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Se muestran los artículos pertenecientes a Enero de 2011.

EL MOSAICO DE LA BATALLA DE ISSOS. POMPEYA (1). ALGUNAS IDEAS PREVIAS

Creo que es ya tiempo de analizar algunas obras que han marcado mi nueva vida (JV y otros tantos seguro que lo entenderán), y qué mejor que empezar por el fascinante mosaico del la Batalla de Issos de Pompeya.

En este primer post me dedicaré a situarnos en el ambiente para el que fue creado.

 

 

Como todos los mosaicos romanos fue concebido como pavimento que adornaría el triclinium que se abría ante el gran peristilo de la llamada casa del fauno.

 

 

Esta gran villa pompeyana (2.970 metros cuadrados) se abría a una de las calles principales de la ciudad. Edificada a principios del siglo II a C, su gran puerta de entrada ya nos saluda con un curioso HAVE.

 

 

 

Si ingresamos en ella nos encontraremos un atrio al que sigue un gran jardín en cuyo fondo una serie de columnas marcan el triclinium en cuyo suelo se ha colocado una réplica en 2003 (el original se encuentra en el espléndido Museo Arqueológico de Nápoles)

 

 

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Vicente Camarasa

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02/01/2011 20:43. sdelbiombo #. Arte romano Hay 2 comentarios.

ANDREA DEL CASTAGNO. EL CENÁCULO DE SANTA APOLONIA

JV en su blog ha colgado un interesante artículo sobre una de las obras claves del primer Quattrocento.

Se trata del Cenáculo de Santa Apolonia en Florencia en el que Andrea del Castagno llegó a la maestría de su arte.

Con espléndidas fotos (ampliables) analiza algunos de los rasgos de este pintor que, junto a Masaccio y Ucello, representa la vanguardia artística más radical de la primera mitad del Quattrocento. En ella priman los valores más experimentales (sobre luz, perspectiva, organización...) frente a las formas más tradicionales, goticistas y sentimentales de los fra Angélico o Lippi.

Con las imágenes que incluye podréis ver su característico dibujo (nervioso y rotundo) y sus colores, un tanto agresivos para lo que solemos pensar para el renacimiento

Para entrar PINCHAD AQUÍ

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03/01/2011 18:07. sdelbiombo #. RENACIMIENTO en ITALIA No hay comentarios. Comentar.

EL MOSAICO DE LA BATALLA DE ISSOS. POMPEYA (2). TEMA Y FUENTES

 El mosaico representa la famosa batalla de Issos (333 a. C) en la que Alejandro trataba de llegar a Darío para capturarle o asesinarle.

Esta batalla forma parte de las campañas de Alejandro que, una vez dominada Grecia, se lanza hacia la conquista de Asia. Ya en Siria se enfrentará al poder persa de Darío en tres ocasiones: primero en Granico (334 A C), en Issos y más tarde en Gaugamela en 331 a C.

Durante el combate se sucedieron varias alternativas en las que brilló la estrategia bélica del macedonio que consiguió romper una de las alas del ejército persa para luego cargar por el centro.

Éste es el momento que plasma la obra, la llegada de Alejandro sobre su caballo Bucéfalo y la huida precipitada de Darío que gira rápidamente su carro para no ser apresado. El verdadero momento de gloria que nos pone, frente a frente, a los dos grandes protagonistas.

 

Alejandro Magno sobre Bucéfalo

 

La genialidad del autor es ésta, jugar el doble juego de representar a los dos personajes centrales (como si de un duelo personal se tratara) sin desatender el fragor de la batalla que se desarrolla en trono suyo, especialmente desarrollado por medio de los caballos y sus distintos movimientos.

 

Darío en su huida sobre el carro

 

De esta manera nos habla del horror de la guerra la vez de su épica. De su inmenso caos que se paraliza por un instante en los dos rostros para hablarnos del ímpetu de Alejandro y del miedo de Darío. Dos espléndidos retratos psicológicos que, sin necesitar de explicitarlo, ya le explican al espectador del futuro desenlace de la batalla.

 

Detalle del peto de Alejandro con la cabeza de la Medusa

 

Otro tema muy controvertido es el origen del tema. Tradicionalmente se viene sosteniendo que se trata (como era muy habitual) de una copia de una pintura helenística (Tal vez Apeles, el gran retratista de Alejandro, o de Filomeno de Eritrea, según menciona Plinio del Viejo).

Otros, sin embargo, hablan de un mosaico realizado en talleres helenísticos.

Por último, una nueva línea de investigación se ocupa del comitente, muy probablemente de origen helenístico y del que algunos autores piensan que se encontraba emparentado (muy lejanamente) con Alejandro que se utiliza con un verdadero emblema de la familia

Para saber más sobre la iconografía de Alejandro Magno puedes consultar este artículo del blog

 

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Vicente Camarasa

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04/01/2011 08:18. sdelbiombo #. Arte romano No hay comentarios. Comentar.

ARTEMISIA GENTILESCHI. LA PINTURA HECHA MUJER

Tomada de http://once-upon-a-midnight-dreary2.blogspot.com/2010/06/artemisa-gentileschi.html

 

Ésta alegoría de la pintura es Artemisia Gentileschi, un mujer pintora del siglo XVII, hija de otro pintor, Oracio. Una rara avis en una profesión tan masculina como era el arte, en donde las mujeres sólo eran modelos o, en escasas ocasiones, ricas poetisas o pintoras aficionadas para sus ratos de ocio. Una Roldana italiana

Ante ella, ¿cómo deberíamos plantear su análisis? ¿Como artista o como pintora?

Mejor como una mujer y excelente pintora

Como artista su estilo es claro. Siguiendo a su padre en sus obras hay un mestizaje entre lo caravaggiesco y la pintura clasicista de los Carracci. Algo bastante común hacia la segunda mitad de siglo en Italia, como podemos ver en Reni, Maíno o el propio Ribera.

Caravaggista en sus efectos de luz dirigida y dramática, sus escorzos, el naturalismo terrible de alguno de sus detalles. Clasicista en su forma de componer, en la idealización de los rostros, en sus colorismo romano jugoso y de paleta amplia.

Todos estos rasgos son perfectamente visibles en una de sus obras más famosas que utilizaremos para hablar de la mujer pintora.

 

Judit y Holofernes

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Se trata de Judit y Holofernes o,  como tradicionalmente se cree, una forma de sublimar su propia vida. Pues, como es conocido, Artemisia fue violada por un colaborador de su padre y, lo que era aún peor en la época, sometida a un juicio público por el hecho, siendo torturada y humillada públicamente.

Tomado de http://www.shafe.co.uk/art/Artemisia_Gentileschi-_Judith_Decapitating_Holofernes-_c-_1618.asp

Bajo esta información el cuadro cambia de interpretación ¿no creeis? Algo parecido a lo que se ha intentado sobre Caravaggio, uniendo temas y vida.

De la misma forma cabría entonces interpretar otras versiones del mismo tema

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

U otro de sus temas repetidos, como Susana y los viejos, un verdadero ensayo sobre la humillación a la que puede ser sometida la mujer

 

Tomada de http://once-upon-a-midnight-dreary2.blogspot.com/2010/06/artemisa-gentileschi.html

 

Susana y los viejos

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Sin embargo, este análisis, que creo cierto, me parece un tanto reducido. Una artista de este tamaño va más allá de una cuestión concreta, y yo cada vez valoro más su arte por un tema más amplio. La capacidad que tiene para profundizar en el alma femenina.

 

Cleopatra

Tomada de http://once-upon-a-midnight-dreary2.blogspot.com/2010/06/artemisa-gentileschi.html

 

En sus cuadros la mujer es omnipresente, pero desde un punto de vista nuevo. No está cosificada, como es habitual. No es la imagen de la mujer masculinizada en donde (en numerosas ocasiones) sólo se convierte en un emblema de lo sensual.

 

Lucrecia

Tomada de http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Por el contrario, las mujeres de Artemisia son, ante todo, personas. Personas sexuadas pero no limitadas al sexo. Peronas que sienten, piensan, reaccionan… viven con una intensidad que es difícil ver en otros clasicistas como Reni o Lanfranco.

 

Danae

Tomado de http://figurationfeminine.blogspot.com/2008/04/caterina-van-hemessen-artemisia.html

En ellas hay mucho de invencione, de utilización del tema para comentar el mundo y los sentimientos desde una sensibilidad femenina.

Y es esta cuestión la que más me ha fascinado de un libro leído recientemente.

Susan Vreeland  La pasión de Artemisia, Ediciones B

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE EL BARROCO

 

Para saber más

http://uncajonrevuelto.arte-redes.com/?p=434

http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

 

Vicente Camarasa

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06/01/2011 10:04. sdelbiombo #. BARROCO Hay 1 comentario.

EL MOSAICO DE LA BATALLA DE ISSOS. POMPEYA (3). La técnica y la composición

 

Como es sabido, los mosaicos se realizan a través de pequeñas piedras cortadas denominadas teselas. Sin embargo, el tamaño de las mismas puede variar, hablándose de dos técnicas fundamentales. El opus teselatum (el más habitual) utiliza teselas de mayores dimensiones, todas normalmente cuadradas.

Por el contrario el opus vermiculatum (el utilizado en esta obra) es más escaso pues se trata de una técnica mucho más refinada y lenta de realizar. Las teselas adoptan formas distintas para adaptarse a los motivos figurativos, siendo muchísimo más pequeñas. De esta forma la imagen se convierte en un auténtico puzzle.

 


 

En cuanto a la composición ésta es verdaderamente genial.

En un principio podemos dividirla de forma horizontal en dos grandes zonas que corresponden a cada ejército. Mientras la izquierda (Alejandro) avanza, la derecha retrocede (Darío) creándose así una clara dirección de lectura de izquierda a derecha (la habitual en el mundo occidental, que lee en la misma dirección) que da un sentido narrativo y dinámico  a todo el conjunto.

Sin embargo todo no es tan sencillo, y si miramos con más atención podremos ver cómo existen otros movimientos asociados (e incluso contrarios) a éste más general, como las lanzas o el cuerpo del propio Darío que se dirigen hacia la izquierda, conteniendo el movimiento general y reenviándonos a la figura de Alejandro, el gran protagonista. Conseguimos así movimiento a la vez que subrayamos a los dos personajes, creando un bucle central que hipnotiza al espectador, expulsado hacia la derecha por el galope y mirada de Alejandro, y devuelto a la izquierda por las lanzas y el gesto de Darío. (Y entre ellos, la furia de la batalla, lo más siniestro de la guerra)

Por otra parte (y de nuevo para recalcar a ambos personajes) nos podemos fijar que ambos se encuentran en las secciones aúreas, como tan bien me enseñó a ver Ana, remarcados  Alejandro por el único árbol del mosaico y su hito más vertical. De la misma forma, Darío se encuentra resaltado por el gran caballo en escorzo y su posición más elevada en la escena

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Vicente Camarasa

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08/01/2011 09:08. sdelbiombo #. Arte romano No hay comentarios. Comentar.

CÉLESTE BOURSIER-MOUGENOT. PÁJAROS MÚSICOS Y ALGO MÁS

Tomado de http://toobea.blogspot.com/2010_05_01_archive.html

Aprovechando estos últimos días de navidades he ido a ver la exposición on&on de la Casa Encendida. Una exposición sobre arte efímero en la que las piezas terminaban con la misma (como una magnífica instalación hecha con chocolate, u otra con la cera de unas velas, o la que produce el Moho que crece sobre una sala de reuniones)

Sin embargo, y con mucho, la que más me ha fascinado es esta pieza de CÉLESTE BOURSIER-MOUGENOT. (Pinchad en el nombre para ver el vídeo)

Poco hay que decir de ella tras ver el vídeo de una pieza similar que se expuso en Londres. Sólo que la música accidental de los pájaros que atraía en un primer momento terminaba por pasar a un segundo plano cuando pasaban los minutos y te sentías rodeados de esos pajarillos y sus diminutos quehaceres.

Era una delicia verles hacer sus nidos encima de las guitarras eléctricas, sus pequeñas ciutas, su revoloteo constante.

Y era curioso, todos los que estábamos en aquella instalación, sonreíamos suavemente. Interesante, ¿verdad?

Si alguno quiere sentir la experiencia (muy recomendable) aún está hasta el 16 de enero.

 Vicente Camarasa

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09/01/2011 09:05. sdelbiombo #. Desde los 80 a hoy. Postmodernidad No hay comentarios. Comentar.

TAMARA DE LEMPICKA. LA BARONESA DEL PINCEL

Tomado de http://www.edym.com/gallery/academia/art_mu/lempicka.htm

Hace unos días descubrí, por casualidad, a  una curiosa dama a la que, no en vano, algunos de sus contemporáneos denominaban “la baronesa del pincel”. Su forma de entender el arte y sus pinturas son el reflejo más exacto de lo que pensaban de ella sus coetáneos y de la imagen que se forjó de sí misma: la de una mujer libre, transgresora y ambigua como ninguna durante el siglo XX, sin ataduras morales y a la cual asustaba de antemano cualquier tipo de compromiso.

Tomado de http://eddo-eduardo.blogspot.com/2010/06/tamara-de-lempicka.html

No resulta extraño, por tanto, que en toda su obra los desnudos femeninos se mezclen con lo puramente masculino, contraponiéndose en ocasiones para generar, de esta manera, una ambigüedad sexual muy constante en la mayoría de sus modelos (presente a lo largo de todos sus trabajos).

Con esa personalidad tan arrolladora que se deja entrever, para la considerada como un icono del art déco del siglo XX, sus cuadros no son más que una prolongación de su peculiar carácter y forma de ser.

Tomado de http://lanadainvisible.blogspot.com/2009_12_01_archive.html

Representa a sus amantes, a la mujer moderna y su incipiente emancipación así como el concepto de máquina sometida al hombre. Esto último y, sobre todo, su famosa obra “Autorretrato” me hace evocar (aunque con algunas variaciones) al movimiento futurista nacido en Italia de la mano de Marinetti y para el cual “un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”.


Tomado de http://www.edym.com/gallery/academia/art_mu/lempicka.htm

Un intento por desmarcarse de la tradición y, al mismo tiempo, en el caso de Tamara, ensalzar el valor de la máquina y la independencia de la mujer a través de la velocidad y la geometría: “no se puede tener libertad sin disciplina”.

 

Retazos de la pintura de cubistas franceses (tales como Picasso o Braque), grandes del Renacimiento como Miguel Ángel e incluso  holandeses como Vermeer confluyen para dar sentido a una pintura propia en la cual predominan los colores vivos como resultado de la pintura al óleo y los desnudos representados a través de líneas curvas y sinuosas que proyectan cuerpos ciertamente robustos y con un canon hercúleo (reminiscencia de Miguel Ángel) y que resultan, en su aspecto visual (al menos para mí), similares en cierto sentido a los personajes pintados más tarde por el artista colombiano Fernando Botero.

Tomada de http://chiquisamarkanda.blogspot.com/2008/11/tamara-de-lempickala-gran-olvidada.html

Tomado de http://perspectivanewski.blogspot.com/2010/02/tamara-de-lempicka.html

Como se puede observar, en todos sus desnudos exagera los contornos de ciertas partes del cuerpo (tales como pechos, vientre, caderas y muslos)  en lo que, a mi juicio, supone un guiño a las venus paleolíticas prehistóricas, en un afán por resaltar el lado más erótico y sensual de sus modelos. Estos últimos pertenecientes siempre al círculo social de los más poderosos y adinerados de la sociedad por cuyos cuerpos de piel nívea, “redondeados” y rebosantes de vida, parece no pasar el tiempo.

Este hecho contrasta fuertemente con la manera de reflejar la mirada en sus rostros. Una mirada que parece perdida en algún lugar y gracias a la cual sus personajes alcanzan la intemporalidad, distancia con respecto al espectador y frialdad que caracterizan a la autora.

Tomado de http://noelbennetto.blogspot.com

De esta manera, se refuerza la concepción elitista que Tamara tenía del arte en general y de sus pinturas en particular. Hecho derivado en parte de su nacimiento en el seno de una familia acomodada (status que pretenderá mantener durante toda su vida) y de un no disimulado materialismo por su parte que no hace sino acrecentarse en ese círculo tan cerrado e hipócrita conformado por los más pudientes y granados de la sociedad y en el cual gustaba siempre de hacerse notar.

Así, haciendo gala de esa personalidad tan compleja (mitad excéntrica mitad elegante) que no dejaba indiferente a nadie, ella misma otorgaba al dinero el poder para definir el valor artístico a la vez que afirmaba rotundamente: “el arte no es para los pobres”.

Tomado de http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2009/09/11/_-01996877.htm

En definitiva, una mujer que encontró en los excesos (de drogas y alcohol entre otros) su forma de vida y en la cual sólo existían los hombres y mujeres (encargados de satisfacer sus deseos sexuales) y la riqueza material, quedando relegados a un segundo plano la responsabilidad y la sensibilidad para con los demás.

Es aquí más que nunca donde el famoso tópico “Carpe Diem” cobra todo su significado.

 

Mar San Segundo

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10/01/2011 15:15. sdelbiombo #. SIGLO XX hasta Segunda Guerra Mundial No hay comentarios. Comentar.

UNA SETTIMANA A NAPOLI (SECONDA PARTE)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Puedes ver la primera parte aquí , aquí la tercera y aquí la cuarta

 

Vicente Camarasa

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12/01/2011 15:03. sdelbiombo #. VIAJES No hay comentarios. Comentar.

EL MOSAICO DE LA BATALLA DE ISSOS. POMPEYA (4). El tratamiento del espacio

Hay  tres cuestiones técnicas que siempre me han fascinado de este mosaico.

La primera es el increíble desarrollo del espacio que podría haberse convertido en un verdadero problema (excesivo espacio podía hacer que el espectador se perdiera y se limitara el carácter narrativo y, con ello, la idea que se pretendía transmitir).


Para evitar esto el autor jugó, de nuevo, un doble juego. Si en la parte inferior desarrolló el espacio de varias maneras), la superior (el plano de los dos grandes personajes) se estructura de una forma casi plana (como una especie de friso corrido) en donde no existe profundidad y las figuras se recortan nítidamente sobre el fondo monócromo)

Toda esta situación cambia en la parte inferior con unos recursos espectaculares. Fijémosnos en algunos de ellos.

En la parte más baja se crea un primer plano (el más cercano al espectador) por medio de las lanzas rotas de los combatientes


 Sobre él llegamos a los caballos en escorzo (se introducen hacia el interior o se lanzan hacia fuera como el herido).

 

 

 

Una técnica compleja y sofisticada que nos habla de la calidad que llegó a tener la pintura griega y que Europa necesitó (desde la caída de roma) casi mil años en redescubrir (en pleno renacimiento, hasta la batalla de San Romano de Ucello o el Cristo de Mantenga no volveremos a encontrar algo parecido)

Batalla de San Romano. Uccello

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Batalla_de_San_Romano

A todo ello se une un espectacular tratamiento del claroscuro que genera volúmenes

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Vicente Camarasa

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16/01/2011 19:55. sdelbiombo #. Arte romano Hay 1 comentario.

ZURBARÁN (2). SUS CORTEJOS DE SANTAS

Ya analizamos hace un tiempo las principales características de la obra de Zurbarán, pero aún nos quedan temas pendientes, entre ellos el de sus maravillosas santas andariegas.

No se trata de un tema demasiado habitual en nuestro barroco y esto ha dado pie a distintas hipótesis sobre su significado.


Fue Orozco (y más tarde siguió este hilo Gállego) el que le dio una primera significación: retratos a lo divino, mujeres del siglo pintadas con los atributos de santas (y mártires). A través de esta fórmula se permitía el retrato real, la fuerte intensidad mística y un riquísimo vestuario.

Este idea nos puede parecer casi herética en nuestros días, pero hemos de entender dentro del clima contrarreformista español de intensa religiosidad que no entra, sin embargo, en colisión con otro de los preceptos del barroco, la pura vanidad. (Mucho de esto aún es perceptible en la Andalucía más barroca y que llama tanto la atención de los visitantes, me refiero a la idea de vestir a las vírgenes como si de mujeres reales se tratara, con un poso de belleza terrenal que forma parte imprescindible de su representación divina, con categorías permeables)

Divina Pastora. Triana

Por su parte, y sin negar por completo la hipótesis anterior para algún ejemplo concreto, Pérez Sanchez habla de una función muy distinta. La propia actitud de marcha, se colocarían en los muros de las naves de los templos (o salas capitulares) como una procesión celestial hacia el altar, como ya ocurriría desde tiempos bizantinos (San Apolinar en Ravena). Pone como ejemplo el conjunto (de taller) de Santa Clara de Carmona.


En ambos casos se considera que estas representaciones podían estar inspiradas directamente en el arte efímero (cosa bastante habitual en el mundo barroco): las mujeres ataviadas como santas y mártires que participaban en procesiones religiosas.


Para saber más

http://aprendersociales.blogspot.com/2007/03/zurbarn-el-pintor-mstico.html (Con magnífica colección de fotos)

http://lineaserpentinata.blogspot.com/2010/05/santas-de-zurbaran.html (Con explicación de la hipótesis de Orozco y explicación iconográfica de algunos ejemplos)

 

Vicente Camarasa

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UNA SETTIMANA A NAPOLI (TERZA PARTE)

 

 

 

 


Puedes ver la primera parte aquí

Ya puedes ver la segunda parte aquí y aquí la cuarta

Vicente Camarasa

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19/01/2011 15:26. sdelbiombo #. VIAJES No hay comentarios. Comentar.

MIGUEL ÁNGEL. EL MOISÉS COMENTADO

 El Moisés, fragmento de la inacabada tumba de Julio II por Miguel Ángel, actualmente (sexto proyecto) en la iglesia de San Pietro in Vincoli, Roma. Hacia 1513.

Tema. La escultura que estudiamos perteneció a un gigantesco proyecto de tumba para uno de los principales mecenas de Miguel Ángel, el papa Julio II, el cual también le encargaría la bóveda de la Capilla Sixtina. Sin embargo, y acuciado por los encargos de todo tipo, el artista nunca llegó a consumar el proyecto, siendo en numerosas ocasiones emplazado a ello por los herederos del Papa. Este proyecto sufrió seis transformaciones hasta llegar a la que ahora se encuentra expuesta. De ella sobresale esta escultura, las de Lía y Raquel, así como varios Esclavos sin terminar que se muestran, desperdigados, en varios museos.

Por las trazas conservadas, el monumento sería un templete dividido en varios pisos, estando el Moisés situado en el segundo de ellos, en una de las esquinas, haciendo pareja con San Pablo y otras dos figuras.

 

Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2008/02/el-moiss-de-miguel-ngel.html

Como muy bien me apuntan en un comentario de MMM (muchas gracias) ,el diseño original era el de un mausoleo exento, no con estructura de retablo como el que presentas sino piramidal, de tres pisos de altura y con mas de cuarenta esculturas.
Este diseño original sufrió, al menos, seis modificaciones en el tiempo, siendo éste uno de los últimos. El primero bien pudo ser éste


Tomado de hispanismo.org

La estatua en concreto representa al gran patriarca judío que liberó a su pueblo de la esclavitud a la que le tenían sometidos los egipcios, conduciéndoles hasta la tierra prometida. Miguel Ángel nos lo muestra con las tablas de la Ley que le ofreciera Yavé en su retiro en el Monte Sinaí, mirando fijamente hacia su pueblo que, aprovechando su ausencia, comenzaron a adorar al Becerro de Oro. En su figura, según algunos autores, se podrían advertir los símbolos de los elementos de la Naturaleza, como las barbas, el agua o el cabello, el fuego.

El material empleado es el mármol de las canteras de Carrara, como es habitual en el escultor, educado en las ideas clasicistas. En él hizo toda su obra, desdeñando otros tradicionales en Italia, como sería el bronce. Tal preferencia habría que atribuirla a la propia concepción que tenía Miguel Ángel de la escultura, pensando en la figura como si ésta estuviera realizada en el interior del bloque, siendo la tarea del artista descubrirla de su prisión de piedra, como demuestran perfectamente los propios Esclavos apenas esbozados que, como ya se dijo, eran parte de la obra total que analizamos. Su obra funcionaría, por tanto, por reducción, al contrario que el bronce que actúa por adición.

La composición muestra la típica concepción cerrada del artista que sólo sale de sí misma a través de la mirada. Los brazos y piernas, siguiendo tradiciones clásicas, se componen en contrapposto, adelantando una pierna mientras el brazo del mismo lado se retrae (lado izquierdo) y haciendo lo contrario en la parte derecha (pierna atrasada con brazo adelantado). La cabeza se gira hacia la derecha, contraponiéndose al movimiento general hacia la derecha que tiene el resto del cuerpo. Por lo demás, toda la figura se enmarca en un triángulo isósceles con un claro eje vertical generado por la cabeza, barba y pliegue central entre las piernas.

 

 

El tratamiento de la anatomía y los ropajes encierra una profunda importancia. En lo que se refiere al cuerpo humano, comienzan a hacerse patentes las desproporciones que se pueden descubrir entre piernas, brazos y cabeza, aunque no hay que olvidar que la escultura estaba pensada para verse a varios metros de altura, siendo parte de estas desproporciones las tradicionales correcciones ópticas que eran ampliamente utilizadas por los artistas de la época. De todas formas, lo que sí es evidente su preferencia por los modelos hercúleos, tal y como ya había hecho en el techo de la Sixtina, buscando formas poderosas en lo físico en las que poder luego incluir una potencia espiritual de fuertes estados anímicos. Su origen habría que rastrearlo en el profundo impacto que le provocaron en el principio de su carrera las esculturas poderosas de Jacopo della Quercia, y que más tardíamente, le reafirmó el grupo helenístico del Laoconte.

Los pliegues refuerzan esta sensación de poder, especialmente en los que recubren y subrayan la parte de las piernas (véase la pierna izquierda y los plegados duros que se amontonan sobre la rodilla).

Muy unido a lo anterior, Miguel Ángel se muestra muy interesado por la expresividad de la figura, que concentra en la mirada intensa. A través de ciertos artificios técnicos (iris remarcado, hundimiento de las pupilas bajo unas cejas prominentes para crear claroscuro), busca en ella la culminación emocional de toda la figura. Esta tensión interior, demostrada en la musculatura poderosa, los duros y remarcados plegados o las ondulaciones de la barba cogida (más bien valdría decir, estirada) por la mano retrasada, se proyecta hacia el espectador en la concentración de la mirada que observa, iracunda, a su pueblo adorando a un falso ídolo. Es la famosa terribilitá miguelangelesca que el autor utiliza para cargar a sus figuras de emociones intensas, colocándolas en el instante previo a la acción, tal y como ya había realizado en su David que se concentra ante Goliat a la espera del momento supremo.

Todo lo dicho se acompaña con una extraordinaria técnica de trabajo y pulimento del material visible en las texturas que consigue en los distintos paños (véase la diferencia de tratamiento de los más ligeros y sutiles que cubren el pecho con los duros y quebrados de las piernas) y culmina en el brazo adelantado. En él podemos ver sus venas y tendones como si se tratara de un estudio anatómico de carácter científico que Miguel Ángel había estudiado en sus clandestinas disecciones en los hospitales de Florencia.

Comentario.

Nos encontramos con una de las obras claves del artista que ya tiene en germen gran parte de su evolución posterior.

Por una parte, la escultura demuestra la progresiva importancia que irá concediendo Miguel Ángel a la expresividad de las figuras, aunque ello sea en detrimento de la belleza ideal. Estamos pasando del clasicismo que puede ofrecernos la Virgen de Brujas o la Pietá del Vaticano, en donde forma y expresión se equilibraban, a una mayor necesidad de expresión que será la línea a seguir en las siguientes obras, culminando en las últimas Piedades (Catedral de Florencia o Rondanini). En todo este proceso la idea de belleza ideal, tan cara al Cinquecento, irá poco a poco cediendo, eliminándose a favor del sentimiento y la angustia que acompañarán la madurez y la vejez del artista, abriendo la puerta a la concepción anticlásica (por lo que tiene de extremada y parcial) del Manierismo.

Pietá del Vaticano

En toda esta evolución no podemos olvidar la influencia que tuvieron dos manifestaciones artísticas anteriores. Por una parte, el ejemplo de Donatello y su sentimiento trágico que a veces aflora en sus esculturas, produciendo fuertes involuciones hacia la estética gótica (Habacuc o María Magdalena, ambas de fuerte expresividad y tendencia al feísmo frente a la belleza clásica de su David). Por otra, la escultura helenística, concretamente el Laocoonte, descubierto en las fechas de realización del Moisés, que, más que descubrirle nada, le reafirmó al artista en su idea del arte como sentimiento y tensión, al contrario de otros momentos del clasicismo (Fidias, Polícleto o incluso Praxíteles) utilizados en el Quattrocento por su búsqueda del equilibrio y la armonía en la representación del ser humano.

Laocoonte. Periodo helenístico del arte griego. Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Laocoonte

Pues para Miguel Ángel, y tras una primera etapa juvenil basada en el neoplatonismo y la idea de la belleza como máximo humano, la vida es tragedia, lucha, dudas como las que él mismo fue teniendo sobre todo, hasta de la propia religión. Era el reverso contrario del mundo perfecto que se quiso crear durante el Cinquecento, un mundo hostil en donde las crisis de todo tipo (la religiosa de la Reforma de Lutero, la política del Saco de Roma, la puramente personal que poco o poco le irá sumiendo en la amargura), no permiten la belleza, la hacen inútil y casi diríamos que falsa, quedándole al artista la única salida de la expresión de su propia angustia que el Moisés inicia y obras posteriores irán haciendo cada vez más patentes con su uso del non finito o con la deformación de la anatomía.

Por el momento, como ya se dijo en el análisis, este desequilibrio a favor de lo expresivo se plasma por medio del movimiento contenido que se hace visible al espectador por medio de la mirada, la famosa terribilitá. A través suyo la escultura sale de su propio mundo para comunicarse hacia el exterior, teniendo lo formal (el tratamiento de ropajes, anatomías, composición...) un aspecto puramente transmisor de lo emocional, lo cual es un cambio transcendental desde los modelos cerrados, autosuficientes del siglo anterior (David de Donatello).

Capilla Sixtina.

Para Miguel Ángel la escultura será la expresión de una idea, de un sentimiento puesto a los ojos del público (la indignación, su violencia contenida ante la visión de las bajezas humanas) en donde la forma pierde su prestigio (de aquí el non finito posterior o las deformaciones anatómicas) para convertirse en un contenedor de emociones, al igual que puede ocurrir en sus más tardías arquitecturas (el espacio agobiante, profundamente anticlásico, de la famosa escalera de la Biblioteca Medicea) o en sus pinturas (la visión terrible que da de la Humanidad en su Juicio Final de la Capilla Sixtina).

Juicio Final. Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Rome_Sistine_Chapel_01.jpg

 

De todo ello artistas posteriores tomarán buena cuenta, pues su influencia será, por su prestigio, enorme. Huellas de esta posición que prima la expresión se encuentran en Berruguete, en Juan de Juni o en el propio Greco que renuncia a las apariencias bellas en favor de figuras deformadas y desconectadas del ambiente. Más tardíamente, Bernini, apoyándose en su ejemplo, dará el paso siguiente, abriendo las composiciones cerradas de Miguel Ángel y dejando fluir el movimiento y la tensión todavía contenidos en el florentino para crear obras que se comuniquen totalmente con el espectador y les transmitan sus estados de ánimo.

Su influencia será muy duradera, como se puede observar en Rodin (XIX)

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TODOS LOS POST DE MIGUEL ÁNGEL EN NUESTROS BLOGS

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Para saber más

http://aprendersociales.blogspot.com/2008/02/el-moiss-de-miguel-ngel.html

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 Vicente Camarasa


 


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21/01/2011 15:12. sdelbiombo #. Manierismo Hay 2 comentarios.

EL MOSAICO DE LA BATALLA DE ISSOS. POMPEYA (5). Una pincelada suelta

Resulta verdaderamente asombroso el grado de verismo que se puede alcanzar en un medio tan rígido como es el mosaico. Para explicarlo sobran las palabras. Sólo tenemos que ver cómo consigue crearnos verdaderos juegos visuales con sólo alejarnos un poco. La distancia hace que las pequeñas teselas desaparezcan para convertirse en verdaderas pinceladas, como sólo Europa conseguirá en el siglo XVII, con el Barroco, la llamada pincelada suelta.

 

 

 

 

 

 

 

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El tratamiento del espacio

Los retratos

 

 

Vicente Camarasa

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23/01/2011 09:32. sdelbiombo #. Arte romano No hay comentarios. Comentar.

ALGUNOS SECRETOS DE LAS LANZAS DE VELÁZQUEZ (Segunda parte): CUESTIONES TÉCNICAS

En el artículo anterior ya analizamos el tema, pasemos ahora a algunas cuestiones técnicas.


Tomado de wikipedia.org/

Una de las primeras cuestiones que llaman la atención del cuadro es su amplísima perpectiva aérea (las cosas pierden detalle y nitidez según se alejan y se vuelven azuladas, como ya comentó Leonardo). Pero aún más curiosa si sabemos que Velázquez jamás estuvo allí y utilizó, para recrear la escena, las perspectivas realizadas por Pieter Snayers, pintor flamenco especializado en batallas históricas en las que utiliza la perspectiva caballera (muy alzada) siguiendo las líneas ya marcadas en el renacimiento por Brueghel el viejo

Tomada de http://pintura.aut.org/SearchProducto?Produnum=15912

 

Tal vez este recurso influyó en la inusual representación del fondo (por lo general con la línea de horizonte baja en Velázquez) que se levanta, como si se cambiara el punto de vista

Otros de los grandes encantos des este cuadro es su composición, renacentista en el fondo (son dos grupos relacionados en torno a un eje central, como ya hiciera Perugino o Rafael, que el pintor sevillano bien pudo ver en su primer viaje a Italia)


Perugino, Vaticano

Tomado de wikipedia.org

 

Renacentista en el diseño global pero barroca en los detalles, algunos tan magníficos que cuesta reconocerlos.

¿Os habéiais dado cuenta de que la llave central (motivo básico del cuadro se refuerza en la atención del espectador al encerrarla en Un círculo negro de brazos con un fondo claro sobre el que se destaca?

 

 

¿O el tantas veces comentado juego de lanzas que por su orden nos hablan de quien son los vencedores y quiénes los vencidos?

¿O el juego de los caballos, con uno que entra en el cuadro (el de la derecha) y otro que sale de él (el de la izquierda) haciendo una especie de círculo virtual que rodea una vez más el detalle centra?

Tomado de.wikipedia.org

 Y para terminar (por el momento) una pequeño detalle más ¿Os habéis fijado en el papel en trampantojo que se encuentra en el ángulo inferior derecho? Es un viejo recurso para luego firmar en él, aunque Velázquez tenía una extraña forma de firmar, no hacerlo nunca en los cuadros españoles pues ¿quién podía rivalizar con él en nuestro país? Fijaros en un cuadro de la misma época también de Velázquez y lo comprobaréis


 Tomado de.wikipedia.org/wiki

 

 

Para saber más este video de you tube

 

TODOS NUESTROS POST SOBRE VELÁZQUEZ

 

Vicente Camarasa 

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24/01/2011 20:47. sdelbiombo #. Velázquez Hay 3 comentarios.

EL BAPTISTERIO DE SAN JUAN EN FUENTE. NÁPOLES

Anexo a la basílica de Santa Restituta (actualmente incluida en el complejo del Duomo de San Genaro) nos encontramos con el baptisterio más antiguo de Occidente (final del siglo IV).

Su planta aún resulta muy conservadora, con un cuadrado central que achaflana las esquinas por medio de trompas para cubrirse con un tambor octogonal.

 En su centro encontramos la típica piscina (recuérdese que el bautismo se realizaba por inmersión) mientras que en el techo aún podemos encontrar los restos de unos espléndidos mosaicos.

 

 

Veamos algunos de sus temas

Un gran crismón central con su alfa y omega (principio y fin) coronado por su lauda de martirio y victoria

 

 

Milagro de las bodas de Canaa y la Samaritana en el pozo

Tradigio Legis (el  papel de los apóstoles y la iglesia como continuadora de la obra de Cristo)

Tetramorfos

Cristo (aún imberbe, en el modelo apolíneo) como Buen Pastor

 Y toda una exquisita colección de símbolos recristianizados como las palomas en la fuente (bautismo) o los pavos reales (inmortalidad)

La palmera

 

PARA CONOCER MÁS COSAS DE NÁPOLES


Vicente Camarasa

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26/01/2011 21:03. sdelbiombo #. PALEOCRISTIANO y BIZANCIO No hay comentarios. Comentar.

ALGUNAS IDEAS PARA EMPEZAR A SENTIR EL MODERNISMO

Alfonso Mucha

El modernismo (o Art Nouveau) es un arte tan evidente como difícil de definir, pues más que un estilo fue una corriente que incluyó arquitectura, pintura, escultura y, sobre todo, artes menores (de las joyas al mobiliario), con una importante presencia en el cartel. Su desarrollo incluye las dos últimas décadas del siglo XIX, continuándose luego en los primeros años del XX.

 

Pero, ¿qué es realmente el modernismo?

Es, ante todo, una huida de la vida cotidiana, de su terrible cotidianeidad, del color gris, de sus miserias…

Mucha. Anuncio de Noet Cahnadon

 

Para ello el modernista recurrirá a la música (tanto la literal como la del propio ritmo de las palabras, que casi vuelan solas, sin necesidad de decir nada más que bellos sonidos, como podéis ver en este poema de Rubén Darío

.Era un aire suave, de pausados giros;

El hada Harmonía ritmaba sus vuelos;

É iban frases vagas y tenues suspiros

Entre los sollozos de los violoncelos.

 

Al mundo lleno de colores y formas caprichosas, como el de Gaudí

 

Al de un pasado convenientemente idealizado en donde todo es terriblemente hermoso, melancólicamentete bello

 

La princesa está triste... ¿qué tendrá la princesa?

Los suspiros se escapan de su boca de fresa,

Que ha perdido la risa, que ha perdido el color.

La princesa está pálida en su silla de oro,

Está mudo el teclado de su clave sonoro;

Y en un vaso olvidada se desmaya una flor.

El jardín puebla el triunfo de los pavos-reales.

Parlanchina, la dueña dice cosas banales,

Y, vestido de rojo piruetea el bufón.

La princesa no ríe, la princesa no siente;

 La princesa persigue por el cielo de Oriente

 La libélula vaga de una vaga ilusión.

 

Mucha

 

El modernismo es un mundo lleno de pavos reales o libélulas, frágil y exquisito como sus famosas piezas decorativas

 

 

Una sensación de mundo sin peso hecho a base de versos sonoros o líneas onduladas.

 

Mucha

Algo muy parecido al sueño sin pesadillas (tal vez)

 

 

Un lugar de sofisticación, de belleza que termina por ser excesiva y nos acerca (paradójicamente) …. A la muerte

 

Franz_von_Stuck

 

DICHOSO el árbol, que es apenas sensitivo,
y más la piedra dura porque ésa ya no siente,
pues no hay dolor más grande que el dolor de ser vivo
ni mayor pesadumbre que la vida consciente.

Ser, y no saber nada, y ser sin rumbo cierto,
y el temor de haber sido y un futuro terror...
¡Y el espanto seguro de estar mañana muerto,
y sufrir por la vida y por la sombra y por

lo que no conocemos y apenas sospechamos,
y la carne que tienta con sus frescos racimos,
y la tumba que aguarda con sus fúnebres ramos
y no saber adónde vamos,
ni de dónde venimos!...

 

Un lugar lleno de sensualidad pero también de tragedia que muy pronto sucederá

GUSTAV kLIMT

 

Como veis un mundo paradójico, tan fácil de distinguir como difícil de definir

 

Yo persigo una forma que no encuentra mi estilo,

botón de pensamiento que busca ser la rosa;

se anuncia con un beso que en mis labios se posa

al abrazo imposible de la Venus de Milo.

Adornan verdes palmas el blanco peristilo;

los astros me han predicho la visión de la Diosa;

y en mi alma reposa la luz, como reposa

el ave de la luna sobre un lago tranquilo.

Y no hallo sino la palabra que huye,

la iniciación melódica que de la flauta fluye

y la barca del sueño que en el espacio boga;

y bajo la ventana de mi Bella-Durmiente,

el sollozo continuo del chorro de la fuente

y el cuello del gran cisne blanco que me interroga.

 

 

Todas las imágenes tomadas de WIKIPEDIA

Todos los poemas son de Rubén Darío

 

 Vicente Camarasa

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28/01/2011 15:14. sdelbiombo #. modernismo No hay comentarios. Comentar.

EL MOSAICO DE LA BATALLA DE ISSOS. POMPEYA (y 6). Un mundo de retratos y sensaciones

 Todo el mosaico es un catálogo de sensaciones reflejadas en rostros y cuerpos. Ya hablamos de los dos personajes principales, pero sería una lástima que no nos fijáramos en algunos personajes y su fuerte carga expresiva que nos hablan de las numerosas reacciones frente a la batalla y sus consecuencias.

 

 

 

 

 

 

 

No es menos espectacular el tratamiento que se realiza de los distintos caballos que, como unos personajes más, se comportan de forma individualizada.

 

 

 

 

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Técnica y composición

El tratamiento del espacio

La "pincelada suelta"

 

Vicente Camarasa

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30/01/2011 10:47. sdelbiombo #. Arte romano No hay comentarios. Comentar.

LA COLEGIATA DE RONCESVALLES O EL PROTOGÓTICO DE LA ISLA DE FRANCIA

 En este lugar, mítico por la famosa Canción de Roldán y el inicio del Camino de Santiago, nos encontramos con uno de los primeros ejemplos góticos de la Península.

SE ENCUENTRA ALOJADO EN UESTRO NUEVO BLOG


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31/01/2011 20:38. sdelbiombo #. GÓTICO No hay comentarios. Comentar.


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