templo de Mars Ultor (Marte Vengador), escenario en donde la familia imperial era investida con la toga y los generales recitaban sus oraciones antes del inicio de su campaña y daban las acciones de gracias al regresar de ellas (eran, por tanto, el símbolo del Imperio y su engrandecimiento)

 

Templo de Mars Ultor

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Foro_de_Augusto

A ambos lados del templo se creaban dos grandes exedras (espacios semicirculares con columnas) coronados por cariátides (tomando el modelo del Erecteion de la Acrópolis de Atenas)

 

 

 Plano del Foro de Augusto

Tomado de www.arqweb.com/vitrum/cary.asp

 

Cariátides

Tomado de www.arqweb.com/vitrum/cary.asp

 

En este espacio se creó un espacio dedicado a honrar a los generales victoriosos, con sus estatuas de bronce a las que se unía el elogium (relación escrita de sus hazañas)

 

 Reconstrucción de una exedra lateral con las estatuas de los generales en los nichos de la pared

Tomado de http://es.mercatiditraiano.it/sede/area_archeologica/foro_di_augusto

 

De una forma menos espectacular pero sumamente efectiva, fue en su tiempo cuando se comenzó a crear la gran red de calzadas que comunicaban el imperio como una forma de trasladar rápidamente las tropas y, de manera secundaria, aumentar el comercio y potenciar la romanización de los territorios. Desde él, las obras públicas son el perfecto órgano de propaganda, como bien saben nuestros políticos actuales.

 

Para saber más

http://es.wikipedia.org/wiki/Foro_de_Augusto

http://www.artehistoria.jcyl.es/ciudades/monumentos/1396.htm

http://es.mercatiditraiano.it/sede/area_archeologica/foro_di_augusto (una información muy interesante a la que acompañan fotografías y dibujos)

 

Vicente Camarasa

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08/04/2011 15:15. sdelbiombo #. Arte romano No hay comentarios. Comentar.

EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS USHEBTIS

Ushebtis es término un egipcio que podría traducirse como "los que responden".

Se trata de de pequeñas figurillas al modo de momias que se incluía en las tumbas egipcias en números muy elevados (en las tumbas faraónicas unas 356 o más, correspondientes a los días del año).

Su función era mágica: la de volver a la vida en el Mundo de Ultratumba y realizar los trabajos encargados al difunto (transportar arena, cavar acequias, irrigar campos cultivados, manejar el arado, segar...),

Para que todo el proceso se produjera era necesario recitar el ensalmo o conjuro del VI del “Libro de los Muertos


  “Fórmula para que un Ushabti ejecute los trabajos para alguien en el Más Allá”,

"¡Oh ushebti de N.! (aquí se ponía el nombre del difunto): si soy llamado, si soy designado para hacer todos los trabajos que se hacen habitualmente en el Más Allá, sabe bien que la carga te será infligida allí. Como se debe alguien a su trabajo, toma tú mi lugar en todo momento para cultivar los campos, para irrigar las riveras y para transportar la arena de Oriente a Occidente".

Ante ello, la figura tomaba la forma de una persona, respondiendo:

"Heme aquí. Iré a donde me mandes, ".

Tomado de http://www.culturegipcia.es/pagina/culturaegipcia/ushebtis/ushebtis.htm

 

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Vicente Camarasa

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11/04/2011 14:03. sdelbiombo #. Arte egipcio No hay comentarios. Comentar.

LA BASÍLICA DE LA VIRGEN DE LOS DESAMPARADOS. VALENCIA. LA CÚPULA DE PALOMINO

 Aunque el barroco no fue un estilo especialmente cultivado en todo el Reino de Aragón, en Valencia encontramos dos grandes muestras del mismo, una de las portadas de la Catedral (debida a Conrado Rudolf) y esta basílica de los Desamparados.

Sus trazas exteriores son sumamente sobrias, tanto en lo decorativo como en lo estructural, un gran rectágulo coronado por una linterna.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_la_Virgen_de_los_Desamparados

 

Sin embargo, todo esto desaparece al interior, con una espectacular planta elíptica con eje contrario a la entrada (al modo de San Andrés de Bernini en Roma), los frescos y el camarín, una máquina típica del barroco maduro, íntimamente relacionada con lo teatral, al poder moverse la figura en él o visitarla en soledad.

 

Tomado de http://www.jdiezarnal.com/valenciabasilica.html

 

 Las típicas balconadas de la arquitectura palaciega que inundan los interiores, ya utilizadas por Gómez de Mora en las Bernardas en la típica confusión barroca interior-exterior y la conversión de la iglesia en un escenario del milagro (Checa Cremades), que se potenciará con la visión de los frescos superiores

 El Camarín desde la Iglesia con la Mare de Deu.

Vista desde el interior del Camarín

 

Sin embargo, la obra magna del monumento es la gran cúpula pintada al fresco por Palomino en el cambio de siglo, 1701-1702 (anteriormente había trabajado en el inmenso fresco de los Santos Juanes, actualmente desaparecido).

 

 

Basada en una composición de anillos concéntricos que genera una fuerte perspectiva (como ya hiciera Lanfranco y antes Correggio), con influencias de Rizzi en las arquitecturas fingidas y, por supuesto, de Lucas Jordan, su maestro en la técnica del fresco que en España había tenido una existencia bastante discontinua en gran medida realizada por autores italianos (desde los que trabajan en el Escorial con Zuccaro a la cabeza,  los trabajos de Colonna y Mitelli en San Antonio de los portugueses, los de Valdés Leal en Los venerables de Sevilla, los de Claudio Coello en la Casa de la Panadería de la Plaza Mayor, los de Lucas Jordán para el Salón de Baile del Buen Retiro…)

 

 

La obra culmina así una decoración puramente italiana que aún es más barroca que Rococó, con una complejísima iconografía basada en Ripa.

 

Nos encontramos así con un autor de enorme erudición (escribió uno de los primeros tratados españoles, su afamado Museo Pictórico) y buen conocimiento de la técnica que, en el fondo, podemos considerar como una culminación de nuestro barroco del Siglo de Oro, pues rápidamente las modas francesas se introducirán en España o las de Tiépolo en el campo del fresco.

 

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Para saber más

http://www.jdiezarnal.com/valenciabasilica.html (Magnífica por sus explicaciones y galería de fotos)

http://www.centroelba.es/source/Documentos/palomino-final.pdf (Un amplísimo estudio sobre la obra de Palomino)

 

Imágenes y Texto

Vicente Camarasa  

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25/04/2011 10:05. sdelbiombo #. Barroco español XVII No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (8). Sobre política en el Guernica.

Precisamente hoy que se cumplen 75 años del bombardeo de Guernica finalizamos las primera tanda de post que en este último es hemos dedicado al Guernica

Todos ellos se pueden consultar aquí

 AQUÍ PUEDES ENCONTRAR TODO LO PUBLICADO DEL GUERNICA EN ESTE BLOG

Tomado de http://aprendedivirtiendote.blogspot.com/2008/11/el-guernica.html

Aunque aún no pertenecía al Partido Comunista, Picasso ya estaba comenzando una clara tendencia política (de la que había carecido hasta entonces) en torno a finales de los años 20, en gran parte influenciado por el pensamiento de izquierdas de personalidades relacionadas con el Surrealismo.

Por ello, suele sorprender que el cuadro apenas si tenga alusiones al franquismo, tan sólo el puño levantado en su centro en una de sus primeras versiones o, de ser cierto, el toro identificado con Franco, siendo el único personaje que no sufre en todo el cuadro y al que dirigen su mirada el resto de las figuras.

 

 

Ya hemos explicado que su interés era salirse del hecho particular para plasmar un grito contra la Guerra, aunque su trasfondo político era evidente tanto en los hechos (el Guernica fue creado para el Pabellón de la República, viajando luego por medio mundo para sacar fondos para ella) como en el ideario colectivo (en muchas casas españolas el Guernica, sus reproducciones, se convirtió en un verdadero icono antifascista).

 

La verdadera crítica política la tenemos que encontrar en algunas obras coetáneas al Guernica que en la actualidad se exponen en el reina Sofía. Se trata de dos grabados (también para su venta a favor de la república) titulados Sueño y Mentira de Franco en los que, a manera de cómic, Picasso retrató toda una forma de pensar que duraría casi 40 años (la unión, contra natura, de las alambradas de la guerra y la Iglesia, la sexualización grotesca del mundo, la destrucción de la cultura, el culto a la violencia, el floclorismo tantas veces explotado o el simple ridículo que es atacar al sol subido en un cerdo.

 

Verdaderamente no tienen desperdicio y nos hablan de un Picasso mucho más intelectual que sabe radiografiar a través de la caricatura todas las nuevas formas de vida que estaban debajo de la España Nacional

 


 

 AQUÍ PUEDES ENCONTRAR TODO LO PUBLICADO DEL GUERNICA EN ESTE BLOG

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Vicente Camarasa

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26/04/2011 14:52. sdelbiombo #. Picasso Hay 1 comentario.

LA IGLESIA DE LA FORTALEZA DE CALATRAVA LA NUEVA

 

En un paisaje mágico que tanta historia guarda entre sus viñedos, sus olivos y su trigo, se yergue magnífica la Fortaleza de Calatrava la Nueva a la que JV le ha dedicado hace poco tiempo un magnífico post que sería muy recomendable acceder antes de ingresar en la iglesia, pues gracias a él se podrían comprender mejor algunas de sus características

EL RESTO DEL ARTÍCULO, YA REVISADO, SE ENCUENTRA LOJADO EN NUESTRO NUEVO BLOG DE ARTE Y VIAJES

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PEQUEÑAS LECCIONES PARA ENTENDER A LISIPO

 Lisipo pasa por ser el último gran escultor clásico y el primero helenista, un verdadero gozne en el arte clásico griego que retoma a Policleto a vez que lo niega.

Nacido en Sidón (Peloponeso) hacia el año 390 a C., su larguísma vida (90 años?) y obra será fundamental para la escultura posterior. Y lo será en varios aspectos

Por una parte copiará a Doríforo en su canon pero lo negará al cambiarlo, y de las siete cabezas pasará a las 8.

Esto podría tener un claro efecto, el alargamiento de las figuras al modo de Praxíteles, pero la situación será la contraria, pues sus esculturas sufrirán un engrosamiento generalizado de los músculos (o un empequeñecimiento de su cabeza) que tanto fascinará a Miguel Ángel.

Aparecerán así cuerpos que están adelantando algunos de los rasgos del helenismo (como el Laocoonte o los relieves de la Gigantomaquia), como podéis ver en esta copia romana (Glykio) de su famoso Hércules Farnese en Nápoles en el que la pesantez de los músculos se acentúa por la posición inestable en diagonal

Algo menos evidente (pero también comprobable) es la desproporción entre cabeza y cuerpo del Ares Ludovisi de Roma

Un segundo rasgos que caracterizará a Lisipo será su búsqueda de la expresión. De nuevo enfrentado a su maestro en la distancia (Policleto), sus esculturas estarán en este punto más cercanas a Praxíteles (por esa melancolía y cansancio tan típicos) a las que dota de rasgos de cotidianeidad y naturalismo (el pelo revuelto, el gusto por los pequeños detalles en manos y pies…)

 

 

y otros de un realismo nunca visto en el mundo griego

No es extraño que, con estas condiciones, Lisipo fuera uno de los artistas preferidos por Alejandro Magno, como ya analizamos hace un tiempo.

 Esta capacidad de humanización de las figuras se potencia enormemente por el lenguaje corporal. Normalmente Lisipo elegirá el momento menos heroico de las historia de sus figuras, el momento del cansancio, del reposo.

De esta manera el cansancio, un cierto hastía que vemos en los rostros, se acentúa enormemente por las posturas de figuras que más que posar, son sorprendidas en el desánimo, una vez sucedido todo.


Rompe así el mundo ideal praxiteliano o el phatos de Skopas para ingresarnos en un mundo radicalmente distinto donde la idealización y la belleza ceden ante el día a día. Héroes cansados, perdidos, como los mismos griegos que ya conocen lo que es la derrota de toda una cultura (Toda una lección de estoicismo que tanto fascinaba a los romanos)

 

 Pero si algo fue revolucionario Lisipo fue en su ruptura del plano frontal del clasicismo (respetado incluso por Praxíteles o Scopas) para ingresar las esculturas en un espacio propio, generado por ellas mismas.

De esta manera, la visión frontal de toda la escultura es interrumpida por ella misma, hurtándonos partes de ellas (al esconderlas tras la espalda, como el Hércules) o proyectándolas hacia el espectador en fuertes escorzos


Esto obligará al movimiento del espectador ante la figura, acción cenestésica típica de lo barroco que genera el propio espacio de la escultura

 

Todas estas pequeñas lecciones sobre Lisipo se pueden resumir en lo que muchos consideran su obra cumbre, el Apoxiomeno, atleta que se limpia con su strigilis el polvo tras la competición

 

 

 Vicente Camarasa

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29/04/2011 17:37. sdelbiombo #. Arte griego Hay 2 comentarios.


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