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Se muestran los artículos pertenecientes a Marzo de 2011.

LAS RUPTURAS DEL CUBISMO (Segunda parte). De los fantasmas visuales a la realidad palpable. El origen del collage

Tomado de http://paralajes365.blogspot.com/2008/08/street-art-jrel-artivista-la-ciudad.html

 

En 1912  Picasso, en vez de pintar un fragmento del respaldo de una silla, puso un trozo de hule estampado. Era el primer collage, pero no el último. Aún este collage era mentira, pues en realidad era un plástico que asemejaba el respaldo. Pronto Braque y Picasso fueron mucho más allá y en vez de pintar periódicos los utilizaron directamente.

 

 Tomado de arteenequipo.blogspot.com/2009/04/el-collage.html

 

Este cambio rompió por completo los esquemas del espectador. Desde el renacimiento se le había enseñado que un cuadro era una pura fantasmagoría. Una proyección, algo visual pero nada más, pues los cuerpos que podíamos ver en ellos, y los paisajes, y las telas, eran simplemente engaños sutiles hechos con óleo.

Sin embargo Picasso y Braque metieron la propia realidad. Ya no representaban el mundo, lo presentaban, lo colocaban en un marco para que lo viéramos.

El gesto (probablemente) tenía relación con una idea típica de las primeras vanguardias: convertir el cuadro en un puro objeto, lo que cada vez más borraría las diferencias entre pintura y escultura

La idea tendría un amplio éxito en todo el arte posterior, y sin ella no se podría entender el culto al objeto que tendrá el siglo XX y que partiría de las realizaciones mentales de Duchamp y se popularizaría en Dadá y el Surrealismo

De él procederían los famosos relieves de esquina de Tatlin

 Tomado de http://paisajimopueblosyjardines.blogspot.com/2010/11/constructivismo-y-arquitectura.html

 

O toda la investigación por las texturas que ya vemos en Miró y que luego desarrollarían los expresionistas abstractos

 

Tápies.

 

En realidad, toda el arte plástico del XX se verá profundamente condicionado por este gesto picasiano que borró fronteras entre escultura y pintura, entre pintura y objeto, abriendo el mundo híbrido del arte en el que todavía vivimos

 

Instalación. Kaprow

 

 Vicente Camarasa

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LAS AGUSTINAS DE MONTERREY EN SALAMANCA (1) LA ARQUITECTURA Y ESCULTURA

En Salamanca, a pocos minutos a pie de la plaza Mayor, se encuentra uno de los conjunto barrocos más mestizo y mejor conservado de nuestro siglo de Oro.

Su mecenas, Manuel de Fonseca y Zúñiga. VI Conde de Monterrey, lo encargó siendo Virrey de Nápoles  por lo que toda la obra será protagonizada por napolitanos, siendo su arquitecto Bartolomeo Pichatti

Lo hizo realizar junto enfrente de su palacio de Monterrey, creando un espacio bello y sugerente.

Desde el exterior vemos su gran volumen, con cúpula restaurada unos años después de su construcción

Su portada, de amplísimo atrio, se abre en una difícil perspectiva, con grandes pilastras de órdenes clásicos y coronada por un frontón.

Ya en su interior encontramos una gran cruz latina de brazos cortos, monumental y clasicista que nos conduce a la amplia cúpula y al testero plano en donde se sitúa el famoso cuadro de la Inmaculada de Ribera.

 

 

El aspecto clasicista se potencia con la intervención de uno de los mayores arquitectos y escenógrafos italianos: Cósimo Fanzago, al que se le deben los marcos de los distintos retablos y el exquisito púlpito de piedras duras al modo más italiano que se puede ver en España

 

 

 

 

 

 

Y AHORA, SI ESTÁIS PREPARADOS, ENTRAD EN LAS MARAVILLOSAS OBRAS DE RIBERA

Imágenes y texto

 Vicente Camarasa

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02/03/2011 18:38. sdelbiombo #. Barroco español XVII No hay comentarios. Comentar.

EL SURREALISMO Y BRETON. (Primera Parte). LA ÚLTIMA GRAN REVOLUCIÓN

Únicamente la palabra libertad tiene el poder de exaltarme 

Tomado de antoncastro.blogia.com/2008/092703-andre-bret...

 

Muy probablemente, cuando Breton publicó su Manifiesto surrealista en 1924 no sabía la intensidad del terremoto que iba a producir, todavía hoy presente en miles de ámbitos, desde la publicidad, al cine o al humor.

Acaso sólo pretendía crear un nuevo ismo más del que ser dueño absoluto y pasar con él a la posteridad, pero el asunto se le iría muy pronto de las manos  y toda una nueva sensibilidad hasta entonces latente explotó por medio mundo para horror de la burguesía, que necesitó casi medio siglo para domar a aquella fiera descontrolada que había dado un nuevo sentido a la palabra libertad.

 

 Man Ray. Rayograma

Tomado de laarquitecturadetushuesos.wordpress.com/.../

 

Libertad individual pero también colectiva, pues el Surrealismo fue el fruto maduro de una multitud de tendencias anteriores que sólo entonces lograron tomar cuerpo definitivo.

Por una parte, y quizás como su faceta más conocida, se encontraba el psicoanálisis de Freud, su descubrimiento del inconsciente como fuerza motriz del hombre que sólo la educación y las normas sociales había conseguido arrinconar al mundo de los sueños, los actos fallidos o el puro mundo de la locura.

Frente a todo ello Breton reclamaba (siguiendo las ideas que los dadaístas no habían tenido voluntad de regular) una constante estrategia de asedio y derribo de la razón por medio de la escritura automática, el uso del azar, la unión de objetos e ideas en principio sin relación, como tan bien supo interpretar Masson

 

Masson. Escritura automática

Tomado de arteymatematicas.blogspot.com/2007_10_01_arch...

 

Pero este ataque a lo racional no sólo incluía los medios sino también los propios temas. Bretón animó desde entonces a enfrentarse con el tabú, lo prohibido, saltarse el buen gusto o lo que (en la actualidad) llamamos políticamente correcto. El sexo, los excrementos, los insectos o el puro sadismo salieron de sus cárceles morales para hacerse visibles y, como diría Benjamín, el surrealismo consiguió con su falta de moralidad, desvelarnos lo más oscuro de nosotros mismos, una tendencia subterránea que enlazaba directamente con el espíritu romántico del XIX

 

Magritte

Máquina de coser electrosexual. Óscar domínguez

Ya con esto Breton habría revolucionado el siglo, pero aún fue más lejos, y junto al psicoanálisis recurrió al marxismo, convirtiendo esta búsqueda de libertad en un objetivo comunitario. Esto convertiría al movimiento artístico en un arma política que se oponía al otro gran irracionalismo de la época, el fascismo basado en la lectura sesgada del vitalismo de Nietzche al que se uniría el darwinismo social de Spencer o los nacionalismos de origen germánico iniciados en  Fitche.

Era el mal de los tiempos. En pleno periodo de entreguerras el mundo se había politizado hasta su misma médula y nada ni nadie querían quedarse al margen, pues entonces la política si era verdaderamente cierta y no sólo una serie de asesores de imagen y discursos suavemente limados para evitar aristas, como ocurre ahora. La vida era política y el artista se sumergirá en ella con la misión de denunciar al mundo que nos oprime con todas sus múltiples y diminutas represiones.

Miró. Pinturas salvajes

Por si fuera poco, y además de todo lo anterior, Breton respondía (y era a la vez causante) a toda la crisis moral que envolvía a la modernidad. El proyecto ilustrado había logrado notables éxitos en el campo económico o científico y tecnológico pero su mismo éxito ya estaba causando su ruina. Es este sentido el surrealismo sería uno de los peldaños de esta escalera de la sospecha que nos conducirían a la actual postmodernidad, como ya analizamos en un artículo.

  

Dalí. El Gran Masturbador

El surrealismo, como una gran maza, destrozó esa utopía racional en la que creyeron algunos ilustrados (aunque Rousseau en fondo ya supiera que era del todo incierta). Nos puso el espejo fracturado en donde ver todas nuestras miserias, y el escándalo que produjo sólo fue nuestra reacción histérica ante tanta y tan terrible verdad que tragar.

 

SEGUNDA PARTE

 

Si queréis saber más

El texto completo del primer manifiesto surrealista de 1924 lo tenéis en

http://www.ideasapiens.com/textos/Arte/manifiesto%20surrealismo.htm

Si queréis saber más de algunas obras de Breton podéis consultar

http://rizomas.blogspot.com/2005/11/los-vasos-comunicantes.html

http://amediavoz.com/breton.htm (poemas)

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04/03/2011 15:44. sdelbiombo #. Dada y Surrealismo No hay comentarios. Comentar.

LAS PORTADAS DEL ROMÁNICO. SAN LÁZARO DE AUTUM

Vamos a utilizar una de las portadas más espectaculares del románico francés, San Lázaro de Autum, para hacer un rápido repaso a las distintas partes de una portada románica.

ENCONTRARÁS AQUÍ EL ARTÍCULO


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06/03/2011 17:23. sdelbiombo #. ROMÁNICO No hay comentarios. Comentar.

LOS RENACIMIENTOS DE LA UNIVERSIDAD DE ALCALÁ (EL COLEGIO DE SAN IDELFONSO) y 4. EL PATIO DE SANTO TOMÁS DE VILLANUEVA

 

Diseñado en 1614 por Juan Gómez de Mora (sobrino de uno de los principales aparejadores de Herrera en el escorial) pertenece al primer barroco madrileño aunque con unos rasgos aún claramente herrerianos

Es visible la contención expresiva, con un protagonismo de la arquitectura que usa técnicas miguelangelescas, con un doble tema: arcadas de medio punto sobre pilastras sobre el que se articulan las columnas adosadas que sostienen el entablamento.

Todo se corona por una balaustrada en cuyas esquinas aparecen los característicos piramidiones.

En altura se evita el efecto rascacielos haciendo más bajos los cuerpos según ascendemos.

 

 

Como es característico de nuestro barroco, la apariencia del granito es sólo eso, una pura apariencia, como podéis ver en estas fotografías realizadas en su restauración, en las que se puede observar claramente su alma de ladrillo

 

 

 

OTROS POST RELACIONADOS

El Estilo Cisneros. El Paraninfo

El Plateresco evolucionado. La Portada de Gil de Hontañón

El Purismo. El Patio Trilingüe

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Texto e imágenes

 Vicente Camarasa

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LA EVOLUCIÓN DEL CUBISMO

Ahora que hemos visto algunas particularidades del cubismo (visión simultánea y collage) creo que sería muy interesante hacer un pequeño recorrido por su evolución.

 Señoritas de Avignon. 1907. Picasso

Como ya hemos dicho, las Señoritas de Avignon son el origen de todo. Un origen, acaso, un tanto fallido (como comentó el propio marchante del pintor, Kanhuerler). Picasso intentíó resolver demasiados problemas a la vez, dejando el cuadro inconcluso.

Si partimos de esta hipótesis (nunca rechazada por el propio Picasso) la evolución sería ésta.

Tras la Señoritas, Picasso intenta regresar a sus orígenes y analizar los problemas de uno en uno. Se trata de su periodo negro (tal vez por la influencia de la escultura africana).

En él intentará centrarse en la figura humana (y algún paisaje) que descompone de forma geométrica e introduce suavemente la visión simultánea, como podéis ver en esta obra.

Para evitar confusiones, se elimina rápidamente lo narrativo y las cosas aparecen, exclusivamente, como formas físicas, que aún se separar claramente del fondo (aunque este se vaya geometrizando también) mientras que la paleta se vuelve mucho más austera, predominando marrones y verdes sucios (acaso de nuevo para poder centrarse en el análisis formal de los volúmenes)

 

El año clave para la culminación de todo este proceso será el 1910, acaso en Cadaqués, lugar en donde veraneaba. El hecho clave es la eliminación de la línea de contorno que separaba figura y fondo. A partir de este cambio forma y fondo se entremezclan cada vez más. A este estilo se le ha llamado analítico o hermético, dada la dificultad cada vez mayor que tendrá el espectador de reconstruir el mundo del cuadro.

 

Sus temas suelen ser bodegones o retratos, y para no caer en la pura abstracción, tanto Picasso como Braque comienzan a introducir pistas ( rastros  figurativos, según las palabras de Bozal) para que el espectador inicie la reconstrucción.

¿Véis las patas de los pájaros (arriba)?

Este es el momento también en donde se introduce el collage como forma figurativa pero también como manera de introducir el mundo real en el cuadro (como ya analizamos).

 

Este proceso de no caer en la abstracción un nuevo cambio radical se establece en torno a 1912. Es el cubismo sintético. Con él regresa el color y todo el análisis de la forma se sintetiza, recogiendo tan sólo algunos fragmentos significativos que se plasman en el cuadro que ha recuperado su diferencia entre forma y fondo.

Todo esto hace que la inteligibilidad del cuadro se recupere, e incluso que los métodos cubistas convivan y se entremezclen con los figurativos tradicionales.

Este camino lo continuará Juan Gris, que hará del cubismo un verdadero y exquisito clasicismo.

Por cierto, en Biombo Histórico tienes un post para aprender a realizar un cuadro cubista

 

 Vicente Camarasa


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10/03/2011 16:26. sdelbiombo #. SIGLO XX hasta Segunda Guerra Mundial No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (1). EL PABELLÓN ESPAÑOL DE 1937 EN PARÍS.

El Guernica de Picasso es un cuadro tan complejo y rico en significados y relaciones que parece imposible un análisis total de él. Por ello, y como ya hemos comenzado a hacer con Las Meninas, dedicaremos varios post a explorar ciertos contenidos del cuadros, sin ser excluyentes, por supuesto.

Por ello, antes de empezar, sería bueno que supiérais relacionarlo con su contexto histórico.

 Y es que, en plena Guerra Civil, el gobierno de la República le encargó a varios autores de izquierdas (o simplemente, democráticos) obras para su pabellón de la Exposición del 37. Una verdadera obra de propaganda encaminada a contar los sufrimientos de la España republicana y conseguir así un mayor apoyo de las potencias democráticas.

En esta tarea se encuentra lo mejor de nuestra vanguardia, desde el arquitecto Sert, discípulo de Le Corbusier, que realizó un pabellón en pleno estilo funcionalista

 

Miró, que cedió Els Segadors (desaparecido) y una curiosa pintura para hacer sellos y ser vendida a favor de la república

 

Julio González con su Montserrat gritando, un verdadero símbolo del sufrimiento,

 

Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2008/05/julio-gonzlez.html

 

Calder, que con su fuente de Mercurio realizaba una escultura móvil a la vez que se ensalzaba la gran mina de Almadén, uno de los grandes referentes comerciales de la República.

 

 

Renau

 

Alberto con su escultura El Pueblo Español tiene un destino que le dirige a una estrella  que ya analizamos aquí

 

 

Junto a toda esta nómina de artistas tenéis que comprender el Guernica de Picasso, un verdadero grito contra la guerra y sus consecuencias. Un cuadro que surgió tras las informaciones sobre el bombardeo de Guernica (una población civil, sin interés estratégico pero sí simbólico). Podéis saber más aquí

 La guerra civil española "El bombardeo sobre Guernica" - Celebrity bloopers here

 

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Vicente Camarasa

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12/03/2011 19:03. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

LA TÉCNICA DE REMBRANDT

Tras un tiempo de silencio (que se nos ha hecho eterno), nuestra Ana ha vuelto para volver a sentar cátedra y con pequeñas pinceladas, como las de Rembrandt, darnos una clase magistral sobre la técnica del Holandes

Encontraréis el artículo aquí

13/03/2011 10:34. sdelbiombo #. Rembrandt No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (2). SUS FUENTES DE INSPIRACIÓN Y SU TEMA

 

Aunque el tema todavía se encuentra debatido, quiero que os fijéis en cuatro fuentes que Picasso tuvo en la cabeza durante toda la producción del Guernica

 

Evidentemente, las primeras fueron las imágenes vistas en prensa (él vivía en Francia) sobre el famoso bombardeo. Imágenes en blanco y  negro que se reflejará en el cuadro final, de tejados destrozados y formas angulares que estuvieron en la obra desde el primer momento

Tomado de http://artiumres.blogspot.com/2008/01/guernica-pablo-ruz-picasso-1937.html

 

Periódicos que, de forma casi simbólica, permanecen en el vientre del caballo

 

 

Un segundo grupo de sugerencias (inevitable en Picasso, uno de los grandes conocedores de la Historia de la Pintura de todos los tiempos), serán dos obras clásicas.

Por una parte una obra ampliamente conocida y que (según Dora Maar) estuvo presente en forma de cromo durante todo el proceso.

Tomado de http://poesiamas.net/blogabuelo/tag/fusilamiento/

 

Me refiero a Los Fusilamientos de Goya y toda su lectura antibelicista, en donde no se toma partido sino que se critica duramente la Guerra. Frente a ellos, Picasso dará un paso más y ya ni siquiera aparecerán héroes, sólo víctimas de la violencia (¿no os habéis fijado que sólo hay mujeres, niños, animales y una estatua; ni un solo soldado?)

 

Junto a él existe otro cuadro muy influyente (nunca nos cansaremos de decir la capacidad de reconvertir imágenes que tenía Picasso), habitualmente poco nombrado: Los horrores de la guerra, de Rubens.

Tomado de http://rincondelartedejudit.blogspot.com/2010/10/el-guernica-de-picasso-una-alegoria-del.html

 

Aunque nos pueda parecer en las antípodas de Picasso, si os fijáis con atención veréis dos características comunes. Por un lado el tema (como ya decíamos en Goya), por otro la mujer de los brazos levantados, la que lleva el niño muerto en los suyos, el soldado muerto… volverán a reaparecer en Picasso, aunque tan transformadas que en muchas ocasiones no nos daremos cuenta.

 

 

Por último hay un tema que llevaba ocupando a Picasso durante los últimos años y, según su costumbre de moverse en círculos concéntricos, reaparecerá en el cuadro. Se trata del minotauro, animal ambiguo retomado de los mitos griegos, y las corridas de toros, en donde la muerte se escenifica con el caballo como gran víctima (de nuevo un tema goyesco retomado)

Tomado de En la valla

Uno de los bocetos del Guernica

 

Todas estas búsquedas se orientaban realmente en una sola dirección: salirse del tema concreto (Bombardeo de Guernica) e incluso del político (el puño cerrado comunista de los primeros bocetos rápidamente desapareció) para crear un grito universal sobre lo inútil y terrible de la violencia, algo verdaderamente importante en el siglo más violento de la Historia

 

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Vicente Camarasa

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15/03/2011 15:41. sdelbiombo #. Picasso Hay 1 comentario.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (3). LA COMPOSICIÓN

Picasso se encontró con un grave dilema a la hora de realizar el cuadro. ¿Cómo poder seguir siendo moderno y no renunciar a su estilo, y realizar un cuadro entendible por las masas a las que realmente iba dedicado?

Las Vanguardias eran, entonces (y creo que ahora) algo muy elitista, fuera de la comprensión de las masas que, en teoría, apoyaban a la República (esta contradicción siempre estuvo latente en el Bando Republicano: ¿modernidad, progresista pero  incomprensible; o tradicionalismo, mucho más propagandístico pero conceptualmente opuesto a los valores de la izquierda renovadora?).

 

Tal vez fuera este problema el que obligó a Picasso a una progresiva depuración formal y de recursos que permitiera una lectura más sencilla y efectiva.

En donde comprobamos esto con mayor nitidez es en la composición, que fue largamente meditada en el larguísmo proceso de creación.

En el cuadro final nos encontraremos (una vez más Picasso es el gran clásico, aunque parezca mentira) con dos composiciones muy enraizadas en la tradición.

Por una parte el Guernica adopta el formato (típicamente medieval) del tríptico

 

 

Dividiendo en tres zonas el gran cuadro, perfectamente simétricas, a la vez que todo es unificado por un gran triángulo central en donde el caballo ejerce de protagonista

 

 

Con todo ello Picasso pretendía una visión clásica (y por tanto mucho más sencilla, pues es la forma a la que estamos acostumbrados) del conjunto. (Por cierto, esto se confirma con la idea de crear huecos en torno a las figuras para hacerlas más comprensibles)

 

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16/03/2011 18:11. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

EL SURREALISMO Y BRETON. (Segunda parte). LA GRAN REVOLUCIÓN TRAICIONADA O BATAILLE

 Tomada de arturoborra.blogspot.com/2008/05/fragmentos-d...

 

En un artículo anterior vimos cómo Breton había roto las cadenas de la razón para proporcionarnos la libertad. Sin embargo, el propio creador se traicionó a sí mismo para llenar de cadenas su propia liberación.

Si creemos en la idea de que los pensamientos pueden evolucionar a lo largo de la vida de una persona, la razón de sus comportamiento la tenemos que ver en una ruptura de equilibrios. Como ya había observado agudamente Benjamín, una de las grandes potencias del surrealismo era su equilibrio entre Freud y Marx, entre lo individual y lo social, que en un momento se inclinó hacia el segundo, dando un sesgo político a todo el movimiento.

¿Le traicionaron entonces las ideas, la politización extrema que se produjo en la Europa de Entreguerras?

Tal vez, aunque existe otra opción. Acaso todo lo anterior fue una simple impostura. Un milimétrico plan creado por el propio Breton para conseguir el sueño de su vida: ser el Papa de la modernidad, pontificando sobre lo válido y lo inválido, lo mejor y lo podrido, lo moderno y lo caduco.

Tomado de  http://facingthewind.blogspot.com/2007_07_01_archive.html

Si fue así, por la gloria renunció a la verdad, y toda su revolución murió en el mismo momento en que la libertad recién inaugurada fue clausurada por sus dogmas y anatemas que, curiosamente, coincidían al pie de la letra con la corriente más ortodoxa del Partido Comunista Francés.

Fue el momento del segundo manifiesto comunista de 1929, de la expulsiones, de la depuración (que luego Stalin repetiría en el sentido literal de la palabra), de la estrepitosa caída en picado de la creatividad para ingresar en la pura propaganda. Un arte que el propio Stalin destruirá para reponer un realismo tan burgués…

 Tomado de catanpeist.blogspot.com/2008/12/stalin.html

Ante ello, un nuevo teórico ocupará la vanguardia artística. Será Bataille, el surrealista extremo, heterodoxo, polémico aún para sus propios adeptos, que volvió a resucitar a Sade, que estudió la repugnancia y el asco con su estética del escupitajo.

Tomado de http://jorgealbertoaguiardiaz1.blogspot.com/

Fue el rebelde que se enfrenta (como un Edipo redivivo) a su padre Breton para hablar de vísceras, de ojos devorados, de excrementos, de esa vida subterránea de nuestros intestinos que se asemejan al cerebro, de la muerte y el erotismo, de la tortura, el dolor...

Fotograma de un Perro Andaluz

Tomado de rtv

Como afirma Juan Antonio Ramírez, lo mejor de Dalí se encontrará en clara conexión con estas ideas, por lo menos antes que se venda, primero al dólar y luego al franquismo. Pensad en sus famosos relojes blandos, putrefactos, llenos de hormigas que los devoran por dentro.

Tomado de  entre imagen y palabra

Será también Bataille el ideólogo que estará en la memoria (aunque tan pocas veces se cite) de los postmodernos que resucitarán el arte-escándalo, como Hirts, los hermanos Chapman o Serrano; otra impostura que algún día habrá que estudiar más detenidamente.

 Gabriel Orozco

Tomado de santaannavisual.wordpress.com/.../

 

Para saber más:

Aquí podéis encontrar biografía y algunos poemas de Bataille

http://eurielec.etsit.upm.es/~zenzei/index.php?numero=8&tipo=literatura&arch=1Georges%20Bataille

 Vicente Camarasa

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18/03/2011 15:08. sdelbiombo #. Dada y Surrealismo No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (4). LOS ESTILOS

 Como ya decíamos, Picasso nunca avanza del todo sino que recoge lo anterior para reinventarse una y otra vez.

Por ello, el Guernica es una verdadero catálogo de estilos del primer tercio del siglo XX

Evidentemente se encuentra el cubismo, con su visión múltiple (fíjate en los ojos del toro y su colocación)

 

O sus facetación en formas geométricas (Incluso hay una cierta referencia a los antiguos collages, como ya decíamos)

 

 

Un segundo estilo (lógico según el tema) será el expresionismo, a través de la deformación de las formas para darlas un fuerte carácter negativo

 

 

 

(Fíjate en la sombra puntiaguda de uno de los dedos)

 

Estas deformaciones no eran nada nuevo en su obra y las analizaremos en otro artículo en el que uniremos expresionismo y surrealismo, pues aún nos quedaría un último registro, el del dibujo infantil (en relación con sus juegos con Paulo) que de forma sencilla (pero magistral) ve las cosas como sabe que son no como son verdaderamente

 

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20/03/2011 20:04. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (5). LAS METAMORFOSIS

Como decíamos existe en todo el cuadro una fuerte tendencia a destrozar la figura para conseguir expresión. El proceso ya llevaba varios años desarrollándose en lo que se conoce como las Metamorfosis.

 

Mujer nadando

 

El tema fundamental en ellas es la mujer que lentamente se va deformando hasta convertirse en un monstruo sexual. Éste es uno de los temas recurrentes en el surrealismo, como ya analizamos en el caso de Dalí, vinculado con la idea de la mantis religiosa que devora a su amante tras la cópula


El proceso comenzó en la Costa Azul, con bañistas que progresivamente van siendo deformadas hasta convertirse en verdaderos monstruos. Es el paso de la descomposición cubista (aséptica, como la labor de un cirujano) que lentamente se llena de emoción, de tensión, en un movimiento que oscila entre el expresionismo y el surrealismo más radical y, como siempre en Picasso, sumamente personal

 

 

Con la Guerra Civil Española (y continuándose con la II Guerra Mundial), estas bañistas se reconvierten en un nuevo motivo de lejanos ecos religiosos (de nuevo una vuelta de tuerca en el inmenso y múltiple universo visual y cultural de Picasso). Por una parte encontraremos las mujeres llorando, una reinterpretación del tema de María Magdalena medieval con la nueva apariencia cubista-expresionista-surrealista explicada anteriormente en donde el pañuelo (junto a las lágrimas, la boca y las manos) tiene la importancia central

 

 

Detalle Descendimiento de Van der Weyden

Tomado de

http://es.wikipedia.org/wiki/Descendimiento_de_la_cruz_%28Roger_van_der_Weyden%29

 

 

En este grupo habría que enmarcar alguna de las figuras del Guernica, como se puede ver en la mujer de la derecha (con los ojos hechos en forma de lágrima) o la propia cabeza del caballo (y su boca desencajada y los dientes como armas, tal y como se observa en muchas de las mujeres)

 

 

 

Íntimamente relacionadas con ellas aparecen las mujeres con los niños muertos en los brazos, una personal interpretación de la Piedad o (más probablemente) de la Matanza de los inocentes.

 

 

La matanza de los inocentes. Rubens

Tomado de El logos en el arte universal

 

 

De nuevo el Guernica es el origen de esta serie. Su figura de la izquierda (mi favorita) representa todo el drama de la Guerra con una madre que pierde a su hijo. Los recursos plásticos son verdaderamente extraordinarios. Desde los ojos convertidos en lágrimas, el escorzo brutal de la cabeza sobre un cuello alargado hasta límites imposibles, los pechos lacios, con extraños pezones agujereados que ya no servirán para nada,  la naricilla del niño muerto que (ilógicamente según la fisiología pero perfectamente entendible desde el sentimental) cae hacia abajo, o el enorme contraste entre la mano de la madre y la del hijo…

 

 

 

 

Pocas  veces en la historia se ha condensado en una sola imagen tanta potencia, y todo sin necesidad de recurrir a la imitación sino exclusivamente con una líneas expresivas. Una especie de largo grito que nace en el vientre, asciende por el interminable cuello y se desgarra en la boca abierta, con una lengua como un filo, contra el toro indiferente

 

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Vicente Camarasa

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21/03/2011 21:03. sdelbiombo #. Picasso Hay 2 comentarios.

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (6). EN TORNO A LA MUERTE: CRUCIFIXIONES, OSARIOS Y CALAVERAS

Como hemos podido ir viendo en estos post que estamos dedicando al Guernica, el cuadro es un verdadero nudo conceptual en la obra de Picasso.

Ya hablábamos de la importancia del caballo y el toro en contacto con la obra de Goya o del Minotauro en relación con la famosa Suite Vollard, también de las mujeres como nuevas magdalenas, de las matanzas de los inocentes…

En este port quería explorar brevemente otro de los hilos que entretejen el inmenso e intrincado ovillo que es el Guernica, el de la muerte.

Ya en los años 20, en una de las numerosas reinterpretaciones de la iconografía cristiana, Picasso había realizado su famosa crucifixión que, si miráis con atención, ya anuncia mucho del futuro Guernica.

Tomado de http://dosgatoseneltejado.blogspot.com/2009_04_01_archive.html

 

De la misma manera, el tema del horror ante la muerte masiva lo volveremos a encontrar a finales de la II Guerra Mundial con su famoso Osario, tradicionalmente interpretado como una imagen simbólica sobre los campos de exterminio recién conocidos ante el avance ruso.

 

Tomado de http://vocesymiradas.blogspot.com/2009/08/el-osario-pablo-picasso-hay-que-acabar.html

 

Junto a estas obras mayores, Picasso realizó numerosas vanitas en donde los huesos y en especial los cráneos actúan como emblemas de la muerte, campante por el mundo.

 

 De nuevo nos encontramos con la tradición, la de las habituales vanitas barrocas y, más concretamente con unas obras similares (según Rossemblunt)  que Goya pintó durante la Guerra de Independencia.

 

Detalle vanitas, Pereda

 

Bodegón. Goya

Tomado de http://laschicasdeloleo.files.wordpress.com

 

Tomado de http://documenta-akermariano.blogspot.com/2010_03_01_archive.html

 

 

Tomado de Secondary Sound.

 

Su vigencia (la del animal como símbolo de la muerte) la podemos seguir viendo en Barceló, como ya comentamos.


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22/03/2011 19:32. sdelbiombo #. Picasso No hay comentarios. Comentar.

FALLAS 2011 (1)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Para ver más fotos de estas fallas puedes entrar en mi flickr

 

Vicente Camarasa

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24/03/2011 18:28. sdelbiombo #. NUESTRAS OBRAS Hay 1 comentario.

EVOLUCIÓN BÁSICA DE LA ARQUITECTURA EGIPCIA (1) LA ARQUITECTURA FUNERARIA

Tomado de mirararte.blogspot.com

Se trata de una arquitectura colosal (hecha a la medida de los dioses no de los hombres, y por tanto gigantesca) y arquitrabada (no usan el arco ni la bóveda, y las puertas y techos son planos). Utiliza como material la piedra cortada en perfectos sillares (piedra cortada de forma geométrica y perfectamente pulida), siendo sus soportes los gruesos muros sin apenas vanos (ventanas) y las columnas de distintos capiteles (lotiformes, campaniformes, papiriformes, hathóricos, con la cabeza de la diosa Hator en su capitel,...).

Nos encontramos, fundamentalmente, con dos tipologías: funeraria (tumba) y devocional (templo). Dedicaremos este primer artículo a la primera

Tomado de civitasauriensis.blogspot.com

 

Debido a la importancia que atiene el mundo de ultratumba en el pensamiento de los egipcios será una de las más importantes.

Las mastabas serán los primeros tipos de enterramiento reales, quedando luego reservados para escribas, sacerdotes y altos cargos del ejército (privilegiados)

 Se trataba de pirámides truncadas (con paredes inclinadas hacia dentro o en talud) que poseían, al menos, una sala de ofrendas abierta al exterior y, excavada en el suelo, otra zona en donde se encontraba el sarcófago y el ajuar funerario (cámara mortuoria). Por lo general las mastabas se agrupaban en grandes conjuntos organizados por medio de calles que formaban una estructura reticular o en damero, como las de Gizeh.

 

Tomado de arteolmos.blogspot.com

Posteriormente, los faraones intentaron irse diferenciando en sus enterramientos del resto de los privilegiados, apareciendo las pirámides. Su creación necesitó de un largo periodo de ensayos hasta encontrar el modelo que nosotros conocemos. Las primeras experiencias las realizó el arquitecto y sacerdote Imhothep para el faraón Zoser, creando una pirámide escalonada a base de la creación de mastabas superpuestas en Saqqarah.que puede recordar lejanamente a los zigurat mesopotámicos. Todo rodeado de un recinto de templos 


Tomado de historiadoreshistericos.wordpress.com

Posteriormente se realizaron otros intentos (la falsa pirámide de Huni en Meidum, la pirámide romboidal o la pirámide roja, ambas en Dashour)

Pirámide romboidal

Tomado delineaserpentinata.blogspot.com

 hasta llegar a su forma definitiva en la IV Dinastía del Imperio Antiguo con las famosas pirámides de Gizeh , realizadas para los faraones Keops, Kefrén y Micerinos, acompañadas de otras menores y de la famosa esfinge de Kefrén. Su organización interior era, en el fondo, la de una mastaba, aunque multiplicando las dimensiones y el número de salas interiores.


Tomado de http://iesgeohistoria.blogspot.com

Tomado de http://arteolmos.blogspot.com

Triángulos de descarga en la Gran Pirámide

Aunque en la actualidad muy perdidos, existía en torno a las pirámides una gran cantidad de edificaciones, como los templos funerarios comunicados con ellas por medio de grandes avenidas

Tomado de wikipedia

Ya en el Imperio Medio se inició una renovación de esta arquitectura funeraria que desembocará en los hipogeos del Imperio Nuevo. Los ejemplos más representativos son los enterramientos de Mentuhotep o el de la reina Hatsepsut, ambos en Deer el-Bahari y organizados por medio de terrazas escalonadas sustentadas por pilares. Sobre ellas se crea una pequeña pirámide, apareciendo ya salas excavadas en la montaña a la que se adosa todo el edificio.

 

Tomado de peristilo.wordpress.com

Templo de Hatsepsut

Tomado de http://www.camino10.com

 

Por último el Imperio Nuevo crea el modelo definitivo del hipogeo, construcción excavada en la roca, habitualmente utilizando la falda de una montaña, en donde se realizan las habituales estancias. El gran conjunto de hipogeos reales se realizó junto a Tebas, en los llamados valles de los reyes y de las reinas, que llegaron a generar poblados de artesanos especializados (pintores, escultores, picapedreros...) junto a ellos.

Principales tumbas en el Valle de Los Reyes

 

Tomado de virginiasm.blogspot.com

 

Será precisamente en este Valle de los Reyes en donde Carter descubrió unas de las pocas tumbas reales que han llegado íntegras hasta nosotros, pues ya desde tiempos faraónicos era habitual el robo de dichas tumbas, dadas las riquezas que contenían. Se trata de la tumba de Tutankamon, de la que se conserva todo el ajuar funerario.


 Esquema tumba de Tutankamon

Tomado de comunidad.uem.es/estetica-y-direccion-de-arte/


 Sarcófago de Tutankamon

 

Texto

Vicente Camarasa  

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26/03/2011 08:48. sdelbiombo #. Arte egipcio Hay 2 comentarios.

LA MASCLETÁ. ARTE SONORO Y ALGO MÁS


Evidentemente sé que este artículo no será muy popular, pues sólo aquellos que han tenido la suerte de sentir una mascletá en directo podrán comprender, pues es algo más que un ruido ensordecedor, son los fuegos de mediodía, acaso originados en las puertas de las iglesias tras la salida de los grandes oficios

La mascletá, para los valencianos, es el verdadero espectáculo de la fiesta de las Fallas, más allá de los fuegos artificiales o los propios monumentos, pues se trata de un momento sublime, una verdadera vida de 6 minutos en donde el sonido de los petardos se une al olor (y muy pronto) al sabor de la pólvora para convertirse en puro movimiento, un temblor que sube desde los pies para instalarse en el pecho cuando atruena el terremoto final y el sonido deja de escucharse para sentirse por dentro con una nitidez imposible de poner en palabras.

Es en ese momento, cuando el mundo se introduce dentro tuyo cuando una energía poderosa recorre el cuerpo y uno se siente vivo y poderoso, como hecho de puro ruido, de bajos de los petardos y tracas de suelo, elevado por los masclet que se elevan en el cielo con silbidos agudos que cortan el aire.

Y todo apenas en unos minutos, con un comienzo que a veces es pura música con sólo ruido, sus paradas o retardos, nuevos intentos, ritmos amplios o sincopados para llegar al terremoto final en donde todo se combina y, como un orgasmo, el mundo revienta en cristales en el pecho.

 

Os pongo el vídeo (un simple pálido reflejo) dela mascletá del día de San José de este año, creada por el maestro, Vicente Caballer; quizás la mejor segunda parte de una mascletá que he vivido jamás

http://www.youtube.com/watch?v=yg-it7txFl8&feature=related

 

Vicente Camarasa  

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27/03/2011 12:38. sdelbiombo #. Arte urbano Hay 1 comentario.


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